Langsam füllt sich die Bühne, Darsteller bewegen sich durch den Saal und plötzlich geht es los: „Lady Marmalade“ ist der einzig zulässige Opener für diese so emotional aufwühlende Show. Optisch sind die Damen ein Hingucker, da verzeiht man vielleicht den ein oder anderen schiefen Ton. Mindestens genauso erwartungsgemäß wirbeln die Damen (und Herren) zu „Can Can Can“ über die Bühne. Dieses Tempo, das einem kaum die Luft zum Atmen lässt, wird im gesamten ersten Akt aufrechterhalten. Puh!

Ein umfassendes musikalisches Konzept bleibt „Moulin Rouge“ schuldig. Aber vielleicht ist es auch gewollt, die Zuschauer durch einzelne Zeilen aus bekannten Songs (bspw. „Über den Wolken“, „Je ne parle pas francais, aber bitte red weiter“ oder „Ich seh in Dein Herz“) kurz aufhorchen zu lassen, um sie dann wieder in das musikalische Labyrinth der Bohemians zu entlassen.

Auch Lieder, die man aus dem Baz Luhrmann Film kennt (und vielleicht liebgewonnen hat), werden nur angeschnitten, miteinander vermischt und so in das gefühlte kompositorische Chaos eingegliedert. „Children oft he revolution“ gehört bspw. dazu. Dennoch wird jeder Songschnipsel aufwändig inszeiert und bekommt seinen eigenen Applaus.

Satines erster Auftritt (sie schwebt auf einer Schaukel über die Köpfe hinweg durch den Saal) ist sehr gelungen. Sophie Berner wirkt zwar nicht so elegant und scheint weniger zerbrechlich als Nicole Kidman im Film, doch gerade bei „Diamonds are a girl’s best friend“ in Kombination mit „All the single ladies“ passt diese spürbare Dominanz perfekt.

Das erste Treffen von Satine und Christian findet zu einer spannenden Version von „Shut up and dance with me“ statt. Wenn Christian dann feststellt, dass das feeling inside „a little bit funny“ ist, weicht die Verwunderung darüber, dass Christian anstelle des Duke diesen Song singt, umgehend der Begeisterung für Jonas Heins wunderbar gefühlvolle Stimme.

Der selbstherrliche Duke de Monroth stinkt vort Geld und weiß, dass er am längeren Hebel sitzt. Da können die „Bohemians“ noch so ausdrucksstark und kraftvoll insistieren. Carsten Lepper spielt den von Satines besessenen Financier einschüchternd und unnachgiebig und lässt keinerlei Zweifel daran, welche Macht er besitzt (bzw. zu besitzen glaubt). Sympathie bringt man für ihn schwerlich auf – und genau so soll es sein. Der Song „Can’t always have what you want“ unterstreicht Monroths Ambitionen nur allzu deutlich.

Nur wenige Songs sind nicht bis zur Unkenntlichkeit reduziert, „Nature Boy“ – Toulouse-Lautrecs ruhige, melancholische Hymne auf Christian, ist einer von ihnen. Alvin LeBass verleiht dem Stück den nötigen Tiefgang und sorgt für einen Moment der Ruhe in der ansonsten atemlosen Inszenierung.

Das leidenschaftlich-komische „Elephant Love Medley“ ist eine ausufernde Aneinanderreihung von Welthits wie All You Need is Love, Just One Night, Can’t Help Falling In Love, Don’t Speak, I Love You Always Forever, It Ain’t Me Babe, Love is a Battlefield, Play the Game,Take On Me, What’s Love Got To Do with It, Up Where We Belong, Heroes, Your Song und I Will Always Love You. Die ganze Szene wirkt etwas zu parodistisch, auch wenn man natürlich aus dem Film die Verworrenheit der Situation gut kennt.

Eine der größten Enttäuschungen ist die Umsetzung von „Roxanne“. Genauergesagt, die Nicht-Umsetzung dieses wahnsinnig intensiven, ausdrucksstarken Songs, mit dem Santiago so viel von sich und über seine Angebetete preisgibt. Stattdessen gibt es eine „Backstage Romance“ bestehend aus Bad Romance, Tainted Love, Seven Nation Army, Toxic, Sweet Dreams Are Made of This von Santiago (Vini Gomes) und Nini (Annakathrin Naderer), die zwar Leidenschaft erkennen lässt, aber deutlich hinter den Erwartungen und Hoffnungen zurückfällt. Manchmal bleibt das Publikum bei „Moulin Rouge“ einfach mit einem „Warum?“ im Gesicht zurück. Diese Szene ist eine der Ursachen. Dafür ist das Lichtdesign in dieser Szene sehr gelungen. Justin Townsend hat wirklich tief in die Lichtkiste gegriffen, um eine ganz besondere Atmosphäre zu erschaffen.

Zum Träumen regt dann aber (zum Glück) auch auf der Bühne Christians sehnsuchtsvolles „Come what may“ an, das durch sehr schlaue deutsche Texte besticht, Jonas Hein aber genug Raum lässt, diese wunderbare Adaption bis in die Herzen in den letzten Reihen des Theater zu zaubern.

Recht unerwartet findet sich das Publikum nun in der Welt vom Duke de Monroth wieder: Alles ist in Pastelltönen, mondän, der Duke trägt einen standesgemäßen fliederfarbenen Anzug und wirkt völlig harmlos. Doch musikalisch ist „Only Girl In A Material World“ dies ganz und gar nicht: von Rihanna über Marilyn Monroe bis hin zu Madonna wird ein großer Bogen gespannt, der den großen Konflikt zeigt, in dem Satine steckt.

Im Folgenden macht Satine ihre Schwindsucht unter den Kollegen publik, was wiederum in einer völlig absurden Absinth-Sause mündet. Mit „Chandelier“ verarbeiten der Zidler, Christain, Toulouse-Lautrec, Santiago und die Kollegen ihre Gefühle und suchen einen Ausweg aus der angespannten Situation des „Moulin Rouge“. Und plötzlich wird sie doch noch besungen: „Roxanne“; allerdings von Christian im Absinth-Nebel und in einer viel zu braven Fassung. Da fehlen einem die Worte…

Satine begehrt gegen den herrischen Duke auf, was dem naturgemäß nicht gefällt. Doch ihr Widerstand ist nur von kurzer Dauer. Weit weniger dramatisch als in Baz Luhrmanns filmischer Vorlage haucht sie nach einem traurigen „Your Song“ ihr Leben aus und Christian trauert mit einem nochmals sehr gefülvollen „Come what may“.

Wahrheit, Schönheit, Freiheit und Liebe – darum geht es in dieser Show. Und davon möchte nicht nur der Zidler „More More More!“ und bringt mit dem Finalsong noch einmal alle Zuschauer in Bewegung.

Nach dieser Show braucht das Publikum erstmal Zeit zum Verschnaufen. Wurden sie doch gute zweieinhalb Stunden in atemberaubenden Tempo durch das Leben der Pariser Bohemians gescheucht. Optisch hält „Moulin Rouge“ was es verspricht: Catherine Zuber hat farbenfrohe Kostüpme entworfen, die perfekt mit Derek McLanes Bühnenbild harmonieren. Gut eingesetzte Kulissen tun ihr übrigens, um die Menschen, um die es an diesem Abend geht, in Szene zu setzen.

Über den fehlenden musikalischen roten Faden habe ich schon genug gesagt, aber auch dieses vermeintliche akustische Chaos gehört zur Idee von künstlerischer Freiheit im Sinne der Bohemians. Sehr gute Unterhaltung ist garantiert, aber man muss sich anschnallen, damit man währenddessen nicht aus der Bahn fliegt.

Protagonisten und Ensemble sind großartig gewählt und verleihen ihren Alter Egos zu jeder Zeit den passenden Ausdruck. Berner, Hein und Lepper überzeugen in ihren Rollen 100%ig. Alvin LeBass, Vini Gomes und Gavin Turnbull (Zidler) haben allesamt starke Momente und man merkt ihnen die Spielfreude an.

Doch es bleibt die Frage: Wieso lässt man die Stärken des Film links liegen und schafft eine noch verstörendere Welt, in der sich die Zuschauer kaum zurechtfinden? Etwas weniger musikalisches und szenisches Durcheinander wären leichter zu vearbeiten gewesen, aber natürlich zeigt ein Mainstream-Musical nicht das wahre Gesicht des Moulin Rouge. Also ist es am Ende vielleicht doch genau richtig so wie es ist?!

Michaela Flint

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Als großer Bewunderer ihrer Schauspielkunst lernt der blutjunge Alex die glücklose Schauspielerin Rose kennen und verliebt sich Hals über Kopf in die aufgrund der drohenden Arbeitslosigkeit etwas überspannte Rose Vibert. Spontan lädt er die deutlich ältere Schauspielerin in die Villa seines Onkels George ein. Diese Villa ist malerisch in den Bergen gelegen, abgeschieden und der perfekte Ort für eine Romanze. Auf der Zugfahrt hängen beide ihren Gedanken und Gefühlen nach und beschließen – aus gänzlich unterschiedlichen Motiven – sich von ihren Prinzipien zu entfernen und etwas zu wagen. Was haben sie schon zu verlieren? Außer vielleicht ihr Herz an jemand anderen…

Schon in diesen ersten Minuten wird deutlich, dass mit Carsten Lepper (Regie), Charles Quiggin (Bühne) und Stefanie Erb (Licht) hier ein Kreativteam zusammengefunden hat, dass das Spiel von Licht und Schatten perfekt beherrscht, um Ortswechsel wie aus dem Nichts zu bewerkstelligen und den jeweiligen Räumen eine ganz eigene Tiefe zu verleihen. Allein der mit drei Lichtern und Nebel angedeutete Zug, der in den Bahnhof einfährt, ist schon sehr pfiffig. Das Pyrenäen-Panorama, die einmalige Aussicht von Onkel Georges Villa, besteht aus gekonnt drapierten Stoffbahnen, die durch überaus clevere Licht- und Schattenakzente so plastisch wirken, als könne man die schneebedeckten Gipfel berühren.

George erfährt in den Armen seiner Muse Giulietta von dem „Einbruch“ seines Neffen in der Villa, kommt vorbei, um nach dem Rechten zu sehen, fühlt sich jedoch sofort als Störenfried beim frisch verliebten Paar. Nichtsdestoweniger ist die Anziehung zwischen Rose und George, die seinen Einrichtungsstil und Umgang sehr angenehm findet, nicht von der Hand zu weisen. Alex hingegen ist sich sicher, dass Georges Anziehungskraft ausschließlich von dessen Geld ausgeht. Als Rose unerwartet einen Brief von ihrem Agenten Marcel erhält, der sie dringend nach Paris zurückbittet, zeigt sich Alex‘ Hang zur Dramatik. Sofort hat er seinen Onkel als Absender der Nachricht in Verdacht, denn woher soll Marcel bitte die Adresse kennen? Diese aufbrausenden Gefühle bestimmen „Aspects of Love“ – und zwar bei allen Protagonisten.

Zeitsprung: Zwei Jahre später treffen wir Alex auf einem Pariser Straßenfest wieder. Er ist Soldat auf Heimaturlaub und besucht seinen Onkel, davon ausgehend, dass dieser mit Giulietta zusammenlebt. Er fällt aus allen Wolken als plötzlich Rose als Dame des Hauses vor ihm steht. Alex‘ Gefühle für Rose flammen sofort wieder auf. Er vermag nicht zu verstehen, warum sie bei George bleibt, betrügt dieser sie doch nur allzu offen. Doch Rose betont ihre unerschütterliche Liebe zu George. Was sie jedoch nicht davon abhält, sich ihren Gefühlen für Alex hinzugeben… Am nächsten Morgen kommt es zum Eklat als Rose Alex wegschicken und die gemeinsame Nacht vor George verheimlichen möchte, um sein schwaches Herz zu schonen. Alex bleibt und droht aus Eifersucht, Rose zu erschießen. In der Hitze des Gefechts kommt es jedoch glücklicherweise nur zu einem Streifschuss.

Auch in diesem Abschnitt zeigt Lepper viel Gespür für die emotionalen Verwirrungen der Protagonisten. Es geht menschlich zu, man kann die Beweggründe von Alex, Rose und George nur allzu gut verstehen. Dies ist nicht zuletzt auch der feinfühligen Personenregie Leppers zu verdanken.

Der treffende Rahmen für das sich abspielende Drama – eine bühnenfüllende Galerie bekannter (eigens von George gefälschter) Gemälde; die meisten davon Akte – ist der Ort, in dem George es sich in allen Belangen gut gehen lässt. Vor kurzem noch teilte er das Bett mit Giulietta, im nächsten Moment ist es Rose. Optisch sehr tiefgründig umgesetzt.

Auch die einleitende Volksfestatmosphäre zeugt von großer Kreativität: Kostüme (Aleš Valášek), Kulissen, Licht und Choreografie (Vanni Viscusi) bilden hier eine verstörend harmonische Einheit. Alle scheinen fröhlich und doch liegt ein nicht greifbarer dunkler Schatten über der Szenerie.

George möchte zugunsten seines Neffen zurückstecken, da er sich zu alt für Rose fühlt. Alex hingegen bestärkt ihn, dass er besser zu Rose passen würde („Du bist der bessere Mann für sie“). Doch George verlässt Paris und flüchtet sich in die Arme Giuliettas, die in Venedig auf ihn gewartet hat. Rose ist außer sich und lässt Alex durch Marcel rausschmeißen, um George zu folgen.

Der durch Viscusi choreographierte Szenenwechsel stellt die Ménage à trois tänzerisch nach, denn in Venedig angekommen, steht Rose direkt Georges langjähriger Geliebter gegenüber. Rose ist hoffnungslos überfordert und sinkt ihr ohnmächtig in die Arme.

Giulietta erkennt, dass Georges Gefühle für Rose stärker sind. Anstatt um George zu kämpfen, unterstützt sie ihn, freundet sich mit Rose an und mit einem Kuss der beiden Frauen wird mehr als deutlich, dass das Arrangement für alle zu funktionieren scheint.

Die großen Steintore, die die folgende Szene, in der George Rose gesteht, dass er mittellos ist und sie ihn im Gegenzug um seine Hand bittet, sind für ein Stadttheater sehr beeindruckend und schaffen im Handumdrehen einmal mehr eine ganz andere Welt.

Während Giulietta dem glücklichen Paar als erste mit einem Kuss für die Braut gratuliert, erfährt Alex in Malaysia von der Heirat. Noch immer ist er von Liebe und Eifersucht zerfressen…

Nach der Pause hat man Gelegenheit dem Orchester in all seiner Vollkommenheit zu lauschen. Zu einem Hintergrundbild, das mehr als nur vage an „Vom Winde verweht“ erinnert, spielt das Sinfonie-Orchester Münster brillant auf. Henning Ehlert treibt die Musiker zu Höchstleistungen an, die Lloyd Webbers voluminöse Kompositionen in Studioqualität zu Gehör bringen. Solch eine Präzision und Klanggüte ist heutzutage sehr selten geworden und einfach nur schön!

Es folgt ein weiterer Zeitsprung auf die Hinterbühne eines Pariser Theaters. Rose ist der gefeierte Star, der sie schon immer sein wollte. Marcel preist einmal mehr ihre schauspielerischen Qualitäten und macht ihr mit dem Überraschungsbesuch von Alex eine große Freude. Im Überschwang der Gefühle, die bei beiden immer noch sehr ausgeprägt sind, lädt Rose Alex kurzerhand aufs Landhaus zu George und der gemeinsamen Tochter Jenny ein. Roses aktueller Liebhaber Hugo hat genauso das Nachsehen wie Alex‘ aktuelle Gespielin Janet.

Gerade noch im Theater finden sich die Zuschauer nach einmal Blinzeln in der Villa wieder. Die 13-jährige Jenny ist ganz schön frech und findet großen Gefallen an dem stattlichen Leutnant, zu dem Alex inzwischen befördert wurde. Georges Liebeserklärung an seine Tochter geht ans Herz.

Das Zusammentreffen der vier verläuft sehr harmonisch. Auch Giulietta ist bei dieser „glücklichen Familie“ komplett abgemeldet und gibt sich in einem Café ihrem gebrochenen Herzen hin („Liebe ist viel mehr“). Das Szenenbild, die Choreografie für den tanzenden Kellner – beides bildet mit dem melancholischen Charakter des Songs eine perfekte Harmonie.

In der Villa vergeht die Zeit inzwischen wie im Flug. Der Jahreszeitenwechsel mit Drachensteigenlassen im Herbst, Eislaufen und Schneeballschlacht im Winter bis hin zum Picknick auf der Frühlingswiese ist sehr kreativ und kurzweilig umgesetzt. Hier gibt es viele kleine Details, auf die man achten kann.

Rose gesteht Alex, dass sie sowohl George als auch ihn liebt. Für Alex ist das nach wie vor nur sehr schwer zu verstehen. Dafür kommen er und Jenny sich immer näher. Das Mädchen verliebt sich in Alex. Er verspricht Rose, die das Ganze mit großer Sorge beobachtet, Jenny nicht das Herz zu brechen.

Zu einem gemeinsamen Dinner taucht Jenny im Abendkleid von Georges erster Frau auf. Sie sieht bezaubernd aus. Alex und Rose sind geschockt, weil sie um die Bedeutung des Kleides wissen, aber George nimmt es unerwartet entspannt auf und macht seiner Tochter die schönste Liebeserklärung („Ich möchte gern in Deinen Träumen…“). Die Szene ist auf angenehme Weise klischeehaft, aber wunderschön anzuschauen und die Zuneigung vom Vater zu seiner Tochter geht über auf das Publikum. Eine ganz besondere Energie liegt hier im Raum.

Nun folgt einmal mehr ein sehr gelungener und perfekt austarierter Szenenwechsel: George schreibt an seinem Beerdigungsplan. Ganz genau legt er fest, was und wie alles abzulaufen hat. Rose steht ihm voller Liebe bei und verspricht, seine Wünsche zu respektieren.

Im nächsten Moment stehen „plötzlich“ Jenny und Alex im Scheinwerferlicht der Straße. Alex stößt Jenny vor den Kopf, da er ihre Gefühle nicht erwidern mag. Sie ist verletzt, glaubt ihm aber nicht und küsst ihn.

Mit „Die Reise Deines Lebens“ folgt ein krasser Bruch, denn die Familie und Alex sind in Paris bei einer optisch opulenten und choreographisch sehr anspruchsvoll umgesetzten Zirkusvorstellung. George beobachtet Jenny und Alex genau; ihm schwant Böses. Er verbietet der inzwischen 15-jährigen Jenny den Kontakt zu Alex.

Das nun folgende Quartett von George, Rose, Alex und Jenny erscheint sehr disharmonisch, ist aber hoch emotional und verdeutlich die verschiedenen Gefühlsebenen der Protagonisten nachdrücklich. In jede Richtung brechen sich Gefühle bahn und jeder der vier in hin- und hergerissen, wie er bzw. sie jetzt handeln sollte. „Falling“ gilt gemeinhin als eines der anspruchsvollsten Quartette der Musicalwelt. Warum das so ist, wird hier in Münster eindrucksvoll unter Beweise gestellt.

George will Alex um jeden Preis von seiner Tochter fernhalten. Auch Alex, der den Avancen des verführerischen Teenagers zu erliegen droht, möchte die Gefühle im Keim ersticken: Es ist einfach nicht richtig. George steht vor Jennys Zimmertür, wo Alex ihr gerade versucht zu erklären, dass sie kein Paar sein können und ihre Gefühle füreinander falsch sind. George regt sich so sehr auf, dass er einen tödlichen Herzinfarkt erleidet. Die szenische Darstellung vom Vater vor dem Zimmer und dem Paar, dass hinter der Tür um seine Liebe ringt, ist sehr schön umgesetzt.

Wie von George gewünscht, singt Giulietta auf seiner Beerdigung und es wird getanzt und gefeiert. Die choreografischen Anleihen bei Flamenco und Tango sind nicht von der Hand zu weisen und werden – wie bei diesen Tänzen zwingend erforderlich – auch sehr akkurat ausgeführt. Die Dramatik der Szene wird nicht nur durch den perfekt ausgeleuchteten Sonnenuntergang, sondern auch das Klangvolumen greifbar.

Noch auf der Beerdigung macht sich Giulietta an Alex heran („Tanzen Sie auch mit Frauen Ihres Alters?“). Viscusis Choreografien übertragen die sexuellen Schwingungen zwischen den beiden vortrefflich.

Während Marcel Rose in ihrer Trauer beisteht, offenbart ein weiterer gekonnter Wechsel von Licht und Schatten, dass Giulietta und Alex mehr als nur das Tanzbein geschwungen haben. Giulietta redet Alex zu, Jenny zu verlassen, wohlwissend, dass dieser sie liebt. Jenny wiederum weiß, dass Alex die Nacht mit Giulietta verbracht hat. Er versucht, sich zu erklären, doch Jenny hebelt seine Argumente einfach damit aus, dass auch er erst 17 Jahre alt war, als er sich in ihre Mutter verliebte. Jenny bittet ihn auf sie zu warten, wenn er sie wirklich liebt. Zusätzlich bekniet ihn Rose ebenfalls zu bleiben („Alles nur nicht einsam“). Doch Alex erwehrt sich ihrer Anhänglichkeit und geht mit Giulietta nach Italien.

Eine letzte Frage bleibt: Was passiert in drei Jahren, wenn Jenny 18 Jahre alt ist? „Liebe ändert alles, nichts bleibt wie es war.“ ist Alex‘ gesungene Antwort hierauf.

Auch ein wie in diesem Fall noch so gutes Kreativteam allein kann ein Musical nicht zum Erfolg bringen. Maßgeblich sind neben den Musikern (auch diese sind in Münster herausragend) auch die Darstellerinnen und Darsteller, die die Charaktere auf der Bühne zum Leben erwecken. Mark Roy Luykx verleiht Alex Dillingham jungenhaften Charme, sehr viel Haltung und paart beides sehr authentisch mit einer unerwarteten emotionalen Tiefe. Gesanglich kann man sich kaum eine bessere Besetzung  vorstellen. Jeder Ton sitzt und lässt die Facetten von Alex‘ emotionaler Achterbahnfahrt sehr gut nachfühlen. Rose hat wenig Selbstbewusstsein und braucht die Anerkennung ihres Umfeldes, um zu glänzen. Sie erliegt charmanten Avancen nur allzu gern und genießt es, wenn sie von ihrem Liebhaber hofiert wird. Katja Berg kann sowohl diese recht oberflächliche Seite von Rose glaubhaft über die Rampe bringen als auch der verzweifelten Frau, die nicht allein sein kann, ein Gesicht verleihen. Die Energie von Rose zeigt sich nicht nur in ihren manchmal recht egoistischen Handlungen, sondern wird auch durch verschiedene Songs herausgearbeitet. Katja Berg lässt Stärke und Schwäche gleichermaßen zuverlässig erklingen. Eine tolle Ergänzung zu Luykx.

Auch Gregor Dalal fügt sich sehr harmonisch in diese Riege ein. Den Lebemann George gibt er jovial, zeigt seine Stärken aber insbesondere in den Szenen mit Tochter Jenny. Den alternden Vater, dem das Kind zu entgleiten droht, nimmt man ihm schauspielerisch und auch gesanglich in jedem Moment ab.

Floor Krijnen kommt die Rolle der ewigen Mätresse zu. Als Giulietta darf sie den Männern den Kopf verdrehen und sich ihrer Kunst hingeben. So eine Rolle macht sicherlich per se viel Spaß. Doch auch Giulietta hat Tiefgang und Krijnen gelingt es, sowohl die leichte Muse als auch die einsame Künstlerin überzeugend darzustellen. Große Momente, wie das Solo auf Georges Beerdigung, nutzt sie gekonnt, um sie perfekt in Szene zu setzen.

Die unglücklich in Alex verliebte Jenny gibt Deike Darrelmann. Jenny ist frech und niedlich, naiv und verführerisch. Eine schöne Spielwiese für eine Darstellerin. Darrelmann hat augenscheinlich ihre Freude daran und kann sowohl die kindlich überschwänglichen als auch die erwachsen abgeklärten Gefühle mit Leichtigkeit transportieren.

„Aspects of Love“ wird gern mal als sperriges oder langatmiges Stück bezeichnet. In der Regie von Carsten Lepper kann man dies in keinster Weise feststellen. Die Handlung wird kurzweilig visualisiert, die Szenenwechsel sind pfiffig, die Rollen sind exzellent besetzt und wurden mit viel Gespür für Authentizität ausgearbeitet. Das liegt sicherlich auch daran, dass Lepper nicht nur die Rolle des Alex Dillingham selbst gespielt hat, sondern auch, dass er 2019 das Stück bereits als Kammermusical in Wien inszenieren konnte. Natürlich ist in Münster alles sehr viel umfangreicher. Doch anstatt sich einschüchtern zu lassen, hat Lepper seine Chance genutzt und empfiehlt sich als Regisseur für emotionale, komplexe Stoffe.

Addiert man die Leistung des imposanten Sinfonieorchesters bekommt man einen gelungenen Musicalabend, wie man ihn sich wünscht und heutzutage in Stadttheatern nur allzu selten erleben kann.

Michaela Flint

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Als Aufführungsstätte wurde die TheaterArche in Wien gefunden, in der gut 100 Zuschauer in sehr intimem Rahmen an sieben Abenden im Februar 2020 der Lebens- und Liebesgeschichte von Rose, Alex, George, Giulietta und Jenny folgen konnten.

Und diese Geschichte hat es in sich:

Zunächst verliebt sich die mäßig erfolgreiche Schauspielerin Rose in ihren erst 17-jährigen Bewunderer Alex. Dieser überredet sie, mit ihr in das Landhaus seines Onkels zu kommen. Nach ein paar Tagen treffen sie dort Onkel George, dem Rose Hals über Kopf verfällt. Georges staatsmännisches Gebaren, sein Stil und natürlich auch sein Geld wirken ungemein anziehend. Es kommt zum Eklat als Rose Alex mitteilt, dass sie zwar beide liebt, aber bei George bleiben wird. Alex geht zum Militär und trifft erst 13 Jahre später wieder auf seinen Onkel und Rose, die inzwischen eine gemeinsame Tochter, Jenny, haben. Irgendwie rauft man sich zusammen und Alex bleibt dort. Kritisch wird es einmal mehr als Jenny sich zwei Jahre später in Alex verliebt und dieser die Gefühle – wohlwissend, dass es nicht sein darf – erwidert. George steigert sich so sehr in die Sorge um seine Tochter hinein, dass er schließlich einen tödlichen Herzinfarkt erleidet.

Auf seiner Beerdigung ist dann auch Giulietta zugegen – seinerzeit von George für Rose „abserviert“ – die sich aber mit dem Paar angefreundet hat und insbesondere eine innige Beziehung zu Rose aufbaute. George hatte seine Beerdigung penibel geplant und wollte, dass alle feiern und viel trinken anstatt weinend an seinem Grab zu stehen. Seine Freunde erfüllen ihm den Wunsch und feiern ein (be-)rauschendes Fest. Dies führt dazu, dass Giulietta Alex verführt, die beiden inflagranti von Jenny erwischt werden und Alex – trotz Roses letzter verzweifelter Liebeserklärung – das Landgut verlässt. Für immer? Wer weiß das schon… In drei Jahren wird Jenny 18 und niemand kann vorhersagen, was dann passiert…

Andrew Lloyd Webber hat für dieses Drei-Generationen-Musical mit „Love changes everything“ einen seiner größten Hits geschrieben. Auch wenn das Stück selbst nicht sehr bekannt ist (die deutschsprachige Premiere fand 1995 in Dresden statt), diesen Song kennen viele, da er zum Standard-Repertoire der meisten Soloalben von Musicalkünstlern auf der ganzen Welt gehört. Darüber hinaus besticht dieses Musical durch eine Vielzahl teils romantischer, teils sehr intensiver Duette und Balladen. Man muss jedoch über die teilweise etwas altmodischen deutschen Texte hinwegblicken, die Michael Kunze ja bereits vor über 25 Jahren schrieb.

„Aspects of Love“ gehört sicherlich nicht zu den leicht verdaulichen Stücken aus dem Hause Lloyd Webber. Dass die Songs aber von lediglich drei Musikern schwungvoll und voluminös intoniert werden, ist beachtlich.

Keine Frage also, dass „The Musical Showroom“ für dieses allein schon von den Grundlagen her emotional sehr aufwühlende Stück die perfekte Besetzung zusammenstellen wollte.

Mit Wietske van Tongeren (Rose), Karin Seyfried (Giulietta), Alexander Sasanowitsch (Alex), Ulrich Allroggen (George) und Abla Alaoui (Jenny) wurden exzellente Darsteller gecasted, welche die volle Klaviatur der Emotionen beherrschen.

Komplettiert wurde das Ensemble mit so klangvollen Namen wie André Bauer und Jana Werner sowie Georg Prohazka, Alina Kölblinger und Paul Csitkovics in den Nebenrollen.

Für solch ein intensives Stück ist die pure Nähe zwischen Darstellern und Publikum Gold wert. Alexander Sasanowitschs Sensibilität als junger Alex kommt so noch viel direkter über die Rampe. Mit seiner wundervollen verletzlichen Stimme verleiht er Alex jungenhaften Charme. Im zweiten Akt, wenn seine Figur 13 Jahre älter ist, tritt er selbstbewusst und dennoch gefühlvoll in Erscheinung. Sasanowitsch zeichnet Alex‘ emotionale Achterbahnfahrt sehr glaubwürdig nach und lässt es auch gesanglich an nichts missen.

Auch Georg Prohazka als von Rose entsprechend titulierter „Schnulzensänger“ ist großartig. Ihn bei „Parlez vous francais“ so klingen zu lassen wie das 1940er Jahre Radio, welches er zu Beginn der Szene einschaltet, ist ein großartiger Regie-Kniff. Er überzeugt aber ebenfalls als Roses Liebhaber Hugo und vor allem in den Tanzszenen, denn auch hier kann seine Vita schon einige Erfolge vorweisen.

Ullrich Allroggen ist ein sehr sympathischer George. Man nimmt ihm den Hang zu Wein, Weib und Malerei genauso ab wie seine gluckenhafte Fürsorge für Jenny („Doch mein größtes Glück bist Du“). Er ist nicht nur qua Rolle der Grand Seigneur, er lebt diesen Charakter bis in die Haarspitzen der stilvoll gegelten Haare.

Mindestens ebenso viele Sympathiepunkte erhält Abla Alaoui, auch wenn ihre sich auf den 2. Akt begrenzte Spielzeit ihre Chancen hier einschränkt. Doch Alaoui spielt mit soviel kindlicher Freude und singt so glockenklar („Meerjungfrauen-Song“), dass man unweigerlich schützend seine Hand um ihre Schultern legen möchte als sie erkennt, dass ihr angebeteter Alex sie ablehnt.

Alina Kölblinger und Paul Csitkovics treten vorrangig bei den Umbauten und in größeren Ensembleszenen in Erscheinung. Sie haben sichtlich Spaß an dem was sie machen und sorgen auch tänzerisch für einen schönen Rahmen (Choreographie: Linda Hold & Birgit Wanka-Noisternig.

Die etwas wichtigen Nebenrollen übernehmen André Bauer und Jana Werner, wahlweise als Roses Theaterdirektor Marcel („Du hast die Macht zu zaubern“) oder als Georges Haushälterin Elizabeth. Auch ihnen kann man die Spielfreude nicht absprechen. Ihre Erfahrung macht sich bei den vielen Rollenwechseln sicherlich ebenfalls bezahlt.

Giulietta ist im Laufe des Stücks an vielen Stellen das Sinnbild für Verführung. Karin Seyfried füllt diese Rolle perfekt aus. Sie ist lasziv, sexy, weiß genau, was George oder Alex von ihr erwarten, macht aber auch deutlich, dass sie kein Püppchen ist. Sie schnappt sich am Hochzeitstag von George und Rose die Braut und küsst sie. Auch ihr Solo („Liebe ist viel mehr“), in dem sie ihre andere, verletzliche Seite zeigt, ist sehr anrührend. Ihre Stimme passt perfekt zu Lloyd Webbers Kompositionen. Eine bessere Besetzung kann man sich nicht vorstellen.

Im Mittelpunkt der Handlung und folglich auch im Mittelpunkt des Abends steht jedoch Rose, die von Wietske van Tongeren gespielt wird. Diese Rolle ist nicht nur sehr anspruchsvoll, weil der Charakter die meiste Zeit mit auf der Bühne ist, sondern vor allem deshalb, weil emotional und gesanglich eine große Bandbreite abgerufen werden muss: von der erfolglosen, frustrierten Schauspielerin über die frisch verliebt turtelnde Geliebte bis hin zur berühmten Schauspielerin, Ehefrau und Mutter. Über allem schwebt, dass Rose beide Männer – Alex und George – liebt, jeden auf seine Weise. Dass sie auch Experimente mit Giulietta macht und sich einen Liebhaber leistet, macht die Figur von Rose nicht einfacher. Weiß sie wirklich, was sie will? Dass sie nicht alles haben kann und nicht alle Menschen um sie herum nach ihrer Pfeife tanzen, muss sie schmerzlich erfahren als Jenny sich in Alex verliebt und schlussendlich George stirbt. In einem Akt höchster Verzweiflung – Alleinsein ist so gar nichts für Rose – gesteht sie Alex einmal mehr ihre Liebe („Alles nur nicht einsam“) und bittet ihn zu bleiben. Doch er lehnt ab und verlässt sie.

Van Tongeren hat hier eine wirklich große Aufgabe zu stemmen, was ihr über weite Strecken auch sehr gut gelingt (zauberhaft: „Wach ich oder träum ich“). In der finalen Szene sorgt sie mit ihrem Wutausbruch, der in ein verheultes Liebesgeständnis mündet, für Gänsehaut und Tränen in den Augen. Carsten Lepper, Artistic Director und Regisseur, hätte sich keine bessere Hauptdarstellerin wünschen können, denn diese ganzen Gefühle zu kontrollieren und gezielt abzurufen, ist keine leichte Aufgabe.

Es ist unübersehbar, dass Lepper eine Vision hatte, als er sich um die Rechte für dieses Stück bewarb. Die Charaktere harmonieren und ergänzen einander. Allroggen spielt ebenso glaubwürdig den Lebemann mit Geliebter wie den Ehemann mit Frau und Kind. Seyfried bewegt sich im leichten Fach gleichermaßen souverän wie als durchsetzungsstarke Frau. Sasanowitsch wirkt an der Seite von Rose genauso authentisch wie als erwachsener Mann, der sich der Avancen von Jenny nicht erwehren kann und will. Ganz zu schweigen von seinem Quickie mit Giulietta. Das hierfür in beachtlich kurzer Zeit viel gemeinsam erarbeitet wurde, wird deutlich.

Das Ensemble agiert als einheitliches Ganzes und der rote Faden im Hinblick auf die Klarheit der Gefühle ist deutlich erkennbar. Lepper, der die Rolle des Alex vor über 20 Jahren bei der Schweizer Erstaufführung im Stadttheater Bern selbst gespielt hat, weiß genau, worauf es bei einer gelungenen Personenregie ankommt und entlockt seinen Darstellern emotionale und gesangliche Höchstleistungen.

Auch schöne Ideen, wie die Nutzung eines „Leinwandvorhangs“, der mal mit Bildmotiven, mal mit Farbverläufen immer wieder neue Stimmungen heraufbeschwört, funktioniert sehr gut. Christian Ariel Heredia hat hier viel Fingerspitzengefühl gezeigt und es gelingt ihm, die kleine Bühne nicht zu überfrachten, was beileibe nicht jeder schafft.

„Aspects of Love“ ist ein gelungener Auftakt. Ich wünsche „The Musical Showroom“, dass noch viele weitere Produktionen ähnlichen Anspruchs und Qualität folgen werden.

Michaela Flint

Der Beitrag Ein Hoch auf mutige Regisseure – in diesem Fall Carsten Lepper – und Darsteller! erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.

Im Linzer Landestheater wird eine deutsche Fassung gezeigt, die vom Bruckner Orchester Linz unter der musikalischen Leitung von Tom Bitterlich voluminös intoniert wird. 27 Darsteller, darunter namhafte Gäste wie Gino Emnes (Coalhouse), Myrthes Monteiro (Sarah), Riccardo Greco (Tate) und Carsten Lepper (Vater), und der große Chor des Landestheaters werden den schwungvollen, abwechslungsreichen Kompositionen mehr als gerecht.

Schon bei der Ouvertüre zeigt sich, dass auch bei Inszenierung (Matthias Davids) und Bühne (Hans Kudlich) alles genau durchdachte wurde: Der Sichtschutzvorhang wird an einer Stelle „durchsichtig“ und man sieht den Sohn von Mutter und Vater agieren. Die drei Gemeinschaften werden vorgestellt – jede in ihrer eigenen Farb- und Melodiewelt. Zeitgenossen wie der Magier Houdini (in der besuchten Vorstellung anlässlich der Linzer Pride Parade mit Regenbogensocken von der Decke schwebend), Vaudeville-Sternchen Evelyn Nesbit und Bürgerrechtler Booker T. Washington geben der Handlung einen zusätzlichen stimmigen Rahmen.

Die Rassenkonflikte jener Zeit, die Vorurteile gegenüber Andersartigen, der Schutz der eigenen Familie vor Einflüssen von außen – all dies kommt einem gut 100 Jahre später nur allzu vertraut vor. Auch hierzulande werden Mitbürger anderer Hautfarbe oder Religion schief angesehen und Vorurteile sind allgegenwärtig. „Ragtime“ führt einem das nur allzu deutlich vor.

Innerhalb der Gemeinden läuft alles harmonisch ab, schwierig wird es immer dann, wenn es zu Überschneidungen und Schnittmengen kommt. So ist Vater unumstößlich vom Denken der weißen Amerikaner als bessere Klasse überzeugt, während Mutter hier deutlich liberalere Ansichten hat, gern selbst arbeiten und sich in der Gesellschaft nützlich möchte. Coalhouse verdient mit seiner Musik so gut, dass er sich das Statussymbol der Reichen, ein eigenes Auto, leisten kann, was auf der einen Seite seiner angebeteten Sarah sehr gefällt, jedoch umgehend zu Neidern bei den Weißen führt. Tate, selbst getrieben von Vorurteilen gegenüber „Kinder-stehlenden Weißen“, wird nicht müde, sich neue Jobs zu suchen, um sich und seine Tochter zu ernähren. Sein Daumenkino führt ihn auf den Pfad des Erfolgs: Er wird Filmregisseur! Keiner fragt mehr nach seiner Herkunft – auch Mutter, die er im Rahmen seiner neuen Aufgabe trifft, wirft frühere Vorbehalte über Bord und lässt sich vom ihm den Hof machen.

Das Drama nimmt seinen Lauf als Weiße aus Neid auf Coalhouses Wohlstand dessen Auto zertrümmern, woraufhin Coalhouse sein Recht auf juristische Wiedergutmachung einfordert. Dieses wird im als Afro-Amerikaner verwehrt. Als sich Sarah für ihren zukünftigen Ehemann einsetzen will, wird sich von überreagierenden Polizisten getötet. Es entspannen sich Rassenunruhen, an deren Ende Mutters Bruder Coalhouse in seinem Kampf unterstützt und sich plötzlich Vater gegenübersieht, der sich (nachdem er derjenige war, der Coalhouse der Polizei gemeldet hat)  – nicht ohne Hintergedanken – als Unterhändler anbietet, um die von Coalhouse und seinen Begleitern geplante Sprengung der Bibliothek zu verhindern.

Am Ende wird Coalhouse erschossen, sein Sohn wächst bei Mutter auf, Vater stirbt im Krieg und schließlich finden Tate und Mutter mitsamt ihren drei Kindern zueinander.

„Ragtime“ hält viel Zwischenmenschliches bereit. Die Zuschauer können viele Handlungen nachvollziehen oder sich mit einem der vielschichtigen Charaktere identifizieren. Matthias Davids setzt seine Darsteller gekonnt in Szene, ohne gängige Klischees überzustrapazieren. Kleinigkeiten wie bspw. die Änderung der Farbe von Coalhouses Hut von beige zu schwarz, wenn dieser beschließt, mit allen Mitteln für sein Recht zu kämpfen, zeigen das Fingerspitzengefühl, mit dem Davids hier zu Werke geht.

Daniela Dett zeigt als Mutter früh, dass sie ihren eigenen Kopf hat. Sie widersetzt sich Vater zwar nicht um jeden Preis, kommt aber durch stetige, konsequente Handlungen an ihr Ziel. Sie spielt gefühlvoll und lässt diese Emotionen auch in ihren Gesang einfließen. Vater wird von Carsten Lepper sehr streng und unerbittlich gegeben. Vater ist wahrlich kein Sympathieträger. Schräge, zuweilen bissige Charaktere liegen Lepper und so scheint er sich auch als Bösewicht in „Ragtime“ nicht unwohl zu fühlen.

Die von Mutter aufgenommene Sarah wird von Myrthes Monteiro sanft und leidenschaftlich gespielt. Sie zeigt Lebensfreude im Zusammenspiel mit Coalhouse, verletzte Gefühle nach der Geburt des gemeinsamen Sohns und unerbittlichen Kampfgeist, wenn sie versucht, Coalhouse auf den richtigen Weg zurückzuführen. Monteiro weiß ihr gesangliches Vermögen gekonnt einzusetzen und überzeugt vor allem in den Balladen. Zu Tränen rührt allerdings Chasity Crisp, die als Sarahs Freundin auf deren Beerdigung singt und damit die Mitglieder der drei Gemeinden auf der Bühne vereint.

Gino Emnes übernimmt in der Linzer Produktion die präsenteste Rolle: Er ist der charmante Ragtime-Pianist in der Bar in Harlem, der um Sarah und sein Kind kämpfende Beinahe-Ehemann, der verbitterte und frustrierte Kämpfer für die Rechte der Afro-Amerikaner. Seine Energie ist ansteckend, sein Gesang raumgreifend. Emnes ist vielseitig („König der Löwen“, „Rocky“, „Tina“) und als Coalhouse kann er sein ganzes Potential ausspielen.

Ebenso glaubwürdig ist Riccardo Greco als Tate. Er lässt einen hebräischen Akzent mit einspielen, nutzt Stereotype ohne diese auszureizen und lässt die Zuschauer die Liebe zur Tochter greifbar spüren. Dass auch er gesanglich mit seinen Kollegen in einer Liga spielt, beweist er nachdrücklich.

Dieses Musical ist unsagbar berührend und inhaltlich (leider) so aktuell wie nie zuvor. Es wird viel zu selten gespielt, umso schöner ist es, eine so aufwendige und durchdachte Produktion zu erleben. Das Landestheater Linz spielt hier sein ganzes Können aus. Die Bühnentechnik mit verschiedensten Hubelemente, Treppen und Großkulissen macht jeder Ensuiteproduktion Konkurrenz. Licht und Ton sind einwandfrei. Ein großes Orchester im Graben vor der Bühne zeigt, wie Musicals sein sollen. Fünf noch so exzellente Musiker können auch mit dem besten Halbplayback nicht das Gefühl erzeugen, welches live gespielte Drums, Streich- und Blasinstrumente vermögen. Chapeau, liebes Landestheater Linz!

Nicht zuletzt machen auch die zahlreichen musikalischen Gäste diese Inszenierung sehenswert.

Man darf gespannt sein, wie das Landestheater seine beiden großen Musicalproduktionen „Sister Act“ und „A funny thing happened on the way to the Forum“ in der kommenden Spielzeit umsetzt. Qualitativ hat man hier ein Füllhorn, das man sich auch für so manches Stadt- oder Staatstheater in Deutschland wünschen würde.

Michaela Flint

Promo-Video des Landestheaters Linz zu „Ragtime“

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