Die Kreativen aus dem First Stage haben sich Verstärkung geholt, die sich in Hamburg und darüber hinaus einen Namen auf Musicalbühnen gemacht haben: Franziska Kuropa als Regisseurin, Sven Niemeyer als Choreograph, Nicolas Mischke als Musical Director und natürlich Nik Breidenbach als Heinz Wäscher. Eine feste Bank im Team ist Felix Wienbürger, der auch diesmal für Bühne und Licht verantwortlich zeichnet. Für den Sound ist Nils Steinkamp verantwortlich. Komplettiert wird die Riege der Kreativen von Klara Riefenstahl (Haare & Make-Up) sowie Volker Deutschmann und Hermine Seifert, die die Kostüme kreiert haben.

35 Absolvent:innen erwecken in diesem Stück das Bottrop der 1990er Jahre mit viel Einsatz und Sinn für Humor zum Leben. Allen voran natürlich Philip Rakoczy, der als Schnittchenlieferant Peter Schlönzke den vermeintlichen Tellerwäscher-Traum lebt und eine eigene Fernsehshow bekommt. Rakoczys Stimme hat eine wunderschöne Klangfarbe. Schon seine charmante Liebeserklärung an das Fernsehen ist Herzerwärmend. Auch seine Mimik, bspw. wenn er im Verlauf der Show über Heinz Wäsche herzieht, ist großartig. Als „glitschiger Luschthase“ ist er einfach zum Totlachen komisch.

Als Peters Mutter, Hilde Schlönzke, darf Munja Meier ihr komödiantisches Talent zeigen. Ihr gelingt der Spagat zwischen Stolz und Verletztheit sehr gut. Dass sie stimmlich zu den besten diesen Jahrgangs gehört, kann sie zwar rollenbedingt kaum zeigen, doch hier und da bekommt man einen Eindruck von ihrem Talent. Ganz zauberhaft ist Viola Bremer als Oma Schlönzke: Sie verzeiht dem abtrünnigen Peter als erste. Eine liebevolle Oma wie sie im Buche steht! Den etwas griesgrämigen, leicht schwerhörigen Opa Schlönzke erweckt Pascal Giebel zum Leben. Schön schrullig und polternd führt er (vermeintlich) das Regiment der Familie.

Eine herrlich schräge Type ist auch Karin, dargestellt von Svea Pöhler. Von der Kaffee-kochenden Assistentin zur Talkmasterin – eine steile Karriere, die sie in erster Linie ihrer lauten Art und Unverblühmtheit zu verdanken hat. Pöhler macht sich gekonnt zur Lachnummer und überzeugt mit dieser extravaganten Figur.

Peters Freundin Ulla, die etwas burschikose Tontechnikerin mit Ambitionen zu Größerem, wird von Ilka Kottkamp gespielt. Sie ist herrlich frech, eine tolle Freundin und wirbelt mit einer raumgreifenden Energie über die Bühne („Klingelsturm“). Das Duett „Wild und frei“ mit Rakoczy gehört zu den Highlights des Abends!

Apropos Highlight: Nik Breidenbach als aufgeblasener, respektloser Heinz Wäscher ist super. Man weiß, dass er solche „besonderen“ Charaktere famos spielen kann und es macht Spaß ihm bei seinem exaltierten Gehabe zuzusehen. Als Wäschers Schwester Uschi Blum ist er mindestens ebenso überzeugend, auch hier bringt der Absolvent der Stage School seine ganze Erfahrung ein. Die Uschi Blum Boys rahmen die Sängerin gekonnt ein und sorgen mit ihrer Perormance für jede Menge Lacher!  Allerdings hätte man die selbstbewusste Künstlerin durchaus etwas pompöser ausstatten können. So erinnert sie eher an eine graue Maus als an eine Show-Diva.

Kurz vor dem Finale feuert Kuropka mit der Reprise von „Willkommen beim Fernsehen“ noch einmal ein Feuerwerk ab: Peter wird von seinen Wegbegleitern heimgesucht – folgerichtig bewegen sich diese in bester Zombiemanier. Und über allem lächelt ein dämonischer Heinz Wäscher. Eine große Freude!

Ein Wort noch zur Bühne: Was hier einmal mehr an verschiedenen Szenenbildern geschaffen wurde, die technisch ausgefeilt aus einem TV-Studio einen Bottroper Straßenzug machen oder aus dem Wohnzimmer der Schlönzkes den Backstageingang des Studios. Das First Stage muss sich hier auf keinen Fall verstecken. Bühnentechnik und Kulissen sind definitiv Oberliga!

Zum Finale füllt sich die Bühne einmal mehr: 36 Darstellerinnen und Darsteller sind wirklich eine ganze Menge! Der obligatorische Mitmachsong „Das ganze Leben ist ein Quiz“ wird in verschiedenste Stilrichtungen transferiert und so kommen die Zuschauer auch in den Genuss einer amüsanten Samba-Sequenz. Die Künstler:innen haben ganz offensichtlich Spaß dabei. Und Sven Niemeyer schöpft choreographisch einmal mehr aus dem Vollen.

„Kein Pardon“ ist kurzweilig, macht Spaß und sprüht vor Kreativität. Ein weiterer Beweis dafür, dass wir uns keine Sorgen um den Musical-Nachwuchs in Deutschland machen müssen.

Michaela Flint

Der Beitrag Eine gelungene Zeitreise in die 1990er Jahre erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.

In 33 kleinen Szenen, die alle vor Kreativität und Individualität nur so strotzen, zeigen die Studierenden, was sie bereits können (und wo noch Luft nach oben besteht). Antonia Crames, selbst Absolventin der Stage School Hamburg (2022), hat die verschiedenen Gesangs- und Tanzszenen in eine kleine Handlung gebettet, in der die Bewohner von Mistelstadt im Rahmen eines internationalen Wettbewerbs um die Auszeichnung als weihnachtslichste Stadt buhlen.

Das Setting ist in diesem Jahr besonders gelungen: Felix Wienbürger zeichnet für Kulissen und Licht verantwortlich und schafft mit nahezu jeder Szene eine neue Weihnachtswelt. Der Fluss unter der Brücke, die Wasserbecken im Hintergrund, die den Dorfplatz umrahmenden Rundbögen sorgen für einen sehr harmonisch gestalteten Rahmen für das Auftaktfeuerwerk („I wish it could be Christmas every day“).

Für Highlights im ersten Akt sorgen Gina Tuveri und Luisa Neumann, die mit „Es ist so kalt hier“ zur Melodie von „Was fühl ich in mir“ aus „Wicked“ für Begeisterung sorgen. Ihre Stimmen harmonieren perfekt, jeder Ton sitzt pointiert und die Timings sind perfekt!

Dass man auf einer Musicalbühne selten einen korrekt getanzten Langsamen Walzer erleben kann, zeigt sich auch im „Anastasia-Medley“, auch wenn das Gesamtbild dieser Szene sehr ansprechend ist. Optisch gilt Gleiches auch für „Noch in tausend Jahrn“: Die Kleider der Tänzerinnen sind wunderschön.

Dass man eine klassische Steppnummer auch ohne einen einzigen Steppschritt performen kann, zeigt Lorin Goltermann zur Roger Ciceros „Bin heute Abend bei Dir“: Goltermann ist ein Charmebolzen wie er im Buche steht und sein gewinnendes Lächeln passt perfekt zum schwungvollen Inhalt des Songs. Er wirbelt über die Bühne, Stepptanz drängt sich hier geradezu auf, doch das Publikum wartet vergeblich darauf.

Die „Christmas Party“ hat sich Jule Marie Gilster als Hommage an Bob Fosse vorgestellt. Der Ansatz ist super und die Energie der Nachwuchskünstler ist super, doch leider sind die Choreos doch recht unsauber, was gerade bei Fosse deutlich sichtbar wird. Ein herausragendes Timing bei ihrer Schlittenfahrt beweist Ruby Smeets („A lovely sleigh ride“), die diese komische Nummer perfekt umsetzt.

Die mit Abstand beste Sängerin an diesem Abend ist Munja Meier. Im ersten Akt verzaubert sie die Zuschauer mit „The first Noël“. Einfach traumhaft und auch szenisch ein hübsches Gesamtbild. Aus dieser weihnachtlichen Traumwelt wird man mit „Cowboy for Christmas“ sehr schwungvoll wieder herausgezogen. Die Nummer zündet super, Laura Schäfer sorgt für lachende Gesichter. Warum sie allerdings jodelt, wird nicht ganz klar…

Auch die Folgeszene sorgt eher für Fragezeichen: „I’ll be home for Christmas“ von Camila Cabello hat Nicole Torres Baker dazu inspiriert, die Tänzerinnen in Flamenco-Kleidern auftreten zu lassen, ohne jedoch auch nur ansatzweise lateinamerikanische oder spanische Tanzelemente zu integrieren oder das mit diesem Kleidungsstil gemeinhin verbundenen Temperament zu verbinden. Hier hätte man sich mehr Stringenz gewünscht.

Zum Finale des ersten Akts geht es nach Irland. Zunächst mit einer sehr gelungenen Interpretation von „Fairytale of New York“, direkt gefolgt von einer „Lord of the Dance“-Interpretation, die ihre Wirkung nicht verfehlt. Vergleiche mit Michael Flatley und seiner Kompagnie sind hier nicht angebracht, doch was Choreograf Adam M. Cooper aus den Studierenden herauskitzelt, ist aller Ehren wert. Das Publikum ist schlichtweg begeistert!

Der zweite Akt hätte mit einem Knalleffekt beginnen können. „In diesem Zimmer“ aus „Hamilton“ hat genug Potential dafür. Doch auch wenn er eine sehr schöne Stimme hat, der Ausdruck lässt die Zuschauer nicht glauben, dass er unbedingt „in diesem Zimmer“ sein möchte. Die Choreos sind leider nicht ganz sauber, doch die sehr guten Hip Hop Passagen versöhnen. Die folgende „Schwanensee“-Sequenz ist lustig, wenn auch ein bisschen zu sehr mit der Brechstange umgesetzt.

Traumhaft schön gelungen ist die Szene mit Geige und Tänzerin („Elgar“), die eine wundervolle Einheit bilden. Hier erkennt man das große Potential und die Vielseitigkeit der jungen Künstlerinnen an diesem Abend. Ganz anders, aber auf ihre Art einfach perfekt sind Babak Malekzadeh und Aminata Ndaw. Sie zicken sich zu Stevie Wonders „Someday at Christmas“ herrlich an. Ähnlich schwungvoll gelingt „Boss Christmas Party“ zu Kelly Clarksons „Run Run Rudolph“. Elena Krieft singt sehr gut und auch die Choreos fügen sich stimmig in das Gesamtbild.

Das „Weihnachtsteam“ überzeugt die Zuschauer zur Melodie von ABBAs „Dancing Queen“: Die Texte sind sehr gelungen adaptiert und die Szene ist als Ganzes sehr süß umgesetzt. Das Kontrastprogramm liefert direkt danach „Eiskalt“ von Culcha Candela. Der Song wirkt frisch und die Darbietung authentisch. Man wird das Gefühl nicht los, dass sich die Studierenden mit diesem Song besonders gut identifizieren konnten und es ihnen so leichter fiel, ihn auf der Bühne umzusetzen.

Nach einem aufgrund des ungewöhnlichen Arrangements (Ellie Goulding) sehr gewöhnungsbedürftigen „Your Song“ folgt der zweite Highlight-Moment mit Munja Meier. „Have yourself a merry little Christmas“ ist einmal mehr rundum gelungen: Gesang, Kostüm, Ausdruck, Bühne, Licht – alles ist perfekt!

Kurz vor Schluss wird es mit „Roter Glühwein“ (statt Udo Jürgens‘ „Griechischer Wein“) nochmal richtig schwungvoll: Das Publikum darf mitsingen, die fast schon obligatorischen „Ugly Xmas Jumper“ werden in gelungene Choreografien verpackt und die Energie des Ensembles ist ansteckend.

Henk Nagel setzt mit „Hallelujah“ den Schlusspunkt einer sehr gelungenen Weihnachtsshow. Diese „Große Weihnachtsshow“ hält, was sie verspricht: jede Menge Weihnachtssongs, schöne Choreographien, stimmungsvolle Szenenbilder und engagierte Nachwuchsdarsteller. Wer nach dem Besuch dieser Show nicht in Weihnachtsstimmung kommt, der ist der Grinch!

Michaela Flint

Der Beitrag Es ist nie zu früh für Weihnachten… erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.

Die Studierenden des 2. Jahrgangs haben in kompletter Eigenarbeit von den Kulissen über die Kostüme, von den Choreografien über die musikalische Leitung bis hin zu Maske und natürlich Regie alles selbst geschaffen und nur bei Bedarf Unterstützung eines Supervisors erhalten. Was die 38 Nachwuchsdarstellenden hier auf die Beine gestellt haben, ist aller Ehren wert. Nichts erinnert mehr an „A Chorus Line„, welches auf derselben Bühne gezeigt wird. Die Kostüme sind zeitgenössisch, die Kulissen und Requisiten stimmig, das Licht passt. Die Choreografien sind gut erdacht, wirken jedoch manchmal einfach sehr überladen, als wolle man unbedingt zeigen, was man kann, obwohl dies in diesem Stück in der Form nicht notwendig wäre. Der „Tango Maureen“ ist beispielsweise sehr gut inszeniert, aber tänzerisch offenbaren sich jedoch deutliche Schwächen bei den vier Paaren. Gerade in solchen Szenen wäre hier ein größerer Fokus wünschenswert gewesen. Dafür funktionieren Szenen wir Maureens Protest („Flieg mit mir zum Mond“) oder Mimis Auftritt im KitKat Club („Raus heut Nacht“) ganz hervorragend.

Was am Premierenabend leider so gar nicht überzeugen kann, ist der Sound. Üblicherweise gehört das Sound Design im First Stage Theater mit zu den besseren in Hamburgs Theater, doch bei „Rent“ klingt es durchgehend so, als würden die Sängerinnen und Sänger hinter einer Wand stehen. So gut die Ensemblenummern auch einstudiert sind (die „Selbsthilfegruppe“ ist herausragend), so bedauerlich ist es, dass man solistisch dargebotene Zeilen kaum versteht.

Wenn man acht Protagonisten aus den Reihen von Studierenden zu besetzen hat, ist dies sicherlich kein leichtes Unterfangen, denn die jungen Künstler sind vielfach noch im Findungsprozess und haben ihren künstlerischen Schwerpunkt noch nicht vollumfänglich ausgebildet. Daher kann man natürlich auch keine Idealbesetzungen erwarten.

Mit Lorin Goltermann wurde der in seinen bittersüßen Gedanken gefangene Roger sehr gut ausgewählt. Er zeichnet die depressiven Züge des jungen Rockmusikers genauso gut nach wie die schüchternen Annäherungsversuche an Mimi und das gebrochene Herz, als sie sich Benny zuwendet. Auch gesanglich kann Goltermann absolut überzeugen. Duygu Yüzbasioglu erinnert optisch sehr an Fran Dreschers „Nanny“ und wirkt weniger zerbrechlich als in anderen Inszenierungen. Sie hat eine tolle Energie, man merkt jedoch, dass gleichzeitiges Singen und Tanzen – wie bspw. bei „Raus heut Nacht“ – sie sehr stark fordert.

Von den weiblichen Hauptfiguren sticht Annika Müller als Joanne heraus: Sie ist genauso so stark und selbstbewusst, wie man es von einer Anwältin erwartet, zeigt sich aber auch gefühlvoll und emotional aufbrausend im Umgang mit Maureen. Jessica Schaffler gibt Joanne’s exzentrische on/off-Liebe Maureen. Schaffler kniet sich richtig in die Rolle hinein: Ihr Protest ist frech, ihre Auseinandersetzungen mit Joanne kraftvoll. Auch gesanglich kann Schaffler diese so wichtige Rolle gut ausfüllen. Das Duett der beiden („Lass mich oder verlass mich“) gehört zu den Highlights dieser Inszenierung.

Babak Malekzadeh und Dominik Krumschmidt geben das ungleiche, aber wahnsinnig liebevolle Paar Tom Collins III. und Angel. Beide spielen die so unterschiedlichen Charaktere sehr authentisch und mit viel Einsatz. Malekzadeh wirkt auf den ersten Blick nicht wie der erfolgreiche MIT-Professor, doch es gelingt ihm, Collins die nötige Souveränität zu verleihen. Krumschmidt ist anfangs noch sehr technisch und es fehlt ihm das Herz im Ausdruck und Gesang. Doch das Potential ist mehr als erkennbar. Während „Mit Liebe bedeck ich Dich“ leider nicht so verliebt-romantisch über die Rampe kommt, wie man es sich wünscht, ist Angels Sterbeszene eine der stärksten (und verstörendsten) des Abends. Malekzadeh verleiht dieser Szene eine greifbare Intensität.

Als Dokumentarfilmer Mark und Hausbesitzer Benny komplettieren Philip Rakoczy und Tobias Graiger die Riege der Protagonisten. Beide spielen rollendeckend, offenbaren aber auch noch viel Luft nach oben. Das mag aber auch einmal mehr an der unausgewogenen Tontechnik liegen, die Songs wie „La vie bohème“ mit stark gebremster Energie zu Gehör bringt. Dieser Inszenierung von „Rent“ fehlt es an „Wumms“, wofür aber schlussendlich keiner der Nachwuchsdarsteller etwas kann.

Neben den Protagonisten gibt aber noch zwei Studierende, die aufhorchen lassen: Anna Fix ist eine herrliche überspannte Alexi Darling und sorgt mit ihren akkuraten Anrufbeantworter-Nachrichten für viele Lacher. Auch Sophie Brommund setzt mit ihrem in perfektem Sopran intonierten Solo-Satz „Lass Dein Maß die Liebe sein“ zum Auftakt des 2. Akts Maßstäbe.

Einmal mehr liefern die Studierenden eine beeindruckende Leistung ab. Ein abendfüllendes Musical von A-Z selbst umzusetzen, zudem noch eines, das so kontroverse Themen behandelt, verdient Respekt. Dass man hierbei künstlerisch an Grenzen stößt und diese auch manchmal überschreiten muss, ist mehr als verständlich. Der Mut, dieses Semesterprojekt so durchzuziehen, wird am Premierenabend durch nicht enden wollende stehende Ovationen belohnt. Verdient haben diesen Applaus ganz sicher alle Beteiligten!

Michaela Flint

Der Beitrag Ein anspruchsvolles Semesterprojekt erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.

Nach neueren Stücken im letzten Jahr („Natürlich Blond“, „Sister Act“) hat sich die Stage School in Hamburg in diesem Sommer vorgenommen, einen Klassiker zu entstauben und ihn einer neuen Generation schmackhaft zu machen.

„Das Musical entführt das Publikum in die aufregende Welt einer Audition, bei der die hoffnungsvollen Bewerber:innen bis an ihre emotionalen Grenzen gehen müssen. Acht begehrte Ensemble-Rollen für ein neues Broadway-Stück stehen zur Vergabe und der charismatische Choreograf Zach sucht nicht nur nach herausragenden Tänzer:innen, sondern fordert die Talente auch dazu auf, ihre innersten Gefühle preiszugeben. Das Drama entfaltet sich, als die Protagonist:innen nach und nach ihre Lebensgeschichten offenbaren – mal trotzig, mal Humor als schützenden Schleier nutzend, und dann wieder in schonungsloser Ehrlichkeit, was die Emotionen umso berührender macht.“ so die Beschreibung der Stage School auf ihrer Website.

Man fühlt die Anspannung an diesem Premienabend. Fast 30 Absolvent:innen fiebern ihrem Auftritt in einem der bekanntesten Musicals überhaupt entgegen. Da werden unweigerlich Vergleiche gezogen, das Urteil des Publikums wird nur umso härter. Davon sind natürlich auch die Gäste nicht frei. Denn unterstützt wird der Stage School Nachwuchs in von gleich elf erfahrenen Musical-Darsteller:innen. Jede:r bekommt seinen Augenblick im Scheinwerferlicht, seine Textzeile, die im Ohr bleibt, seine Schrittfolge, die Staunen lässt. Denn was hier als allererstes auffällt, ist, dass „A Chorus Line“ kaum in einer authentischeren Umgebung umgesetzt werden könnte.

Die Bühne (Felix Wienbürger) wandelt sich vom kargen Probenraum zur schillernden Broadway-Bühne, die Kostüme vom sportlichen Trainingsdress zur gold-glitzernden Gala-Uniform mit Zylinder. Das Licht Design (Till Nau) tut ein übrigens, um mit (vermeintlich) wenig Aufwand eine neue Welt zu erschaffen. Auch die einzelnen Charaktere machen eine teilweise erstaunliche Wandlung durch, treibt Zach (Benjamin Plautz) sie doch während der Audition gnadenlos zu Höchstleistungen an. Plautz ist zielstrebig und klar, hat aber zugleich eine sehr warme, gefühlvolle Ausstrahlung, was für diese Rolle einfach ideal ist.

In den Reihen derer, die sich für eine der acht zu besetzenden Rollen bewerben, finden sich Mike (Sanny J. Roumimper), Bobby (Maximilian Vogel), Sheila (Judith Urban), Maggie (Leonie Hammel), Al (Torben Bach) nebst Ehefrau Kristin (Chiara Goetschi), Mark (Vincent Treftz), Paul (Lukas Poischbeg), Diana Morales (Anna Talimaa), Val (Elisabeth Bengs), Judy (Rike Wischhöfer), Connie (Abby Cheng) und natürlich Cassie (Natascha Cecilia Hill), die eine gemeinsame Vergangenheit mit Zach hat.

Schon nach der Eröffnungsnummer trennt sich die sprichwörtliche Spreu vom Weizen und man erkennt sofort, wessen Stärken im Tanz liegen und wessen eher im Gesang oder Schauspiel. Das erste Statement setzt rollenkonform Sheila, die sofort klar macht, wie der Hase zu laufen hat. Judith Urban hat eine raumgreifende Präsenz, eine tolle Mimik, doch leider passt ihre Stimmfarbe nicht so recht zu „Im Ballettsaal“. Leonie Hammel hingegen verleiht Maggie etwas verletzliches, ihr schönes Timbre sorgt für eine herzerwärmende Ausstrahlung der Bewerberin. Al und Kristin bestechen durch ihre Ehrlichkeit und Natürlichkeit. Torben Bach und Chiara Goetschl bringen ihre Alter Egos – so unterschiedlich die beiden auch sind – glaubwürdig auf die Bühne. Anna Talimaa fehlt es als Morales anfänglich („Gar nichts“) ein wenig an Stimmvolumen, wobei sich dies im Laufe der Show bessert. „Was mein Herz mir sagt“ wirkte deutlich klangvoller und selbstbewusster als man nach ihrem ersten Song hätte vermuten können.

Auch Kevin Gordon Valentine wirkt als Greg zunächst total unscheinbar, hat aber mit „Das Leben fängt an“ einen richtig schönen Moment. Dass Elisabeth Bengs als Val die kritischsten Blicke über sich ergehen lassen muss, ist klar. Repräsentiert sie doch das kurvenlose Mädchen vom Lande („Tanz: zehn, Typ: drei“). Audrey Landers hat mit ihrer Vorlage im Film die Latte sehr sehr hoch gelegt. Soviel Sex Appeal muss eine Nachwuchsdarstellerin erst einmal aufbieten. Bengs bemüht sich, aber sie bleibt weitgehend arrogant und unnahbar und setzt ihre Weiblichkeit nicht sehr gekonnt ein.

Kurz vor der Pause setzt Lukas Poischbeg als Paul noch ein Highlight: sein Lächeln ist so gewinnend und sein Tanz so auf den Punkt, dass man es fast bedauert, dass in diesem eigentlich pausenlosen Stück eine Unterbrechung folgt. Hier möchte ich aber eine Lanze für das Publikum brechen: Es wurden zehn Minuten Bio-Pause gewährt, nach zehn Minuten ging es auch wirklich weiter – und es waren alle im Saal!

„Musik und einen Spiegel“ ist Cassies großer Auftritt: Natascha Cecilia Hill singt sehr gefühlvoll und zeigt wahnsinnig ausdrucksstarke Posen. Die Sequenz ist wunderbar inszeniert und sprüht vor Emotionen. Auch der sehr intensive Dialog von Zach und Cassie zeigt Till Naus Gespür für die Gefühlswelten seiner Protagonisten. Gänsehaut pur!

Nachdem die Gruppe die Verletzung von Paul (Poischbeg spielt diese Szene herzzerreißend) verdaut hat, sorgt Abby Cheng als Conny nochmal für viele Lacher.

Viele Tränen fließen – nicht nur im Publikum – bei „Was mein Herz mir sagt“: Die Bewerber:innen sind am Ende ihrer Kräfte und Cassie und Diana träumen von anderen Zeiten. Schauspielerisch ein wirkliches Highlight, wenn auch von der Handlung her eigentlich unendlich traurig. Am Ende des Songs sind wirklich alle auf der Bühne sehr ergriffen und brauchen einige Sekunden, um sich zu sammeln. Insbesondere Natascha Cecilia Hill sieht man die Intensität dieser Szene noch Minuten später an.

Die aufgestauten Gefühle – sowohl im Rahmen der Handlung als auch durch die Premiere an sich – brechen sich bei „Eins“ Bahn. Innerhalb kürzester Zeit wird die Bühne in ein schillerndes Gewand gehüllt und die Darsteller:innen tauschen ihre Sport-Outfits in strahlende Kleider und Anzüge. Die Choreographie dieser Szene ist wunderschön und setzt einen leuchtenden Schlusspunkt.

Till Nau und dem Team des First Stage Theaters ist es gelungen, einem Musical-Welthit neues Leben einzuhauchen. Kurzweilig, mit guten Akzenten und Möglichkeiten für die Nachwuchs-Darsteller sich zu präsentieren – ganz so wie es in „A Chorus Line“ sein muss. Robin Kulisch hat die bald 40 Jahre Übersetzung von Michael Kunze modernisiert und Referenzen zum Zeitgeschehen eingebaut. Das klingt nicht nur gut, sondern ließ sich ganz offenbar von den Künstlern auch ohne Holpern intonieren.

Zu Recht lassen sich die Protagonisten an diesem Abend lange beklatschen. Man vermag sich kaum vorzustellen, wie anstrengend es inbesondere für die Studierenden sein muss, neben dem „Prüfungsalltag“ – immerhin haben sie ihr Studium erst im Mai erfolgreich abgeschlossen – auch noch das große Abschlussprojekt „A Chorus Line“ einzustudieren.

Michaela Flint

Der Beitrag Eine gelungene Produktion über das echte Leben erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.

Im Gegensatz zu vorangegangen Jahren gibt es also eine durchgehende Handlung und auch einen von Felix Wienbürger mehr als ansprechend gestalteten Rahmen. Wie er die Bühne für die Weihnachtsshow verwandelt hat, ist beeindruckend! Bis das Hotel sein wahres Ich zeigt und die Hotelgäste quasi einsperrt (der einzige Ausgang wäre eine Drehtür, die aber alle, die das Haus verlassen wollen, schwungvoll wieder hineinbefördert), dauert es jedoch fast den gesamten ersten Akt. Das Publikum trifft verschiedenste Hotelgäste, die alle ein wenig aus dem Nähkästchen plaudern.

Da ist der Butler, der mit „It’s beginning to look a lot like Christmas”, alle auf die Feiertage einstimmt. Pascal Giebels, warme, voluminöse Stimme und seine herzliche Ausstrahlung passen perfekt zu diesem Song. Richtig tolle Pop-Stimmen haben auch Babak Malekzadeh und Lea Vowinkel, die als aufgesetzt freundliches, sich aber zutiefst verachtenden Paar ein urkomisches „Merry Christmas, Baby“ aufs Parkett bringen.

Highlight des ersten Akts ist aber ganz sicher Laura Schäfer, die den beliebtesten und gleichzeitig meistgehassten Weihnachtssong, „Last Christmas“ derartig durch den Kakao zieht, dass das Publikum vor Freude juchzt (Idee: Lars Redlich). Für Gänsehaut sorgt „O Holy Night“ in der Version aus der TV-Serie „Glee“, wo Gesang und Tanz eine wahrlich traumhafte Einheit bilden.

Während bspw. „Drei Worte von Dir“ aus „Ghost“ so gar nicht in den weihnachtlichen Kontext dieser Revue passen will, ist „Hang your Lights“ (Jamie Cullam) von Anna Talimaa und Lea Vowinkel ein perfekter Beleg für die hohe Qualität der zukünftigen Absolventinnen der Stage School. Auch Songs aus „Das Wunder von Bern“ oder die Comedian Harmonists wollen nicht so recht ins Gesamtbild passen. In die Pause entlassen wird das Publikum mit einer Slapstick-Nummer zu Harry Belafontes „Banana Boat Song“ (Day-O), der von Kira Hehlemann kurzerhand etwas ungelenk auf „Weihnacht“ umgedichtet wurde.

Im zweiten Akt versucht jeder Gast auf seine Art, das „magische Hotel“ davon zu überzeugen, dass er bzw. sie Weihnachten liebt. Wirklich glaubwürdig erscheinen dem Hotel nur wenige dieser Liebesbekundungen. Und wer kann es dem Hotel verdenken?

„Willkommen bei uns zur Weihnachtszeit“ ist eine adaptierte Version von „Family Madrigal“ aus „Encanto“ – fürwahr ein toller Song, doch in dieser deutschen Fassung nur bedingt ein Genuss. Der wortgewaltige und sehr witzige „Weihnachtsrap“ und das sehr akkurate „Carol of the Bells“ entschädigen hierfür jedoch vollumfänglich. Als nächstes versuchen die Gäste, das Hotel damit für sich zu gewinnen, dass sie eine „Frau für Santa“ (oder doch einen Mann?) suchen. Die Szene fliegt atemlos am Publikum vorbei und ist herrlich schräg. Auch „Der Weihnachtsmann und ich“ in Anlehnung an „The Wizard and I“ („Wicked“) sorgt für Begeisterung beim Publikum. Torben Bach hat für beide Szenen die Projektleitung übernommen und stellt nachdrücklich nicht nur sein komödiantisches Talent, sondern auch seine Gesangsvermögen, unter Beweis. Munja Meier sorgt mit einem sehr gefühlvoll gesungenen „Please come home for Christmas“ für die leiseren Töne der zweiten Hälfte.

Choreographisch kann Adam M. Cooper bei den Studierenden der Stage School einmal mehr aus dem Vollen schöpfen. Das Ergebnis sind überaus gelungene Pas de deuxs (u.a. „Rewrite the Stars“), in denen die Paare geschmeidig und gefühlvoll über die Bühne schweben sowie energiegeladene Ensemblenummern, beiden im wahrsten Sinn die Stuhlreihen im Theater anfangen zu beben (bspw. die sehr stimmige Steppnummer zu „Polarexpress“ und natürlich das „Showballett“ zu einem Potpourri von Weihnachtssongs, ganz zu schweigen vom „Weihnachts-Chaos“).

So verlockend die Idee einer durchdachten Handlung und eines roten Faden auch scheinen mag, es bleibt viel von der Kreativität früherer Inszenierungen auf der Strecke. Natürlich können die Studierenden auch in dieser – im Übrigen schon zur Premiere nahezu ausverkauften Spielzeit – Revue ihr Können und ihre Vielseitigkeit zeigen, aber die unbedingte Spielfreude, der Spaß daran, die Gratwanderung zwischen Kitsch und Kunst auszutesten, das fehlt in dieser doch recht glattgezogenen Musical-Show.

Premierenpublikum ist jedoch immer sehr wohlwollend – was sicherlich auch an den zahlreich anwesenden Absolventen und (ehemaligen) Mitarbeitern liegt – und so bekommen die 42 Nachwuchsdarsteller den tosenden Applaus, den sie für ihre fulminante Leistung verdienen.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

Der Beitrag Eine schwungvolle Musicalrevue mit talentiertem Nachwuchs erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.

Dem breiten Publikum ist der gleichnamige Film aus dem Jahr 2001 mit Reese Witherspoon als überspannt-oberflächliche Elle Woods sicherlich ein Begriff.

Tatsächlich ist auch auf der Musicalbühne die bestimmende Farbe „pink“. Elle Woods ist ein Highschool-Darling durch und durch. Aussehen und Status spielen in ihrem Leben die größte Rolle. Doch als der von ihr als zukünftiger Ehemann auserkorene Warner sie kurzerhand abserviert, um in Harvard Jura zu studieren, wandelt Elle ihren verletzten Stolz in Ehrgeiz um. Zunächst noch mit dem einzigen Ziel, Warner zurückzuerobern, später aber durchaus mit einem guten Gespür für Gerechtigkeit, beginnt sie ebenfalls Jura in Harvard zur studieren – und das mit vollem Erfolg! Zumindest beruflich… Sie wird zum gefeierten Star der Fakultät: ein Händchen für Mode und Cleverness schließen sich eben doch nicht aus. Sie erkennt Warners Oberflächlichkeit und wendet sich von ihm ab. Emmett Richmond hat von Anfang an ihr Potential erkennt. Schließlich merkt auch Elle, dass er der Richtige für sie ist.

Die Studierenden haben sich alles selbst erarbeitet: Von der Regie über die Besetzung, Choreografie und Ausstattung lag alles in ihren Händen. Man kann dem Nachwuchs nur gratulieren: Sie haben eine gelungene, kurzweilige Produktion auf die Bühne gebracht. Unter der Supervision von Nadja Dan Bernhardt hat Talitha Kemnitzer (Regie) Handlung und Charaktere sehr stimmig in Einklang gebracht (Assistenz: Sarina Böker). Nadja Kilchherr hat ihren Mitstudierenden spannende Choreografien auferlegt, die diese wunderbar flüssig interpretieren (Assistenz: Monique Weißflog). Elles getanztes Motivationsschreiben ist nicht nur sehr pink, sondern durch seine Steppeinlagen auch richtig cool. Auch die herausfordernde Springseil-Choreografie bei „Bring Dich in Form“ darf hier nicht unerwähnt bleiben.

Für die Optik waren Jule Kim Herrmann (Kostüme) und Elisabeth Bengs (Maske & Make-Up) zuständig. Beiden gelingt es, die Protagonisten nicht zu überzogen einzukleiden und ein durchdachtes Gesamtbild zu kreieren. Emil Schuler zeichnete verantwortlich für die sehr gute musikalische Leitung in den elf Vorstellungen. Das Team vom First Stage unterstützte bei der akustischen und optischen Einrichtung der Bühne (Daniel Holtz: Light Design und Sebastian Rieß: Sound Design).

„Natürlich Blond“ ist eine temporeiche Show, in der es vor Wortwitz (Kevin Schroeder & Heiko Wohlgemuth) nur so sprüht. Manch ein Nachwuchskünstler hat hier noch seine liebe Müh gesanglich oder vom Sprachtempo her mitzuhalten, doch im Großen und Ganzen überzeugt der inzwischen dritte Jahrgang der Stage School.

Elisabeth Bengs gelingt die Gratwanderung von der zwar engagierten, aber reichlich oberflächlichen Delta Nu Schwester zur entschlossenen Nachwuchs-Juristin und mitunter durchaus tiefsinnigen Freundin von Paulette sehr gut. Sie „quietscht“, wenn man es erwartet, und ist seriös, wenn es angebracht ist. Auch gesanglich stemmt sie die Partie ohne Grund zu klagen. „Oh mein Gott“ ist wirklich fabelhaft!

Entsprechend dem Rollenprofil (Männer machen in dieser Show keinen Stich) gibt Maximilian Kikken einen eher blassen und langweiligen Warner ab, bei dem man sich fragt, was Elle und später auch Vivienne an ihm finden (außer seinem Geld). Auch Melina Stauffer geht als Vivienne eine Wandlung von der Karriere-besessenen Studentin zur anerkennenden Mitstreiterin Elles durch. Beide Facetten bringt sich glaubwürdig über die Rampe. Den Buhmann in diesem Stück gibt Dominik Krumschmidt, der als Professor Callahan nicht nur seine Studierenden nach Strich und Faden gängelt, sondern seine Position auch gegenüber Studentinnen missbraucht und u.a. Elle begrapscht. Krumschmidt hinterlässt mit seiner Interpretation einen bleibenden Eindruck im besten Sinn. Unsympathische Charaktere kann nicht jeder so authentisch spielen. „Blut in den Kiemen“ besticht nicht nur durch den hervorragenden Text, sondern auch durch Krumschmidts Intensität. So einen Professor möchte ganz sicher niemand haben!

Neben Elle Woods sind Paulette und Emmett die dankbarsten Figuren in „Natürlich Blond“. Lena Detert darf als selbstbewusste Stylistin einerseits Elle motivieren, ihren Weg weiterzugehen; andererseits muss sie sich selbst zum Glück zwingen lassen, ihren Postboten Kyle (großartig gespielt von Lorin Goltermann) anzusprechen. Detert hat ein gutes Gespür für Komik, ist emotional immer auf den Punkt und liefert gesanglich einige wunderbare Momente ab. Emmett ist zunächst der unscheinbare Erstsemester-Tutor, der sich aber schnell als echter Mentor und Freund für Elle entpuppt. Dass Emmett mehr als nur freundschaftliche Gefühle für Elle hegt, spüren die Zuschauer sofort. Philip Kuhn setzt mit seinem einfühlsamen und doch beharrlichen Spiel ein Ausrufezeichen.

Szenen, die in Erinnerung bleiben, sind „Knick und Pop!“, wo dank gekonnt pointierter Situationskomik ein sehr lustiger Moment entsteht. Auch die finale Szene bei Gericht, in der mit „Schwul oder Franzose“ der wahre Täter überführt wird, besticht gleichermaßen durch die schon erwähnten exzellenten Texte von Wohlgemuth und Schroeder sowie eine ausgeklügelte „Hand-Choreographie“.

„Natürlich Blond“ ist eine knallbunte, unbeschwerte Show, die für viele Lacher sorgt und an einigen Stellen auch unerwartet Tiefgang hat. Dass sich die 36 Studierenden genau dieses Semesterprojekt ausgesucht haben, ist ein Gewinn für die Hamburger Musicalszene. Nicht nur, dass sich die Nachwuchsdarstellenden für weitere Engagements nach Abschluss empfehlen, auch Hamburg steht es gut zu Gesicht, mal wieder ein Stück zu sehen, das es auf deutschen Bühnen noch nicht allzu oft gab.

Michaela Flint
gekürzt erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

Der Beitrag Blonder gehts nicht! erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.