Was „Wicked“ seit jeher ausmacht, ist die perfekte Mischung von mitreißender Story, grandioser Ausstattung (Bühne & Kostüme) und unvergesslichen Songs. Ganz zu schweigen von den Darstellerinnen, die diese Show berühmt gemacht haben: Idina Menzel und Kristin Chenoweth.

Regisseur Jon M. Chu („Crazy Rich Asians“, „In the Heights“) hat die Köpfe mit Winnie Holzman und Stephen Schwartz (die schon Buch & Musik der Bühnenfassung verantworteten) zusammengesteckt und herausgekommen ist ein preisgekröntes Leinwand-Musical, von dem man kaum genug bekommen kann. Es gibt so viel zu sehen:

• Nathan Crowleys zauberhaftes Produktionsdesign: Man erkennt alles wieder, nichts ist krampfhaft modernisiert worden. Farbwelten passen, Gebäude haben verspielte Details, erinnern aber an die Welt, die Eugene Lee für die Bühne erdacht hat.
• Paul Tazewells treffsicheres Kostümbild: Munchkins, Shiz-Studierende, Ozians in der Emerald City, natürlich Glinda, Elphaba, Mme. Morrible und der Wizard – alles sieht vertraut aus.
• Technische Finessen wie der Emerald City Express oder die wandelbare Shiz Bibliothek ergänzen das bekannte Setting perfekt.

Man sieht in jeder Szene, dass sich Crowley und Tazewell intensiv damit befasst haben, wie man mit Farben ganze Lebensräume erschafft. Auf der Musicalbühne nichts Neues (vgl. „Les Misérables„), auf Celluloid für nicht Wenige sicherlich etwas gewagt. Tazewell ist sich bewusst, dass
das Publikum aufgrund der langen Laufzeit des Musicals weltweit bereits bestimmte Vorstellungen von Oz und „Wicked“ hat. „Ich musste dieses etablierte Universum respektieren und gleichzeitig den Geist von Wicked mit einer neuen Vision einfangen“, so Tazewell.

Ein Ausflug in die Kostümwelt von Wicked (Auszug aus dem Presseheft)

Tazewells wohl wichtigste Aufgabe bestand darin, den Kontrast zwischen den beiden Hauptfiguren des Films, Elphaba und Glinda, geschickt darzustellen. Ihre Kostüme sollten nicht nur ihre gegensätzlichen Persönlichkeiten widerspiegeln, sondern auch ihre Wandlungsprozesse und die tiefe Verbundenheit symbolisieren, die sie trotz ihrer Unterschiede empfinden.
Bei den Kostümen von Elphaba und Glinda betont Tazewell die Gegenüberstellung von Dunkelheit und Licht sowie von Struktur und Verspieltheit. „Die Kostüme beider Figuren haben eine ähnliche Grundform, unterscheiden sich aber deutlich in den Details“, sagt Tazewell. „Elphabas Design ist schlank, starr und kantig und spiegelt ihre anfänglich zurückhaltende und bestimmte Persönlichkeit wider. Im krassen Gegensatz dazu besitzt Glinda eine raffinierte Ausstrahlung, die eine sorgenfreie Welt symbolisiert.“

Elphabas Kostüme in „Wicked“ spiegeln ihre Entwicklung von einer Außenseiterin zu einer starken, selbstbewussten Frau wider – angefangen bei ihren Outfits aus Kindertagen mit strukturierten Elementen wie Filz und mit Laser zugeschnittenen Ranken bis hin zu ihrem erwachsenen Korsett-Look in Shiz. Tazewells Entwürfe verleihen Elphabas Charakter eine völlig neue und dynamische Dimension.

• Inspiration durch die Natur: Elphabas Kostüme sind von natürlichen Elementen inspiriert, vor allem von Pilzen. Verschlungene Texturen und Muster wie die Fibonacci-Spirale symbolisieren das Leben und die Natur. Diese organischen Elemente unterstreichen ihre Verbundenheit mit der natürlichen Welt und ihren Einsatz für die Tiere.
• Filztechnik: Beim Filzen werden Woll- oder Seidenfasern durch Dämpfen und Stampfen zu einem Stoff verarbeitet. Bei Elphaba trägt dieser Stoff zu einem sehr organischen Look bei: Das erste Kleid, in dem sie an der Universität Shiz zu sehen ist, besteht vollständig aus Filz und verfügt über organische Elemente am Saum – beides kennzeichnet sie als Außenseiterin.
• Der „Wicked-Look“: Zu Elphabas charakteristischem „Wicked-Look“ gehört ein Kleid aus Mikroplissee-Stoff, der akribisch auf eine Basis aufgezogen wurde, sodass eine wellenförmige Bewegung entsteht. Mit seiner organischen Filzstruktur greift das Kleid ihre Herkunft auf und unterstreicht den Gedanken, dass Elphaba ihr wahres Ich bewahrt.
• Veränderung: Während Elphabas Weg durch entscheidende Momente auf den Höhepunkt ihrer Geschichte zusteuert, verändert sich auch ihre Kleidung. Die Überreste ihres Kleides werden zu einem bedeutenden Stück umfunktioniert, in das Elemente aus früheren Zeiten eingearbeitet sind. Diese Verwandlung spiegelt ihr persönliches Wachstum und ihre Entwicklung im Laufe der Geschichte wider.

Glindas Kostüme zeugen von der Kraft der Weiblichkeit und der Anziehungskraft von Zartheit und geschwungenen Formen. Durch eine Palette von Rosa, Lavendel sowie schimmernden Farbtönen, die an eine Seifenblase oder Polarlichter erinnern, ruft Tazewells Vision für Glinda ein Gefühl der Gutherzigkeit hervor. Diese Elemente sind auf ihren Charakter abgestimmt und heben ihre besonderen Eigenschaften in verschiedenen Phasen ihrer Entwicklung hervor.

• Historische Inspiration: Glindas charakteristischer Look ist stark von historischen Formen inspiriert. Tazewells Design kombiniert Formen, Stoffe und Verzierungen.
• Seifenblasen und Schmetterlinge: Glindas Garderobe versinnbildlicht die Themen Fliegen und Überschwang: Seifenblasen und Schmetterlinge symbolisieren ihr Temperament und ihre Persönlichkeit. Rosa- und Lavendelfarben, die an das viktorianische Zeitalter erinnern, verleihen ihrer Kleidung Weiblichkeit und Eleganz.
• Schillernder Lagen-Look: Das legendäre rosafarbene Bubble-Kleid erinnert an die Fibonacci-Spirale, die Ausführung in fließendem Lavendel weist mehrere schillernde Lagen auf. Diese Elemente spiegeln Glindas ätherisches und bezauberndes Wesen wider.
• Individuelle Stickereien und Drucke: Glindas Kostüme sind mit individuellen Stickereien und Prints auf Kleidern in verschiedenen Schnitten gestaltet. Die Kombination aus Rock und Blazer, die sie zu Beginn trägt, erinnert an den Dior-Stil der 1950er-Jahre – das Kostüm betont eine schmale Taille und weiche Hüften.
• Ozkothek-Outfit: Glindas Kostüm für den Ball in der Ozkothek verbindet die bekannte Dior-Ästhetik mit übergroßen Blütenblättern aus Seide. Der Farbverlauf wechselt von leuchtendem Gelb zu zartem Rosa und soll die Farbenpracht der blühenden Rosen im Queen Mary’s Rose Garden im Londoner Regents Park widerspiegeln.

Auch bei den weiteren Charakteren lohnt ein genauer Blick auf die Kostüme:

Der Wizard of Oz: Die Kostüme von Jeff Goldblum zielen darauf ab, den Zauberer als einen Amerikaner aus dem Mittleren Westen – genauer gesagt aus Omaha – darzustellen. Der Schnitt seines Anzugs erinnert an einen Gehrock aus der Zeit um 1900. Ursprünglich trug der Zauberer grün, um einen visuellen Bezug zur Smaragdstadt herzustellen, doch seine Kleidung enthält auch persönliche Details wie einen Uhrenanhänger in Ballonform und ein goldenes Medaillon seines früheren Auftritts bei der Weltausstellung. Außerdem integrierte das Team Goldblums persönliche Brillenlinie in die Kostüme, wodurch der Look der Figur ein besonderes Flair bekommt.

Bei Madam Morrible, gespielt von Michelle Yeoh, ließ Tazewell besondere Vorsicht walten und gestaltete die Garderobe bei der Einführung an der Universität Shiz so, dass sie das Publikum durch ihre mystische Persönlichkeit fasziniert. Ihre Kleidung ist – thematisch passend – mit Wettermotiven wie wirbelnden Wolken und dynamischen Elementen geschmückt, die entweder aufwendig gestickt oder Teil eines Perlenmusters sind. Die Farbvariationen, die die Wolkenmuster aufgreifen, verleihen ihren Kostümen Tiefe und einen geheimnisvollen Touch.

Mit einer Palette aus hellen und cremefarbenen Tönen vermitteln die Kleider von Nessarose absolute Unschuld und verleihen ihr eine frische und optimistische Ausstrahlung. Die texturierten Stoffe knüpfen thematisch an die Kostüme ihrer Schwester Elphaba an, während ein Hauch von Rot den Einfluss ihrer Mutter versinnbildlicht und eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart schlägt.

Dieser neue Geist, den Chu und Tazewell beschwören, zeigt sich auch in der Besetzung.

Die Rolle der Elphaba umfasst mehr als nur Gesang und Bühnenpräsenz – sie verlangt emotionale Tiefe, die Fähigkeit, das Leid und den Schmerz auszudrücken, den Elphaba ihr Leben lang erfährt. Als einzige Person in Oz mit grüner Haut stellt sie die kleinste Minderheit dar, was sie zur Außenseiterin macht. Hinter ihrem harten Äußeren verbirgt sich jedoch ein reines, gutes Herz. Eine Schauspielerin zu finden, die all diese Facetten – oft ohne Worte – transportieren kann, war keine einfache Aufgabe. Regisseur Chu entdeckte dies in Cynthia Erivo. „Dass Cynthia Erivo, eine Person of Colour, eine Frau spielt, die grüne Haut hat, macht einen großen Unterschied“, sagt Chu. „Als sie ‚Defying Gravity‘ sang, hat sie förmlich die Bühne gesprengt. Wir wussten sofort, dass unsere Suche endlich ein Ende hatte.“
Stephen Schwartz hat mit allen Darstellerinnen von Elphaba zusammengearbeitet, um den einzigartigen Sound für seine Musik zu entwickeln. Auch für ihn ist Erivo unvergleichlich. „Cynthia ist eine außergewöhnliche Schauspielerin mit einem hervorragenden Gespür dafür, was in der Figur vorgeht und wie sie es zum Ausdruck bringen kann“, sagt Schwartz. „Sie hat eine unglaubliche Kontrolle über ihre Stimme. Es ist wie bei einem Musiker, der weiß, wie er das Optimum aus einem guten Instrument herausholen kann. Das ist es, was ich erlebt habe, als sie diese Lieder gesungen hat. Sie gibt Elphaba eine Wildheit und Tiefe, die in allem, was sie tut, wunderbar zum Ausdruck kommt, besonders in ‚Defying Gravity‘.“

Glinda wirkt auf den ersten Blick oberflächlich, doch hinter ihrem rosaroten Äußeren verbergen sich Empathie, Loyalität und eine tiefere Persönlichkeit. Jon M. Chu und Drehbuchautorin Winnie Holzman wollten herausarbeiten, dass Glinda im Verlauf der Geschichte ihre innere Komplexität entdeckt. Ariana Grande überzeugte Chu durch ihre detaillierte und leidenschaftliche Vorbereitung auf die Rolle. Sie hatte sich über zehn Jahre darauf vorbereitet, trainierte intensiv Gesang und Schauspiel, um Glindas Charakter glaubhaft darzustellen. „Ich musste meine Stimme umtrainieren, um klassischer und opernhafter zu singen. Mein Stimmvolumen gibt das zwar her, aber die Stimmbänder brauchen eine Weile, um sich daran zu gewöhnen, wie jeder andere Muskel auch. Das erfordert eine Menge Training.“ erinnert sich Grande. Ihre Hingabe zeigte sich bis ins kleinste Detail, während sie voller Begeisterung auf die Rolle hinarbeitete. „Jedes Mal, wenn Ariana kam, war sie die faszinierendste Glinda im ganzen Raum“, sagt Chu. „Dann kam sie wieder zurück und wurde sogar noch interessanter. So sehr, dass wir beschlossen, dass sie unsere Glinda ist.“

Den einzigartigen Jeff Goldblum für die Rolle zu gewinnen, war ein echter Coup für die Filmemacher. „Wir haben nicht nur exzellente Schauspieler und Persönlichkeiten gefunden, sondern auch Darsteller, die allesamt singen können“, erklärt Komponist Stephen Schwartz. „In einem Musical muss man das Gefühl haben, dass die Leute die Songs auch wirklich performen können. Jeff Goldblum als unser Zauberer war definitiv in der Lage, Musik live vorzutragen. Das macht die Aufnahmen mit ihm unkompliziert und zugleich aufregend. Wir müssen nichts vortäuschen oder auf eine Menge technischer Tricks zurückgreifen.“

Bei der Suche nach einer Darstellerin für die Rolle der Madame Akaber hat Chu mit Michelle Yeoh seine Wunschkandidatin besetzt. Beide haben schon bei „Crazy Rich“ zusammengearbeitet. Zuneigung und Respekt beruhen auf Gegenseitigkeit: „Wenn Jon anruft, komme ich sofort gerannt“, sagt Yeoh. Sie gibt zu, dass Singen nicht ihre erste künstlerische Ausdrucksform ist. Dennoch war sie bereit für jede Aufgabe, die das Filmteam an sie herantrug. „Als Künstler lebt man dafür, Herausforderungen anzunehmen und etwas Neues zu machen“, so Yeoh.

Auf der Leinwand verkörpert Jonathan Bailey (den meisten wohl bekannt aus „Bridgerton“) die Figur des Fiyero, der als unbekümmerter Lebemann die Universität Shiz auf den Kopf stellt. „Ich trage die blonde Tolle und die Reiterhosen mit Stolz“, gibt Bailey zu Protokoll. Als ozianischer Adeliger ist der gutaussehende und charismatische Fiyero an Bewunderung gewöhnt und tut nur das, was ihm Spaß bereitet. Seine Weltsicht bringt Bailey mitköstlichem (und sportlichem) Charme in dem Song „Dancing Through Life“ zum Ausdruck. Doch genau wie bei Glinda steckt auch hinter Fiyero weit mehr, als man auf den ersten Blick sieht.

Nessarose, die jüngere Schwester von Elphaba sehnt sie sich nach Selbstständigkeit. Besonders ihre unerwiderte Liebe zu Munchkin Boq, der jedoch hoffnungslos in Glinda verkliebt ist, prägt Nessaroses Leben stark – ebenso wie die zunehmende Macht ihrer Schwester. Laut Drehbuchautorin Winnie Holzman kreisen Nessas Wünsche vollständig um diese unerfüllte Liebe: „Sie glaubt, dass ihr Leben nur dann Bedeutung hätte, wenn sie Boq dazu bringen könnte, sie zu lieben.“

Nach einer intensiven Suche entschieden sich die Filmemacher für Marissa Bode für die Rolle der jungen Frau, die nach Selbstbestimmung strebt. Produzent Marc Platt erinnert sich: „Wir haben viele großartige Schauspielerinnen getroffen, aber Marissa war ein besonderer Glücksfall. Sie verkörpert diese Rolle mit Sensibilität und Schönheit.“ Als Person of Colour und Rollstuhlfahrerin verleiht sie der Figur auf einzigartige Weise Tiefe. Für Bode ist es ein beeindruckendes Erlebnis, Teil dieser Produktion zu sein. Die junge Schauspielerin ist sich bewusst, wie wichtig ihre Rolle für Menschen ist, die wie sie im Rollstuhl sitzen oder mit anderen Beeinträchtigungen leben. „Ich wurde im Alter von elf Jahren verletzt. Schon damals habe ich festgestellt, dass beeinträchtigte Menschen auf der Leinwand kaum zu finden sind“, so Bode. „Das war hart, vor allem, wenn man diesen Karriereweg weiterverfolgen will. Umso wichtiger ist es, nun für andere Personen ein Vorbild zu sein.“

Die Erwartungen, die mit diesen Grundvoraussetzungen der „Wicked“-Verflmung einhergehen, waren hoch. Sehr hoch, da das Musical ja durch zwei Jahrzehnte weltweite Spielzeit bereits einem großen Publikum bekannt ist. Aber selbst bei aller gebotenen Skepsis, die auf bisherigen mehr oder minder geglückten Kino-Adaptionen großer Musicals beruht (man denke nur an „Les Misérables“ oder „Das Phantom der Oper„), kommt man nicht umhin, den Hut vor der Leistung aller Beteiligten zu ziehen.

Das beginnt bei der wirklich hervorragenden Umsetzung von Set & Kostümen, zieht sich weiter durch die gelungene Personenregie bis hin zur Besetzung: Cynthia Erivos Mimik und gesanglicher Ausdruck sind raumgreifend und sorgen mehr als einmal für Gänsehaut. Elphabas Wunsch nach Normalität, ihr Einsatz für Unterdrückte, ihre Verletztheit, als sie feststellen muss, dass Glinda sie einmal mehr aufzieht – Eriva ist in jeder Sekunde präsent und glaubhaft! Man fühlt mit der Außenseiterin und möchte ihr einfach nur zur Seite stehen

Ariana Grande spielt das beliebte Püppchen mit viel Divapotential. „Popular“ ist eine Explosion in rosa Goodwill und auch auf der Leinwand richtig lustig inszeniert. Die Wandlung von der oberflächlichen, nur auf Äußeres und Anerkennung bezogenen Galinda zur ernsthaften Glinda nimmt man ihr noch nicht vollumfänglich ab. Aber diese Wandlung wird in der zweiten Hälfte ja auch noch viel mehr thematisiert.

Marissa Bode wirkt auf den ersten Blick rollendeckend unscheinbar, doch sie setzt deutliche Statements und ist gerade im Zusammenspiel mit Boq wirklich zauberhaft. Ethan Slater verkörpert den Munchkin (in der bisher bekannten ersten Hälfte) tolpatschig und liebenswert, genau so, wie man ihn sich vorstellt. Seine Wandlung zum Tim Man wird sicherlich noch einmal spannend werden.

Die überhaupt nicht nette Madame Morrible und der der ganz und gar nicht wundervolle Wizard werden von Michelle Yeoh und Jeff Goldblum zum Leben erweckt. Schauspielerisch sind beide über jeden Zweifel erhaben. Goldblum wirkt verspielt, die Berechnung, mit der der Wizard alles geplant hat, mag man dem lieben, netten „Zauberer von nebenan“ einfach nicht glauben. Großartig! Michelle Yeoh zeigt die hinterlistige Art von Madame Morrible dagegen doch sehr deutlich. Sie verfolgt einen fiesen Plan und das spürt man sofort. Sie sagt ja selbst im Interview, dass Gesang nicht ihre Stärke ist. Das kann man leider nur bestätigen. Sehr schade…

Für gute Laune sorgt Fiyero nicht nur in Shiz. Der Schalk, der offenbar auch Jonathan Bailey bei der Interpretation dieser Rolle im Nacken saß ist allgegenwärtig. Er ist ein Allroundtalent und überzeugt nicht nur schauspielerisch als oberflächlicher Prince Charming, sondern auch gesanglich gibt es keinen Grund zu Klagen. Besonders begeistert er mit seinem tänzerischen Können. „Dancing through Life“ ist nicht nur szenisch einer der spannendsten Momente, auch sportlich verlangt Chu seinen Darstellern hier viel ab.

Übrigens hat auch Stephen Schwartz seinen ganz persönlichen Auftritt im Film: Er ist es, der Elphaba und Glinda mit „The Wizard will see you now.“ in die Emerald City bittet. Eine hübsche kleine Idee.

Apropos, erste Hälfte: Dass „Wicked“ künstlich aufgeblasen und zwei Abendfüllende Filme daraus gemacht wurden, mag zunächst Kritiker auf den Plan rufen. Nicht selten sind durch weitere Charaktere oder Hintergrund-Stories angereicherte Filme weniger authentisch oder zu langatmig. Allerdings muss man den Kreativen auch hier zugute halten, dass sie genau wussten, was sie taten, als sie die Zweiteilung planten.

So erfährt der Zuschauende noch mehr über Elphabas Vergangenheit und dass schon damals Tiere wichtige Bezugspersonen für sie waren. Man lernt die Hintergründe zum Verschwinden von Dr. Dillamonds Kollegen. Ein schöner Nebeneffekt ist natürlich auch, dass man die verschiedenen Umgebungen, die für den Film geschaffen wurden, viel länger genießen kann. Man entdeckt viele kleine Details, wie bspw. die Spiegelung von Elphabas düsterer Zukunftsvision im Brunnen von Shiz oder die Verwandlungen der Seiten im Grimmerie, einem uralten Buch der Weisheit, Wundertätigkeit und Zaubersprüche. Auch eine neue Kollegin in Shiz – Miss Coddle (gespielt von Keala Settle („The Greatest Showman“)) – lernen die Kinobesucher kennen: Sie ist die Hausmutter der Studierenden, zu denen auch Elphaba und Glinda gehören. Die für die Zuteilung der Zimmer zuständige Betreuerin wird von Ängsten geplagt. „Sie versucht, es ihrer Vorgesetzten Madam Morrible recht zu machen, der man es unmöglich recht machen kann. Und sie eifert ihr in jeder Hinsicht nach“, so Settle. „Aber sie liebt auch die Kinder an der
Universität und will, dass sie bei allem, was sie tun, erfolgreich sind.“

Jon M. Chus Idee von „Wicked“ funktioniert in jeder Hinsicht. Dass der zweite Teil erst im November 2025 in die Kinos kommt, ist mehr als bedauerlich… Dass die Verfilmung so gut funktioniert, liegt aber auch an den weltbekannten Songs, deren englische Texte den meisten geläufiger sind als die deutschen. Es wirkt schon unfreiwillig komisch, wenn man im Kino eine Fassung mit Untertiteln schaut, denn bei den Songtexten sind die deutschen Adaptionen eingeblendet, die naturgemäß keine direkte Übersetzung der englischen Version sind. Auch passen die deutschen Einspielungen der Songs nicht zu den Lippenbewegungen, was bei der Intensität einiger Stücke einfach stört. Meine Empfehlung ist, sich in jedem Fall die englische Originalversion (ohne Untertitel) anzuschauen.

Nachhaltigkeit wird bei „Wicked“ großgeschrieben

Noch ein paar Worte zu den Nachhaltigkeitsbemühungen, die ganz offenbar auch vor der Filmbranche nicht Halt machen. „Wicked“ ist der erste Film, der im Rahmen des GreenerLight-Programms von Universal produziert wurde. Das Projekt fördert die Nachhaltigkeit während des gesamten Filmprozesses – vom Drehbuch bis zur Leinwand. Universal verfolgt gemeinsam mit Comcast NBCUniversal das Ziel, bis 2035 weltweit CO2-neutral zu arbeiten. Vor diesem Hintergrund wurde das Umweltberatungsunternehmen Sustainable Films damit beauftragt, einen umfassenden Plan zu entwickeln und die Produktion zu begleiten. Zu den ökologischen Kriterien zählten u.a. bis zu 40 % veganes Catering, Vermeidung von Food Waste, Elektrofahrzeuge im Fuhrpark (inkl. 18 E-LKWs), 75 % der Beleuchtung waren energieeffiziente LEDs, Verwendung recycleter Baumaterialien aus früheren Sets oder bei Neukauf nur FSC-zertifiziertes Holz sowie das Einfärbern bereits genutzter Stoffe, um sie wiederzuverwenden. Cynthia Erivo, Ariana Grande, Michelle Yeoh und Jeff Goldblum engagieren sich allesamt persönlich für Klimaschutzinitiativen und -organisationen. Cast und Crew setzten sich abteilungsübergreifend dafür ein, eine Produktion zu schaffen, die die
Umwelt entlastet, unter anderem durch Newsletter, Wohltätigkeitsaktionen und Wettbewerbe.

Dazu zählt neben den genannten, ausschließlich auf ökologische Nachhaltigkeit abzielenden Maßnahmen, auch die Berücksichtigung von sozialen Aspekten eine Rolle. Die Figur Nessarose verwendet in „Wicked“ einen ozianischen Rollstuhl. Da Marissa Bode, die Nessarose darstellt, auch im wahren Leben auf einen Rollstuhl angewiesen ist, waren Regisseur Jon M. Chu, Produzent Marc Platt und die anderen Filmemacher fest entschlossen, nicht nur das Set rollstuhlgerecht zu gestalten, sondern auch einen innovativen neuen Standard für Barrierefreiheit am Drehort zu setzen. Dies gelang durch den Bau eines barrierefreien Artist-Trailers, die Anpassung der Kostüme, damit diese dem Rollstuhl nicht im Weg sind sowie der Integration des Rollstuhls in die Tanzszenen: Gemeinsam mit Christopher Scott (Choreograph) und dessen Mitarbeiter Emilo Dosal erarbeitete Bode die Bewegungsabläufe des Rollstuhls. „Emilio hat mich immer wieder gefragt, was für mich gut funktioniert. Danach wurde die Choreografie ausgerichtet“,erläutert Bode. „Die beiden waren großartige Lehrer. Außerdem durfte ich mit Hannah Raynor zusammenarbeiten, einer echten Rollstuhl-Tänzerin. Es war sehr hilfreich, jemanden zu erleben, der seine Sache so unglaublich gut macht.“

„Wicked“ setzt also nicht nur künstlerisch einmal mehr Maßstäbe, sondern legt mit dem Anspruch an Diversität in der Cast, der gelebten Inklusion am Set sowie einer nachhaltigeren Produktion ingesamt die Latte sehr hoch. Mich begeistert dies sehr und ich freue mich auf den zweiten Teil!

Michaela Flint

Der Beitrag Mit dem richtigen Händchen für Cast, Handlung und Anerkennung der Musik kanns gehen erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.

Zehn Jahre nach dem letzten Vorhang in Metronom Theater wurde nun die Neue Flora grünifiziert und die neue, moderne Fassung des Broadway-Hits „Wicked“ feierte (Corona-bedingt ein Jahr später als geplant) am 5. September 2021 Premiere.

Gleich vorneweg: Dem Vergleich mit der Original-Produktion hält diese Tourfassung nicht stand. Nicht ohne Grund hat „Wicked“ nach seiner Weltpremiere Tony Awards für die besten Kostüme und das beste szenische Design bekommen. Doch die magische Welt von Oz, das in jedem Detail grüne Glitzern der Emerald City, das fiel in der neuen Inszenierung der Modernisierungsschere zum Opfer.

Es ist völlig legitim, ein Stück, dass schon 18 Jahre alt ist, auf Herz und Nieren zu prüfen und zu schauen, ob es noch „State of the Art“ ist und künstlerische Elemente noch funktionieren. Das wird beim „Starlight Express“ seit Jahrzehnten erfolgreich praktiziert und auch eine „Evita“ kommt immer mal wieder in modernerem Gewand daher.

Doch warum etwas ändern, das in sich stimmig ist, wo alle Gewerke perfekt harmonieren und dass das Publikum in New York und London auch nach 18 Jahren noch jeden Abend begeistert von den Sitzen reißt?

Wie immer spielt das Geld eine entscheidende Rolle: Schon der Drache über dem Bühnenportal ist nur bedingt für den Tour-Betrieb geeignet. Die überbordende Farben-, Design und Detailvielfalt der Kostüme verschlingt ebenfalls Unsummen. Ganz zu schweigen von einem 25-köpfigen Orchester wie in der Originalproduktion. Ein Drittel davon muss für die Neuinszenierung reichen.

Das lokale Kreativ-Team (Regie: Lindsay Posner, Choreografie: Fabian Aloise, Set-Design: Jon Bausor, Kostüme: Moritz Junge, Music-Supervisor: Sebastian de Domenico) möchte „für Hamburg ein neues, modernes „Wicked“ schaffen. Ein anderes „Wicked“. Ein Musical-Märchen, magisch, aber doch voller Humor. Inhaltlich in Teilen brandaktuell, fast schon politisch, aber auch klassisch-berührend.“, so Posner. Man wollte eine komplett neue Kostümwelt erfinden, ein zeitgemäßes Bühnenbild kreieren sowie urbane Choreografien, die die Story voranbringen, aber nicht zu stark von ihr ablenken. Soweit die Aussagen der Kreativen in der Pressemappe der Stage Entertainment.

Das Kreativ-Team muss sich an seinen eigenen Zielen messen lassen. Ein anderes „Wicked“ bringen sie ganz sicher auf die Bühne. Aber ist es wirklich so modern und neuartig wie angestrebt? Eine neutrale Betrachtung wird zwangsläufig schwer, denn innerlich vergleicht man immer wieder mit der Fassung am Broadway oder London. Hat man diesen Vergleich jedoch nicht, lohnt es sich, sich auf das neue „Wicked“ einzulassen.

Das Publikum findet sich unter den herumfliegenden Trümmern von Dorothys Haus wieder. Im Schachbrett-Verfahren platziert, sieht der Saal auch gut gefüllt aus.

Es fällt direkt ins Auge, dass in der Neuinszenierung der Fokus auf Videoprojektionen anstatt handwerklicher Kulissen liegt. Anstatt verschiedener Spielorte spricht Glinda fast ausschließlich vom Balkon des angedeuteten Oz-Wolkenkratzers zu ihren „Mitbürger:innen“ (diese Anrede wird von Glinda nur an dieser Stelle verwendet).

Ein rosa beleuchteter Kreis fliegt von oben in die Eröffnungsszene und wird ruckelnd auf dem Balkon platziert, auf dem dann Glinda auftaucht und die wartende Menge (allesamt in identischen gründen Regenmänteln) über den aktuellen Stand zu Elphabas Verbleib aufklärt. Magische Seifenblase? Fehlanzeige!

So wie Glinda auf dem Balkon steht, erinnert das Geschehen an die bekannte Szene aus „Evita“ („Don’t cry for me, Argentina“). Die gleichförmigen Bewegungen der Ozianer tragen gemeinsam mit den identischen Regenmänteln dazu bei, dass man den Eindruck bekommt, hier handele es sich um Bürger ohne eigene Gedanken. Da hilft auch der alles überragende Regenbogen, der im Verlauf der Inszenierung mehrfach zum Einsatz kommt, nicht. Während Glinda von „Propaganda und Contraganda“ spricht, tanzen die Ozianer mehrfach dasselbe. In der Tat lenken diese Choreografien von der Handlung nicht ab. Die deutschen Dialoge (Ruth Deny) bleiben holprig und leider nur allzu häufig verkrampft witzig.

Das erste Treffen in der Universität erinnert optisch (projizierte Ziegelstein-Krypta, Schuluniformen in Gryffindor-Farben) sehr stark an Harry Potters Zauber-Schule Hogwarts. Madame Akaber wirkt in ihrem Flatter-Umhang und wackeligen Hut jedoch wie eine ältere, wenig souveräne Lehrerin und nicht wie die strippenziehende, bösartige Intrigantin, die sie tatsächlich ist.

Musikalisch bestimmen in der Neu-Inszenierung elektronische Instrumente den Klang. Dies wird nicht nur bei „Der Zauberer und ich“ überdeutlich. Dadurch geht sehr viel Gefühl verloren, es klingt alles recht nüchtern. Zusätzlich war das Sound-Design an diesem Abend (noch) nicht ganz ausgewogen und die Musiker haben die Sänger nicht selten übertönt. Dass die Projektionen nicht immer von Vorteil sind, zeigt sich hier ebenfalls, denn anstelle sich auf Elphaba und ihre Träume und Ängste zu konzentrieren, lässt man sich nur allzu leicht von den Sternen etc. rund um die Protagonistin ablenken.

Dass die Choreografien noch nicht ganz sitzen, sieht man in der Szene „Was fühl ich in mir?“ sehr deutlich. Viele nicht synchrone Schrittfolgen, eine Schlangenlinie anstelle einer geraden Reihe, alles noch nicht gänzlich überzeugend. Auch „Tanz durch die Welt“ wirkt durch den ziemlich plumpen Pop-Beat und etwas altmodische Hip-Hop-Elemente sehr holprig. Fiyeros Auftritt in der Uni-Mensa gerät hier beinahe zur Nebensache.

Deutlich kritisieren kann man, dass auf Deutsch von der „Ozkothek“ als dem angesagtesten Tanz-Club gesprochen wird, in diesem allerdings „Oz Dust Ballroom“ (die englische Bezeichnung) auf dem DJ Pult steht. Solche Inkonsistenzen müssen nicht sein.

Ein Highlight dieser Inszenierung ist – dank Jeannine Wacker als Glinda – „Heiß geliebt“: Sie quietscht nicht so arg beim Singen, aber spielt die Klischee-Tussi sehr glaubhaft. Wacker und Vajèn van den Bosch als Elphaba harmonieren nicht nur gesanglich gut, sondern ergänzen sich auch schauspielerisch. Van den Bosch überzeugt zudem mit „Ich bin es nicht“ durch viel Gefühl.

Irgendwann darf Elphaba zum Zauberer in die Smaragdstadt fahren: Der Zug erinnert mehr als nur vage an den 1940er Jahre Comic-Stil, die Kostüme sind wieder sehr gleichförmig und maximal zweifarbig. Von Grüntönen in allen erdenklichen Schattierungen und Designs, für die es 2004 einen Tony Award gab, sieht man hier nichts. Die Choreografien mit Zylinder und grünen Handschuhen wecken Erinnerungen große Ensemble-Nummern à la Bob Fosse und / oder „Chorus Line“. Sie stören das Gesamtbild nicht, aber neu oder urban ist hieran nichts.

Der Zauberer von Oz nutzt in der Neuinszenierung eine an Abraham Lincoln erinnernde Statue mit Wasserkopf, um die Ozianer einzuschüchtern. Die projizierte Mimik ist sehr hölzern und Frankenstein-ähnlich. Das hätte man mit modernen Mitteln sicherlich authentischer umsetzen können.

Der Zauberer selbst ist kein eleganter älterer Herr, sondern ausnehmend böse, nur auf seinen Eigennutz fokussiert und hat in Madame Akaber (übrigens unverändert im Schul-Outfit) seine hinterlistige Gespielin. Sofort wird von den fliegenden Affen als Spitzel gesprochen. Um das Wohlergehen der Tiere geht es dem Gespann in keinster Weise. Dass Elphaba hier nur noch weg möchte und zutiefst enttäuscht ist, kann man gut verstehen.

Es folgt der eigentliche Showstopper der Show: „Defying Gravity“, zu Deutsch „Frei und schwerelos“. Leider fingert Van den Bosch etwas lange an ihrem Besen herum und auch der aus dem Hintergrund zu Hilfe eilende Bühnenmitarbeiter hilft nicht, die Magie dieser Szene aufzubauen. Sanft an zwei Seilen hin und her schaukelnd, gibt Van den Bosch ein druckloses „Frei und schwerelos“ zum Besten und schwebt dann in bester „Mary Poppins“ Manier über die Köpfe der Zuschauer hinweg in den Rang.

Ja, die Szene ist anders als bisher, aber moderner als das mit Licht, Wind und Stoff gelungen eingefasste Hubpodest der Originalproduktion ist dieser Flug keinesfalls. Denn „Mary Poppins“ fliegt schon seit 2004 auf diese Weise durch die Musicaltheater dieser Welt…

Auf dem rosenumrankten Balkon des Oz-Towers überrascht eine etwas geknickt wirkende Glinda das Volk und Fiyero mit ihrer Verlobung. In Evita-Pose zelebriert sie unter dem allgegenwärtigen Regenbogen „Wie herrlich“ das Leben ist, nachdem Elphaba verschwunden ist. Die Flügelbewegung der Hände von den sie anhimmelnden Ozianern erklären sich vor allem vor dem Hintergrund der fliegenden Spitzel-Affen jedoch nicht wirklich.

Nach dem Tod des Vaters ist Nessa, Elphabas Schwester, die Gouverneurin. In einem spritzigen Elektro-Rollstuhl fährt sie über die Bühne. Für Spiegelfolie auf dem Standspiegel hat es offenbar leider nicht gereicht. Welchen Zweck diese Kulisse hat, bleibt im Verborgenen. Der Effekt ihrer sich von silbernem Diamantglitzer in die bekannten roten Schuhe verwandelnden Pumps ist hingegen gelungen. Pamina Lenn spielt und singt hier sehr intensiv, fast schon bösartig, als sie erkennt, dass Elphaba alles nur noch schlimmer macht.

Etwas befremdlich wirkt die Drehscheibe, auf der Elphaba und Fiyero ihre Zweisamkeit („Solang ich Dich hab“) genießen. Gesanglich ist dieses Duett jedoch sehr schön. Van den Bosch ist gefühlvoll intensiv und Naidjim Severina kann den Soul in seiner Stimme sehr effektvoll einsetzen.

Der von Madame Akaber herbeigeführte Wirbelsturm, dem Nessa zum Opfer fällt, um Elphaba aus ihrem Versteck zu locken, bleibt hinter den technischen Möglichkeiten zurück: Eine Strudelprojektion, ein paar Lichtblitze in den Trümmerkulissen an der Saaldecke, ein defekter Fernseher (gab es die damals schon?) auf der Bühne, dem unerwartet Dorothy entsteigt und von Glinda zum Diebstahl der roten Schuhe motiviert wird.

Glinda mutiert in dieser Szene optisch endgültig zur Barbie, sind ihre Korsage und die Volants um die Taille doch aus unbeweglichem Plastik geformt. Elphaba adressiert das „blonde Wonneproppenhirn“ ganz zutreffend…

Außer sich vor Wut zieht sich Elphaba in einen kirchenähnlichen Raum zurück. Der durch Lichtschienen auf den Boden dargestellte Stern bildet das Zentrum des Raums und soll augenscheinlich ein „Hexenkreuz“ darstellen. Warum dieser Stern auf der Bühne aber acht Ecken hat und kein Pentagramm mit den überlieferten fünf Zacken ist, verwirrt sehr. „Gutes tun“ ist sehr klassisch musicalesque inszeniert. Leider baut der Song so nicht die Intensität auf, die ihm innewohnt.

Nach dem „Marsch der Hexenjäger“, bei dem Moq (leider in einem Blechmannkostüm aus Stoff) in Anwesenheit des feigen Löwen direkt zur Tötung von Elphaba aufruft, finden Moq, Löwe und Vogelscheuche die grüne Hexe in ihrem Kirchenzimmer. Dorothy, die ebenfalls dabei ist, gießt einen Eimer mit Glitzerpartikeln über Elphaba, die daraufhin im Bühnenboden verschwindet und nur ihren Hut zurücklässt. Diese plakative Art der Inszenierung nimmt den Zuschauern jegliche Fantasie ab und greift einmal mehr auf veraltete kreative Möglichkeiten zurück.

Als der Zauberer von Glinda erfährt, dass er seine eigene Tochter auf dem Gewissen hat, liefert Andreas Lichtenberger ein weithin sichtbares mimisches Overacting ab. Der in dieser Inszenierung von sich so überzeugte Zauberer fällt unerwartet schnell in sich zusammen und verlässt Oz auf Nimmerwiedersehen.

Während Glinda ihrer Rolle treu bleibt, Madame Akaber wegsperren lässt und dem Volk als neue Anführerin die seifenblasig-rosige Richtung vorgibt, eilt Vogelscheuche Fiyero zu seiner Elphaba und befreit sie aus ihrem Versteck. Die Maske scheint jedoch für Severina nicht optimal zu sitzen, denn sein Gesang klingt doch allzu nasal.

Zurückgehend auf das Ziel des Kreativ-Teams, für Hamburg ein neues und modernes „Wicked“ zu schaffen, das mit viel Magie und Humor ein brandaktuelles, klassisch-berührendes Musicalmärchen ist, muss man leider feststellen, dass diese Ziele nicht erreicht wurden.

Weder ist die Neuinszenierung von „Wicked“ technisch auf einem besonders modernen Niveau, noch sind die Kostüme sonderlich kreativ – im Gegenteil. Das penetrante Einblenden des Regenbogens, der spärliche Einsatz von genderkonformer Sprache und ein Hexenjäger-Schild, das proklamiert, dass „Hexen schlecht für das Klima“ sind, machen die Show nur oberflächlich politisch. Da viele Zusammenhänge nur allzu plastisch gezeigt werden, brauchen die Zuschauer auch kaum mehr nachzudenken, um der Handlung folgen zu können. Einzig die Choreografie wird ihren Zielen gerecht: Sie fällt so wenig auf, dass man im Nachhinein kaum zu sagen vermag, ob sie nun urban war oder nicht.

Das neue „Wicked“ hätte neben all diesen äußeren Faktoren auch schlichtweg durch herausragende Darsteller punkten können. Doch leider kann Jeannine Wacker die Show nicht allein tragen. Das wäre auch gar nicht die Aufgabe der Glinda. Vajèn van den Bosch überzeugt in erster Linie in den Duetten, solistisch scheint ihr jedoch leider manches Mal – sicher auch aufgrund des nicht ganz optimalen Sounds – der Halt zu fehlen, weshalb Songs wie „Frei und schwerelos“ und „Gutes tun“ nicht wirklich zünden.

Susanne-Elisabeth Walbaum und Andreas Lichtenberger bleiben als Duo Infernale hinter den Erwartungen zurück. Es mag an der Personenregie liegen, dass die beiden nicht an die spitzfindigen Interpretationen ihrer Rollenvorgänger anknüpfen können, ist aber sehr schade.

Schauspielerisch und gesanglich können Gianni Meurer als Dr. Dillamonth und Pamina Lenn als Nessarose Glanzpunkte setzen, doch auch sie können das Ruder nicht herumreißen.

Führt man sich vor Augen, dass die teuersten Tickets in Hamburg mit allen Gebühren 170 Euro kosten, während man in London eine wesentlich opulenter ausgestattete Inszenierung in derselben Preiskategorie für „nur“ 150 Euro anschauen kann, stellt sich wirklich die Frage, ob künstlerische Ziele bei dieser Neuinszenierung überhaupt eine Rolle gespielt haben.

Michaela Flint
gekürzt erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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Am 29. August 2021 wurde eine sehr besondere „Wicked in Concert“ Aufnahme gezeigt – aufgenommen an verschiedenen Orten in den USA, mit der Spenden gesammelt wurden, um die Zwecke von PBS zu unterstützen.

Das American Pops Orchestra unter der Leitung von Luke Frazier liefert ein beeindruckendes Opening ab und setzt direkt Maßstäbe, die die Musiker auch den Rest des Abends auf höchstem Niveau halten können. Frazier betont, dass es Stephen Schwartz gelingt, die ganze Bandbreite der menschlichen Gefühle in seiner Musik einzufangen. Da macht es auch ihm als Dirigenten besonders viel Spaß, diese Emotionen mit seinem Orchester zu entfesseln.

Idina Menzel und Kristin Chenoweth übernehmen bei diesem von Bayoork Lee inszenierten Konzert die Moderation. Sie erzählen die Geschichte von „Wicked“, die dann durch ganz spezielle Performances der Songs ergänzt werden.

Gabrielle Ruiz („In the Heights“) und Amber Riley („Glee“, „Dreamgirls“) machen den Anfang: Ganz pur gestaged kommt die Energie des Songs „What is this feeling?“ prächtig zum Tragen. Nach ihrem Auftritt kommen beide Künstlerinnen noch in einer kurzen Interview-Sequenz zu Wort und dürfen ihre Beziehung zu „Wicked“ schildern.

Chenoweth betont, dass es bei „Wicked“ nicht um die Vogelscheuche oder den Wirbelsturm geht, sondern um Freundschaft und um Elphabas Visionen von einer besseren Welt. Menzel fügt hinzu, dass Freundschaft manchmal eine holprige und verwirrende Angelegenheit sein kann.

Rita Moreno (Anita in der „West Side Story“ von 1961) und Ariana DeBose („Hamilton“, „West Side Story“ 2021) performen in der Folge eine Gänsehaut-Version von „The Wizard and I“. DeBose hat eine wunderbare Klangfarbe, ihre Phrasierungen verleihen diesem Song noch mehr Magie.

Im folgenden Special werden eine „original arrangements and interpretations“ zum Besten gegeben. Das ist dann aber manchmal doch etwas zu schräg und individuell.

Seit der 7. Klasse liebt Isaac Powell (“Mamma Mia”, “Once on this island”) Musicals. Und das nur weil er “Wicked“ gesehen hat. Das glaubt man ihm sofort! Seine Version von „Dancing through life“ in einer Big Band Fassung klingt ungewohnt, aber funktioniert sehr gut.

Nicht weniger ungewöhnlich ist das daran anschließende „I’m not that girl“ von Stephanie Hsu („SpongeBob Musical“). Nur mit Cello und Harfe begleitet, bekommt dieser Song eine ungeahnte Verletzlichkeit und Tiefe.

Wenn jedoch direkt danach Alex Newell („Glee“, „Once on this island“) übernimmt, wird’s lustig: Zu „Popular“ tanzt er zwischen vier Klavieren umher, umgarnt die Pianisten und bringt die Zuschauer mit seiner unnachahmlichen Mimik zum Lachen.

Auch wenn Mario Cantone (Sex and the City“) findet, dass „Wicked“ wie die Beatles seien – „Jeder ist davon besessen!“ – ist seine Version von „Wonderful“ eher schauderhaft. Das Orgel-Intro in bester Hollywood-Manier klingt super, doch im Zusammenspiel mit dem Gesang wird das Ganze sehr disharmonisch. Und für eine bewusste Persiflage eignet sich diese Fassung leider auch nicht.

Cynthia Erivo „Harriet“, „The Color Purple“) hat sehr viel Freude an ihrem Song: „I couldn’t be happier“ klingt für sie zwar eher wie ein Schlaflied, aber sicherlich wie eines, das man sehr gern und sehr oft singt.

„Defying Gravity“ von einer Soul-Sängerin? Ist das vorstellbar? Nicht nur das, Amber Riley zeigt deutlich hörbar, wie gut Soul & Stephen Schwartz zusammenpassen. Zweifelsohne eine ungewöhnliche, aber sehr gelungene Mischung und Rileys Energie trägt ihren Teil dazu bei, diesen Auftritt zu einem der Konzert-Highlights zu machen.

Im nächsten Special werden einige Szenen aus den Proben gezeigt. Bayoork Lee bei der Arbeit zuzusehen, ist manchmal sehr amüsant.

Eine der ergreifendsten Performances zeigen Ali Stroker („Spring Awakening”, “Oklahoma”) und Gavin Creel („Hello, Dolly“, „Waitress“) mit „As long as you’re mine“. Der Song scheint ihnen auf den Leib geschrieben: Stimmen, Klangfarbe und Emotionen sind perfekt. Die Energie zwischen den beiden ist fantastisch.

Etwas befremdlich kommt dagegen Jennifer Nettles („Chicago“) „No good deed“ daher: Sie hat eine klassische Stimme und phrasiert den Song so seltsam, dass man denken könnte, sie hätte nicht verstanden, worum es geht. Auch ihr durchaus sehr starker Ausdruck weckt hieran Zweifel.

Gabrielle Ruiz versöhnt dann aber wieder mit einer sehr schönen Version von „I‘m not that girl“.

Das Highlight schlechthin ist natürlich „For good“, das Idina Menzel und Kristin Chenoweth auf sehr persönliche Art interpretieren. Man möchte auf jeden Fall glauben, dass die beiden Leading Ladies durch „Wicked“ auch im echten Leben zu Freundinnen geworden sind.

„Wicked in Concert“ ist eine großartige Möglichkeit mit einmaligen Interpretationen bekannter Songs Spenden für einen guten Zweck zu sammeln.

PBS erbringt einen enormen Beitrag, um den Horizont von Kindern zu erweitern, mit Dokumentarfilmen neue Welten zu erschließen und Amerika die Welt der Musik, des Theaters, des Tanzes und der Kunst näherzubringen. So macht Spendensammeln Spaß!

Michaela Flint

Theater: diverse
Stream auf PBS.org: seit 29. August 2021
Darsteller: Idina Menzel, Kristin Chenoweth, Amber Riley, Gabrielle Ruiz, Cynthia Erivo, Rita Moreno, Ali Stroker, Gavin Creel, Ariana DeBose, Isaac Powell, Alex Newell, Stephanie Hsu, Jennifer Nettles, Mario Cantone
Regie / Musik: Bayoork Lee / Stephen Schwartz
Fotos: Elman Studio, LLC / Nouveau Productions, LLC

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Magie spielt eine große Rolle bei „Wicked“. Winnie Holzman hat “Wicked: The Life and Times of the Wicked Witch of the West” von Gregory Maguire für die Musicalbühne adaptiert und erzählt die Geschichte einer besonderen Freundschaft, von Neid und Eifersucht, Starrsinn und Liebe. Es geht um Elphaba und Glinda, die Kinder als die gute und böse Hexe aus dem „Zauberer von Oz“ kennen. Glinda ist eine wohlerzogene, sehr von sich überzeugte junge Frau, die es gewohnt ist, dass alle nach ihrer Pfeife tanzen. Elphaba kämpft wegen ihrer grünen Hautfarbe zeitlebens gegen Vorurteile und Ablehnung. Beide treffen an der Universität aufeinander und freunden sich trotz ihrer deutlichen Verschiedenheit an. Dies geht solange gut, bis Elphaba beginnt, das Handeln des allmächtigen Wizard of Oz zu hinterfragen, und eskaliert als Glinda feststellen muss, dass sich ihr Auserwählter Fiyero in Elphaba verliebt hat. Aus Freundinnen werden erbitterte Feinde, auch wenn es beiden sehr leidtut, dass die frühere Freundin nicht mehr zu den eigenen Überzeugungen passt.

Glinda handelt grundsätzlich sehr opportunistisch und kann es nicht ertragen, nicht beliebt zu sein. Elphaba ist es gewohnt anzuecken und steht zu ihrem polarisierenden Äußeren. Diese beiden konträren Charaktere werden von Mme. Morrible zu Zimmerkameradinnen gemacht. Glinda hat Mitleid mit Elphaba und macht sie zu ihrem neuen Projekt („Popular“). Elphaba, die eigentlich nur auf der Uni ist, um ihre Schwester Nessarose zu unterstützen, fühlt sich geschmeichelt. Doch die Veränderungen an der Uni – der Verweis von sprechenden Tieren als Lehrkräfte – treiben sie sehr um. Ihre „magischen“ Wutausbrüche bringen jede Menge Schrecken mit sich, doch Mme. Morrible erkennt Elphabas Talent und fördert sie. Elphaba bekommt die Chance, den Wizard of Oz kennenzulernen und merkt sofort, dass der alte Mann eine Mogelpackung ist. Sie sagt dem ach so großartigen Zauberer den Kampf an („Defying Gravity“) und wird dank ihrer Unbeugsamkeit von Mme. Morrible zur „Wicked Witch of the West“ erklärt, die es einzusperren gilt. Im Gegenzug wird Glinda als „Glinda the Good“ postuliert.

Elphaba weiß Fiyero an ihrer Seite und fühlt sich stark genug, ihre Schwester mithilfe von Magie aus dem Rollstuhl zu befreien, an den sie seit ihrer Geburt gefesselt ist. Nessarose freut sich so sehr, dass sie hofft, nun endlich Boqs Liebe zu gewinnen. Doch als dieser die Gelegenheit nutzt, um sich von seiner Pflicht als Nessas „Bediensteter“ zu entsagen, versucht sie ihn mit einem Zauberspruch an sich zu binden. Doch dies misslingt und Boqs Herz wird zu Stein. Elphaba versucht ihn zu retten und macht ihn zum Blechman (Tin Man). Keine Frage, dass weder Nessarose noch Boq mit dieser Lösung glücklich sind und Elphaba die Schuld an allem geben.

Elphaba ist verzweifelt und geht nochmal zum Wizard of Oz, der ihr erneut eine Zusammenarbeit anbietet. Doch als sie ihren ehemaligen Lehrer Dr. Dillamond in einem der unterdrückten Tiere erkennt, platzt ihr der Kragen und sie flieht mit Fiyeros Hilfe. Um sie aus ihrem Versteck zu locken, lässt Mme. Morrible einen Wirbelsturm wüten, der zu Nessas Tod führt. In dem Haus, das Nessa erschlägt, befanden sich Dorothy und ihr Hund Toto. Als Elphaba herausfindet, dass Glinda Dorothy die roten Schuhe ihrer Schwester geschenkt hat, sperrt sie das Mädchen in einem Verlies ein, bis diese ihr die Schuhe zurückgibt.

Es kommt zum Showdown als Glinda versucht, die trauernde Elphaba in eine Falle zu locken. Fiyero, inzwischen zum Captain der Wachen befördert, verhindert dies, wird daraufhin aber selbst festgenommen. Auch ihm versucht Elphaba mit einem Zauberspruch zu helfen, was erneut misslingt. Inzwischen hat Mme. Morrible ganz Oz gegen Elphaba aufgehetzt („March of the Witch Hunters“). Da alles, was sie an guten Taten in Angriff nimmt, nicht klappen will, schwört sie, sich nur noch ihrem Ruf entsprechend zu verhalten („No Good Deed“).

Glinda versucht Elphaba ein letztes Mal ins Gewissen zu reden. Die Hexen erkennen, das beide Fehler gemacht haben. Insbesondere Glinda muss erkennen, dass sie Mme. Morrible und den Wizard falsch eingeschätzt hat. Als Elphaba die Nachricht von Fiyeros Tod erhält, gibt sie auf. Glinda muss tatenlos mit ansehen, wie es Dorothy gelingt, einen Eimer Wasser über Elphaba auszuschütten, so dass sie sich in Luft auflöst.

In Oz kann wieder Ruhe einkehren und eine sichtlich geläuterte Glinda muss den Bürger die Geschichte von der „Wicked Witch of the West“ immer wieder erzählen.

Doch sowohl Fiyeros als auch Elphabas Tod waren eine List: Die beiden treffen sich in einem versteckten Schloss von Fiyeros Familie wieder und leben fortan als Vogelscheuche und Hexe zusammen. Wissen darf davon natürlich niemand…

Es ist wundervoll zu erleben, wie phantasievoll die Geschichte hinter dem weltbekannten „Zauberer von Oz“ auf der Musicalbühne erzählt wird. Schon die Bühne (Eugene Lee) mit Zahnrad-Konstruktionen links und rechts, einer großen Brücke, Glindas „fliegender Seifenblase“, dem „Thron“ des Wizard und nicht zuletzt Elphabas Flug am Ende des 1. Akts sind beeindruckend. Wunderschön sind auch die Kostüme, die Susan Hilferty entworfen hat: Es sind wirklich alle Schattierungen von grün dabei. Spannend sind die zahlreichen Details, denn kein Kleid sieht aus wie das andere. Gleiches gilt auch für die Perücken und Hüte (Tom Watson). Natürlich sticht Glinda mit ihren zunächst pinkfarbenen, später hellblauen Kleidern und Pumps aus der Masse hervor. Aber auch Elphabas durchgehend schwarze Kleider sind in dieser Show „besonders“.
So prachtvoll die Damen ausgestattet sind, so schlicht schaut es bei den Männern aus. Klassische Schnitte und Uniformen bilden einen gelungenen Gegenpol zu all dem smaragdfarbenen Prunk der Ozians.

Nicht zuletzt sind es aber Stephen Schwartzs mitreißende, abwechslungsreiche Songs, die diese Show zu einem Dauerbrenner am Broadway und im West End machen. Auch seine Texte sind mal spitze, mal lustig, mal einfühlsam, und tragen somit dazu bei, dass man sich gern mit den Charakteren befasst.

Am Ende steht und fällt „Wicked“ aber mit der Besetzung der Hauptrollen. Idina Menzel und Kristin Chenoweth haben die Rollen von Elphaba und Glinda 2003 am Broadway kreiert und jede nachfolgende Hexe muss sich an ihnen messen lassen. In London hat man mit Nikki Bentley eine exzellente Künstlerin als Elphaba engagiert. Sie verfügt über eine unglaubliche Stimmkontrolle und legt viel Gefühl in ihre Interpretation. Ihre intensive Mimik und ihr Gespür für Pointen begeistern. Natürlich ist „Defying Gravity“ DER Showstopper dieses Musicals, aber Bentleys „No good deed“ ist derart raumgreifend und eindringlich, dass man fast das Atmen vergisst. Helen Woolf verleiht Glinda ein fast schon zu strenges Auftreten. Doch sie spielt schön überdreht (“Popular“) und sammelt einige Sympathiepunkte.

Idriss Kargbo bleibt als Boq leider etwas blass, dabei kann man auch aus der Rolle des unsterblich in Glinda verliebten Munchkins einiges herausholen. Mme. Morrible ist streng und sehr herablassend. Kim Ismay spielt diese Rolle in Perfektion, wenn sie auch gesanglich nichts ganz überzeugen kann. Den großväterlich-liebevollen Wizard gibt Andy Hockley, doch es schwingt ganz klar mit, dass der Wizard nicht ganz ungefährlich ist. Als Glindas Objekt der Begierde und Elphabas Beschützer Fiyero steht Alistair Brammer auf der Bühne. Er ist hübsch anzusehen, setzt aber keine Akzente, was insbesondere im Hinblick auf seine gesanglichen Fähigkeiten (u. a. Chris in „Miss Saigon“) sehr bedauerlich ist.

Das Ensemble reißt das Publikum mit. Wayne Cilento (Musical Staging) und James Lynn Abbott (Dance Arrangements) nutzen die gesamte Bühne in Breite und Tiefe. Die Choreographien sind genauso phantasievoll wie das Stück selbst. Sie sind raumgreifend und ausladend. Die schwingenden Röcke werden von beiden sehr gelungen in Szene gesetzt.

Die mehr als 25 Orchestermusiker unter der Leitung von Adam Rowe sorgen für satten Klang. Genauso klingt ein Broadway-Hitmusical! „Wicked“ ist ein Beleg dafür, dass es auch heute noch erfolgreiche Long-Runs gibt, denn in London wurde am 10. Oktober 2019 der 10-millionste Besucher begrüßt und am Broadway überholte „Wicked“ nur wenige Tage später „Les Misérables“ als dort am fünflängsten gespieltes Musical (6.681 Shows am 28. Oktober 2019).

Musik, Story, Bühne, Kostüme, Choreographien und herausragende Darsteller bilden hier ein unwiderstehliches Gesamtkunstwerk, dem sich niemand entziehen kann!

Michaela Flint

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Erst 15 Jahre später sollte es eine englischsprachige Fassung geben. Für die Premiere im La Jolla Playhouse in San Diego im Herbst 2014 wurde James Lapines Buch von Peter Parnell dahingehend überarbeitet, dass weniger das Süßliche im Mittelpunkt steht, für das Disney so beliebt ist, sondern die einzelnen Charaktere deutlich mehr Tiefgang bekommen.

Auch Alan Menken und Stephen Schwartz haben die Songs überarbeitet bzw. ergänzt und durch den Einsatz eines großes (Kirchen-)Chores der ganzen Show ein noch beeindruckenderes Klangbild gegeben.

Diese neue, „erwachsene“ Ausrichtung wird schon in der ersten Szene spürbar: Frollo ist ein verbitterter, fast schon bösartiger Kirchenfürst. Doch ein Rückblick in seine Vergangenheit zeigt, dass er sich seit Jugendtagen schuldig fühlt, seinen Bruder, der mit einer Zigeunerin durchbrennen wollte, im Stich gelassen  zu haben.

Quasimodo ist demzufolge auch kein Findelkind, sondern der Sohn seines Bruders und damit Frollos eigen Fleisch und Blut. Frollo (gespielt von einem herausragenden Felix Martin) versucht, sich der „Missgeburt“ zu entledigen, bringt es aber nicht über sich und verschreibt sich fortan der Kirche .

Zum „Narrenfest“ wird es nicht nur bunt auf der Bühne, auch die Integration von verschiedenen Religionsspezifischen  Klanginstrumenten ist sehr gelungen. Überhaupt wird hier viel mit mehr oder weniger subtilen Hinweisen gespielt, die – wenn man sie wahrnehmen möchte – durchaus Spaß machen. König Louis XI , der mit der durch Andrea Merkel bekannt gewordenen Handhaltung des stabilen Dreiecks über die Bühne streitet, ist nur ein Beispiel hierfür.

In Parnells Vorstellung lebt Quasimodo in seiner Welt über den Dächern Paris’ nicht mit einigen wenigen Wasserspeiern zusammen, sondern mit fast zwei Dutzend, die ihm alle gehörig die Meinung sagen, ihm aber auch nahezu bedingungslos zur Seite stehen. Einzig als der frustrierte und verletzte Quasimodo seine steinernen Freunde anzweifelt und beleidigt („Nur aus Stein“), ziehen sie sich (vorübergehend) von ihm zurück.

Jede der Glocken, die in Alexander Dodges Bühnenbild anmutig und gewaltig zugleich erscheinen, hat einen Namen, den Quasimodo ehrfurchtsvoll und voller Liebe ausspricht. „Draußen“ hat einen wunderschönen, kindlichen Charme und ist voller Neugier. David Jakobs gelingt es, den entstellten Glöckner stimmlich sehr verletzlich zu intonieren. Seine Jugend hilft ihm dabei, binnen Sekunden zu einem großen Sympathieträger zu werden.

Das Kostümdesign von Alejo Vietti besticht durch viele Details und eine weniger „schreiende“ Farbenpracht. Es wirkt alles etwas dezenter und natürlicher als man es sonst von Disney-Musicals gewöhnt ist. Kostümwechsel finden vor den Augen der Zuschauer statt, in dem kleine Einzelteile ausgetauscht werden, die das Gesamtbild komplett verändern.

Dies gilt auch für die alle Männer bezirzende Esmeralda (Mercedesz Csampai). Ihr Slow-Motion-Tücher-Tanz ist sehr lasziv gedacht, doch Csampai wirkt zu sehr wie eine Latina und ihr Hüftschwung ist mit dem einer versierten Bauchtänzerin nicht zu vergleichen. Dies mag aber durchaus Absicht von Chase Brock (Choreographie) gewesen sein, denn auch viele Ensemble-Tanznummern haben einen eindeutig spanischen Einschlag, der aber leider von den Tänzern tendenziell wenig akkurat umgesetzt wird.

Die drei Männer – Frollo, Hauptmann Phoebus  und Quasimodo – wickelt Esmeralda spielend um den Finger. Ihre Zuneigung zu Quasimodo ist echt, sie verbringt Zeit mit ihm im Glockenturm von Notre Dame, lässt sich von ihm Gebärdensprache (toller Clou, denn laut Hugo’s Vorlage hat Quasimodo durch den Lärm der Glocken sein Gehör verloren) beibringen und fühlt sich sichtlich geborgen.

Ihre Stärke zeigt sich insbesondere dann, wenn sie sich frech gegen Frollo stellt.

Dieser sieht in ihr zunehmend eine Bedrohung – nicht nur für seine selbst auferlegte Keuschheit. Die erblühende Leidenschaft zwischen Esmeralda und Phoebus ist ihm ebenso ein Dorn im Auge wie die Zuneigung, die Esmeralda ganz offensichtlich für Quasimodo hegt. „Feuer der Hölle“ ist folgerichtig sehr intensiv, denn Felix Martin wird vom Chor großartig unterstützt – Gänsehaut pur!

Hauptmann Phoebus (Maximilian Mann) ist nicht bloß der tumbe Schönling, den man aus dem Disney-Trickfilm kennt, sondern hat durchaus Charakterstärke, die sich insbesondere in seinem Widerstand gegen Frollo zeigt. Den Kampf zwischen Frollo und Phoebus am Ende des ersten Akts beenden die Zigeuner mit einem (viele Zuschauer erschreckenden) Knalleffekt. Damit retten sie jedoch beiden Kontrahenten das Leben.

Doch das Drama geht weiter: Quasimodo muss mit ansehen, wie sich Esmeralda und Phoebus lieben, und Frollo verspricht Esmeralda Phoebus das Leben zu schenken, wenn sie ihm zu Willen ist. Sie willigt nur scheinbar ein, doch nachdem Phoebus bei Quasimodo in Sicherheit ist, wendet sie sich von Frollo ab und landet daher auf dem Scheiterhaufen. Dort spuckt sie Frollo ins Gesicht und sieht ihrem Ende entgegen. Doch Quasimodo rettet sie, während sich Clopin  um Phoebus Sicherheit kümmert.

Leider hält das vermeintliche Glück nicht lange: Esmeralda stirbt kurz nach ihrer Rettung, woraufhin sich Quasimodos geballte Wut entlädt und er den Verursacher allen Leids, Frollo, vom Kirchturm wirft.

Parnells Buch ist deutlich dichter dran an Victor Hugo’s düsterer Vorlage und lässt den „Disney-Filter“ weitgehend weg. Nicht unbedingt das Richtige für kleinere Kinder, aber ab 12 Jahren kann man die Handlung sicherlich verarbeiten. In Kombination mit symphonischen Showstoppern wie „Herz aus Stein“, „Hilf den Verstoß’nen“ und natürlich dem Ohrwurm „Einmal“ – der in der neuen Inszenierung sehr ruhig und melancholisch ist – wird der „Glöckner von Notre Dame“ richtig erwachsen.

Der Star der Show ist neben Quasimodo der 24-köpfige Chor, der mal a capella, mal als Verstärkung des Ensembles richtig Druck macht und für zahlreiche Gänsehautschauer sorgt. Die Zigeuner hingegen bleiben trotz schwungvoller Songs („Drunter Drüber“) blass, gleiches gilt für ihren „König“ Clopin (Gavin Turnbull), der zwar mit viel Wortwitz agiert, aber so richtig präsent ist er nicht.

Dafür haben die Wasserspeier – wie bereits erwähnt – deutlich an Bedeutung hinzugewonnen. „Ein Mann wie du“, Wie aus Stein“ und das finale „Einmal“ bestechen durch Witz, Freundschaft und Tiefgang. Insbesondere die letzte Szene, in der zunächst alle mit Masken und entstellt auf die Bühne kommen, was am Ende durch Quasimodo aufgelöst wird, indem er sich selbst von Buckel und Maske befreit, bleibt lange im Gedächtnis haften.

Die neue Tourfassung von „Der Glöckner von Notre Dame“ ist sehens- und hörenswert. Das Bühnenbild wirkt durch seine Holzkonstruktion spartanisch und warm zugleich. Das Orchester (in Stuttgart unter der bewährten Leitung von Bernhard Volk) verleiht Menkens Kompositionen genau das richtige Volumen und bringt sowohl die leisen Töne als auch die symphonischen Passagen absolut souverän zu Gehör.

Die aktuelle Besetzung ist durch die Bank gut, allen voran David Jakobs, der den verspielten, naiven und liebenswert ehrlichen Quasimodo sowohl spielerisch als auch gesanglich von der ersten bis zur letzten Minute sehr glaubwürdig durch die Achterbahn der Gefühle steuert. Felix Martin gelingt der Spagat zwischen Frollos durch eigene Fehler und dem klerikalen Machtmenschen bedingte Verbitterung hervorragend. Es ist spannend zu sehen, wie Martin hinter dieser streitbaren und umstrittenen Figur verschwindet. So kennt man ihn ganz sicher nicht. Und Mercedesz Csampai legt Esmeralda weniger oberflächlich an als man es sonst gewohnt ist. Manchmal ist sie jedoch zu ernst und zu erwachsen, da wäre etwas mehr Leichtigkeit schöner gewesen.

Doch auch in Scott Schwartz’s Inszenierung sind es die Wasserspeier, die das gesellschaftliche Gewissen repräsentieren. Hier findet sich jeder in der ein oder anderen Ansicht oder Haltung wieder. Großartig!

Michaela Flint

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Inhaltlich hat sich Struppeck auf die bewegte und bewegende Liebesgeschichte von Emanuel und Eleonore Schikaneder gestürzt: Als junge Künstler verlieben sich die beiden Hals über Kopf. Um das Theater, in dem beide aktiv sind, vor der Schließung zu bewahren, heiraten sie und werden mit ihrem Ensemble zu einer der erfolgreichsten Theatertruppe Österreichs.

Doch Emanuel ist kein Kostverächter und hat diverse außereheliche Liebschaften, was Eleonore bis zu dem Zeitpunkt toleriert, als eine seiner Gespielinnen ein Kind erwartet. Sie trennt sich von Emanuel (an Scheidung war damals nicht zu denken) und geht mit dem Autor und Schauspieler Johann Friedel nach Wien, um mit ihm das Theater auf der Wieden zu betreiben.

Doch die beiden Schikaneders sind einzeln bei weitem nicht so erfolgreich wie als Paar, und so machen ihre beiden Theater große Verluste. Als der ohnehin dauerhaft kränkelnde Johann plötzlich stirbt, sieht Emanuel seine Chance gekommen, und auch Eleonores Ensembles redet ihr zu, wieder mit ihrem Mann zusammenzuarbeiten, um das Theater zu retten.

Eleonore wirft ihre Bedenken über Bord und geht eine Zweckgemeinschaft mit Emanuel ein, die mehr schlecht als recht funktioniert. Als sie von einem potentiellen Käufer unter Druck gesetzt werden, entdecken beide wieder ihre kreative Ader und dass, was sie einst zusammengeschweißt hat. Gemeinsam denken sie sich die Geschichte von Papageno, Papagena und der Königin der Nacht aus. Es gilt noch einige geschäftliche und private Hürden zu meistern, doch am Ende wird ihre „Zauberflöte“ ein großer Erfolg.

Diese abwechslungsreiche Geschichte kann durchaus für ein abendfüllendes Musical taugen – es gibt Musicals mit weitaus weniger Handlung. Auch optisch gibt die Zeit vor dem Wechsel ins 19. Jahrhundert sicherlich viel her, mit dem sich Kostüm- und Szenenbildner befassen können. Einen kleinen Eindruck hiervon bekommt man in CD-Booklet, das viele Fotos enthält.

Doch zentral für ein Musical ist vor allem die Musik…

Stephen Schwartz, der mit „Wicked“ eines der erfolgreichsten Musicals der letzten 15 Jahre komponiert hat, begibt sich bei „Schikaneder“ auf ein unerwartetes Terrain: Die komplette Partitur ist sehr klassisch angelegt, es sind kaum typische Musicalelemente zu hören. Vieles klingt nach einer Mischung aus gefälligem 1960er Jahre Filmsoundtrack gemischt mit Elementen aus Opern und Operetten, die logischerweise nicht selten nach Mozart klingen (der vermehrte Einsatz von Piccolo-Flöten ist sicherlich kein Zufall). Hat man so etwas wie „Godspell“, „Wicked“ oder auch die Soundtracks von Disney’s „Der Glöckner von Notre Dame“ oder „Pocahontas“ im Kopf, ist man über die Wandlungsfähigkeit erstaunt.

Gleichzeitig ist man aber auch enttäuscht, dass sich Schwartz für solch klassische Kompositionen entschieden hat. Das mag zwar inhaltlich alles zusammenpassen, doch das frische, spannende, der Grund, warum man sich diese Show ansehen soll, fehlt hier völlig. Auch einen richtigen Ohrwurm sucht man vergebens.

An der Besetzung liegt es sicherlich nicht. Mark Seibert intoniert die wenig anspruchsvollen Songs von Emanuel Schikaneder weitgehend gefühlsarm, aber man hat nicht das Gefühl, dass hier etwas fehlt. Milica Jovanovic kann ihre klassische Stimme in der Rolle der Eleonore sehr treffend einsetzen, doch auch hier sind kaum Emotionen im Spiel. Aufhorchen lässt einzig Hardy Rudolz’ Solo als Franz Moser. Alles andere treibt unaufgeregt mit Schwartz’ Melodien mit.

Ob man dieses Doppel-Album zuhause nochmal in den CD-Player legt, nachdem man die Show gesehen hat? Ich wage es zu bezweifeln, auch wenn dieses Studioalbum technisch ohne Fehl und Tadel ist.

Michaela Flint

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