Wenn sich schon kein Theaterproduzent traut, das im West End und am Broadway gleichermaßen erfolgreiche Tanzmusical nach Deutschland zu holen – die Kinobetreiber haben es getan: Im Sommer 2014 brachten sie eine Live-Übertragung von „Billy Elliot“ aus dem Victoria Palace Theatre in die deutschen Kinos. Und das Publikum riss ihnen die Tickets nur so aus der Hand.

Die Kameratechnik zeigt viele Details und man kann die ausdrucksstarke Mimik der Darsteller eindrucksvoll genießen. Manchmal ist es jedoch etwas zu viel der Technik, bspw. wenn die Kamera den Straußenfedertanz von Mrs. Wilkinson Ballettklasse von oben aufnimmt.

Doch dafür entschädigen herzrührende Szenen wie die Liegestützen des kleinsten Nachwuchsdarstellers, der diese unter lautem Fluchen absolviert. Auch Billy’s tanzende Großmutter („Grandma’s Song“) und die Grubenarbeiter, die mit den Ballettmädchen zu „Solidarity“ tanzen, gehören zu den Highlights der Show.

Wie viel Spaß den jungen Sängern und Schauspielern ihr Job macht, sieht man u. a. in der Szene, in der Michael und Billy sich durch den Kleiderschrank der Mutter wühlen und dabei die lustigsten Outfits anprobieren („Expressing Yourself“).

Die Szene, in der der kleine und der erwachsene Billy ihr Pas de Deux tanzen, gewinnt durch die Kamerafahrt noch an Intensität hinzu – Gänsehaut pur!

Widmet man sich kurz der Leistung der Akteure, die an diesem Abend auf der Bühne stehen, muss man – neben Elliott Hanna, der einen sympathischen, glaubhaften Billy gibt, auf jeden Fall Deka Walmsley als Billy’s Vater und Ruthie Henshall als Tanzlehrerin Mrs. Wilkinson erwähnen. Beide spielend unglaublich berührend und authentisch. Hier zeigt sich einmal mehr, dass Musiktheater in London auch heute noch eine ganz andere Qualität hat als in unserem Land.

Dass sich Briten auf der Bühne auch durchaus selbst auf die Schippe nehmen können, zeigt sich bei Billy’s Audition in der Royal Ballet School während sein Vater vor dem Safety Curtain nervös auf ihn wartet:

Er trifft auf einen anderen Vater, der ihn in lupenreinem Oxford English Mut zuspricht. Der Minenarbeiter aus Newcastle versteht aber nur Bahnhof.

Das wird auch nicht besser als ihm ein „ausnehmend gut bestückter“ Balletttänzer mit schottischem Akzent eine Zigarette anbietet. Man kann durchaus auf dieser kleinen Insel an Sprachbarrieren scheitern.

„Les Misérables“ gilt als eines der erfolgreichsten Musicals weltweit. Victor Hugos Revolutionsdrama „Die Elenden“ diente vor 35 Jahren Alain Boublil, Claude-Michel Schönberg und Herbert Kretzmer als Vorlage für ihren Musical-Welthit. Aufführungen in 23 Sprachen und 42 Ländern, pompöse Jubiläumsfeiern im Londoner Millennium Dome (2010) oder der Royal Albert Hall (1995) zeigen mehr als deutlich, dass die tragische Geschichte von Jean Valjean, Fantine und Eponine die Herzen der Menschen erreicht.

Schon Ende der 90er Jahre gab es Überlegungen, das Stück auf Zelluloid zu bannen, doch es dauerte weitere 20 Jahre bis die Ideen zum Film konkrete Formen annahmen. Für die Produzenten Tim Bevan und Eric Fellner von Working Title Films und Cameron Mackintosh war von vornherein klar, dass das Kreativteam der Bühnenfassung auch am Film mitarbeiten sollte. Und so entschied man sich gemeinsam mit Boublil, Schönberg und Kretzmer dafür, William Nicholson (u. a. „Gladiator“, „Shadowlands“) das Drehbuch zur Kinofassung schreiben zu lassen.

Cameron Mackintosh machte unmissverständlich klar, dass es nicht um ein Abfilmen der Bühnenshow gehen sollte, sondern der Grundtenor des Musicals in jedem Einzelbild des Films erhalten bleiben müsse. Der Zufall half bei der Suche nach dem passenden Regisseur für diese Herausforderung. Tom Hooper („The King‘s Speech“) kannte das Musical zwar nicht, hatte aber bereits zuvor mit Nicholson gearbeitet und entschied nach dem Besuch der Show und dem Lesen von Nicholsons Skript, sich dieser Aufgabe zu stellen: „Die Gefühle, die das Musical in mir auslöste und die Wirkung des Drehbuchs überzeugten mich, dass ich hier die Chance bekam, sehr emotional arbeiten zu können.“

Doch bevor die Schauspieler überhaupt ans Set und zum Singen kamen, mussten alle – auch die Hollywood-Größen Jackman und Crowe – ein Casting absolvieren. Produzent Fellner sagt dazu „Unsere Schauspieler müssen drei Voraussetzungen mitbringen: Starcharisma, Begabung und gesangliches Können. Wir haben Glück, denn heutzutage gibt es solche Darsteller. Praktisch alle Rollen haben wir mit unseren Wunschkandidaten besetzen können.“

Nach Hugh Jackmans dreistündigem Castings überschlägt sich Regisseur Hooper vor Lob: „Wie es Hugh gelingt, auch während des Singens seine Rolle schauspielerisch zu interpretieren, ist absolut außergewöhnlich. Ich erlebe ihn als heiligen Gral, als genialen Schauspieler und Sänger.“ Auch Jackman war sofort vom „Les Misérables“-Virus infiziert: „Jean Valjean ist zutiefst menschlich, außergewöhnlich stoisch, kraftvoll und letztlich inspiriert er uns total. (…) Alle meine bisherigen Rollen waren die Vorarbeit zu diesem Film – meine Bühnenauftritte ebenso wie die Kinorollen. In dieser Figur kommt alles zusammen – es ist die Rolle meines Lebens.“

Wenn man ein Musical authentisch auf die Leinwand bringen möchte, muss man die Hürde „Gesang“ nehmen. In „Les Misérables“ wird jede einzelne Zeile gesungen; dies ist auch im Film nicht anders. Da das Genre Film aber anderen Gesetzmäßigkeiten folgt als Theater, bat Hooper Boublil, Schönberg und Kretzmer auf Basis von Nicholsons Drehbuch eine neue musikalische Struktur und neue Texte zu entwerfen: „Ich wollte das Risiko eingehen und einem neuen Genre einmal etwas ganz anderes probieren. Von Anfang an wollte ich unbedingt live drehen. Wenn sich das als unmöglich erwiesen hätte, hätte ich den Film wahrscheinlich abgelehnt. Denn egal wie perfekt die Schauspieler zum Playback des Gesangs mimen – die Zuschauer merken einfach, dass es nicht echt wirkt.“

Russell Crowe, der als Inspektor Javert Jackmans Counterpart spielt,  sieht dies ähnlich: „Ich glaube, seit John Nash in „A Beautiful Mind“ hat mich keine Rolle derart begeistert. (…) Javert wird von einer ganz spezifischen Moral und einem entsprechenden Weltverständnis geprägt: Gut und Böse sind klare Gegensätze. Als er merkt, dass er Unrecht hat, weil nämlich der Mann, den er für böse hält, tatsächlich ein guter Mensch ist, ist Javert ein gebrochener Mann.“

Anne Hathaway hat eine sehr enge Beziehung zu „Les Misérables“: Ihre Mutter hat bei einer US-Tournee im Ensemble und als Fantine auf der Bühne gespielt. Hathaway kennt die Melodien also seit Kindertagen. Hooper hält große Stücke auf die Schauspielerin: „ Anne verfügt über die außergewöhnliche Fähigkeit, sich durch einen Song schauspielerisch auszudrücken. Es geht ja nicht nur darum, einen Song zu singen. Sie muss Großaufnahmen bestreiten und dabei das Lied interpretieren – die Anforderungen dafür unterscheiden sich völlig von dem, was den Bühnendarstellern abverlangt wird.“

Für Hathaway steht vor allem die Verletzlichkeit von Fantine im Mittelpunkt: „Fantines unendliches Leid lässt die Liebe im Rest des Films umso intensiver strahlen.“ Sie brachte sich weit mehr als üblich in diese Rolle ein. In der Szene, in der Fantine ihre Locken verkauft, ließ sie sich ihr eigenes Haar abschneiden und hungerte sich zudem 11 kg ab, um Fantines körperlichen Verfall glaubhaft spielen zu können.

Dass Samantha Barks als Eponine engagiert wurde, war kein Zufall. Von 2010 bis 2011 gehörte sie zum Londoner „Les Misérables“-Ensemble und sie überzeugte Hooper und Mackintosh im Handumdrehen.

Die Eltern der kleinen Eponine, die schrägen Wirtsleute Thénardier, sind auf der Bühne aufgrund ihrer extrovertierten, kruden Art Publikumslieblinge. Debra Hayward (Working Title) bestätigt: „,Master of the House‘ ist einer der beliebtesten Titel des Musicals. Wir mussten gar nicht lange suchen: Helena Bonham Carter und Sacha Baron Cohen sind das perfekte Komikerpaar. Dass sie beide auch hervorragend singen können, war dann das Sahnehäubchen oben drauf.“

Alain Boublil und Claude-Michel Schönberg waren auch bei den Dreharbeiten vor Ort. Das spornte die Schauspieler noch mehr an, erinnert sich Hathaway: „ Wir wollten sie unbedingt zufrieden stellen, beeindrucken und ihre Vision zum Leben erwecken.“ Dass sie alle live singen musste, machte diese Aufgabe nicht eben kleiner. Tom Hooper begründet seine Entscheidung: „Wenn der Schauspieler zum Playback mimen muss, kann er nicht mehr spontan agieren, weil er sich millisekundengenau auf einen Plan einstellen muss, der bereits vor Monaten festgelegt wurde. Doch wenn er live singen darf, hat er die Freiheit, die Illusion zu erzeugen, dass die Figur ganz intuitiv reagiert und handelt, was sich ganz intensiv auf den realistischen Eindruck der Darstellung auswirkt. „Les Misérables“ wird von intensiven Gefühlen geprägt und ich wollte den Schauspielern mehrere Optionen ermöglichen, die erst durch das Spiel entstehen.“

Simon Hayes, verantwortlich für den Ton, wusste von Anfang an, dass diese Art, ein Musical zu drehen, eine Herausforderung für sein Team werden würde. Doch die Schauspieler unterstützten Hooper in seiner Entscheidung. Während Jackman zugesteht, dass es sich um eine große Herausforderung handelt, betont er aber zugleich die Freiheiten im Spiel, die durch diese besondere Form des Drehens ermöglicht wurden. Crowe freut sich, dass er emotional nicht eingeschränkt wurde: „Darin liegt, glaube ich, der Schlüssel zu dieser sehr erfüllenden Erfahrung,“

Überhaupt loben Hugh Jackman und Russell Crowe das Engagement ihres Regisseurs sehr: „Genau wie Hugo ist er von der Geschichte besessen – bis ins letzte Detail. Er ist unglaublich intelligent, hat das Material völlig im Griff und beherrscht die Musik absolut souverän. Ich halte ihn für einen großen Filmemacher, und er hat sich den Mount Everest des Filmemachens vorgenommen.“ sagt Jackman, während

Crowe sich erinnert: „Tom brachte sich mit jeder Faser seines Körpers in dieses Projekt ein. Er arbeitete sieben Tage die Woche, blieb dabei aber trotzdem die Ruhe selbst. Er ist ein harter Bursche. Wenn er etwas will, dann bekommt er es auch. Solche Regisseure wünscht man sich!“

Die Voraussetzungen für die filmische Adaption eines Musical-Klassikers konnten besser kaum sein: Die Künstler, deren Köpfen das Werk entsprang, der erfolgreiche Musicalproduzent, der genau weiß, was gut für „sein Baby“ ist, ein Drehbuchautor und Regisseur, die sich blind verstehen und ganz tief in die Geschichte eintauchen und sich auf die Bedeutung von vermeintlichen Kleinigkeiten ein lassen, talentierte und engagierte Schauspieler und Sänger – alle brannten gleichermaßen für dieses anspruchsvolle Projekt.

Warum also entfacht die Handlung nicht dasselbe emotionale Feuerwerk wie die Bühnenversion?

An der Optik liegt es sicherlich nicht. Die Spielorte sind gut gewählt und wirken trotz des massiven Einsatzes von digitaler Technik glaubwürdig und authentisch. Produktionsdesignerin Eve Stewart hat hier ganze Arbeit geleistet. Ebenso überzeugende Arbeit liefert Kostümdesigner Paco Delgado ab. Auch auf der großen Leinwand erkennt man die Farbwelten wieder, die der Bühnenfassung zugrunde liegen: Blautöne für die Fabrikarbeiterinnen, Braun- und Grautöne für die Bettler auf den Straßen, verblasste Farbenvielfalt bei den Prostituierten usw.

Vielleicht tragen die hervorragenden Make-Ups von Lisa Westcotts Team  eine Teilschuld? Denn wer möchte schon in Großaufnahme die schmutzigen Zahnstummel in Fantines (Anne Hathaways) Mund sehen oder in den blutunterlaufenen Augen von Jean Valjean (Hugh Jackman) jedes Äderchen erkennen.

Handwerklich ist daran nichts auszusetzen, doch die Nähe zum Elend, die hier im Gegensatz zur Bühne mehr als nur angedeutet wird, ist vielleicht doch etwas zu viel des Guten.

Danny Cohens beklemmend intensive Kameraführung lebt von Nahaufnahmen und verliert sich in Details, die man in dieser Intensität nicht unbedingt sehen möchte. Auch dies könnte ein Indiz dafür sein, dass es vielleicht nicht ganz so gut war, die Distanz zwischen Bühne und Publikum durch diese Detailverliebtheit aufzuheben.

Die Sorge, dass die Filmfassung dem Musical in Sachen musikalischer Opulenz nicht gerecht wird, ist unbegründet. Was Anne Dudley, Stephen Metcalfe, Becky Bentham zusammen mit Simon Hayes Live-Mitschnitten des Gesangs am Set geschaffen haben, kann sich durchaus hören lassen.

Bleiben die Akteure vor der Kamera. So sehr das Kreativteam von seiner Wahl auch überzeugt sein mag, so sehr mehren sich doch die Zweifel, dass beim Casting vielleicht anderen Darstellern der Vorzug hätte gegeben werden können (und in manchen Fällen sogar müssen).

Hugh Jackman steckt wirklich sehr tief in der Rolle des zu Unrecht verfolgten Jean Valjean. Seine spielerische Intensität ist atemberaubend, wobei er als Sträfling und Flüchtiger noch etwas mehr zu überzeugen weiß als als Bürgermeister und Pflegevater von Cosette. Gesanglich meistert er eine der anspruchsvollsten männlichen Musicalrollen gut, auch wenn er an berühmte Vorgänger wie Colm Wilkinson nicht heranreicht. Seine Oscar-Nominierung hat Hugh Jackman dennoch vollkommen zurecht erhalten.

Russell Crowe spielt den „Bösewicht“ Javert. Dass auch der Inspektor mehrere Facetten hat und sein einseitiges Agieren gegenüber Valjean reflektiert, wird dank Crowes schauspielerischer Erfahrung sehr deutlich. Seine raue Rockstimme wirkt jedoch oft nicht passend für den strengen Javert und allzu häufig verfällt er in Sprechgesang. Das tut zwar der Figur als solcher keinen Abbruch, hat aber mit einer Musicalperformance wenig zu tun.

Ähnlich enttäuscht ist man von Anne Hathaway. Sie spielt stark und bringt die Leiden der Fantine klar zur Geltung. Und doch wirkt es phasenweise „over-acted“ und man vermisst die zarte Seite der verständlicherweise sehr verbitterten Arbeiterin. Gesanglich ist hier, wie man so schön sagt, noch viel Luft nach oben. Hathaways eher schrille Klangfarbe macht es schwer, mit Fantine echtes Mitgefühl zu entwickeln, obwohl die sterbende Mutter der kleinen Cosette dies mehr als verdient hat.

Wie viel mehr Freude macht dagegen die auf der Leinwand noch unbekannte Samantha Barks! Warum „On my own“ zu Weltruhm gelangt ist, wird in ihrer Darbietung deutlich. Dass sie auch schauspielerisch bestehen kann, zeigt sich in Eponines  Sterbeszene: Sanft und unsagbar verletzlich liegt sie in den Armen des von ihr so geliebten Marius und kann wenigstens ein einziges Mal fühlen, dass sie ihm etwas bedeutet. Barks kann diese Klaviatur überzeugend bedienen.

Eddie Redmayne ist als besagter Marius zu erleben. Erfrischend aufmüpfig und nicht ganz so arg blass wie seine Bühnen-Alter Egos schwankt er zwischen der jungen Liebe zu Cosette und dem Kampf mit seinen Kommilitonen gegen die Mächtigen Frankreichs. An Redmaynes Besetzung kann man nichts aussetzen. Gleiches gilt für Amanda Seyfried, die als Cosette zu sehen ist. Im Gegensatz zu Redmayne bleibt sie – zugegebenermaßen rollendeckend – im Hintergrund und ist eher schmückendes Beiwerk. Sicherlich nicht leicht, aus einer solchen Rolle das Beste zu machen, aber Seyfried gelingt dies.

So energisch Redmayne als Marius ist so unauffällig bleibt Aaron Tveit als Enjolras. Man fragt sich zwischenzeitlich, wer denn nun der Anführer der Studenten ist – er oder Marius? Dafür singt er sehr schön und führt das Ensemble in ein beeindruckendes „Red and Black“.

Den Reigen der bekannten Schauspieler komplettieren Helena Bonham Carter und Sacha Baron Cohen. Beide haben erwiesenermaßen ein Gespür für außergewöhnliche, schräge Charaktere, gern auch am Rande der Gesellschaft lebend. Ebenso haben beide mehrfach ihr komödiantisches Talent bewiesen. Sie als gute Sänger zu bezeichnen, fällt aber schwer. Und doch kann man ihnen dies nicht anlasten, von den Thénardiers erwartet man keinen lupenreinen Sopran oder einen voll-warmen Bariton. Da darf es gern auch mal schiefe Töne und ungewöhnliche melodische Interpretationen geben.

„Les Misérables“ auf Leinwand zu bannen, bedeutet auch, dass man ein enorm großes Ensemble braucht. Neben hunderten Statisten haben es  auch zahlreiche namhafte Musicaldarsteller in die Cast geschafft. Allen voran natürlich Colm Wilkinson, der erste Londoner Jean Valjean, der im Film als Bischof den gestürzten Valjean wieder auf den Pfad der Tugend führt. Nur wenige Noten reichen, um auch hier seine Klasse und den hohen Grad an Gefühl zu beweisen, den Wilkinson mit seiner Stimme transportieren kann.

Das Leben ist ein Wettbewerb, den auf keinen Fall immer der oder die Beste gewinnt. Nicht selten sind die besten Beziehungen ausschlag-gebend. Das ist eine der Weisheiten, die „Smash“ vermittelt.

Da ist die erfahrene Musicaldarstellerin, die sich im Kampf um die Hauptrolle mit einer naiven, sehr talentierten Kellnerin messen muss.

Die ehrgeizige Produzentin versucht, ihrem zukünftigen Exmann zu beweisen, dass sie auch ohne sein Geld ein Musical zum Erfolg führen kann.

Das eingespielte Kompositionsduo muss sich von einigen Vorstellungen hinsichtlich Regie und Besetzung verabschieden, damit sein Stück den Weg an den Broadway auch nur beschreiten kann.

Und schließlich gibt es da noch den intriganten Assistenten, der alle gegeneinander ausspielt und seine Fahne nach dem Wind wehen lässt, den namhaften Regisseur, der die viel beschworene Besetzungscouch nur zu gern einsetzt, alte Liebschaften, die Ehen gefährden, Eifersucht, die Karrieren beenden kann und große Gefühle, die alles gehörig durcheinander bringen.

 

In „Smash“ wird kein Klischee ausgelassen, dabei geht es doch eigentlich nur um die Idee eines Musicals über Marilyn Monroe, die ein Eigenleben entwickelt und realistische Chancen hat, am Broadway gezeigt zu werden. Sympathische und starke Charaktere, durchaus nachvollziehbare, künstlerische Eigenheiten und nur allzu alltägliche Gefühlswirrungen und dadurch ausgelöste Kurzschlusshandlungen machen diese TV-Serie zu einer kurzweiligen Abendunterhaltung. Man möchte auf jeden Fall wissen, wie es weitergeht. Der unterschwellige Suchtfaktor, den die bunte, unbeschwerte Musicalwelt auf Zuschauer ausübt, wird hier clever eingesetzt. Dass dieses Business alles andere als schillernd ist, sondern von harter Konkurrenz, starken Egos und vielen Rückschlägen geprägt ist, wird bei „Smash“ eindrucksvoll dargestellt.

Tom (Christian Borle) und Julia (Debra Messing) ergänzen sich als Komponist und Texterin perfekt. Sie haben einige kleine Musicals geschrieben und entwickeln die Idee zu einem Musical über die sagenumwobene Stilikone Marilyn Monroe.

Toms übereifriger Assistent Ellis (Jaime Cepero), bzw. dessen Mutter, der er den Mitschnitt einfach so geschickt hat, veröffentlicht den ersten Song im Internet und das positiven Kritiken überschlagen sich.

Eigentlich wollten Julia und ihr Mann Frank (Brian d’Arcy James) sich um eine lange geplante Adoption kümmern, doch das Projekt „Marilyn“ ist für Julia dann doch verlockender.

Eileen (Anjelica Houston), mit der die beiden schon in der Vergangenheit zusammengearbeitet haben, sieht das Projekt als DIE Chance, ihrem baldigen Exmann eins auszuwischen. Leider hat sie dabei nicht mit seiner Härte gerechnet. Als er ihr den Geldhahn zudreht und alle Kontakte ,vergiftet‘, stößt sie an ihre Grenzen.

Als Regisseur wird Derek Wills (Jack Davenport) gewonnen, der aber schon während der Auditions seinen ,Starstatus‘ ausspielt. Anstatt der von Tom favorisierten Ivy Lynn (Megan Hilty) will er die komplett unerfahrene Karen Cartwright (Katharine McPhee) für die Workshops engagieren. Ivy setzt ihre Reize jedoch sehr überzeugend ein und auch ihre Bühnenerfahrung trägt dazu bei, dass sie für die Hauptrolle engagiert wird. Karen wird immerhin die Zweitbesetzung. Während Karen dies immer noch als große Chance wahrnimmt, stehen bei Ivy Eifersucht, Neid und Missgunst im Vordergrund. Sie lässt nichts unversucht, die ungeliebte Konkurrentin loszuwerden.

Um die geplanten Probevorstellungen doch noch aufführen zu können und das Musical vor Publikum auszuprobieren, engagiert Derek die berühmte Filmschauspielerin Rebecca Duval (Uma Thurman) für die Hauptrolle. Leider kann diese weder singen noch hat sie Ahnung vom Musicalschauspiel. Allerdings zieht sie die naive Karen in ihren Bann und sorgt so dafür, dass diese ihre Beziehung zum aufstrebenden Pressesprecher Dev (Raza Jaffrey) vernachlässigt.

Nach einigen weiteren emotionalen Loopings findet der Tryout statt – bis zum Schluss bleibt jedoch unklar, wer die Hauptrolle spielen wird. Ivy zerbricht fast an diesem Druck und so steht Karen als Marilyn auf der Bühne und führt das Ensemble zum Erfolg.

Damit endet die 1. Staffel von „Smash“. Doch die Dramen für die Fortsetzung werfen deutlich sichtbar ihre Schatten voraus…

Dem Team um Produzent Steven Spielberg ist es auf jeden Fall gelungen, den Entstehungsprozess einen Musicals auf sehr ungewöhnliche Weise nachzuzeichnen: Während man in einigen Szenen das Rohmaterial zu sehen bekommt, die ersten Tanzschritte, einzelne Songsequenzen, werden im nächsten Moment komplett durchgestylte, perfekt choreographierte und mitreißend inszenierte und intonierte Szenen aus „Marilyn“ gezeigt. Man erkennt das Potential der Hauptdarstellerinnen, die Energie, die vom Ensemble ausgeht und ist als Zuschauer Teil eines Geschehens, das man normalerweise nie zu sehen bekommt. Ganz zu schweigen von den eingängigen Melodien.

Musical ist Blut, Schweiß und Tränen – und das nicht nur im übertragenen Sinn. Musical ist Drama, Emotion, und knallhartes Business. „Smash“ streift diese Themen aus verschiedenen Blickwinkeln. Die Schauspieler und Sänger, die für die Serie engagiert worden, verfügen teilweise selbst über Broadway-Erfahrung und sorgen für eine gewisse Authentizität und Glaubwürdigkeit.

Dass Katharine McPhee singen kann, bewies sie 2006 ganz Amerika als Siegerin von „American Idol“. Sie verleiht dem Landei Karen große Natürlichkeit und viel Menschlichkeit, sie ist das typische stille Wasser, das durch eine unerwartete Tiefe überrascht.

Jack Davenport (den meisten bekannt aus „Fluch der Karibik“) überzeugt als cleverer, zielstrebiger Regisseur, der nichts anbrennen lässt. Debra Messing („Will & Grace“) zeigt sich in „Smash“ selten von ihrer komischen Seite, dafür umso mehr von ihrer emotionalen Seite – sowohl als besorgte Mutter, als auch als leidenschaftliche Geliebte und reumütige Ehefrau.

Wirklich große Broadway-Namen findet man in den Nebenrollen: Will Chase, Brian d‘Arcy James, Ann Harada, Bernadette Peters, Nick Jonas – sie alle bringen echten Broadway-Glamour ins Fernsehen.

Von der ersten Sekunde an fühlt man sich nicht als Zuschauer, der die Handlung in einer Guckkastenbühne verfolgt, sondern ist mitten im Geschehen dabei. Clevere Kamerafahrten machen die Handlung greifbar, perfekt dosierte und platzierte Nahaufnahmen heben die Distanz zu den Charakteren auf.

Trotz des Live-Mitschnitts gibt es keine sichtbaren Zuschauer; Applaus hört man nur nach dem Finale. Auch diese intelligente Entscheidung zeichnet die Verfilmung des „Phantom der Oper“-Sequels aus.

Hinzu kommen ein sehr charismatischer Hauptdarsteller und ein energetisches Ensemble, die zu unerwartet poppigen Andrew Lloyd Webber Klängen das Coney Island der letzten Jahrhundertwende zum Leben erwecken.

Die australische Fassung wurde gegenüber der Londoner Version optisch überarbeitet und fällt damit deutlich opulenter aus. Auch akustisch lässt es die abgefilmte Fortsetzung des Musical-Klassikers „Das Phantom der Oper“ an nichts vermissen. Operettenhafte Klänge stellen hier lediglich den Querbezug zum ersten Teil her; „Love Never Dies“ hingegen besticht durch poppige Rhythmen, auch E-Gitarren sind das ein oder andere Mal zu hören.

Die Rahmenbedingungen für eine erfolgreiche Show könnten also besser kaum sein. Doch worum geht es eigentlich? Warum  musste Andrew Lloyd Webber die tragische Geschichte vom Phantom der Pariser Oper wieder aufgreifen und eine Fortsetzung schaffen? Diese Fragen beantwortet der erfolgreiche Musicalkomponist in einen ausführlichen Interview.

Inspiriert von Frederick Forsyths „Das Phantom von Manhattan“ und mit der tatkräftigen Unterstützung von Glenn Slater und Ben Elton erzählt Andrew Lloyd Webber die Geschichte über das Leben der bekannten Hauptakteure 10 Jahre nach den dramatischen Ereignissen in der Pariser Oper. Hierbei rücken die Kreativen weit von Gaston Lerouxs ursprünglicher Vorlage ab; es gelingt ihnen aber dennoch, eine in sich schlüssige, kurzweilige Handlung zu kreieren.

Das Phantom hat sich mit der Unterstützung von Mme Giry und deren Tochter Meg nach New York geflüchtet und leitet dort als „Mister Y“ das magisch-mysteriöse Theater „Phantasma“ auf Coney Island.

Raoul hat sich verspekuliert und nimmt daher das Angebot von Hammerstein an, der Christine für ein Konzert an eben jenem Theater  engagiert. Schon bei der Ankunft in New York begegnet das Paar vielen seltsamen Gestalten und Christine kann die Neugierde ihres Sohns Gustave kaum bändigen.

Kurze zeit später lockt das Phantom Raoul unter einem Vorwand aus der Suite des Paares und es stellt sich heraus, dass er dieses Engagement eingefädelt hat, um Christine wieder zu sehen und sie noch einmal singenzu hören. Christine lehnt ab und das Phantom erpresst sie, indem er ihre Familie bedroht, wenn sie ihm diesen einen Gefallen nicht tut. Was das Phantom zu diesem Zeitpunkt nicht ahnt, ist, dass Gustave sein Sohn ist…

Christine versucht, sich gegen das Phantom und ihre wieder aufflammenden Gefühle zu wehren. Doch sie kann sich seinem Einfluss nicht entziehen. Als Raoul merkt, wer tatsächlich hinter diesem Engagement steckt, übermannt ihn die Angst, Christine zu verlieren und er ertränkt seinen Kummer im Alkohol. Währenddessen zeigt das Phantom dem neugierigen Gustave die Katakomben des Theaters, um dort festzustellen, dass das Kind seine Musikalität und Christine Lebensfreude perfekt vereint. Das Phantom spürt tief in sich, dass sein Leben nicht umsonst war, wenn er so etwas wundervolles wie diesen Jungen erschaffen konnte.

Als Meg Giry ihrer Mutter erzählt, dass Christine die große Arie singen soll, für die sie, Meg, so lange geprobt hat, überwiegt bei beiden die Enttäuschung und Eifersucht auf die unzerstörbaren Bande zwischen dem Phantom und Christine.

Raoul stellt Christine ein Ultimatum und setzt sie damit ungebührlich unter Druck. Sie möchte ihr Familienleben gern retten und versucht, sich gegen die Überzeugungskraft des Phantoms zu wehren. Doch sie erliegt dem sehr menschlich gewordenen Phantom und verfällt ihm erneut.

Das Finale bildet die Suche aller nach dem plötzlichen verschwundenen, tatsächlich jedoch von Meg entführten, Gustave. Im finalen Gerangel löst sich ein Schuss aus Megs Pistole, der die Liebe vom Phantom und Christine für immer unsterblich macht.

Was bei „Love Never Dies“ als erstes angenehm auffällt, ist, dass auf verwirrende Nebenhandlungen gänzlich verzichtet wird. Es geht einzig und allein um die nie erloschene Liebe zwischen Phantom und Christine. Dass diese Liebe Raouls Herz brechen lässt und Meg Giry vor Neid nicht mehr ein noch aus weiß und schlussendlich die Zukunft auf den Schultern des kleinen Gustave lastet, fügt sich perfekt in das Gesamtbild.

Die Rolle des Phantoms ist viel facettenreicher als im Prequel und gibt dem jeweiligen Darsteller viel mehr Möglichkeiten, aus dem vermeintlichen Monster einen gefühlvollen Menschen zu machen. In Melbourne – und damit auch auf dieser DVD – wurde das Phantom von Ben Lewis gespielt. Der Sänger und Schauspieler scheint für diese Rolle perfekt aufgestellt zu sein, verfügt er doch über eine mimische und gesangliche Bandbreite, die ihresgleichen sucht. Man versteht, warum das Phantom so handelt; man glaubt ihm die tiefe Liebe zu Christine Daaé und als er sich in Gustave wieder erkennt, möchte man ihm versöhnlich die Hand reichen und ihm helfen, sich aus seinem dunklen Dasein zu befreien.

Stimmlich klettert Lewis scheinbar spielend von den bedrohlichsten Tiefen in die schmerzerfülltesten und einfühlsamsten Höhen. So viel Gefühl erlebt man auf einer Musicalbühne nicht oft. „Til I hear you sing“ und „The beauty underneath“ sind nur zwei Beispiele, die einem Tränen des Mitleids in die Augen treiben.

Fast auf den Tag genau 25 Jahre nach der Londoner Premiere (8. Oktober 1985) brachte Cameron Mackintosh am 3. Oktober 2010 zwei beinah monumental zu nennende konzertante Aufführungen des weltweit gespielten Hit-Musicals „Les Misérables“ auf die Bühne der O2 Arena (Millennium Dome) in London.

Universal Pictures hat diese Konzerte mitgeschnitten und das Ergebnis entschädigt alle, die nicht live in der O2 Arena oder einem der das Konzert live übertragenden Kinos in England und den USA dabei sein konnten.

500 Künstler waren auf der Bühne aktiv. Darunter das Ensemble der aktuellen Londoner Produktion im Queen‘s Theatre, das Ensemble der letztjährigen UK-Jubiläumstour, Darsteller aus der Originalproduktion von 1985 und Künstler, die bereits beim 10-jährigen Geburtstagskonzert dabei waren. Nicht zu vergessen, der große Chor sowie das mehr als 50-köpfige Orchester (!!!) unter der Leitung von David Charles Abell.

Bringt man „Les Misérables“ auf die Bühne kann man eigentlich kaum etwas falsch machen. Das wussten zum Glück auch die Regisseure Laurence Connor und James Powell, die die Herausforderung, Leben auf die große Bühne der O2 Arena zu bringen, perfekt gemeistert haben. Keine überdimensionierten Kulissen, sondern eine sparsam dekorierte Empore, auf der die 161 Chormitglieder und das Orchester ihren Platz finden.

Ähnlich wie schon beim 10-jährigen Jubiläumskonzert 1995 in der Royal Albert Hall stehen am Bühnenrand schlichte Mikrophone, hinter denen die in Originalkostümen gewandeten Protagonisten, das Schauspiel weitgehend reduziert, dafür aber mit umso ausdrucksstärkerer Mimik, die wundervollen Songs von Claude-Michel Schönberg intonieren. Durch die sehr gute Kameraführung ist man dicht dran am Geschehen und kann die Emotionsvielfalt dieses Stücks mitfühlen.