Zu allem Überfluss wurden die Gespräche über einen Broadway-Transfer bis auf weiteres ebenfalls eingestellt, so dass Produzent Aldo Scrofani wirklich keine guten Nachrichten hatte, als er Anfang Juni das frühe Aus bekanntgeben musste.

Die Gründe für das Scheitern sind vielfältig, aber letztlich doch auch einen einzigen Faktor zurückzuführen: Margaret Martin. Martin hat das Buch geschrieben, die Musik komponiert und die Songtexte verfasst. Wo an anderer Stelle diese Personalunion hervorragend funktioniert, zeigt sie im Fall von „Gone with the Wind“ zahlreiche Schwächen.

Jeder kennt die tragische Geschichte von Scarlett O’Hara, die sich vor dem amerikanischen Bürgerkrieg unglücklich in Ashley verliebt, während des Krieges dem charmant-gerissenen Rhett Butler verfällt und nach dem Ende der Unruhen plötzlich ohne alles dasteht. Dadurch, dass das Publikum sehr firm ist, was die Handlung angeht, beobachtet man das Geschehen unweigerlich sehr genau. Einen Vier-Stunden-Film auf eine Musicalbühne zu pressen, ist ohne Frage eine große Herausforderung. Doch leider muss man festhalten, dass diese im aktuellen Fall nicht gemeistert wurde. Das Stück wurde (zwangsläufig) zusammengedampft, die wenigsten Charaktere haben die Tragweite, die sie im Film haben. Viele Dialoge unterbrechen den Fluss des Geschehens unnötig.

Zudem plätschert die Musik recht belanglos daher. Keine Melodie, die sich im Ohr festsetzt, keine großen Showstopper.

Gegen dieses enge Korsett kämpfen auch die Darsteller an. Während Jill Paice als Scarlett und Darius Darnesh als Rhett noch ausreichend Gelegenheit bekommen, ihre Rollen auszufüllen, fehlt es bei Ashley, Melanie und Mammy (um nur einige zu nennen) an jeglichem Tiefgang. Viele Szenen werden „abgespielt“ und die facettenreiche Beziehung zwischen den einzelnen Akteuren gänzlich ignoriert. Und dabei stehen mehr als 30 Darsteller auf der Bühne!

Konzentrieren wir uns also auf die bekanntesten Figuren: Jill Paice gibt eine wundervoll zickige Scarlett O’Hara und steht einer Vivien Leigh in nichts nach. Auch gesanglich überzeugt sich in den wenigen Songs, die sie präsentieren darf.

Ihre schauspielerische Leidenschaft kann sie zwar nicht auf die Duette und Soli übertragen, dass liegt aber zu großen Teilen auch daran, dass die Musik eine solche Intensität schlichtweg nicht zulässt.

Den Lebemann Rhett Butler kennt man als weltgewandt, zuvorkommend, immer mit einem bissigen Kommentar auf den Lippen. Darius Darnesh verkörpert diese Rolle exzellent. Während er vielleicht in mancher Szene zu “lieb” ist, hat er gerade in den Auseinandersetzungen mit Scarlett seine ganz starken Momente. Die tiefe Verletztheit und die daraus resultierende Härte nimmt man ihm ab. Seine wundervoll sonore Sprech- und Singstimme runden das Bild eines perfekten Bühnen-Rhett ab.

Scarletts große Liebe, Ashley Wilkes, wird von Edward Baker-Duly gegeben. Im Gegensatz zum filmischen Vorbild hat dieser Ashley durchaus einen eigenen Kopf und wirkt lange nicht so verweichlicht wie man es gewöhnt ist. Durch diese Änderung gewinnt der Charakter sehr dazu, auch wenn er im Hinblick auf das ganze Stück sehr blass bleibt. Gleiches gilt leider auch für die herzensgute Melanie (gespielt von Madeleine Worrall). Im Film ist die gute Seele immer unterschwellig präsent und steht Scarlett als engelsgleicher Counterpart gegenüber. Auf der Londoner Bühne haben die beiden Frauen kaum wirkliche gemeinsame Szene. Die Sterbeszene von Melanie wirkt dann auch recht aufgesetzt.

Ein wahrer Quell der Bühnenpräsenz und ein absoluter Ohrenschmaus ist Natasha Yvette Williams als Mammy. Auch wenn die Beziehung zwischen ihr und Scarlett nicht sonderlich ausgeprägt ist, so zieht die dralle Amerikanerin („The Color Purple“) doch alle Zuschauer spielend in ihren Bann. Das liegt zum einen daran, dass Mammy im Grunde ihres Herzens liebevoll ist (auch wenn ihre raue Schale das nicht immer nahelegt), aber vor allem liegt es daran, dass sie gemeinsam mit ihren dunkelhäutigen Kollegen die besten Songs zum Besten gibt.

Tara und das Stadthaus in Charleston wurde auf einer kleinen Drehempore im hinteren Drittel der Bühne jeweils so platziert, dass sie unterschiedliche Ansichten freigaben und so verschiedene Szenenhintergründe bildeten. Vielfach wurde aber einfach die runde Bühnenfläche zwischen den Zuschauern genutzt, um Wohn- und Schlafzimmer, Garten oder Krankenlager darzustellen. Die Kostüme von Andreane Neofitou großartig und rücken jeden Charakter in das richtige Licht. Dass sie ihre Kunst beherrscht, zeigte sie bereits mit der Erarbeitung der Kostümwelten für „Les Misérables“. Und auch für „Gone with the Wind“ konnte sie aus dem Vollen schöpfen und so gibt es neben den obligatorischen Reifröcken mit unzähligen Unterröcken, Korsetts und feinsten Hüten bei den Damen, sehr eleganten Anzüge und Uniformen für die Herren. Optisch ist diese Produktion also in jeder Hinsicht einen Besuch wert.

Einerseits schade, dass Sie nicht mehr in diesen Genuss kommen. Andererseits haben Sie auch nicht wirklich viel verpasst, denn Buch und Musik bedürfen noch einer grundlegenden Überarbeitung (um nicht zu sagen Neuschöpfung), bevor „Gone with the Wind“ seine Wiederaufnahme erleben wird.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Im englischsprachigen Raum ist die tragische Lebensgeschichte von der Frau in Weiß wohlbekannt. Das mag einer der Gründe sein, warum man im Programmheft gänzlich auf eine Inhaltsangabe verzichtete. Für die hiesigen Musicalbesucher ist der Stoff jedoch eher unbekannt… Die Handlung beginnt mit Walther Cartrights (Martin Crewes) nächtlicher Begegnung mit der Frau in Weiß (Angela Christian), die er vor ihren Peinigern rettet. Auf der Suche nach einem Job, trifft er auf den selbstsüchtigen und unangenehmen Mr. Fairlie (Edward Petherbridge), der ihn als Kunstlehrer für seine beiden Nichten Laura Fairlie (Jill Paice) und Marian Halcombe (Maria Friedman) engagiert. Walter verliebt sich in die schüchterne Laura, die der mysteriösen Frau in Weiß stark ähnelt. Doch Laura ist bereits dem fiesen Sir Percival Glyde (Oliver Darley) versprochen, der es nur auf ihren Reichtum als Erbin des väterlichen Anwesens Limmeridge abgesehen hat.

Um Laura vor einem großen Fehler zu bewahren, offenbart sich die Frau in Weiß als Anne Catherick, doch ihr Rat wird in den Wind geschlagen. Schon kurze Zeit später stellt Marian fest, wie fatal diese Hochzeit für ihre kleine Halbschwester war und setzt alles daran, Laura zu retten. Dazu braucht sie jedoch nicht nur die Hilfe der Frau in Weiß, sondern auch die des verschmähten Walter und Sir Percivals bestem Freund Count Fosco (Michael Crawford). Schlussendlich führt ein lange verschwiegenes Familiengeheimnis zur Aufklärung eines grausamen Verbrechens.

Beeindruckend, neu und originell – wenn auch absolut nicht Theater-like – ist das Video-Design von William Dudley, der schon mit dem Set-Design für „Tanz der Vampire“ Maßstäbe setzte. Sämtliche Bühnenbilder entstehen durch Videoprojektionen auf drei beweglichen (mal konvexen, mal konkaven) Leinwänden und erzeugen so täuschend echte Landschaften, Palastfronten oder häusergesäumte Straßen. Auf diese Weise wirken Friedhof, Wald und Herrenhaus noch authentischer. Das Interieur ordnet sich den übermächtigen Hintergründen mit spartanischen Mitteln unter. Hierbei reichen ein Tisch und Stuhl reichen vollkommen aus, um ein Wohnzimmer zum symbolisieren. Im Gedächtnis bleiben vor allem drei Szenenbilder:

• Das Treppenhaus gleich zu Beginn des ersten Akts, durch das Marian und Walter in die oberen Stockwerke des Herrenhauses gelangen: Die beiden Darsteller skizzieren das Treppensteigen auf der Bühne nach und passen ihre Schritte den sich wandelnden Treppenstufen an. Das wirkt phasenweise etwas albern, aber dennoch effektvoll.

• Das rosa-plüschige Gemach von Count Fosco, dessen pompöse Ausstattung mit virtuell fallenden Wandbehängen durch eine Vielzahl echter Kleintiere in Käfigen, eine Chaiselongue, einen antiken Sekretär und einen alten Ohrensessel perfekt in Szene gesetzt wird.

• Der aus dem projizierten Eisenbahntunnel heran rasende Zug, der direkt auf die entsetzten Zuschauer zukommt. Erst in der letzten Sekunde verschiebt sich das Bild und der Zug rauscht links am Publikum vorbei, doch dieser Einschub sorgt für einen ordentlichen Schreckmoment.

Warum das Bühnenbild hier so ausführlich beschrieben wird, ist einfach zu begründen: Außer den beiden Musicalstars Maria Friedman und Michael Crawford, ist das Set-Design das einzige, was an „The Woman in White“ nachhaltig haften bleibt. Weder Lloyd Webbers Kompositionen noch David Zippels Texte reißen zu Begeisterungsstürmen hin. So überrascht es auch nicht wirklich, dass es kaum vier Wochen nach der Premiere schon keine Standing Ovations mehr gibt.

Die Leistung des 28-köpfigen Ensembles ist durchweg gut und man findet kaum Ansatzpunkte für Kritik. Jedoch tut sich außer den beiden – auch auf allen Plakaten groß angekündigten Musicalstars – niemand besonders hervor. Das ist sehr schade, denn durch den tadellosen Gesang und das glatte Spiel ohne Ecken und Kanten bekommt das Stück keinen Tiefgang und neigt zu Längen. Es mangelt an Akzenten, die von der Cast ausgehen sollten, gerade die sieben Protagonisten hätten hierzu ausreichend Gelegenheit. Aber weder Martin Crewes (alias Walter Hartright) noch Jill Paice (als Laura Fairlie) nutzen die Gelegenheit, ihr Duett „I Believe My Heart“ als Showstopper zu platzieren. Auch Angela Christian, die für die Titelrolle der Anne Catherick extra über den großen Teich geflogen ist, setzt keine Highlights.

Vor allem in seiner großen Szene im zweiten Akt bringt er als liebestoller, eitler Graf alle 1.800 Gäste im Palace Theatre zum Lachen. Er spielt mit den lebendigen Ratten und Mäusen in seinem oben beschriebenen Gemach als hätte er nie etwas anderes getan – wirklich großartig.

Doch abgesehen von diesen beiden Ausnahmekünstlern und dem im Musicalbereich neuartigen Set-Design kann „The Woman in White“ die Hoffnungen kaum erfüllen. Die Musik von Andrew Lloyd Webber plätschert ungewöhnlich seicht dahin. Im Gegensatz zu „The Beautiful Game“ hat man nicht ganz so viele Begegnungen mit „Cats“, „Starlight Express“ oder „Jesus Christ Superstar“, doch ganz ohne Rückgriffe auf vorangegangene Produktionen geht es auch diesmal nicht. Und so findet man sich stilistisch recht häufig in Nähe von „Evita“ oder „Whistle Down The Wind“ wieder. Das vorab als Hitsingle veröffentlichte „I believe my Heart“ mag als Popversion noch ganz ansprechend sein, aber auf der Bühne wird es recht nüchtern und leidenschaftslos dargeboten, so dass es sich als Ohrwurm nicht etablieren kann.

Auch die Regiearbeit von Trevor Nunn erzeugt bedauerlicherweise Wiederkennungen. Einige Szenen sind absolut identisch zu „Les Misérables“. Sicherlich ist es nicht einfach, immer wieder das Rad neu zu erfinden, doch nur weil „The Woman in White“ ebenfalls in einer düsteren Zeit spielt und ein tragisches Thema hat, muss man die Darsteller noch lange auf den alten Markierungen von „LesMis“ platzieren, was bis zum Frühjahr noch im Palace Theatre zu sehen war.

Misst man dieses Werk mit deutschen Maßstäben wäre das Stück zum Scheitern verurteilt: die Geschichte ist zu dunkel, die Musik ist zu wenig lebendig und ohne Hitpotential, es gibt keine opulenten Kostüme oder großartigen Kulissen. Doch die Engländer bewerten ein Musical nach anderen Kriterien und so bleibt zu hoffen, dass es nicht bei der Ausweitung des Vorverkaufs bis September 2005 bleibt.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical