Nach den erfolgreichen Wiederaufnahmen im West End 2014 und am Broadway 2017 durfte sich auch Wien auf die Premiere dieses berührenden Klassikers freuen. Pandemie-bedingt fand die Premiere im Januar 2022 zwar deutlich später statt als geplant, doch die fünf Monate Spielzeit im zuvor komplett renovierten Raimund Theater sorgten für ein volles Haus!

Gino Emnes ist für das Wiener Publikum ein alter Bekannter. Als John kommt ihm die Rolle des väterlichen Freundes und im zweiten Akt des geläuterten Aufklärers zu, der versucht, wenigstens ansatzweise wieder gutzumachen, was der Einmarsch der Amerikaner in Vietnam zerstört hat. „Bui Doi“ ist der erwartete Showstopper. Der Chor ist grandios, das Orchester geht (nicht nur in diesem Song) unter die Haut. Emnes! nachdrückliches Spiel und die Art wie er die Worte „Bui Doi“ betont, machen diesen mahnenden Song noch intensiver.

Seit einigen Jahren gilt Oedo Kuipers in Wien als feste Größe. So überrascht es nicht, dass er als GI Chris eine der Hauptrollen in „Miss Saigon“ übernehmen darf. Er spielt gefühlvoll, wo es erforderlich ist, geht aber auch stark aus sich heraus, wenn es die Umstände erfordern. Auch gesanglich passt er sehr gut auf das Rollenprofil.

Neben den sehr guten Darstellerinnen und Darstellern lebt „Miss Saigon“ auch von der ein oder anderen technischen Finesse. Dazu zählt natürlich der Cadillac, der während des „American Dream“ des Engineers auf die Bühne gefahren kommt. Doch in erster Linie ist es immer wieder spannend zu sehen, wie der „Huey“, der im Vietnamkrieg eingesetzte Helikopter Bell UH-1 Iroquois, dargestellt wird. In der Wiener Inszenierung kann dies vollumfänglich als gelungen bezeichnet werden. Zunächst nur eine Projektion, öffnet sich kurz darauf ein Vorhang und gibt den Blick frei auf einen „schwebenden“ Huey mit drehenden Rotoren (sowohl oben als auch am Heck), in den die US-Soldaten reinklettern. Diese Szene zeigt die Arbeit von Produktionsdesign (Totie Driver und Matt Kinley), Lichtdesign (Bruno Poet), Sounddesign (Mick Potter), Projektionen (Luke Halls) und Orchestrierung (William David Brohn) in Reinkultur. Chapeau!

Die Wiener Inszenierung von „Miss Saigon“ hat definitiv ihre starken Momente, doch auch einige Längen. Hundertprozentig aus einem Guss wirkt die Produktion nicht, so sie reißt das Publikum zu stehenden Ovationen hin. Was will man mehr?!

Michaela Flint

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Zu dem Ensemble, das vier Monate bis zur Wiederaufnahme im dann umbenannten Sondheim Theatre, allabendlich in Kostümen in einer atemberaubenden konzertanten Version zu erleben ist, gehören

• Alfie Boe / John Owen-Jones als Jean Valjean
• Michael Ball als Javert
• Carrie Hope Fletcher als Fantine
• Shan Ako als Éponine
• Matt Lucas als Thénardier
• Katy Secombe als Mme Thénardier
• Rob Houchen als Marius
• Lily Kerhoas als Cosette
• Bradley Jaden als Enjolras
• Earl Carpenter als The Bishop

Diese Cast ist eine bunte (und sehr gelungene) Mischung aus Stars der britischen Musicalszene, aktuellem Ensemble der letzten Londoner Produktion und TV-Stars.

Das Theater ist bis auf den letzten Platz gefüllt und schon bei den ersten opulenten Klängen der Ouvertüre applaudiert das Publikum begeistert. Das Setting für diese konzertante Fassung ist ungemein clever – setzt sie doch das Orchester in seiner vollen Pracht in Szene. Matthew Kinley hat hier gemeinsam mit seinem Licht-Techniker Andrew Christie ganze Arbeit geleistet. Die 26 Musiker sind kaskadenförmig auf 4 Etagen platziert und werden von Alfonso Casado Trigo, hoch über allen direkt vor dem Backdrop stehend, zu Höchstleistungen angetrieben. Auch nach dem Ende der Show leert sich das Theater nur zögerlich, da die Zuschauer keinen einzigen Ton dieses Orchesters verpassen wollte.

Über 50 Darstellerinnen und Darsteller füllen die Bühne bis auf den letzten Zentimeter. Zu den Auf- und Abgängen auf die Seitenbühnen kommt noch eine Öffnung mittig unterhalb des Orchesters hinzu, die sich u. a. prima als Zugang zu den Katakomben von Paris nutzen lässt.

Die gewohnten Farbwelten bei den Kostümen bleiben genauso erhalten wie die düstere Umgebung. Die Barrikaden werden durch große Querstreben mit Scheinwerfern effektvoll dargestellt. Ein rundum gelungenes Bühnendesign, das den Protagonisten ausreichend Raum lässt, ihre Figuren mit Leben zu füllen.

Das Marketing zielt ganz klar auf die Anziehungskraft der Stars ab – und so finden sich zahlreiche Fans von Alfie Boe, John Owen-Jones, Michael Ball und Matt Lucas in den vollen Zuschauerreihen. Jeder einzelne der oben genannten Künstler wird seinem Ruf mehr als gerecht!

In der besuchten Vorstellung wurde Jean Valjean von John Owen-Jones gespielt. Dass er 1998 der jüngste Darsteller war, der jemals die Hauptrolle übernahm, merkt man ihm nicht an. Auch 20 Jahre später besticht er mit seinem stattlichen Auftreten, seiner raumgreifenden Bühnenpräsenz und seiner beachtlichen stimmlichen Bandbreite. Scheinbar spielend schraubt er sich bei „Bring him Home“ in höchste Höhen und legt soviel Gefühl in sein Spiel, dass man Gänsehaut bekommt.

Michael Balls Beziehung zu „Les Misérables“ ist noch einige Jahre älter, hat er doch in der Uraufführung 1985 den Marius gespielt, was ihn über Nacht zum Publikumsliebling machte. Im „Staged Concert“ gibt er den von Valjean besessenen Inspector Javert. Bei allen Vorbehalten gegenüber einem lyrischen Tenor, der versucht in die Rolle eines Baritons zu schlüpfen, muss man Michael Ball zugestehen, dass er sich intensiv mit der Figur des Inspectors befasst hat. Er spielt starrsinnig und energisch, teilweise sogar recht angsteinflößend. Stimmlich bewegt er sich auf ungewohntem Terrain, welches er aber souverän meistert. Bei „Stars“ erklingt aber die bekannte, weiche und volle Stimme, was sehr gut zu diesem Song und der emotionalen Instabilität Javerts passt.

Matt Lucas und Katy Secombe sind als Thénardiers eine Erscheinung – und dass nicht nur optisch! Ihre Sprüche und Neckereien zwischen den eigentlichen Songs sind, wie die Engländer sagen würden, „hillarious“. Das Publikum krümmt sich vor Lachen, wenn ein Matt Lucas alles mit höchster Geringschätzung kommentiert oder Katy Secombe die Eskapaden ihres Gatten mit unnachahmlich komischer Mimik quittiert. Ein wunderbares Zitat von Lucas in diesem Zusammenhang: Songtext „This one’s a queer, but what can you do?“ Kommentar mit Augenzwinkern: „Oh, I would have one or two ideas what to do with him…”

Der “Little Britain” Star weiß genau, wie er sein Publikum bedient!

Weder Secombe noch Lucas sind besonders gute Sänger, aber ihre Rollen geben es her, dass man mit viel Improvisationstalent sehr erfolgreich von diesem Manko ablenken kann.

Eine ungewöhnlich junge Fantine erwartet das Publikum in Form von Carrie Hope Fletcher. Sie spielt mit viel Gefühl, setzt sich aber gleichzeitig beeindruckend gegen die Freier zu Wehr, die ihr als Prostituierte zusetzen. Ihr sanfter und zugleich voller Sopran trifft bei „I dreamed a dream“ zielsicher mitten ins Herz.

Die letztjährige „X Factor“ Teilnehmerin Shan Ako kann sich als Éponine nur schwer gegen ihre erfahreneren Kollegen behaupten. Ihre wunderbare Soulstimme gibt aber bei „On my own“ einen ungewöhnlichen Twist, der aber vom Publikum begeistert angenommen wird.

Rob Houchen gibt einen selbstbewussten Marius, der genau weiß, was bzw. wen er will. Es ist ungleich viel schwerer seine Performance neutral zu genießen, wenn derjenige mit auf der Bühne steht, der diese Rolle kreiert hat, doch Houchen ist keine hemmende Ehrfurcht anzumerken. Seine Verbitterung bei „Empty chairs at empty tables“ kriecht einem sehr unangenehm den Nacken hoch. Entsprechend begeistert ist das Publikum!

Die von Marius angehimmelte Cosette wird von Lily Kerhoas ganz zauberhaft gespielt. Ihr glockenklarer Sopran füllt das Gielgud Theatre bis in den letzten Winkel.

Bleibt noch Bradley Jaden als Studenten-Anführer Enjolras. Selten habe ich jemanden mit so viel Energie und Verbissenheit in dieser Rolle erlebt. Die Intensität seines Spiels ist greifbar, seine Stimme geht durch Mark und Bein. „One Day More“ gerät unter seiner Führung im wahrsten Sinn zu einer Hymne!

Konzertante Musicals sind immer etwas ganz Besonderes, allein schon da hier die Menschen auf der Bühne im Mittelpunkt stehen und weder Kulissen noch sonstige Effekte von ihnen ablenken. Bei „Les Misérables – The Staged Concert“ gelingt dies – nicht zuletzt wegen der herausragenden Cast – in Perfektion.

Ob die „neue“ Inszenierung die seit fast 35 Jahren anhaltende Begeisterung aufrechterhalten kann, bleibt abzuwarten. Wenn sich Mitte Dezember 2019 der Vorhang im Sondheim Theatre hebt, werden die Zuschauer die Produktion von James Powell und Laurence Connor sehen, die bereits anlässlich des 25-jährgen Jubiläums 2010 für drei Wochen im Barbican Centre zu sehen war. Man darf gespannt sein, wie langjährigen Fans die neue Version aufnehmen. Maßgebliche Bestandteile dieser neuen Fassung, wie die Backdrop-Projektionen, das Lichtdesign und auch die Regie-Arbeit, werden jedoch bereits sehr erfolgreich im Gielgud Theatre eingesetzt – die Zeichen stehen also gut für den „Neuanfang“.

Michaela Flint

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Wen diese Show nicht berührt, der ist aus Stein. Die Intensität von Musik und Handlung gepaart mit dem exzellenten Orchester und den herausragenden Darstellern, sucht in der Musicalwelt ihresgleichen.

Wie sehr sich Musicalfans ein Revival dieser Show gewünscht haben, zeigen die Box Office Erfolge in London: Nur 24 Stunden nach der Öffnung des Vorverkaufs waren Tickets für 4,4 Mio. GBP verkauft. Ohne, dass die Cast bekannt war! Die Leute haben die „Katze im Sack“ gekauft, weil sie sicher waren, dass „Miss Saigon“ einfach nur gut werden kann. Und sie wurden nicht enttäuscht!

Nach der ersten Spielzeit im West End (1989-1999) folgten zwar noch zwei UK-Tourneen, aber was ist das schon im Vergleich zum Besuch des Prince Edward Theatre in London, wo „Miss Saigon“ von Herbst 2014 bis Februar 2016 wieder zu sehen war. In Deutschland war man noch ausgehungerter, denn hierzulande war „Miss Saigon“ seit dem Ende der Stuttgarter Ensuite-Produktion 1999 gar nicht mehr zu sehen. Umso größer die Freude, dass anlässlich des 25. Geburtstags der nach „Les Misérables“ zweiterfolgreichsten Show von Alain Boublil (Texte) und Claude-Michel Schönberg (Musik) im September 2014 eine Vorstellung im Theater mitgefilmt und im Herbst 2016 in Kinos gebracht wurde.

Die Handlung – die nicht nur zufällig an Puccinis Madame Butterfly erinnert, fußen doch beide Stücke auf derselben französischen Buchvorlage – ist sehr dramatisch: Chris, John und ihre Kameraden sind während des Vietnamkriegs in Saigon (heutzutage ehr als Ho-Chi-Minh-Stadt bekannt) in der US-Botschaft im Einsatz. Eines Abends trifft Chris in einem Stripclub auf die blutjunge Kim. Er verliebt sich augenblicklich in sie. Die beiden schmieden Pläne, gemeinsam in die USA zurückzukehren, doch unerwartet wird die Botschaft abgeriegelt und die Soldaten abgezogen. Die beiden Liebenden finden in dem Trubel nicht mehr zueinander.

John engagiert sich mittlerweile in der Flüchtlingshilfe und setzt sich insbesondere für „Mischlingskinder“ ein, die komplett entwurzelt mit den anderen Boat People durch Asien treiben. Durch einen Zufall gerät er an das Einreisegesuch von Kim, Tam und dem Engineer, und konfrontiert Chris mit der Nachricht, dass er einen Sohn hat. Dieser wiederum muss das alles Ellen, seiner Ehefrau erklären. Gemeinsam brechen sie nach Bangkok auf, um Kim und Tam zu retten.

Unglückliche Umstände wollen es, dass Kim auf Ellen trifft. Kim, die bis zum Schluss an die Liebe von Chris geglaubt und sich ihre Hochzeit ausgemalt hat, steht vor den Scherben ihres Lebens und sieht keinen anderen Ausweg als sich selbst das Leben zu nehmen und Tam in die Obhut seines Vaters und einer fremden Frau zu geben.

Boublil und Schönberg haben den Stoff in voluminöse Klänge verpackt: Schon die Ouvertüre sorgt für Gänsehaut. „Why, God, Why?“, „Sun and Moon“ und „I’d Give My Life for You“ sind nur drei Beispiele für die fast schon zerbrechlichen Balladen, die das französische Kreativteam seinen Protagonisten auf den Leib geschrieben hat. „Last Night of the World“ und „This Is The Hour“ unterstreichen die dramatische Handlung perfekt. Wenn John mit „Bui Doi“ auf das unbeschreibliche Elend der Kinder aufmerksam macht, zerreißt es einen innerlich fast, so gelungen ist die Komposition von Chor, symphonischem Orchester und der Botschaft des Sängers. Nicht zu vergessen der klischeetriefende Showstopper „The American Dream“, in dem Engineer seine ganze Bitterkeit einfließen lässt.

Laurence Connor zeichnet für die Neu-Inszenierung verantwortlich. Es ist ihm gelungen, die Handlung weg von der beherrschenden Szenerie auf die Charaktere zu konzentrieren. Natürlich gibt es auch in der neuen Fassung einen Helikopter – und dieser ist dank digitaler Special Effects ebenfalls sehr beeindruckend. Dennoch stiehlt diese Kulisse den beiden Hauptakteuren Chris und Kim nicht mehr die Show wie in früheren Inszenierungen. Das Paar bleibt präsent, auch wenn um sie herum das Chaos losbricht. Leider wirkt diese Szene auf der Kinoleinwand sehr cinematografisch, da alles von Nahem gezeigt wird. Eine Totale hätte hier vielleicht mehr Theaterfeeling aufkommen lassen.

Totie Driver und Matt Kinley, die beiden neuen Bühnenbildner, ergänzen die vom Regisseur intendierte fokussierte Herangehensweise: Alles wirkt düsterer, schäbiger und dadurch authentischer. Besonders gelungen ist der Slum, in dem Kim und Tam leben müssen, während darüber als zweite Spielebene das eheliche Schlafzimmer von Chris und Ellen zu sehen ist. Ein toller Kontrast, der aber einmal mehr nicht von den Handelnden ablenkt.

Die Besetzung der „25th Anniversary Gala Performance“ ist herausragend. Allen voran Eva Noblezada als Kim. Die damals erst18-jährige Amerikanerin wurde direkt von der Theaterschule für die Hauptrolle des Revivals engagiert. Sie hat eine glockenklare Stimme, der sie in den richtigen Momenten die perfekte Intensität verleiht. Auch bewegt sie sich in jeder Tonhöhe souverän und spielt sowohl die schüchterne, als auch die liebende und am Ende verzweifelte Kim durchgehend glaubhaft.

Als Chris steht Alistair Brammer auf der Bühne. Er wirkt zunächst recht unscheinbar, doch seine warme Stimmfarbe kommt besonders bei den Balladen sehr gut zur Geltung und man nimmt ihm die Gefühlsaufwallungen, in denen er sich verstrickt, ab. Die Energie zwischen Brammer und Noblezada stimmt. Ihr Spiel wird dadurch nur umso intensiver. Gemeinsam mit Jon Jon Briones, der als Engineer alle anderen Männer auf der Bühne in den Schatten stellt, werden Noblezada und Brammer auch die Wiederaufnahme am Broadway 2017 bestreiten. Briones gibt den schmierigen Zuhälter nicht nur ungemein authentisch, es gelingt ihm zudem – und das ist absolut bemerkenswert – dieser an sich fiesen Figur etwas Mitleiderregendes, Sympathisches zu geben. Er hat eine unausweichliche Bühnenpräsenz und seine akzentuierte Aussprache gepaart mit einer sehr ausdrucksstarken Mimik machen seine Performance sehenswert! Sein „American Dream“ ist kein schillernder Wunschtraum, sondern eine verbitterte Abrechnung mit der westlichen Welt, die ihm so viel versprochen und nichts gehalten hat. Weltklasse!
Interessant in dieser Szene ist auch der bühnenhohe Kopf der Freiheitsstatue, deren Mund (der auch als Einfahrt für den Cadillac dient) sicherlich nicht zufällig an den einer aufblasbaren Sexpuppe erinnert.

Hugh Maynard gibt einen robusten John, der als Soldat seine Pflicht tut und in der Arbeit für die Kinder seine warmherzige Seite zeigt. „Bui Doi“ bringt er mit viel Gefühl über die Rampe. Tamsin Carroll ist eine unerwartet starke Ellen. Das Duett mit Kim („I Still Believe“) und vor allem „Maybe“ (für die Produktionen in Utrecht und London neu hinzugefügt) geben der gehörnten Ehefrau viel Selbstbewusstsein und Mitgefühl für Kim. Schön, dass diese Figur noch etwas mehr Aufmerksamkeit bekommen hat und nicht mehr nur schmückendes Beiwerk ist.

Schade ist, dass durch die vielen Close-Ups die Intimität zwischen den Darstellern verloren geht. Die gefilmte Version ist keinesfalls mit einem Theatererlebnis gleichzusetzen, wie bspw. bei „Billy Elliot“. Auch die Überblendungen zwischen den Szenen und insbesondere, wenn sich eine größere Anzahl Darsteller über die Bühne bewegt (u. a. die Soldaten), stören sehr.

Noch bevor das dramatische Geschehen seinen Lauf nimmt, lässt Rachelle Ann Go als Gigi aufhorchen. Selten habe ich „The Movie in My Mind“ so brillant gehört. Damit lag die Latte für alle anderen sehr hoch. Kein Wunder, dass die junge Sängerin für die Zugabe erneut auf die Bühne kommt: Gemeinsam mit Lea Salonga, die die Rolle der Kim 1989 kreiert hat, singt sie erneut ein zu Tränen rührendes „The Movie in My Mind“: so stark und doch so zerbrechlich. Das zollt auch Lea Salonga Respekt ab, die ihrer Kollegin ausgiebig applaudiert.

Apropos Zugabe… Nach der eigentlichen Show durfte das Publikum noch eine besondere 30-minütige Gala erleben: Lea Salonga, Jonathan Pryce und Simon Bowman gaben noch einmal ihr Können zum Besten. Lea Salonga weiß, dass sie „Miss Saigon“ ihre Karriere im Musicalbusiness verdankt, und wenn man sie so inmitten der ganzen jungen Darsteller sieht und vor allem ihrer immer noch wundervollen Stimme lauscht, kann man nicht glauben, dass sie 25 Jahre älter ist als die meisten. Auch heute noch würde sie als Kim sicherlich vollends überzeugen.

Eine amüsante Idee ist der Partnertausch, den der alte und neue Chris mit ihren Kims vollziehen: Da singt dann kurzzeitig Brammer mit Salonga und Bowman mit Noblezada. Doch am Ende sind wieder die Paare zusammen, die zusammen gehören. Die Darsteller haben an diesem Bäumchen-Wechsel-Dich-Spiel sichtlich Spaß!

Dass auch Jonathan Pryce mit seinen inzwischen 69 Jahren nicht zum alten Eisen gehört, zeigt er eindrucksvoll als er noch einmal „What a Waste“ und kurz darauf eine sehr komische Version von „The American Dream“ zum Besten gibt. Wie er sich mehr oder weniger lasziv auf dem Cadillac räkelt, ist extrem lustig.

Beim Schlussapplaus wirkt es so als wären alle – Kreative, Produzent, Original und Revival Cast – eine große glückliche Familie. Natürlich lässt es sich Cameron Mackintosh nicht nehmen, dem Publikum noch den Mund mit einer weiteren UK-Tour und Produktionen in Australien, New York und Deutschland wässrig zu machen. Die Broadway-Premiere ist am 1. März 2017, die UK-Tour startet im Juli 2017. Wann darf sich das deutsche Publikum über „Miss Saigon“ auf einer heimischen Bühne freuen?

Sollte es wider Erwarten doch nicht klappen mit dem deutschen Revival, dann bleibt zumindest noch die Hoffnung auf den Film, an dem Danny Boyle Gerüchten zufolge bereits arbeitet. Nach „Les Misérables“ sicherlich ein spannendes Projekt, und bei einem Meister seines Fachs wie Boyle darf man auf die Umsetzung sehr gespannt sein.

Solange die deutsche Bühnenversion und der Film auf sich warten lassen, können Theaterfans zumindest im Kino (wie bspw. dem Metropolis in Frankfurt und dem Savoy in Hamburg) Originalproduktionen von Theater- und Musicalaufführungen aus London und New York erleben. Besser als nichts!

Für alle, die es an den sehr ausgewählten Terminen nicht ins Kino geschafft haben: Die „Miss Saigon 25th Anniversary Performance“ gibt es bei amazon.co.uk schon zu kaufen!

Michaela Flint

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Erstklassige Schauspieler im erfolgreichsten Musical – und dennoch schreibt das Stück keine Filmgeschichte

„Les Misérables“ gilt als eines der erfolgreichsten Musicals weltweit. Victor Hugos Revolutionsdrama „Die Elenden“ diente vor 35 Jahren Alain Boublil, Claude-Michel Schönberg und Herbert Kretzmer als Vorlage für ihren Musical-Welthit. Aufführungen in 23 Sprachen und 42 Ländern, pompöse Jubiläumsfeiern im Londoner Millennium Dome (2010) oder der Royal Albert Hall (1995) zeigen mehr als deutlich, dass die tragische Geschichte von Jean Valjean, Fantine und Eponine die Herzen der Menschen erreicht.

Schon Ende der 90er Jahre gab es Überlegungen, das Stück auf Zelluloid zu bannen, doch es dauerte weitere 20 Jahre bis die Ideen zum Film konkrete Formen annahmen. Für die Produzenten Tim Bevan und Eric Fellner von Working Title Films und Cameron Mackintosh war von vornherein klar, dass das Kreativteam der Bühnenfassung auch am Film mitarbeiten sollte. Und so entschied man sich gemeinsam mit Boublil, Schönberg und Kretzmer dafür, William Nicholson (u. a. „Gladiator“, „Shadowlands“) das Drehbuch zur Kinofassung schreiben zu lassen.

Nicholson kannte das Stück und bezeichnet sich selbst als begeisterten Fan: „Die Dynamik des Theatererlebnisses ergibt sich aus der Musik, während der Film naturalistischer ist, weil er realistischer und glaubwürdiger wirken muss. Deshalb musste ich die Handlungsstränge intensivieren.“

Cameron Mackintosh machte unmissverständlich klar, dass es nicht um ein Abfilmen der Bühnenshow gehen sollte, sondern der Grundtenor des Musicals in jedem Einzelbild des Films erhalten bleiben müsse. Der Zufall half bei der Suche nach dem passenden Regisseur für diese Herausforderung. Tom Hooper („The King‘s Speech“) kannte das Musical zwar nicht, hatte aber bereits zuvor mit Nicholson gearbeitet und entschied nach dem Besuch der Show und dem Lesen von Nicholsons Skript, sich dieser Aufgabe zu stellen: „Die Gefühle, die das Musical in mir auslöste und die Wirkung des Drehbuchs überzeugten mich, dass ich hier die Chance bekam, sehr emotional arbeiten zu können.“

Mackintosch fügt treffend hinzu: „Diese Musik funktioniert nur, wenn sie direkt in der Situation aufgenommen wird.“ Und so wurden alle Schauspieler mit In ear Ohrstöpseln ausgestattet, über die sie den Pianisten hören konnten, der die Partitur live zu ihrem Gesang einspielte und dank eines Monitors schauspielerische Pausen berücksichtigen konnte.

Doch bevor die Schauspieler überhaupt ans Set und zum Singen kamen, mussten alle – auch die Hollywood-Größen Jackman und Crowe – ein Casting absolvieren. Produzent Fellner sagt dazu „Unsere Schauspieler müssen drei Voraussetzungen mitbringen: Starcharisma, Begabung und gesangliches Können. Wir haben Glück, denn heutzutage gibt es solche Darsteller. Praktisch alle Rollen haben wir mit unseren Wunschkandidaten besetzen können.“

Nach Hugh Jackmans dreistündigem Castings überschlägt sich Regisseur Hooper vor Lob: „Wie es Hugh gelingt, auch während des Singens seine Rolle schauspielerisch zu interpretieren, ist absolut außergewöhnlich. Ich erlebe ihn als heiligen Gral, als genialen Schauspieler und Sänger.“ Auch Jackman war sofort vom „Les Misérables“-Virus infiziert: „Jean Valjean ist zutiefst menschlich, außergewöhnlich stoisch, kraftvoll und letztlich inspiriert er uns total. (…) Alle meine bisherigen Rollen waren die Vorarbeit zu diesem Film – meine Bühnenauftritte ebenso wie die Kinorollen. In dieser Figur kommt alles zusammen – es ist die Rolle meines Lebens.“

Wenn man ein Musical authentisch auf die Leinwand bringen möchte, muss man die Hürde „Gesang“ nehmen. In „Les Misérables“ wird jede einzelne Zeile gesungen; dies ist auch im Film nicht anders. Da das Genre Film aber anderen Gesetzmäßigkeiten folgt als Theater, bat Hooper Boublil, Schönberg und Kretzmer auf Basis von Nicholsons Drehbuch eine neue musikalische Struktur und neue Texte zu entwerfen: „Ich wollte das Risiko eingehen und einem neuen Genre einmal etwas ganz anderes probieren. Von Anfang an wollte ich unbedingt live drehen. Wenn sich das als unmöglich erwiesen hätte, hätte ich den Film wahrscheinlich abgelehnt. Denn egal wie perfekt die Schauspieler zum Playback des Gesangs mimen – die Zuschauer merken einfach, dass es nicht echt wirkt.“

Russell Crowe, der als Inspektor Javert Jackmans Counterpart spielt,  sieht dies ähnlich: „Ich glaube, seit John Nash in „A Beautiful Mind“ hat mich keine Rolle derart begeistert. (…) Javert wird von einer ganz spezifischen Moral und einem entsprechenden Weltverständnis geprägt: Gut und Böse sind klare Gegensätze. Als er merkt, dass er Unrecht hat, weil nämlich der Mann, den er für böse hält, tatsächlich ein guter Mensch ist, ist Javert ein gebrochener Mann.“

Anne Hathaway hat eine sehr enge Beziehung zu „Les Misérables“: Ihre Mutter hat bei einer US-Tournee im Ensemble und als Fantine auf der Bühne gespielt. Hathaway kennt die Melodien also seit Kindertagen. Hooper hält große Stücke auf die Schauspielerin: „ Anne verfügt über die außergewöhnliche Fähigkeit, sich durch einen Song schauspielerisch auszudrücken. Es geht ja nicht nur darum, einen Song zu singen. Sie muss Großaufnahmen bestreiten und dabei das Lied interpretieren – die Anforderungen dafür unterscheiden sich völlig von dem, was den Bühnendarstellern abverlangt wird.“

Für Hathaway steht vor allem die Verletzlichkeit von Fantine im Mittelpunkt: „Fantines unendliches Leid lässt die Liebe im Rest des Films umso intensiver strahlen.“ Sie brachte sich weit mehr als üblich in diese Rolle ein. In der Szene, in der Fantine ihre Locken verkauft, ließ sie sich ihr eigenes Haar abschneiden und hungerte sich zudem 11 kg ab, um Fantines körperlichen Verfall glaubhaft spielen zu können.

Dass Samantha Barks als Eponine engagiert wurde, war kein Zufall. Von 2010 bis 2011 gehörte sie zum Londoner „Les Misérables“-Ensemble und sie überzeugte Hooper und Mackintosh im Handumdrehen.

Die Eltern der kleinen Eponine, die schrägen Wirtsleute Thénardier, sind auf der Bühne aufgrund ihrer extrovertierten, kruden Art Publikumslieblinge. Debra Hayward (Working Title) bestätigt: „,Master of the House‘ ist einer der beliebtesten Titel des Musicals. Wir mussten gar nicht lange suchen: Helena Bonham Carter und Sacha Baron Cohen sind das perfekte Komikerpaar. Dass sie beide auch hervorragend singen können, war dann das Sahnehäubchen oben drauf.“

Alain Boublil und Claude-Michel Schönberg waren auch bei den Dreharbeiten vor Ort. Das spornte die Schauspieler noch mehr an, erinnert sich Hathaway: „ Wir wollten sie unbedingt zufrieden stellen, beeindrucken und ihre Vision zum Leben erwecken.“ Dass sie alle live singen musste, machte diese Aufgabe nicht eben kleiner. Tom Hooper begründet seine Entscheidung: „Wenn der Schauspieler zum Playback mimen muss, kann er nicht mehr spontan agieren, weil er sich millisekundengenau auf einen Plan einstellen muss, der bereits vor Monaten festgelegt wurde. Doch wenn er live singen darf, hat er die Freiheit, die Illusion zu erzeugen, dass die Figur ganz intuitiv reagiert und handelt, was sich ganz intensiv auf den realistischen Eindruck der Darstellung auswirkt. „Les Misérables“ wird von intensiven Gefühlen geprägt und ich wollte den Schauspielern mehrere Optionen ermöglichen, die erst durch das Spiel entstehen.“

Simon Hayes, verantwortlich für den Ton, wusste von Anfang an, dass diese Art, ein Musical zu drehen, eine Herausforderung für sein Team werden würde. Doch die Schauspieler unterstützten Hooper in seiner Entscheidung. Während Jackman zugesteht, dass es sich um eine große Herausforderung handelt, betont er aber zugleich die Freiheiten im Spiel, die durch diese besondere Form des Drehens ermöglicht wurden. Crowe freut sich, dass er emotional nicht eingeschränkt wurde: „Darin liegt, glaube ich, der Schlüssel zu dieser sehr erfüllenden Erfahrung,“

Überhaupt loben Hugh Jackman und Russell Crowe das Engagement ihres Regisseurs sehr: „Genau wie Hugo ist er von der Geschichte besessen – bis ins letzte Detail. Er ist unglaublich intelligent, hat das Material völlig im Griff und beherrscht die Musik absolut souverän. Ich halte ihn für einen großen Filmemacher, und er hat sich den Mount Everest des Filmemachens vorgenommen.“ sagt Jackman, während

Crowe sich erinnert: „Tom brachte sich mit jeder Faser seines Körpers in dieses Projekt ein. Er arbeitete sieben Tage die Woche, blieb dabei aber trotzdem die Ruhe selbst. Er ist ein harter Bursche. Wenn er etwas will, dann bekommt er es auch. Solche Regisseure wünscht man sich!“

Die Voraussetzungen für die filmische Adaption eines Musical-Klassikers konnten besser kaum sein: Die Künstler, deren Köpfen das Werk entsprang, der erfolgreiche Musicalproduzent, der genau weiß, was gut für „sein Baby“ ist, ein Drehbuchautor und Regisseur, die sich blind verstehen und ganz tief in die Geschichte eintauchen und sich auf die Bedeutung von vermeintlichen Kleinigkeiten ein lassen, talentierte und engagierte Schauspieler und Sänger – alle brannten gleichermaßen für dieses anspruchsvolle Projekt.

Warum also entfacht die Handlung nicht dasselbe emotionale Feuerwerk wie die Bühnenversion?

An der Optik liegt es sicherlich nicht. Die Spielorte sind gut gewählt und wirken trotz des massiven Einsatzes von digitaler Technik glaubwürdig und authentisch. Produktionsdesignerin Eve Stewart hat hier ganze Arbeit geleistet. Ebenso überzeugende Arbeit liefert Kostümdesigner Paco Delgado ab. Auch auf der großen Leinwand erkennt man die Farbwelten wieder, die der Bühnenfassung zugrunde liegen: Blautöne für die Fabrikarbeiterinnen, Braun- und Grautöne für die Bettler auf den Straßen, verblasste Farbenvielfalt bei den Prostituierten usw.

Vielleicht tragen die hervorragenden Make-Ups von Lisa Westcotts Team  eine Teilschuld? Denn wer möchte schon in Großaufnahme die schmutzigen Zahnstummel in Fantines (Anne Hathaways) Mund sehen oder in den blutunterlaufenen Augen von Jean Valjean (Hugh Jackman) jedes Äderchen erkennen.

Handwerklich ist daran nichts auszusetzen, doch die Nähe zum Elend, die hier im Gegensatz zur Bühne mehr als nur angedeutet wird, ist vielleicht doch etwas zu viel des Guten.

Danny Cohens beklemmend intensive Kameraführung lebt von Nahaufnahmen und verliert sich in Details, die man in dieser Intensität nicht unbedingt sehen möchte. Auch dies könnte ein Indiz dafür sein, dass es vielleicht nicht ganz so gut war, die Distanz zwischen Bühne und Publikum durch diese Detailverliebtheit aufzuheben.

Die Sorge, dass die Filmfassung dem Musical in Sachen musikalischer Opulenz nicht gerecht wird, ist unbegründet. Was Anne Dudley, Stephen Metcalfe, Becky Bentham zusammen mit Simon Hayes Live-Mitschnitten des Gesangs am Set geschaffen haben, kann sich durchaus hören lassen.

Bleiben die Akteure vor der Kamera. So sehr das Kreativteam von seiner Wahl auch überzeugt sein mag, so sehr mehren sich doch die Zweifel, dass beim Casting vielleicht anderen Darstellern der Vorzug hätte gegeben werden können (und in manchen Fällen sogar müssen).

Hugh Jackman steckt wirklich sehr tief in der Rolle des zu Unrecht verfolgten Jean Valjean. Seine spielerische Intensität ist atemberaubend, wobei er als Sträfling und Flüchtiger noch etwas mehr zu überzeugen weiß als als Bürgermeister und Pflegevater von Cosette. Gesanglich meistert er eine der anspruchsvollsten männlichen Musicalrollen gut, auch wenn er an berühmte Vorgänger wie Colm Wilkinson nicht heranreicht. Seine Oscar-Nominierung hat Hugh Jackman dennoch vollkommen zurecht erhalten.

Russell Crowe spielt den „Bösewicht“ Javert. Dass auch der Inspektor mehrere Facetten hat und sein einseitiges Agieren gegenüber Valjean reflektiert, wird dank Crowes schauspielerischer Erfahrung sehr deutlich. Seine raue Rockstimme wirkt jedoch oft nicht passend für den strengen Javert und allzu häufig verfällt er in Sprechgesang. Das tut zwar der Figur als solcher keinen Abbruch, hat aber mit einer Musicalperformance wenig zu tun.

Ähnlich enttäuscht ist man von Anne Hathaway. Sie spielt stark und bringt die Leiden der Fantine klar zur Geltung. Und doch wirkt es phasenweise „over-acted“ und man vermisst die zarte Seite der verständlicherweise sehr verbitterten Arbeiterin. Gesanglich ist hier, wie man so schön sagt, noch viel Luft nach oben. Hathaways eher schrille Klangfarbe macht es schwer, mit Fantine echtes Mitgefühl zu entwickeln, obwohl die sterbende Mutter der kleinen Cosette dies mehr als verdient hat.

Wie viel mehr Freude macht dagegen die auf der Leinwand noch unbekannte Samantha Barks! Warum „On my own“ zu Weltruhm gelangt ist, wird in ihrer Darbietung deutlich. Dass sie auch schauspielerisch bestehen kann, zeigt sich in Eponines  Sterbeszene: Sanft und unsagbar verletzlich liegt sie in den Armen des von ihr so geliebten Marius und kann wenigstens ein einziges Mal fühlen, dass sie ihm etwas bedeutet. Barks kann diese Klaviatur überzeugend bedienen.

Eddie Redmayne ist als besagter Marius zu erleben. Erfrischend aufmüpfig und nicht ganz so arg blass wie seine Bühnen-Alter Egos schwankt er zwischen der jungen Liebe zu Cosette und dem Kampf mit seinen Kommilitonen gegen die Mächtigen Frankreichs. An Redmaynes Besetzung kann man nichts aussetzen. Gleiches gilt für Amanda Seyfried, die als Cosette zu sehen ist. Im Gegensatz zu Redmayne bleibt sie – zugegebenermaßen rollendeckend – im Hintergrund und ist eher schmückendes Beiwerk. Sicherlich nicht leicht, aus einer solchen Rolle das Beste zu machen, aber Seyfried gelingt dies.

So energisch Redmayne als Marius ist so unauffällig bleibt Aaron Tveit als Enjolras. Man fragt sich zwischenzeitlich, wer denn nun der Anführer der Studenten ist – er oder Marius? Dafür singt er sehr schön und führt das Ensemble in ein beeindruckendes „Red and Black“.

Den Reigen der bekannten Schauspieler komplettieren Helena Bonham Carter und Sacha Baron Cohen. Beide haben erwiesenermaßen ein Gespür für außergewöhnliche, schräge Charaktere, gern auch am Rande der Gesellschaft lebend. Ebenso haben beide mehrfach ihr komödiantisches Talent bewiesen. Sie als gute Sänger zu bezeichnen, fällt aber schwer. Und doch kann man ihnen dies nicht anlasten, von den Thénardiers erwartet man keinen lupenreinen Sopran oder einen voll-warmen Bariton. Da darf es gern auch mal schiefe Töne und ungewöhnliche melodische Interpretationen geben.

„Les Misérables“ auf Leinwand zu bannen, bedeutet auch, dass man ein enorm großes Ensemble braucht. Neben hunderten Statisten haben es  auch zahlreiche namhafte Musicaldarsteller in die Cast geschafft. Allen voran natürlich Colm Wilkinson, der erste Londoner Jean Valjean, der im Film als Bischof den gestürzten Valjean wieder auf den Pfad der Tugend führt. Nur wenige Noten reichen, um auch hier seine Klasse und den hohen Grad an Gefühl zu beweisen, den Wilkinson mit seiner Stimme transportieren kann.

Gesellschaft bekommt er von Frances Ruffelle (Eponine der ersten Stunde), die als eine der Huren zu sehen ist sowie Michael Jibson („Our House“ – The Musical) als herrlich fieser Vorarbeiter. Weitere Darsteller, die sich in Londoner Musicalproduktionen verdient gemacht haben, sind Daniel Evans („Sunday in the Park with George“), Bertie Carvel („Matilda“), Katy Secombe (Mme. Thénardier in „Les Misérables“), Caroline Sheen (Fantine in „Les Misérables“) und Hannah Waddingham („Spamalot“). Im übrigen kennen auch Daniel Huttlestone und Isabelle Allen als Gavroche und junge Cosette ihre Rollen von der Bühne des Londoner Queen‘s Theatre.

Ein Fazit fällt nicht leicht, denn die Grundbedingungen für die Verfilmung von „Les Misérables“ konnten besser nicht sein. Aber einige Fehlgriffe in der Besetzung, zu intensive und detaillierte Nah- und Großaufnahmen lassen den Zauber des Stücks verblassen.

Es ist nicht leicht, ein erfolgreiches Bühnenmusical zu verfilmen. Das mussten schon Joel Schumacher mit dem „Phantom der Oper“, Phyllida Lloyd mit „Mamma Mia“ und Tim Burton mit „Sweeney Todd“ leidvoll erfahren. Es hat sicherlich einen Grund, warum der Funke bei Musiktheaterstücken, die man live im Theater erlebt, viel intensiver und direkter überspringt, als er es bei einer Leinwandproduktion jemals könnte.

Michaela Flint

Regie: Tom Hooper
Darsteller: Hugh Jackman, Anne Hathaway, Russell Crowe, Sacha Baron Cohen, Samantha Barks, Aaron Tveit, Eddie Redmayne
Musik / Texte: Alain Boublil / Claude-Michel Schönberg
Verleih / Fotos: Universal Pictures

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Die Zutaten für einen Musical-Erfolg? Die Handlung basiert auf der weltbekannten Geschichte der Kameliendame von Alexandre Dumas. Die Musik stammt von keinem Geringeren als Michel Legrand („Yentl“), das Buch wurde von Alain Boublil und Claude-Michel Schönberg („Les Misérables“, „Miss Saigon“) geschrieben; die Songtexte stammen von Herbert Kretzmer („Les Misérables“). Der erfahrene Opernregisseur Jonathan Kent übernahm die Regie. Ruthie Henshall („Les Misérables“) wurde für die Titelrolle verpflichtet.

Wenn das nicht nach einer hitverdächtigen Komposition klingt!

Die Handlung ist schnell erzählt: Marguerite (Ruthie Henshall) lebt als Mätresse eines hochrangigen Wehrmachtsoffiziers Otto (Alexander Hanson) im besetzten Paris. Die ehemalige Sängerin feiert ihren 40. Geburtstag und lässt es sich in den Kreisen der gehobenen Pariser Gesellschaft gut gehen. Doch dann trifft sie auf den halb so alten Pianisten Armand (Julian Ovenden), der sich unsterblich in sie verliebt. Eine zeitlang versucht sich Marguerite gegen diese Liebe zu wehren, doch dann verfällt auch sie dem jungen Untergrundkämpfer. Es kommt zu den vorhersehbaren Verwicklungen, Otto erpresst Marguerite als er von der Affäre erfährt, schließlich erschießt Armand den Offizier und beide fliehen, doch auch Marguerite wird ein Opfer des Krieges, der als Rahmenhandlung dieser Ménage à Trois dient.

Das Bedauerliche an diesem Stück ist, dass die Handlung nicht abendfüllend erzählt wird. Im Prinzip könnte man die Show auf eine Stunde zusammenkürzen, da sich in ihren – zwar eigentlich schon recht dürftigen – 120 Minuten so manche Länge verbirgt. Auch die Parallelhandlung mit dem Lucien (Simon Thomas) und Annette (Annalene Beechey), Armands Schwester, wird nur angerissen und wirkt so mehr verwirrend als dem Verständnis für die Situation der Protagonisten zuträglich.

Erschwerend kommt hinzu, dass die Handlung im Prinzip nur durch fünf Personen bestritten wird. Die restlichen 14 Darstellerinnen und Darsteller fallen außer in einigen Ensemble-Gesangs- oder Tanznummern kaum weiter auf.

Von den erwähnten fünf Protagonisten sind lediglich die Charaktere von Marguerite und ihrem Geliebten Armand weiter ausgearbeitet. Die anderen drei werden halbherzig umrissen und wirken unfertig.

Die Musik wäre das nächste Element, das dieses Musical retten könnte. Aber leider wird auch diese Chance vertan. Legrand Kompositionen plätschern erschreckend unaufregend dahin. Kaum, dass sie die vorhandene Dramatik in den verschiedenen Soli oder Duetten transportieren. Und dabei hat Legrand mehrfach eindrucksvoll unter Beweis gestellt, dass er mit dramatisch-tragischen Stoffen umzugehen weiß. In diesem Fall bleibt jedoch keine einzige Melodie im Gedächtnis und die Musik – immerhin 18 Songs – ist lediglich Beiwerk, zu einem wenig gelungenen Stück.

Dem gegenüber steht eine durchaus clevere Kulissenarbeit von Paul Brown. In zahlreichen Theaterstücken hat er gezeigt, dass er zweckmäßige Szenenhintergründe mit Pfiff schaffen kann. Das gelingt ihm auch bei „Marguerite“ sehr schön. Mit wenigen Mitteln verwandelt sich ein nächtlicher Pariser Platz in einen opulent ausgestatteten Festsaal in der Villa des Offiziers. An der optischen Aufbereitung des Themas kann es also nicht liegen, dass man sich phasenweise regelrecht langweilt.

Die Darsteller mühen sich redlich, aus ihren Rollen das Beste zu machen und ihren Charakteren Tiefgang zu verleihen, doch außer Ruthie Henshall und Julian Ovenden will dies so recht keinem gelingen. Henshall überzeugt sowohl als souveräne Mätresse als auch in den schwachen Momenten, in denen sie Armand erliegt. Sie zeigt einerseits das divenhafte, was die Mätresse Marguerite zu mehr als nur einem schmückenden Beiwerk des Offiziers macht, andererseits legt sie aber auch unendlich viel Gefühl in die intensiven Liebesszenen mit Armand. Gesanglich ruft die Künstlerin ein großes Repertoire ab, aber auch damit kann sie nicht über die schwache Partitur hinwegtäuschen. Viel zu selten nimmt die Musik das auf, was an Gefühl im Schauspiel gezeigt wird. Man kann dem Produktionsteam jedoch nur gratulieren – mit Ruthie Henshall wurde hier die perfekte Wahl getroffen.

Julian Ovenden erinnert einen in Ausdruck und Tonalität stark an den jungen Michael Ball. Er wäre ohne Zweifel die perfekte Besetzung für den schüchternen Marius in „Les Misérables“. Auch sein aus geprägtes Vibrato passt um einiges besser zu dem Musical-Hit von Boublil und Schönberg als zu ihrem neuesten Werk. Dennoch ist er ein hübsch anzusehender Pianist (er hat im Übrigen eigens für „Marguerite“ Klavierspielen gelernt) und zeigt viel Gefühl und Einsatzwillen bis in den Tod, um seine Liebe zu retten.

Alexander Hanson, den man schon in zahlreichen Musical- und Theaterproduktionen in London gesehen hat, übernimmt die undankbare Rolle des schmierigen deutschen Offiziers, dem jedes Mittel Recht ist, um Marguerite an sich zu binden und seinen Ruf nicht zu verlieren. Schade nur, dass die Figur so wenig facettenreich angelegt wurde. So bleibt Hanson wenig Spielraum und er kann lediglich eine solide Leistung abliefern.

Kann man die ganze Schuld für diese Misere auf Regisseur und Co-Autor Kent schieben? Sicherlich nicht, aber dennoch trägt seine Arbeit maßgeblich dazu bei, dass es „Marguerite“ gänzlich an Spannung fehlt. Grundsätzlich liefert Dumas’ Kameliendame sicherlich ausreichend Material, um für 2 Stunden Spannung und Brisanz zu sorgen, aber daraus wurde leider kein Potential geschlagen. Man spürt eindeutig den opernhaften Einschlag in der Regie. Es wurde sich scheinbar blind darauf verlassen, dass die Musik die Handlung tragen wird. Doch im Musical geht dieses Konzept in den seltensten Fällen so einfach auf.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Theater: Haymarket Theatre, London
Besuchte Vorstellung: Mai 2008
Darsteller: Alexander Hanson, Ruthie Henshall, Julian Ovenden
Musik / Buch: Michael Legrand / Alain Boublil und Claude-Michel Schönberg
Fotos: Tristram Kenton

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