Die Geschichte von der unwahrscheinlichen Freundschaft zwischen Simba, Timon und Pumbaa, der Vater-Sohn-Tragödie von Mufasa und Simba, dem intriganten Scar mit seinen speichelleckenden Hyänen und der süßen Liebesgeschichte von Nala und Simba kennt jedes Kind. Die Zeichentrickfilme – inzwischen gibt es natürlich zahlreiche Fortsetzungen – laufen im TV rauf und runter. Hollywood hat gerade kürzlich einen Animationsfilm nachgeschoben, der sich trotz schweißtreibender Temperaturen zu einem Kinokassenschlager entwickelt.

Doch kein Film reicht an die Bühnenfertigkeit heran, die Julie Taymor (Puppen, Kostüme), Richard Hudson (Kulissen) und natürlich Elton John (Musik) mit ihrer Show zur Perfektion getrieben haben: Die Stampede ist unverändert beeindruckend, Elefantenfriedhof und Dschungel sind faszinierend und lebendig, Flora und Fauna in Savanne und Steppe bleiben vielseitig und erstaunlich, und der Sternenhimmel, aus dem sich Mufasas Kopf bildet, rührt weiterhin zu Tränen.

„Der ewige Kreis“ holt direkt zum Auftakt der Show das Publikum perfekt ab. „Ich will jetzt gleich König sein“ und „Seid bereit“ unterhalten vortrefflich. „Schattenland“ und „Er lebt in Dir“ zeugen von viel Sehnsucht. Elton John ist ein Könner seines Fachs und die Zuschauer sind begeistert.

Die Besetzung komplettiert das überzeugende Gesamtbild: Zodumo Nala ist als Rafiki herrlich durchgeknallt und dennoch weise. Joachim Benoît ist als Zazu schon fast ein Urgestein beim Hamburger „König der Löwen“. Doch er spielt nach wie vor nervtötend und gleichzeitig liebevoll und genauso wie man sich den plappernden Hornraben vorstellt. Länger dabei ist nur Masixole Jack, der sich aus dem Ensemble in die erste Reihe nach vorn gearbeitet hat und nun als Mufasa insbesondere die gefühlvollen Momente sehr schön über die Rampe bringt.

Simbas Freunde Timon und Pumbaa werden von Sean Gerard und S’Thembiso Keith Mashiane gespielt. Sie harmonieren sehr gut und wissen genau, wo sie die richtigen Akzente setzen, um das Publikum zum Lachen zu bringen.

Hope und Melina Maine sind auf und hinter der Bühne ein Paar. Sie haben sich beim „König der Löwen“ kennengelernt und geheiratet. Als Simba und Nala spielen sie folgerichtig sehr vertraut. Melina Maines „Schattenland“ ist ungemein berührend, während man Hope Maine die verwirrenden Gefühle, wenn sich Simba zwischen den Pflichten als König und entspanntem Junggesellenleben entscheiden muss, absolut abnimmt.

Was beim „König der Löwen“ ebenfalls unverändert dazu gehört, ist der deutliche Akzent der Darsteller. Diese kommen nach wie vor aus aller Herren Länder, in denen kein Deutsch gesprochen wird. Die Phonetiker leisten großartige Arbeit, denn die meisten Gesangspassagen sind gut zu verstehen. Stefan Voigt als Scar hat diese Unterstützung jedoch nicht nötig. Vielleicht trägt auch sein akzentfreier Gesang dazu bei, dass er nur umso einschüchternder wirkt. Voigt hat eine beeindruckende Bühnenpräsenz und scheint sich als Bösewicht sehr wohl zu fühlen. Mufasa (M. Jack) und über weite Strecken auch Simba (Maine) steckt dieser Scar jedenfalls locker in die Tasche.

Zusammen mit den farbenfrohen Kostümen, den mitreißenden afrikanischen Klängen und den abwechslungsreichen Choreographien sorgt dieses Ensemble für hervorragende Unterhaltung. Alterserscheinungen? Fehlanzeige! Dieser Löwe wird noch viele Jahre den Königsfelsen erklimmen, um seinem Volk den Nachwuchs zu präsentieren.

Michaela Flint

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Die Geschichte ist bekannt und bleibt auch in der brillant animierten Version unverändert: Mufasa und Sarabi präsentieren der Tierwelt ihren Nachwuchs, den Thronfolger Simba. Gemeinsam mit seiner Freundin Nala heckt der junge Löwe jede Menge Blödsinn aus und stellt auch Papa Mufasa regelmäßig auf die Probe.

Scar, Mufasas Bruder, nutzt die Neugierde des Jungen aus und entledigt sich mit einem Schlag sowohl des verhassten Königs als auch des aufmüpfigen Nachwuchses.

Simba lernt Timon und Pumbaa kennen und wächst zu einem stattlichen Löwen heran.

Scar vernichtet mithilfe der ihm ergebenen Hyänen Mufasas Königreich und unterwirft die Löwinnen.

Als Nala auf der Suche nach Hilfe völlig unerwartet auf Simba trifft, die beiden sich verlieben und sie ihn gemeinsam mit Rafiki überzeugt, wieder mit in das „Geweihte Land“ zu kommen, werdet sich das Blatt…

Inhaltlich passiert also (zum Glück) nichts Neues. Das Besondere an diesem Film sind die Animationen, die teilweise wirklich täuschend real wirken. Wie schon beim Remake des „Dschungelbuch“ (2016) haben die Visual Effects Team hier exzellente Arbeit geleistet.

Es wirkt zwar etwas befremdlich, dass die Tiere sprechen und singen, wo sie doch ansonsten so real aussehen, doch im Großen und Ganzen funktioniert diese Machart sehr gut.

Hans Zimmer hat auch für diesen Film die Filmmusik geschrieben, Elton John zwei neue Songs komponiert und mit überarbeiteten Songs von Pharrell Williams sowie dem „neuen Titelsong“ „Spiriti“ aus der Feder von Beyoncé wurde hier musikalisch einiges aufgefahren.

Die Besetzung der Originalfassung kann sich wirklich sehen lassen: Donald Glover als erwachsener Simba, Beyoncé als erwachsene Nala, James Earl Jones als Mufasa, Chiwetel Ejiofor als Scar, John Oliver als Zazu, Seth Rogen als Pumba und Billy Eichner als Timon sind nur einige der hochkarätigen Schauspieler, die sich für diesen Animationsfilm wochenlang in eine dunkle Kabine stellten, um die Löwen, Hyänen, Warzenschwein & Erdmännchen einzusprechen. Folglich klingt das alles im Original auch mächtig beeindruckend.

Die deutsche Fassung hingegen fällt hier deutlich ab, da auf namhafte Stimmen / Darsteller gänzlich verzichtet wurde. Simba wurde mit Leonard Hohm (Sprache) und Pat Lawson (Gesang) neben den Löwenkindern als einziger doppelt besetzt. Alle anderen deutschen Synchronsprecher übernehmen auch mehr oder weniger erfolgreich die Gesangsparts. Einzig Florence Kasumba sprach die Rolle der Shenzi sowohl im amerikanischen Original als auch in der deutschen Fassung.

Nichtsdestoweniger funktionieren die Dialoge auf Deutsch sehr gut (Alexander Malzacher) und gerade bei Timon und Pumbaa zünden die Lacher mehrfach treffsicher.

Die meisten Songs wurden von den Arrangements her überarbeitet; Nina Schneider hat einige der Texte in das 21. Jahrhundert transferiert, was sehr gut gelungen ist.

Warum Elton John einen neuen Song für Scars Ansprache bei den Hyänen („Seid bereit“) geschrieben hat, erschließt sich nicht, denn der neue Song holpert doch arg und entwickelt auch nicht die Intensität des ursprünglichen Werks.

Allein durch den bloßen Anblick der Löwenbabies erzeugt dieses Animations-Meisterstück schon eine große Empathie beim Zuschauer. Dass die Interaktionen zwischen den Tieren darüber hinaus im Gegensatz zum Zeichentrick nicht so gefühlvoll sind, ist der Tatsache geschuldet, dass man die Mimik der Tiere nicht allzu sehr vermenschlicht hat. Und so muss halt viel über die verbal-akustische Schiene angetriggert werden.

Dieser „König der Löwen“ ist mitnichten ein Ersatz für den mehr als 25 Jahre alten Zeichentrickfilm, doch als moderne Fassung eines anrührenden Stoffs kann er überzeugen. Mit der Bühnenfassung kann auch ein noch so gelungenes Animations-Kunstwerk jedoch auf keinen Fall mithalten.

Michaela Flint

Regie: Jon Favreau
Musik: Hans Zimmer, Elton John, Beyoncé
Verleih / Fotos: Disney

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Damit auch alle Zuschauer der durchaus vielschichten Handlung und vor allem dem besonderen nordenglischen Akzent folgen können, wurden links und rechts der Bühne große Monitore platziert, auf der die Dialoge und Songtexte mehr oder weniger gelungen ins Deutsche übersetzt wurden.

Dass das Theater am Großmarkt keine idealen Rahmenbedingungen für Musicals bietet, ist inzwischen bekannt. Auch bei „Billy Elliot“ lässt die Akustik sehr zu wünschen übrig. Eine hanseatisch-frische Brise bekommen all jene zu spüren, die am Rand der Sitzreihen ihren Platz gefunden haben. Und dass das Bar- und Foyer-Personal kurz vor dem Finale gemeinsam und für die Zuschauer gut sichtbar in den Backstage-Bereich geht, um kurze Zeit später in Privatkleidung wieder nach vorn zu kommen, ist auch etwas unglücklich. Schade war auch, dass nur zwei Tage nach der Premiere der Rang wegen zu wenig verkaufter Tickets geschlossen war.

Doch das waren auch schon die einzigen Wermutstropfen dieses Abends. Die Show begeisterte das Publikum so sehr, dass es mittendrin stehende Ovationen gab und der Schlussapplaus nur durch die angeschaltete Saalbeleuchtung beendet wurde.

Das Stück wurde vor mehr als 12 Jahren im Londoner Victoria Palace Theatre uraufgeführt. Schon damals überschlugen sich Kritiker und Zuschauer mit Lob. Elton Johns Kompositionen – allen voran „Solidarity“ und „Electricity“, Peter Darlings atemberaubende Choreographien und Stephen Daldrys Fingerspitzengefühl in Sachen Personenregie ergeben eines der erfolgreichsten Musicals der letzten 15 Jahre.

Die Tournee-Besetzung in Hamburg wird den Erwartungen in jeglicher Hinsicht gerecht. Emile Gooding hat Billys nordenglischen Akzent perfektioniert. Er ist selbstbewusst und gefühlvoll. Dass er „Electricity“ mit großer Verbitterung über die Rampe bringt, gibt dem ansonsten eher verzweifelten Song einen angenehmen neuen Touch. Zudem tanzt er wirklich exzellent. Das Pas de Deux mit dem „erwachsenen Billy“ ist eines der Highlights der Show. Das Publikum honoriert dies mit minutenlangem Applaus.

Als Billys Dad und seine Grandma stehen Martin Walsh und Andrea Miller auf der Bühne. Beide sind zwar nicht die besten Sänger, agieren aber mit viel Gefühl. Sie kümmern sich aufopferungsvoll um Billy und wenn sich beide an die Vergangenheit erinnern („Grandma’s Song“ und „He could be a Star“), bekommen die Charaktere sehr viel Tiefgang. Miller ist überzeugend gefühlvoll und liebevoll verrückt zugleich, während Walsh die Verzweiflung und das Hin- und Hergerissensein zwischen Grubenkumpel-Loyalität und seinem kleinen Sohn sehr glaubhaft mit Leben füllt.

Billys experimentierfreudiger Freund Michael wird von Henry Farmer mit viel Energie und einem unglaublichen Selbstbewusstsein gespielt. Die Jungen verstehen sich sehr gut und haben sichtlich Spaß auf der Bühne, obwohl die Choreographien alles andere als trivial sind und sie sich viel Text merken müssen.

Anna-Jane Casey gibt die liebevoll-verschrobene Tanzlehrerin Mrs. Wilkinson. Dass ihr Billy am Herzen liegt, spürt man schon, wenn sie ihm den Brief seiner verstorbenen Mutter vorliest („Please, Billy“). Es ist mucksmäuschenstill im Theater, die mit diesem Song transportierte Liebe ist im ganzen Saal greifbar. „Born to Boogie“ dagegen ist auch in der Tour-Fassung eine amüsante, schwungvolle Nummer, in der Gooding, Casey und Daniel Paige als Pianist Mr. Braithwaite tänzerisch und komödiantisch voll aufdrehen.

Weitere Highlights sind Michaels Freude über das Tutu, welches Billy ihm schenkt, sowie die einschüchternde Polizeikette, die mit Mrs. Wilkinsons Ballettklasse tanzen. Wenn die Grubenkumpel für Billy Geld spenden, damit er zur Audition nach London fahren kann, bleibt kein Auge trocken. Gleiches gilt für die urkomische Hatz als Billys Dad, Bruder und Grandma darüber „diskutieren“, ob sie den Brief der Royal Ballet School öffnen sollen oder nicht.

Anders als in der Londoner Produktion, aber dennoch sehr gelungen, ist die Einkesselung der Streikbrecher und der dadurch sehr gut veranschaulichte Perspektivenwechsel, dargestellt durch einen beweglichen Gitterkäfig, sowie die Untertage-Fahrt der Kumpel am Ende des Stücks.

Diese Show feiert die Individualität: Werde Balletttänzer, wenn Du dazu Lust hast, zieh ein Tutu an, wenn es Dir gefällt, unterstütze Dein Kind bei der Erreichung seines Traums! Ignoriere alle Vorurteile gegen Homosexualität, lass die Anfeindungen der Arbeitskollegen an Dir abprallen: Sei Du selbst! „Billy Elliot“ ist auch 17 Jahre nach der Kinopremiere immer noch aktuell, denn Träume hat jede/r und es sollte jede/r die Möglichkeit haben, so zu leben, wie er / sie es möchte!

„Billy Elliot“ begeistert das Publikum in einem Maße, wie ich es in Hamburg lange nicht mehr erlebt habe. Die normalen Ticketpreise sind eindeutig zu hoch, doch mit dem „Family & Friends“-Angebot ist ein Besuch dieser Show nicht nur erschwinglich, sondern für Musicalfans fast schon Pflicht! Denn so gut die DVD aus London auch ist, mit einer Live-Show ist sie nicht vergleichbar!

Michaela Flint

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Endlich kann man Billy Elliot auch in Deutschland genießen!

Wenn sich schon kein Theaterproduzent traut, das im West End und am Broadway gleichermaßen erfolgreiche Tanzmusical nach Deutschland zu holen – die Kinobetreiber haben es getan: Im Sommer 2014 brachten sie eine Live-Übertragung von „Billy Elliot“ aus dem Victoria Palace Theatre in die deutschen Kinos. Und das Publikum riss ihnen die Tickets nur so aus der Hand.

Die Kameratechnik zeigt viele Details und man kann die ausdrucksstarke Mimik der Darsteller eindrucksvoll genießen. Manchmal ist es jedoch etwas zu viel der Technik, bspw. wenn die Kamera den Straußenfedertanz von Mrs. Wilkinson Ballettklasse von oben aufnimmt.

Doch dafür entschädigen herzrührende Szenen wie die Liegestützen des kleinsten Nachwuchsdarstellers, der diese unter lautem Fluchen absolviert. Auch Billy’s tanzende Großmutter („Grandma’s Song“) und die Grubenarbeiter, die mit den Ballettmädchen zu „Solidarity“ tanzen, gehören zu den Highlights der Show.

Wie viel Spaß den jungen Sängern und Schauspielern ihr Job macht, sieht man u. a. in der Szene, in der Michael und Billy sich durch den Kleiderschrank der Mutter wühlen und dabei die lustigsten Outfits anprobieren („Expressing Yourself“).

Eine unerwartet herausragende Performance liefert der Klavierlehrer ab: „Born to Boogie!“ sorgt für jede Menge mitwippender Knie im Kino. Stillsitzen fällt bei so viel geballter Energie wirklich schwer. Dass man nicht live im Theater dabei ist, vergisst man immer mehr. Die Aufnahmen sind von exzellenter Qualität und es gibt nur einige ganz wenige Anschlussfehler seitens der Kameraregie.

Die Szene, in der der kleine und der erwachsene Billy ihr Pas de Deux tanzen, gewinnt durch die Kamerafahrt noch an Intensität hinzu – Gänsehaut pur!

Widmet man sich kurz der Leistung der Akteure, die an diesem Abend auf der Bühne stehen, muss man – neben Elliott Hanna, der einen sympathischen, glaubhaften Billy gibt, auf jeden Fall Deka Walmsley als Billy’s Vater und Ruthie Henshall als Tanzlehrerin Mrs. Wilkinson erwähnen. Beide spielend unglaublich berührend und authentisch. Hier zeigt sich einmal mehr, dass Musiktheater in London auch heute noch eine ganz andere Qualität hat als in unserem Land.

Dass sich Briten auf der Bühne auch durchaus selbst auf die Schippe nehmen können, zeigt sich bei Billy’s Audition in der Royal Ballet School während sein Vater vor dem Safety Curtain nervös auf ihn wartet:

Er trifft auf einen anderen Vater, der ihn in lupenreinem Oxford English Mut zuspricht. Der Minenarbeiter aus Newcastle versteht aber nur Bahnhof.

Das wird auch nicht besser als ihm ein „ausnehmend gut bestückter“ Balletttänzer mit schottischem Akzent eine Zigarette anbietet. Man kann durchaus auf dieser kleinen Insel an Sprachbarrieren scheitern.

Dies zeigt sich auch wenn die Minenarbeiter wieder einfahren: Der A-Capella-Chor singt so blitzsauber und klar, dass dem Publikum ein Schauer nach dem anderen über den Rücken jagt.

Dieses Kinoerlebnis kann man nun auch zu Hause erleben. Die DVD ist ein Muss für jeden Musicalfan. Es darf gern mehr von diesen Stage-to-Disc-Exporten geben. Denn auf diesem Weg erreicht man ein breites Publikum, das nicht mal eben so nach London fliegt bzw. fliegen kann, um sich ein Musical anzusehen.

Michaela Flint

Regie: Stephen Daldry, Brett Sullivan
Darsteller: Elliott Hanna, Ruthie Henshall, Deka Walmsley, Ann Emery, Chris Grahamson, Liam Mower,  Zach Atkinson
Musik: Elton John
Verleih / Fotos: Universal Pictures

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