Regisseur Christian Götz hatte die schwere Aufgabe, sich nicht allzu weit vom bekannten Material zu distanzieren, aber dennoch neue Szenen und Songs in ein Musical zu integrieren. Doch am Ende will alles nicht so recht zusammenpassen. Man verlässt das Theater mit dem Gefühl zwei voneinander unabhängige Stücke gesehen zu haben, die mit wenig Feingefühl vermischt wurden. Dabei hat die Gastspiel Gerhartz GmbH mit Anna Montanaro und Jesper Tydén echte Zugpferde des Musicalbusiness für die Hauptrollen Fatime und Armand engagiert.

Anna Montanaro gibt eine imposante Erscheinung als Edel-Kurtisane ab. Sie ist eine richtige Frau, mit echten Kurven – was für ein erfreulicher Unterschied zur Film-Kollegin Nicole Kidman. Dennoch erscheint „die Montanaro“ etwas zu alt, um als gefeierter Jungstar im Moulin Rouge durchzugehen. Schauspielerisch wirkt sich manchmal etwas zu aufgesetzt und man fragt sich unweigerlich, ob das noch zur Rolle gehört. Stimmlich meistert sie ihren Part durchweg gut, auch wenn sie in den Duetten mit Tydén eindeutig die Verliererin ist.

Jesper Tydén singt sich tapfer durch jede noch so schräge Melodie und lässt uns glaubhaft seinen Liebeskummer spüren. In einigen Songs darf er sein ganzes stimmliches Können zeigen und erntet damit den wohlverdienten Applaus.

Begleitet werden die beiden Protagonisten von einem elfköpfigen Ensemble, das verschiedenste Charaktere bedient. Hervorzuheben ist Sissy Staudinger, die als Directeur die Figur des bittersüßen Harold Zidler (so der Name im Film) wunderbar karikiert. Schade, dass sie von ihrem Gesangstalent nicht mehr zeigen darf, als die wenigen abgehackten Phrasen im „Can Can Medley“ und bei „Like a Virgin“.

Für einen wahren Wohlklang sorgt Jens Ochmann als Vater Armands, der der Handlung hinzugefügt wurde, um noch mehr Spannung zu erzeugen. „Das Spiel tut weh…“ ist einer der schöneren neuen Songs dieses Musicals.

Ansonsten fallen die im Vergleich zu Showstoppern wie „Lady Marmalade“ (im Programmheft und auf der CD übrigens treffend falsch als „Lady Marmelade“ bezeichnet), One Day I’ll Fly Away“ oder das „Elephant Love Medley“ unbekannten neuen Songs wie „Die Liebe ist wie große Oper“ und „C’est la vie“ vor allem dadurch auf, dass sie melodisch nicht zum Gesamtkonzept passen und textlich (selbst wenn vom Chef Ulrich Gerhartz selbst verfasst) auf sehr tönernen Füßen stehen.

Optisch bedient diese Tourproduktion das, was man erwartet: An Farben, zweckdienlichen, aber ideenreichen Kulissen und (einigen) schönen Kostümen wird nicht gespart.

Dass Szenen wie der große Can Can nicht zünden, liegt auch nicht an der Choreographie von Lacy Darryl Phillips. Phillips versucht, die gängigen Klischees zu bedienen und wäre das Ensemble nicht mit einigen Tanzabfolgen so offenbar überfordert, könnten sie sicherlich für deutlich mehr Furore auf der Bühne sorgen. Doch so versickern auch die großen Tanzszenen, die das Moulin Rouge ausmachen sollten, im Nichts.

Schade, dass außer dem großen Namen des Films das vorhandene Potential nicht genutzt wurde. Es bleibt der fade Beigeschmack, dass hier etwas schnell zusammengeschustert wurde, ohne das die Fäden bei jemandem zusammengelaufen sind, der ein einheitliches Ganzes schaffen wollte. Dafür spricht im Übrigen auch, dass auf den Plakaten nicht Jesper Tydén als Armand abgebildet ist, sondern Stefan Reil (der jedoch als Dance Captain bei „Marie Antoinette“ in Bremen weilt). Wirklich bedauerlich, dass es so etwas heutzutage noch geben muss.

Michaela Flint
veröffentlicht unter Pseudonym in blickpunkt musical

Wenn zudem einige Charaktere nicht so dargestellt sind, wie das Publikum sie von der Kinoleinwand kennt, leidet der Gesamteindruck erst richtig. Da ist bspw. Hombre, der nicht als der vertrottelte Ausländer daherkommt, sondern als ‚normaler’ Cowboy. Dadurch wird diese Figur nahezu aufs Nebengleis gestellt. Auch Winnetouch ist lange nicht so überzogen tuntig wie man ihn erwarten würde – im Gegenteil Veit Schäfermeier wirkt trotz rosa Kostüm wesentlich maskuliner als sein „Zwillingsbruder“ Abahachi (der mit Mathias Schlung perfekt besetzt wurde).

Sehr merkwürdig erscheint auch, dass in den Dialogen zwischen Ranger und Abahachi sehr wohl bayerisch gesprochen wird, der Gesang dann aber plötzlich wieder auf hochdeutsch erfolgt. Dieser Regiekniff irritiert doch recht häufig.

Optisch ist „Der Schuh des Manitu“ ein wahres Feuerwerk. Die Kostüme von Ann Hould-Ward sind passend, kreativ und phasenweise einfach nur wunderbar absurd (zum Beispiel die Kakteen). Die Kulissen (David Gallo) sind stimmig und sorgen für das bis ins Details ausgearbeitete Western-Feeling.

Die Besetzung so bekannter Figuren ist zugegebenermaßen eine schwere Aufgabe, da jeder Zuschauer gewissen Erwartungen damit verbindet. Immerhin kennt er/sie Abahachi & Co. aus Kino und TV seit einigen Jahren sehr genau.

Wie bereits erwähnt, scheint Mathias Schlung der einzig legitime Nachfolger von „Bully“ als Abahachi zu sein. Der TV-Comedian („Die dreisten Drei“) und Schauspieler (u. a. Prof. Abronsius in „Tanz der Vampire“) ist in jeder Sekunde auf der Bühne präsent und es mach Spaß, ihn zu erleben.

Sein Blutsbruder Ranger wird von Mark Seibert gespielt. Gesanglich nimmt er die musikalischen Hürden von Lingnau meist spielend, schauspielerisch hakt es an der einen oder anderen Ecke. Seibert wirkt allzu oft recht steif und manchmal gewinnt man den Eindruck, er sich fehl am Platz. Dennoch gibt er den leicht tollpatschigen Ranger mit viel Spielfreude und hat so die Lacher auf seiner Seite.

Seine Uschi ist eine der größeren Enttäuschungen. Leider verfügt Michelle Splietelhof über so gar keinen Sexappeal. Im Zusammenspiel mit Seibert ergänzen sich die beiden jedoch gut und geben ein schönes Paar ab.

Den schwulen Zwillingsbruder Winnetouch wie bereits erwähnt Veit Schäfermeier. Nach dem Visagisten Fred in „Ich war noch niemals in New York“ scheint er die erste Wahl der Stage Entertainment gewesen zu sein. Doch leider ist das in diesem Fall nicht die beste gewesen. ER hat zum einen keinerlei Ähnlichkeit mit Mathias Schlung, zum anderen lassen ihn seine markanten Gesichtszüge zu männlich erscheinen, was zum zuckersüßen, überzogen femininen Winnetouch nicht so recht passen mag. Sein einziges Solo „Husch husch ins Körbchen“ ist beifallheischend inszeniert. Hier kann Schäfermeier aus dem Vollen schöpfen, denn er weiß genau, wie er sein Publikum einfängt. Das hat er in zahlreichen Rollen zuvor eindrucksvoll bewiesen.

Den vierten Teil der Schatzkarte hat bekanntlich der Grieche Dimitri – hervorragend dargestellt von Detlef Leistenschneider. Die Rolle ist herrlich überzogen angelegt und Leistenschneider lässt keine Pointe aus. Damit gewinnt er die Zuschauer natürlich im Sturm.

Ingo Brosch ist optisch ein perfekter Santa Maria, auch wenn ihm die fürsorgliche Seite des Cowboy-Bosses etwas abgeht.

Aber auch dies ist sicherlich einer Regisseurin (Carline Brouwer) anzurechnen, die den Film nicht allzu oft gesehen hat und die schamlos karikierten Charaktere nicht kennen kann.

Hervorzuheben ist noch das spritzige Ensemble, das in verschiedenen Tanzszenen eindrucksvoll zum Einsatz kommt. Die Broadway-Revue-Nummer „Schoschonen wohnen…“ ist sicherlich optisch und musikalisch das Highlight der Show.

Leider lässt es Martin Lingnau in den meisten anderen Stücken an Kreativität vermissen – allzu oft erinnern die Arrangements an bekannte Lieder aus Musical-Klassikern.

Insgesamt ist „Der Schuh des Manitu“ eine bunte Show, die sicherlich eine zeitlang ihr Publikum finden wird – ja auch im kühlen Berlin! Doch mit diesem Wild-West-Musical an den Erfolg von Michael „Bully“ Herbigs Film anknüpfen zu wollen, erscheint absolut vermessen.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Theater: Theater des Westens, Berlin
Premiere: 7. Dezember 2008
Darsteller: Detlef Leistenschneider, Veit Schäfermeier, Mathias Schlung, Mark Seibert, Michelle Splietelhof
Texte / Musik: Heiko Wohlgemuth / Martin Lingnau
Fotos: Stage Entertainment

Zudem fehlt es dem Orchester unter der Leitung von Urs-Michael Theus das ein oder andere Mal an Intensität und Nachhaltigkeit. Selten ist eine „Konfrontation“ so wirkungslos verpufft wie in Lüneburg in dieser Spielzeit.

Zu den Charakteren lässt sich anmerken, dass offenbar nur Dr. Jekyll / Mr. Hyde, Lisa und Lucy Aufmerksamkeit geschenkt wurde, alle anderen sind Nebendarsteller, die ganz klar keinen Einfluss auf die Handlung und die Charakterbildung der drei Protagonisten haben. Dafür gibt es aber bei den Letztgenannten massive Änderungen:

Dr. Jekyll ist ein leidenschaftlicher Wissenschaftler – einzig die Motivation hinter seinen Forschungen  wird nicht deutlich. Zudem hat schon der sonst so brave Dr. Jekyll eine eindeutig aggressive Grundausrichtung. Seine „gute“ Seite tritt in dieser Inszenierung ganz klar in den Hintergrund. Er ist leicht chaotisch und lange nicht so zielstrebig wie man den Wissenschaftler sonst kennt.

Kasper Holmboe verkörpert den eleganten englischen Forscher optisch tadellos. Auch setzt er die Regieanweisungen sehr glaubhaft um – wenn er sich selbst mit der Videokamera filmt, ist dies eine der eindrucksvollsten Szenen des ganzen Stücks. Gesanglich fordert ihm die anspruchsvolle Rolle des Dr. Jekyll / Mr. Hyde alles ab und ist sicherlich an der ein oder anderen Stelle noch eine Nummer zu groß für den Dänen. Doch seine stattliche Erschein, sein fesselndes Schauspiel und seine sympathische Art machen dies spielend wett.

Dass ihm der Wechsel zwischen Dr. Jekyll und Mr. Hyde weder optisch noch akustisch gelingt, liegt an der eindeutigen Anweisung von Regisseur Kochheim, der bewusst diese klischeebehaftete Trennung von Gut und Böse vermeiden wollte. Diesen Regieeinfall kann man aber guten Gewissen als Missgriff bezeichnen, denn gerade dieser Konflikt steht in der Show im Mittelpunkt und so wird Dr. Jekylls Forschungsansatz gänzlich ad absurdum geführt…

Ein weiterer inszenatorischer Fehlgriff ist die Ähnlichkeit von Lisa und Lucy. Auch dies ist laut Programmheft vom Regisseur so geplant gewesen. Sigrid Brandstetter alias Lisa ist eine genauso moderne, junge Frau wie Carolin Kiesewetter als Lucy. Zu keiner Zeit wird deutlich, dass die beiden Frauen von gegenüberliegenden Seiten der Gesellschaft kommen.

Lisa hat durchaus ihren eigenen Kopf, aber was Dr. Jekyll an ihr findet, wird nicht klar. Genauso wenig erschließt sich dem Zuschauer worin die Faszination von Lucy besteht, kommt sich doch genauso normal daher wie Lisa. Einzig die (völlig aus dem Rahmen gezerrte) Szene in der „Roten Ratte“ , in der Caroline Kiesewetter in Overknee-Lackstiefeln vor dem geschlossenen Bühnenvorhang hin- und herstakst, zeigt, dass Lucy anscheinend doch aus dem Rotlichtmilieu kommt. Keine Freier, kein Zuhälter unterstreichen dies im Verlauf des Stücks.

Optisch hat Barbara Block Dr. Jekylls düstere Wohnung in ein weißes, trendiges Loft verwandelt. Einen Szenenwechsel zum Labor gibt es jedoch nicht. Die Handlung findet vollständig in Dr. Jekylls Wohnung statt. Was dann der Glasgasten im rechten hinteren Bühnendrittel soll, in dem wahlweise getanzt wird oder Mr. Hyde seine Opfer ermordet, erschließt sich nicht und wird daher unter künstlerischer Freiheit verbucht.

Trotz aller Kritikpunkte gefällt diese Produktion, da sie einem düsteren viktorianischen Stoff neues Leben einhaucht. Dennoch sollte man auch als Regisseur nicht an den grundlegenden Eigenschaften der Charaktere rütteln. Das macht – wie in diesem Fall – das Musical für viele Besucher unverständlich.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Alle drei Hauptfiguren der Gorillasippe sind perfekt ausgearbeitet: Ana Milva Gomez gibt eine tief fühlende Mutter, die der Liebe zu ihrem Menschenkind sogar ihre langjährige Beziehung zu opfern bereit ist. Ihre wunderbar samtige Stimme passt perfekt zu den Balladen und entwickelt eine unglaubliche Stärke, wenn sie sich mit Andreas Lichtenberger (Kerchak) Gesangsduette liefert. Ana Milva Gomez spielt überzeugend und man glaubt ihr in jeder Sekunde, dass sie Tarzans Leben mit jeder Faser ihres Körpers verteidigen würde.

Andreas Lichtenberger gibt einen tollen Silberrücken. Man mag förmlich in Ehrfurcht erstarren, wenn er unüberhörbar durch den Theatersaal stürzt und zollt ihm höchsten Respekt wenn er sich, als nicht wirklich zierlicher Akrobat, vom ersten Rang an einer „Liane“ hängend auf die Bühne abseilt. Genauso beeindruckend sind jedoch die zarten Gefühle, die er seiner Kala entgegenbringt und die tiefe Verletztheit, die er durchleidet als sie ihn verlässt.

Der dritte namhafte Gorilla ist Terk, der quirlige Spross von Kala und Kerchak und damit Tarzans älterer Bruder. Die Spielfreude, die Rommel Singson in dieser Rolle ausstrahlt, überträgt sich direkt aufs Publikum. Beim Showstopper „Krach im Lager“ zum Auftakt des 2. Akts verwandelt er mit seinen Gorilla-Kollegen die Bühne in ein Chaos, die Zuschauer gehen klatschend mit und haben sichtlich ihren Spaß.

Die eigentlichen Hauptakteure – Tarzan und Jane – fallen demgegenüber doch deutlich ab. Elisabeth Hübert überzeugt – trotz ihres 1. Platzes beim TV-Casting – weder gesanglich noch schauspielerisch. Sie passt sehr gut in das Kostüm der leicht affektierten englischen Forscherstochter, doch wenn es um ihre Beziehung zu Tarzan geht, kratzt sie emotional nur an der Oberfläche. Gerade im Vergleich mit weniger erfahrenen Kolleginnen sollte sich Hübert abheben können. Doch alles in allem bleibt sie unscheinbar, auch wenn sie mit „Auf diesen Tag hab’ gewartet“ eines der schöneren Lieder singt und ganz sicher eine der optisch beeindruckendsten Szenen spielen darf.

TV-Casting-Quereinsteiger Anton Zetterholm zeigt, warum er den 1. Platz im Fernsehen gemacht hat. Er ist der typische Sympathieträger; man versteht, warum Jane ihm verfällt. Gesanglich kommt er mit Phil Collins Pop-Kompositionen prima zurecht und auch die deutsche Sprache ist wahrlich kein Hindernis mehr. Einzig optisch wundert sich mancher Zuschauer über den doch recht schmächtigen Dschungelhelden. Philipp Hägeli (im Sat.1. Casting die Nummer 2) gibt da schon ein viel maskulineres Bild ab. Ihm nimmt man den animalischen Hintergrund einer Aufzucht durch ein Gorillaweibchen ab, während Anton Zetterholm von Beginn an sehr aristokratisch wirkt. Während Hägeli als Tarzan problemlos in die Schuhe als Nachfolger von Kerchak schlüpfen kann, bleibt Zetterholm ein netter Junge, aber eben kein Mann.

Diese Disney-Show besticht vor allem durch die Akrobatikelemente. Sowohl auf der Bühne als auch im Theatersaal schwingen Gorillas von Liane zu Liane, wunderschöne Schmetterlinge entfalten ihren esoterischen Charme und Blumen entfalten sich über die komplette Bühnenhöhe.

Damit diese entscheidenden Elemente immer funktionieren ist höchste Präzision geboten. Die Sicherung aller Darsteller, die sich in teilweise atemberaubender Geschwindigkeit über die Köpfe der Zuschauer hinwegbewegen, ist höchstes Gebot. Dass die Akrobaten und Musicaldarsteller, die dort unter der Theaterdecke die ausgefallenste Choreographien absolvieren, immer 100 % fit sein müssen, versteht sich. Es gibt nur wenige Shows, in denen sich körperliches Unwohlsein oder Unpässlichkeit direkt in Form schlimmer Verletzungen (in den Proben reichlich vorhanden), ausdrückt.

Was bleibt von dieser Deutschlandpremiere im Kopf, wenn man das grüne Foyer verlassen hat? Phil Collins bekannte Songs leider nicht; dafür sind diese zu unaufregend arrangiert und kommen mehr als Hintergrundmusik daher als dass sie die Show tragen würden. Die Bühnenbilder (allen voran die Auftaktszene, in der das Schiff von Tarzans Eltern untergeht und diese an Afrikas Küste stranden sowie das bereits erwähnte Blumenmeer, in dem sich Jane bei ihrem ersten Streifzug durch den Dschungel wiederfindet) sind perfekt mit dem Lichtdesign abgestimmt und es gibt auch beim zweiten und dritten Besuch des Stücks noch viele Kleinigkeiten zu entdecken. Die Charaktere, die das Publikum nachhaltig gefangen nehmen, sind ganz klar die Gorillas. Aber auch Tarzan und Jane tragen zu einem runden Showerlebnis. Japheth Myers als Jane Vater sorgt mit seiner penetrant schusseligen Art für Lacher und mach schaut ihm gern zu.

Fazit: Disney’s neues Dschungel-Musical in Hamburg ist ein optisches Feuerwerk, dass emotional mitreißt, wenn auch anders als es der Titel „Tarzan“ vermuten lässt.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Das Ensemble bestand nur aus sieben Darstellern, die jedoch handverlesen wurden und ohne Abstriche als perfekt für ihre jeweilige Rolle bezeichnet werden können. Neben Ricky Watson und Michael Starkl, die als Joe und Max im Mittelpunkt stehen, ist es vor allem Daniel Papst als Max jüdischer Agent Joe Jacobs, der die Zuschauer in seinen Bann zieht. William Ludwig überzeugt in verschiedensten Rollen, die bis zum Reichssportminister reichen.

Auffällig an diesem Musical ist, dass jeder Charakter seinen eigenen Musikstil bekommen hat. Extrem deutlich wird dies im Showstopper „Frei“ von Joe Jacobs (Daniel Papst). Trotz des bedrohlichen Hintergrunds reißt der typisch jiddische Klang die Zuschauer mit – was aber auch nicht zuletzt der Tony-reifen Performance von Daniel Papst zu verdanken ist. So viel elektrisierende Intensität habe ich in den letzten Jahren selten auf einen Musicalbühne gesehen!

Ricky Watson alias Joe Louis singt sich beeindruckend durch seine jazzig-soulig Stücke, während Michael Starkls Songs als Max Schmeling sehr viel klarer und unverschnörkelter daherkommen.

Die schauspielerische Leistung eines jeden Einzelnen ist sehr gut. Niemand muss (und faktisch kann sich auch keiner) auf dieser Bühne verstecken. Da zahlt sich der langwierige Casting-Prozess aus. Den Paul Graham Brown und James Lyons für ihr Gemeinschaftswerk hinter sich gebracht haben.

Für die gelungenen Kampfszenen wurden extra Trainingseinheiten im Wolke-Stall eingelegt, die sich ebenfalls bezahlt gemacht haben. Man geht im Sitz förmlich in Deckung, wenn der „Brown Bomber“ zum Schwinger ausholt. Äußerst glaubhaft boxen Michael Starkl (Max) und Ricky Watson (Joe) um den Weltmeistertitel.

Die Moral des Stücks, die pointiert als Finalsong über die Rampe gebracht wird, ist deutlich: „Hättest Du auch dazu den Mut?“ Und genau mit diesem Gefühl geht man nach der Vorstellung auch aus dem Theater.

Wieder einmal wird klar: Es gibt sie, die Komponisten und Autoren, die schwierige Stoffe mit viel Feingefühl und handwerklichem Geschickt umsetzen. Es muss eben doch nicht immer die 08/15-Show sein, um ein Publikum zu unterhalten.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Lokalmatador Steffen Kubach gibt einen wunderbar aristokratischen Juan Perón, lässt aber auch tiefe Gefühle für die Frau an seiner Seite durchblicken.  Das Zusammenspiel von ihm und Michaela Kovarikova ist trotz des beeindruckenden Größenunterschiedes (Kubach überragt Kovarikova um geschätzte 30 cm) stimmig. Sie harmonieren in den Liebesszenen und zeigen ebenso viel Kraft in ihren Auseinandersetzungen.

Der Dritte im Bunde ist Thomas Christ als Ché. Frech wirbelt er über die Bühne, hält dem Fußvolk gekonnt den sprichwörtlichen Spiegel vor, treibt die Descamisados an, stachelt sie wenn nötig auf und gibt dem ganzen Spektakel die notwendige nachdenklich-sarkastische Note.

Gesanglich setzen Thomas Christ und Michaela Kovarikova die Highlights. Das liegt natürlich zum einen an den intensiven Soli und Duetten ihrer Rollen, aber denen muss man auch erst einmal gewachsen sein. Und das sind beide Darsteller! Gekonnt setzen sie die verschiedenen Leidensphasen ihrer Charaktere akustisch um. Bei beiden schwingt immer sehr viel Emotion mit.

Ludwig Pflanz treibt sein großes Orchester erneut zu Höchstleistungen an und rundet so das Gesamterlebnis „Evita“ im Theater Lübeck ab.

Seit Jahren erfreut das Theater in der Marzipanstadt sein Publikum mit gelungenen Inszenierungen weltbekannter Musicals und bisher sind diese auch immer ein voller Erfolg gewesen! Weiter so!

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Theater: Theater Lübeck
Premiere: 13. September 2008
Darsteller: Thomas Christ, Michaela Kovarikova, Steffen Kubach
Regie / Musik: Jörg Fallheier  / Andrew Lloyd Webber
Fotos: Theater Lübeck