Die Bühne hat sich optisch natürlich etwas verändert. Dort wo in Wien Bühnenfüllende Hintergrundvorhänge das Ambiente der Szene bestimmt haben, muss in Berlin eine mehrfach unterteilte Leinwand mit eher selten stimmigen Hintergrundprojektionen für Stimmung sorgen. Dies misslingt jedoch gründlich. Zum einen durch die Unterteilung der Leinwand, die notwendig ist, damit die Darsteller wie Figuren in einem Wetterspiel durch die Öffnungen „fahren“ können, zum anderen, da die projizierten Motive teilweise unpassend oder schlichtweg nicht zu erkennen sind (Es könnte auch irgendeine Kirche sind und nicht die Augustinerkappelle oder irgendein Schloss und nicht die Hofburg oder Schönbrunn).

Auch an pompösen Großkulissen wurden aus nachvollziehbaren Gründen gespart, handelt es sich doch nicht um eine Ensuite-Produktion der Stage Entertainment oder Vereinigten Bühnen Wien, sondern um ein Stück der LaBelle Musical Tournee GmbH (u. a. „Robin Hood“), deren einzige Spielorte bisher Berlin (bis 28. September) und Basel (ab 17. Oktober) sind. Dennoch sind Bühnenbilder und Kostüme für eine Musicaltournee absolut in Ordnung. Hat man jedoch den Vergleich fehlt einem die Liebe zum Detail, den Perücken sieht man den Rotstift an, den Kostümen fehlt es an den reichhaltigen Feinheiten, die man mit einem pompösen Adelshaus verbindet. Besonders ins Gewicht fallen die Sparmaßnahmen in einigen wichtigen Szenen:

• Die Hochzeitsszene wurde komplett verschenkt, da keinerlei optische Hochzeitsausstattung zu erkennen ist – Elisabeth und Franz Josef sehen genauso aus wie die Hochzeitgäste. Ganz zu schweigen von einem roten Teppich, den man hier als Andeutung eines Kirchengangs komplett vermisst.

• Wenn Elisabeth am Sarg ihres Sohns Rudolf zusammenbricht, wäre es durchaus hilfreich, dieses auch auf der Bühne zu sehen. Eine solche Szene ins Leere zu spielen, entbehrt jeglicher Seriosität.

• Das Feldbett, das während „Die Schatten werden länger“ auf dem schwarzen Flügel-Gefährt des Todes platziert ist, ist mehr als nur unpassend. Es zieht die ansonsten sehr intensive Szene ins Lächerliche.

Sehr gut hingegen ist die Szene im „Wiener Kaffeehaus“: Während die lästernden Wiener in der österreichischen Inszenierung noch mit eher unpassend anmutenden Autoscootern über die Bühne fuhren, steuern die Darsteller in der aktuellen Produktion Podeste mit jeweils einem Tisch und mehreren Stühlen, die perfekt an die gemütlichen Kaffeehäuser erinnern.

Doch neben diesen optischen Anpassungen, mit denen man sich irgendwie noch arrangieren kann, ist es vor allem die glatte und kalte Regieführung, die diese neue „Elisabeth“ schwächt. Harry Kupfers Inszenierung ist emotionslos und unaufregend. Es scheint nicht mehr darum zu gehen, das dramatische Leben von Elisabeth zu erzählen; Gefühle spielen offenbar keine Rolle mehr.

Natürlich transportieren die herausragende Partitur von Sylvester Levay und die Texte von Michael Kunze alle nur erdenklichen Stimmungen, doch wenn diese schauspielerisch nicht aufgegriffen werden (dürfen), fragt man sich, warum man sich nicht einfach eine der CDs zur Show anhört.

Keiner der Darsteller berührt durch sein Schauspiel. Das ist sehr schade, denn nicht nur Elisabeth geht im Laufe des Musicals durch ein Wechselbad der Gefühle. Auch bspw. Erzherzogin Sophie hat und zeigt ihre schwachen Seiten („Bellaria“), doch in Berlin gibt Christa Wettstein eine hölzerne, verbitterte und missgünstige Kaisersmutter. Das majestätische und ehrfurchgebietende der ehemaligen Regentin lässt sie gänzlich vermissen. Auch gesanglich vermag sie die tiefe Liebe und Enttäuschung nicht zu vermitteln, die diese Frau geprägt haben.

Auch Oliver Arno vermag als Kronprinz Rudolf nicht zu überzeugen. Er ist kaum zu hören, bleibt in jeder Szene gleichermaßen blass und unscheinbar und hat einem Uwe Kröger nichts entgegenzusetzen.

Ebenso wenig zufrieden stellend sind die Auftritte von Bruno Grassini als Luigi Lucheni. Der Erzähler, der in anderen Inszenierungen das Publikum um den Finger wickelt, kämpft im Theater des Westens einen aussichtslosen Kampf: Seine Witze kommen nicht an, der Sarkasmus ist nicht pointiert und gesanglich hinkt er meilenweit hinter seinen Rollenvorgängern hinterher.

Positiv stechen da Markus Pol und Maike Katrin Schmidt hervor, die als Kaiser Franz-Joseph und Herzogin Ludovika / Frau Wolf rollendeckend agieren und ihre wenigen Songs schön und gefühlvoll interpretieren.

Bleiben noch die beiden Protagonisten des Stücks: Pia Douwes als Elisabeth und Uwe Kröger als der Tod. Beide haben ihre Rollen in der Weltpremiere kreiert und sind ganz sicher über jede Kritik erhaben. Beide haben in den letzten 16 Jahren eine enorme Karriere gemacht, die auch ihren Paraderollen zu Gute kommt. Pia Douwes hat die Rolle in vielen Inszenierungen perfektioniert. Rein vom Gesang her nimmt man ihr die 16-jährige Landprinzessin Sisi genauso ab wie die verbitterte Kaiserin auf der Flucht vor ihren Verpflichtungen. Optisch lässt sich der Altersunterschied nicht so gut kaschieren. Doch ab der 20. Reihe nimmt man nicht mehr wahr, dass die Hauptdarstellerin ihrer Bühnenfigur im ersten Akt gut 25 Jahre an Lebenserfahrung voraus hat. Leider krankt aber auch ihre Interpretation an der seltsam schnörkellosen Regie von Harry Kupfer. Nahezu leidenschaftslos und kalt spielt sich Douwes durch die einzelnen Szenen. Gänsehaut bei „Ich gehör nur mir“? – Fehlanzeige!

Auch die Szenen mit ihrem langjährigen Kollegen Uwe Kröger verhallen spannungslos. Verhaltener Applaus zeigt an, dass das Publikum emotional nicht gefesselt ist. Und dass, obwohl die Beziehung von Elisabeth und dem Tod musikalisch und textlich nur so Funken sprüht.

Vielleicht liegt es aber auch daran, dass Uwe Kröger weder schauspielerisch noch gesanglich überzeugen kann. Er ist einfach Uwe Kröger, und das mit Inbrunst und Nachdruck. Doch der androgyne Tod, der Verführer und Liebhaber von Elisabeth? Nein, der ist er leider nicht mehr. Man hat häufig das Gefühl, dass Kröger versucht, sich aus der starren Regie zu befreien, indem er eigene Phrasierungen einfließen lässt. Doch Stimme und Bewegungen fehlt es an Leichtigkeit und jugendlichem Charme. Der Tod ist in der Tournee-Inszenierung weder bedrohlich, noch leidenschaftlich, sondern einfach Uwe Kröger.

Wäre nicht das herausragende Orchester unter der Leitung von Bernd Steixner, man würde sich wirklich fragen müssen, warum „Elisabeth“ so viele Preise abgeräumt hat. Doch Steixner treibt seine 25 Musiker zu Höchstleistungen an und macht aus dem Drama-Musical ein exzellentes Musiktheaterstück und entschädigt so für manchen Mangel auf der Bühne.

Ansonsten enttäuscht die überarbeitete „Elisabeth“ über lange Strecken. Schade, dass man die Chance nicht genutzt hat, das Beste aus den bisherigen Inszenierungen zusammenzutragen.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Theater: Theater des Westens, Berlin
Premiere: April 2008
Darsteller: Pia Douwes, Uwe Kröger, Markus Pol, Bruno Grassini, Oliver Arno
Regie / Musik: Harry Kupfer / Sylvester Levay
Fotos: LaBelle Musical Tournee GmbH

Ganz anders und komplett runderneuert kommen die Berliner Musketiere daher. Man kann guten Gewissens von einer zweiten Weltpremiere sprechen, denn mit dem holländischen Vorgänger hat die Berliner Fassung nur noch wenig gemein:

Rob und Ferdi Bolland haben für die deutsche Version sieben weitere Songs komponiert, die sich gut in das klangliche Gesamtbild einfügen.

Die Bühnenbildner und Requisiteure rund um Eric van der Palen haben Extraschichten geschoben, um jeden Quadratzentimeter der Bühne mit allen erdenklichen Kulissen und Kleinteilen zu füllen.

Ein in Deutschland neuartiges Videodesign sorgt für ständig wechselnde Hintergründe und unterstützt die 26 Szenenwechsel sehr gut.

Die mehr als 350 Gewänder, Kleider, Roben und Uniformen sind noch farbenfroher und origineller als in Rotterdam.

Oliver Mülich führt als Conférencier das Publikum an die Handlung des ersten und zweiten Akts heran.

Besonders auffällig ist das Bühne-in-und-auf-der-Bühne-System, das es Regisseur Paul Eenens ermöglichte, mehrere Szenen und Schauplätze nebeneinander vorzubereiten und durch eine kleine Überblendung ineinander greifen zu lassen.

Es wurde ein enormer Aufwand betrieben, um die „3 Musketiere“ im Theater des Westens frei nach dem Motto „größer, bunter, moderner“ in Szene zu setzen. Hierbei kommen die 46 Darsteller fast zu kurz. Doch die Protagonisten, allen voran Patrick Stanke, Pia Douwes, Uwe Kröger und Marc Clear, versuchen ihr Bestes, um sich vor all diesem Kulissen- und Technikpomp zu behaupten.

Am eindrucksvollsten gelingt dies der unvergleichlichen Pia Douwes, die die emotionale Zerrissenheit der zu Unrecht geächteten Milady de Winter hervorragend umsetzt. Dass man ihr allerdings ihren Showstopper „Männer“ in eine seicht dahinplätscherten Popmus verwandelt hat, ist unverzeihlich.

Marc Clear gibt den ewig zweifelnden und übervorsichtigen Athos, dem jeglicher Lebensmut fehlt, seitdem ihn seine große Liebe – Milady de Winter – verlassen hat. Sein „Engel aus Kristall“ geht tief unter die Haut.

Man könnte geneigt sein, Athos und Milady de Winter als das Paar des Abends zu bezeichnen. Doch laut Dumas’ Geschichte sind dies D’Artagnan und Constance.

Leider bleibt Sabrina Weckerlin hinter den Erwartungen an das von der Stage Holding verkündete „Stimmwunder“ zurück. Eher schüchtern als selbstbewusst spielt sie die große Liebe D’Artagnans. Der wiederum wird von Patrick Stanke so gut es eben geht in den Mittelpunkt gerückt. Auch hier kann der Künstler wenig dafür, dass viele Neu-Arrangements von Michael Reed seicht, fast schon schlagermäßig daherkommen und es deutlich an Energie und Kraft vermissen lassen. Hinzu kommt, dass Stanke kaum eine Chance hat, dem entschlossenen Möchtegern-Musketier den Charakter zu verleihen, den er als selbstbewusster, kämpferischer, aber auch gefühlvoller Mann des 17. Jahrhunderts hat. Dennoch: Stankes raumfüllende, schöne Stimme und sein sympathisches Spiel werden den Anforderungen an einen Hauptdarsteller in vollem Umfang gerecht.

Mit dem schwachen Buch kämpft auch Uwe Kröger als Kardinal Richelieu an der ein oder anderen Stelle. Durch seine Erfahrung kann er vieles wettmachen und so gelingen auch Szenen wie „Glaubt mir!“, die dem Fortgang der Handlung nicht wirklich dienlich sind. Seine großen Soli „O Herr“ und „Nicht aus Stein“ meistert Kröger mit Bravour. Man merkt, dass er sich in dieser Rolle sehr wohl fühlt. Hinzu kommt, dass er mit Pia Douwes eine Kollegin an seiner Seite hat, mit der er sich auf der Bühne blind versteht.

Neben Athos komplettieren Aramis und Porthos die drei berühmt-berüchtigten Musketiere. Matthias Sanders gibt einen vorwitzigen Aramis, dem man seine Gottesfürchtigkeit abnimmt. Stets bemüht um das richtige Maß an Komik, Freundschaft und Kampfkunst bietet er eine gute Bühnenshow. Christian Schleicher ist als Porthos für die Plattitüden dieses stück zuständig. Wie schon seine filmischen Vorbilder Gerard Dépardieu und Oliver Reed steht für ihn der Spaß am Leben im Mittelpunkt. Diese Rolle füllt Schleicher glaubhaft aus.

Die A-cappella-Einlagen der 3 Musketiere gehören zweifellos zu den Highlights des Abends.

Das Königspaar wird von Kristin Hölck und Hans Piesbergen dargestellt. Auch hier wird deutlich, dass das Stück irgendwie noch nicht ganz fertig ist. Beide geben sich größte Mühe, ihren Charakteren Leben einzuhauchen, doch so recht gelingen mag es ihnen nicht. So verwundert es wenig, dass beide kaum nachhaltig im Gedächtnis bleiben.

Wie bereits erwähnt, sind die neuen Arrangements von Michael Reed (u. a. „Tanz der Vampire“) äußerst fragwürdig. Auch die Orchestrierung wirkt an einigen Stellen zu zaghaft. Im Vergleich zur holländischen Version wirken die Bolland-Stücke häufig wie ein Potpourri aus Schlager, Pop und Latino-Rhythmen. Ja, richtig, Latein-Amerikanisch: Einige der Fechtszenen sind mit Sambaklängen unterlegt und führen die Leistung der stilecht kämpfenden Soldaten doch arg ad absurdum.

Dennoch gibt es auch in Berlin – neben dem bereits erwähnten „Engel aus Kristall“ – weitere Stücke, die sich im Kopf festsetzen. Dazu zählt unter anderem „Wer kann schon ohne Liebe sein?“, das sowohl inszenatorisch als auch musikalisch sehr dicht an der holländischen Vorlage bleibt. Kristin Hölck, Pia Douwes und Sabrina Weckerlin stellen eindrucksvoll unter Beweis, wie sehr einen die unterschiedlichen Spielarten der Liebe mitnehmen können. Schlichtweg großartig!

Die Liste der Kritikpunkte der Berliner Inszenierung wird angeführt von einem unausgegorenen Buch (André Breedland), das nur oberflächlich ausgearbeitete Charaktere zulässt und zudem über deutliche Längen, vor allem im ersten Akt, verfügt.

Das erfolgreiche Übersetzerteam Ruth Deny („Mamma Mia“) und Wolfgang Adenberg („We Will Rock You“, „Titanic“) hat sich an die Aufgabe gemacht, dieses Buch zu übersetzen. Während Adenberg erneut sein Talent für Sprachmelodie und Wortklang unter Beweis stellt, kann man Deny’s Dialoge durchaus kritisieren.

Das beste Beispiel liefert folgendes Zitat anlässlich des zweiten Treffens von D’Artagnan und Constance: „Oh, Constance – ein Name wie ein Romanze… Gib mir die Chance, dass ich heute Abend (nun fällt ihm Porthos ins Wort) meine Lanze in Dich pflanze.“ Ist so etwas wirklich nötig? Die 3 Musketiere sind sicherlich nicht immer ernst zu nehmen und der ein oder andere gut platzierte Witz ist durchaus angebracht. Doch Dumas’ Werk auf dieses Sprach- und Inhaltsniveau abzusenken, ist beschämend. Die „3 Musketiere“ waren in Rotterdam keine Musical Comedy und sollten es auch hier nicht sein.

Zu Lachern führte während der Premiere, neben den etwas zu platten Witzen, vor allem die Reprise von „Heut ist der Tag“ im zweiten Akt. In dieser Szene jagen die 3 Musketiere und D’Artagnan vor einer rundum per Videobeamer auf die Leinwand projizierten Landschaft auf einem Pferdewagen in atemberaubender Geschwindigkeit durchs Land, um die Katastrophe in Paris zu verhindern. Das bereits erwähnte Pferd aus Holland kommt auch hier zum Einsatz. Wem dieser Szenenaufbau bekannt vorkommt, der hat ganz sicher „Our House“, das Madness-Musical, in London gesehen. Dort fahren die Hauptdarsteller mit einem Jaguar vor ebensolcher Videoleinwand durch englische Städte und Landschaften. Aber es ist davon auszugehen, dass die wenigsten Besucher diesen Wiedererkennungseffekt erleben werden und so erfüllt diese Szene ihren Zweck: Sie macht einfach nur Spaß.

In Staunen versetzt die Zuschauer das riesige Boot, mit dem D’Artagnan von Frankreich nach England übersetzt, um eine Botschaft von Königin Anna an den Herzog von Buckingham zu überbringen. Zum Auftakt des zweiten Akts erlebt das Publikum die stürmischen Untiefen des Ärmelkanals mit und ist von der Arbeit der Bühnentechniker zu Recht begeistert. Das Zusammenspiel von Technik, Licht und Requisite erreicht in dieser Szene perfekte Ausmaße.

Die „3 Musketiere“ sind angetreten, um in Deutschland etwas Neues, noch nicht da Gewesenes zu präsentieren. In der Opulenz ihrer Ausstattung ist die Produktion sicherlich unschlagbar. Die Kreativen bedienen sich aller erdenklichen im Musicalbereich einsetzbaren Medien und machen das Stück zu einem audio-visuellen Erlebnis.

Weniger Pomp, eine weniger mit Kulissen, Hintergründen und Requisiten überfrachtete Bühne, mehr Details bei der Ausarbeitung der Charaktere sowie deutlich schwungvollere Arrangements würden dem Stück in Berlin sicherlich gut zu Gesicht stehen.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical