Leider bleibt wenig Zeit, das Gesehene mit Applaus zu honorieren, denn kaum sind die Schwarzlichtvögel von der Bühne geflattert, öffnet sich der Vorhang und gibt den Blick frei auf eine Tänzerin, die sich auf einer schrägen Spiegelfläche aalt. Mit gezielten Bewegungen schafft sie immer neue, kreative Figuren. Dabei muss sie sich weder besonders schnell bewegen, noch verrenken. Die effektvolle Nutzung der Spiegelfläche täuscht die Sinne und man muss sich schon sehr konzentrieren, um zu erkennen, dass es die ganze Zeit nur eine einzige Frau ist, die diese Illusionen erzeugt.

Es folgt eine Szene mit einem skelettierten Urzeitviech, das einem Triceratops ähnelt und mit dem eine Tänzerin zunächst

liebevoll spielt, um schlussendlich aber doch von ihm verletzt zu werden. Während der ganzen Szene liegt rechts vorn ein schlafender, knapp bekleideter Jüngling. Mehr als Herumliegen macht er aber auch nicht. So ganz kann man diese Szene nicht nachvollziehen…

Doch auch hier bleibt keine Zeit zum Nachdenken, denn schon entspannt sich das nächste Bild, in der das Ensemble, die Arme in Plastikröhren steckend, über die Bühne tanzt und mit den Röhren immer wieder neue Formen erzeugt.

In der Folgeszene tanzen die Blätter. Drei Paare zeigen in ansprechenden, kraftraubenden und doch unendlich eleganten Figuren, was experimentelles Tanztheater ausmacht. Jede Faser der sechs Körper ist gespannt und jede Bewegung wird ganz präzise ausgeführt.

Als nächstes kullern fünf Blütenknospen auf die Bühne. Zu wunderschöner, indisch motivierter, ins klassische übergehender Musik entwickeln

sich diese Knospen vor den Augen der Zuschauer zu wunderschönen Blumen. Die Tänzerinnen verleihen dieser Wandlung viel Grazie und das Spiel mit den wandlungsfähigen Kleidern – vom Kokon über Petticoat zum eleganten Cocktailkleid – ist eine wahre Augenweide.

In den Folgesequenzen stehen mal die Männer mehr im Vordergrund: Als düstere, kraftvoll-bedrohliche Wespen erobern sie in einer raumgreifenden Choreographie die Bühne. Verstärkt von einigen Kolleginnen traben sie danach als Zentauren über die Bühne. Die Synchronität von Vorder- und Hinterteil ist bestechend, die energische Eleganz freut das Auge.

Im ersten Akt begleiten sphärische Klänge die vielen zusammenhanglosen Szenen. Das birgt die Gefahr, dass die Aufmerksamkeit der Zuschauer durch die „Entspannungsmusik“ sinkt und man das Geschehen nur noch vorbeiplätschern lässt, was den herausragenden Leistungen der Künstler wahrlich nicht gerecht werden würde.

Im zweiten Akt ändert sich dies. Nicht nur die Musik wird schneller, energischer und elektrisierender, auch die gezeigten Choreographien sind noch kreativer, atemberaubender, schöner.

Ein erstes Highlight setzt die Auftaktnummer, in der das Ensemble in weißen Kostümen die Bühne zurück erobert. Die komplette Szenerie wird auf der Leinwand im Hintergrund mehrfach parallel abgespielt. Wenn dann noch die Lichttechnik hinzu addiert wird und in einem Blitzlichtgewitter mal die Live-Tänzer, mal die passende Sequenz auf der Leinwand beleuchtet wird, ist das Publikum wieder begeistert bei der Sache.

Über die Tänzerin, die unter ihrem Kettenvorhang zunächst an eine altmodische Stehlampe erinnert, wundern sich die Zuschauer nur ganz kurz. Als sie beginnt sich zu drehen und der Vorhang zu einem Kreisel wird, mit dem sie immer neue Formen schafft, sitzen viele mit offenem Mund da.

Erinnern Sie sich noch, wie schwer es ist, einen Hula-Hoop-Reifen in Schwung zu halten? Versuchen Sie das mal minutenlang mit hunderten einzelnen Ketten. Über den Drehwurm, die die Tänzerin bekommt, da sie nicht ein einziges Mal die Drehrichtung wechselt, wollen wir hier gar nicht erst reden… Absolut beeindruckend!

Der von Bob Fosse choreographierte „Razzle Dazzle“ diente ganz klar als Vorlage für die folgende Sonnenblumen-Szene. Vor einem strahlend blauen Himmel tanzen drei wunderschöne Sonnenblumen, die jeweils aus zwei Straußenfederfächern zusammengesetzt werden. Wunderhübsch anzuschauen, ganz pur und mit kleinen Ideen (bspw. die „zuckenden“ Blütenbätter, während die Tänzerinnen umrahmt von den Blumen auf dem Boden sitzen) gespickt, die diese Szene einmalig machen.

Es folgt eine Liebeserklärung an (irische) Wälder. Zu gälischen Klängen und lupenreinem Gesang tanzt das komplette Momix-Ensemble mit Ahorn-Ästen. Sie schaffen wunderschöne Bilder, die Choreographien sind so abwechslungsreich wie anstrengend und das Publikum lässt sich vollends von dieser perfekten Harmonie gefangen nehmen.

Das Finale ist unerwartet ruhig: Ein einzelner Tänzer bewegt einen riesenhaften Fächer über die Bühne.

Zusammen mit seinen fließenden Bewegungen und den dazu eingeblendeten Blumen-Mustern wird man in eine traumhafte Welt entführt, wobei der Auftakt zu dieser Szene – Sternenmeer und Meeresrauschen  – dazu fast noch besser geeignet ist, als die daran anschließenden Blütenmotive.

Als Zugabe zeigen die zehn Tänzerinnen und Tänzer eindrucksvoll, was man mit Pool Noodles noch so anstellen kann. Farbenfroh, schnell, mit entsprechender Vervielfältigung auf der Leinwand werden hier noch einmal alle Sinne der Zuschauer angesprochen.

„Momix Botanica“ ist unglaublich kreatives Tanztheater. Es werden wunderbare Bilder geschaffen. Das Publikum sieht noch nie da gewesene Choreographien und wird im Handumdrehen verzaubert. Die neueste Show von Moses Pendleton hat alles, was es braucht, um Menschen in eine andere, bunte, gefühlvolle Welt zu entführen.

Nicht alle Szenenwechsel sind rund und die Zuschauer wissen auch nicht immer, ob sie nun applaudieren sollen oder nicht. Manchmal wäre die Zeit, aber das Publikum ist von der Performance noch gefangen, manchmal würde man gern seiner Begeisterung Luft machen, aber die ruhige, sphärische Musik gibt einem das Gefühl, das es nicht angebracht sei.

Nichtsdestoweniger bekommen die zehn Tänzerinnen und Tänzer am Ende minutenlangen Applaus und stehende Ovationen. Ihre Leistung ist atemberaubend. Die Kostüme sind traumhaft schön und passen sich perfekt an die gestählten Körper der Künstler an.

Die Musikauswahl passt zum Gesamterlebnis. Vielleicht gehören Tiefenentspannung und Sich-Treiben-Lassen ja zu den erklärten Zielen des amerikanischen Regisseurs und Choreografen. Dann trifft er mit seiner neuen Show voll ins Schwarze.

Wenn man sich darauf einlässt, keine Handlung, sondern abwechslungsreiches, buntes, wunderschönes Tanztheater genießen möchte, dann ist man bei der neuen Tour aus dem Hause Mehr! Entertainment genau richtig.

Michaela Flint

Während der verträumte Romeo erneut zu Vivaldi über die Bühne tanzt, hat Julia ihr erstes Solo zu Prokofjews „Romeo & Julia, Op. 64, – Julia als junges Mädchen“. Der folgende Kostümball besticht vor allem durch die ausgefallenen, körperbetonenden Kostüme. Viel Phantasie braucht der Zuschauer nicht, um sich das Muskelspiel der Tänzer unter den eng anliegenden, knapp geschnittenen Hosen und Shirts vorzustellen. Damit bedient das Kreativteam die Erwartungen der vorrangig weiblichen Zuschauer und erntet den entsprechenden Applaus. Zu einer Mischung aus Vivaldi und David Guetta nimmt das Geschehen seinen Lauf und Romeo und Julia begegnen sich zum ersten Mal. Ihre aufblühende Liebe beginnt mit „Without you“ (Guetta / Usher) und endet in einem klassischen Pas de Deux zu dem durch diverse Filme und viele Konzerte bekannten „Adagio for Strings, Op 11a“ von Samuel Barber.

Sowohl Julias liebesschwangere Tagträume als auch Romeos Junggesellenparty rocken wieder das Haus („Teenage Dream“ (Katy Perry), „Party Rock Anthem“ (LMFAO)). Ruhiger wird es kurz als die Amme ihre Julia zu Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ (Winter) auf die bevorstehende Hochzeit vorbereitet. Die Inszenierung der Hochzeit ist durch Lichteffekte (schrittweise Lichtwechsel beleuchten die fortschreitende Eheschließung vor Pater Lorenzo) sehr gelungen und die Party endet mit Lady Gagas „Edge of Glory“.

Den Auftakt zum 2. Akt bildet der Kampf von Capulets und Montagues. Während die „Bad Boys of Dance“ zu „Greyhound“ (Swedish House Mafia) mit viel Energie über die Bühne wirbeln, ist Mercutios Ermordung und Tod zu Prokofjews „Romeo & Julia, Op. 64 – Mercutio stirbt“ zwar wunderschön anzuschauen, aber doch etwas langatmig.

Aus dem Zusammenhang gerissen wirkt Graf Paris Bemühen um Julia zu „Every breath you take“ (The Police), wohingegen Romeos Rache an Tybalt – erneut zu Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ (Sommer) – sehr intensiv ist und durch starke Gefühle punktet. Die Choreographien sind in diesen Szenen mehr als deutlich als Rasta Thomas‘ und Adrienne Canternas zu erkennen.

Erneut wundervoll harmonisch ist die Liebesnacht von Romeo und Julia zu Des‘rees „I‘m kissing you“, die Romeos Verbannung und Julias daraus resultierender Verzweiflung vorausgeht. Zur weltbekannten „Unchained Melody“ der Righteous Brothers nimmt Julia das Gift und stirbt vermeintlich. Durch Lichtkegel und kniende Tänzer in Mönchskutte wird die Familiengruft dargestellt, was sehr effektvoll ist.

Zu Prokofjews „Romeo & Julia, Op. 64“ wohnt der Zuschauer dem tragischen Ende der Geschichte bei: Romeo findet seine vermeintlich tote Geliebte in der Familiengruft, stößt auf Graf Paris, bringt ihn in seiner unbändigen Wut und Trauer um und nimmt sich dann selbst das Leben, Julia erwacht aus ihrem Todesschlaf, sieht ihren Romeo und Paris tot am Boden liegen und beendet ihr eigenes Leiden, indem sie sich ersticht.

Das letzte Wort, bzw. den letzten Tanz des Abends hat Benvolio, der zu „Welcome to the black parade“ (My Chemical Romance) den Trauerzug der Capulets und Montagues anführt.

Shakespeares zutiefst romantische Tragödie bietet viele Möglichkeiten, sich in Details zu verlieren, doch dem Kreativteam ist es gelungen, die Handlung kompakt umzusetzen und selbst, wenn man nicht jedes Details kennt, findet man sich im Stück jederzeit gut zurecht. Hier helfen auch die passend ausgewählten und sparsam animierten Videoprojektionen im Hintergrund, die die Szenen verdeutlichen und die Stimmungen der Protagonisten unterstreichen. Bspw. verwandelt sich Julias schönes, „plüschiges“ Barockschlafzimmer nach der Verbannung Romeos in einen dunklen, traurigen Raum ohne Dekorationen, in dem man sich weder wohl fühlt, noch gern aufhält.

Dass die „Bad Boys of Dance“ und ihre weiblichen Kolleginnen herausragend tanzen können, haben sie schon in der Vergangenheit eindrucksvoll unter Beweis gestellt. Im Gegensatz zu ihren vorangegangenen Shows steht hier aber nicht die Gruppe im Mittelpunkt, sondern die Solisten. James Boyd ist ein exzellenter Romeo, kann romantische wie intensive Gefühle gleichermaßen körperlich beeindruckend umsetzen. Auch Mercutio und Tybalt, DJ Smart und Noah Gouldsmith, bestechen durch eine atemberaubende Körperbeherrschung und spielerische Intensität. Teneise Mitchell Ellis gibt eine sehr sympathische Amme und stiehlt Daniela Filippone als Julia fast die Show. Filippone ist eine sanfte Erscheinung, scheint aber nicht wirklich aus sich herauszukommen. Letztlich bleibt sie das schwächste Glied in der Kette. Selbst Jace Zeimantz als Pater Lorenzo und Nicholas Cunningham als Paris haben deutlich stärkere Momente auf der Bühne und bleiben im Gedächtnis.

Die Idee, klassische Stoffe in ein neues tänzerisches Gewand zu kleiden, ist nicht neu. Schaut man sich an, wo Rasta Thomas und Adrienne Canterna herkommen, bringen sie das gesamte Handwerkszeug mit, um diese Herausforderung zu meistern. Doch irgendwie überzeugt ihr neues Werk nicht gänzlich. Das mag an den teilweise sehr harten Übergängen von Klassik zu Rock/Pop liegen, evtl. auch an der nicht immer gelungenen Vermischung von klassischem Ballett und Modern Dance / Street Dance / Jazz Elementen. Das Publikum zollt den Tänzern für ihre Leistung jedoch durch minutenlange stehende Ovationen allerhöchsten Respekt und verlässt das Kampnagel Theater in angeregte Gespräche vertieft.

„Romeo and Juliet“ ist – wie es auf dem Plakat steht – a classic rock ballet. Führt man sich dies vor Augen kann man den Abend in vollem Umfang genießen, denn optisch, akustisch und auch emotional bedient das Stück eine große Bandbreite.

Michaela Flint

Das neue Programm ist in zwei jeweils 45-minütige Akte unterteilt, von denen der erste eine Liebesgeschichte erzählt, während der zweite eine atemlose Aneinanderreihung von Hits und kurzen Tanzsequenzen ist.

Im ersten Akt bilden fünf ausgezeichnete Tänzer den Rahmen für die Geschichte des Liebespaars (getanzt von James Boyd und Adrienne Canterna). Mit viel weiblichem Charme wird das Kennenlernen der beiden nachgezeichnet, es folgen romantische Momente, aber auch ein sehr intensiver Streit. Canternas Choreographien strotzen nur so vor Energie und Erotik, auch wenn man letztlich das wirklich Neue daran vermisst. Besonders gelungen ist das Staging zu „The Scientist“ von Coldplay, da hier jeder der fünf Tänzer seinen eigenen Raum bekommt und eindrucksvoll sein Können zeigen kann, während das Paar sich aus dem Weg geht.

Mit den ersten Tönen von „A song for you“ von Donny Hathaway wird die Versöhnung eingeleitet, die zu „Fallin‘„ von Alicia Keys und „Don‘t stop believin“ von Journey in einem energiegeladenen Finale mündet.

So beeindruckend und vielseitig die Choreographien auch sein mögen, man sieht doch häufiger ein Nachsetzen oder verpasste Einsätze. Auch unsynchrone Abläufe fallen auf. Das ist ein sehr überraschendes Novum bei den „Bad Boys of Dance“, das ich nur allzugern der Weltpremieren-Nervosität zurechne.

Die Videoprojektionen von Josh Hardy geben dem ersten Akt einen sehr guten Rahmen. Spielend verlegt er die Szenerie in verschiedene Ecken von New York. Die sieben Tänzer bilden ein harmonisches Miteinander mit der überdimensionalen Videowall. Einzig das Light Design von Lutin Tanner und Ashley Day hat an der ein oder anderen Stelle etwas gegen die Projektionen zu kämpfen und lässt die Tänzer im Schatten stehen.

Den Auftakt zum zweiten Akt bildet eine Szene, die man getrost ins Improvisationstheater verbannen könnte – weniger wegen der herausragenden, individuellen Choreographien als vielmehr wegen der sehr ablenkenden, übermächtigen Videoprojektion und wegen „Brotsjor“ von Olafur Arnalds, ein Song, dem man nur sehr schwer folgen kann.

Die folgenden ca. zehn kurzen Sequenzen zu Pop- und Rocksongs beeindrucken durch vielfältige Choreographien und nicht minder abwechslungsreiche, leicht ins psychedelische abfallende Videos. Allerdings wechseln die Szenen Schlag auf Schlag, d. h. alle 30-45 Sekunden, so dass man keine Chance hat, das Gesehene zu verarbeiten. Dadurch geht viel von der eigentlichen Wirkung verloren und das Publikum scheint leicht überfordert, da es schon gar nicht mehr weiß, ob und wo es applaudieren soll.

Mit „Need you tonight“ von INXS, „Dangerous“ von Michael Jackson, „Faith“ von George Michael, „Wanna love you girl“ von Robin Thickie, „We are the champions“ von Queen und „Bad“ von Michael Jackson entsinnen sich Thomas und Canterna wieder ihres eigentlichen Erfolgsrezepts: Perfekt trainierte, leicht bekleidete Körper von exzellenten Tänzern, die sich nach raumgreifenden, einzigartigen Choreographien vor ideal abgestimmten Videoprojektionen zu Welthits bewegen! Das lässt dann auch beim zurückhaltenden Hamburger Publikum die Dämme brechen und es gibt stehende Ovationen.

Die rundherum beste Szene des Abends gelang dem Ensemble zu „We are the champions“ von Queen – alle Gewerke greifen hier perfekt ineinander: Die Choreographien sind so typisch wie man sich von „Rock the Ballet“ erwartet, die Videowall verstärkt die Intensität und Kraft der Tänzer, das Light Design stellt jeden Tänzer zu jeder Sekunde ins richtige Licht und der Song ist ohnehin über jeden Zweifel erhaben.

Mit der Zugabe „I‘m sexy and I know it“ von LMFAO zeigen Adrienne Canterna und ihre sechs Männer wie erotisch und spritzig Tanzen sein kann, wenn man es in Perfektion beherrscht. Die Tänzer können in Sachen Waschbrettbauch und Muskeln von ihrer Choreographin noch einiges lernen – eine Frau mit echtem Sixpack sieht man nämlich nicht allzu häufig.

Weniger atemloses Hetzen von einer Sequenz zu anderen und mehr von dieser bis auf den letzten Zentimeter, bis in den kleinen Zeh perfekt inszenierten Szenen und das neue Programm wäre perfekt.

Dennoch ließ es sich der Kopf hinter dem Ganzen, Rasta Thomas, es nicht nehmen, seinem Weltpremieren-Ensemble – allen voran seiner Frau – mit Blumen und Applaus zu danken. Doch genauso demütig wie er die Bühne betrat, verschwand er wieder auf der Seitenbühne und überließ die sieben Akteure des Abends ihrem wohlverdienten Applaus.

Michaela Flint