Das ist der Grund, warum Menschen ins Theater gehen. Für uns Briten war das Theater in Krisenzeiten immer ein Zufluchtsort, um sich von der Realität abzulenken und ihr einige Zeit zu entfliehen. Manchmal nimmt sich das Theater selbst zu ernst und vergisst, wer sein Publikum ist. Und „Buddy Holly Reloaded“ zeigt genau, wie man es richtig macht!

Michaela Flint: Sie haben Javert in „Les Misérables“ und die Titelrolle im „Phantom der Oper“ gespielt. Können Sie den Zauber dieser Musicals erklären – so unterschiedlich sie auch sein mögen?

Earl Carpenter: Wenn ich das Geheimnis dieser Stücke kennen würde, wäre ich Millionär! Ich denke, es sind vor allem ihren großartigen, unglaublichen guten Geschichten:  „Phantom der Oper“ ist die klassische „Die Schöne und das Biest“-Geschichte. Und bei „Les Misérables“ kann sich jeder mit den Charakteren identifizieren. Es ist wie in einem Shakespeare-Stück: Man hat seine Protagonisten, die viel über sich und ihr Leben sinnieren, und so fällt es dem Publikum leicht, die Struktur des Stücks zu verstehen.

Bei den Original-Produktionen hatte man auf der Bühne eigentlich nur schwarze Rahmen, die Schauspieler und minimale Kulissen. Das ganze Storytelling hängt vom Darsteller ab. Ich denke, dass ist es, was diese Musicals so besonders macht: Sie geben nicht allzuviel Informationen vor, sondern überlassen es dem Zuschauer, das Bild für sich selbst zu vervollständigen. Das ist der Grund, weshalb diese Shows seit fast 30 Jahren erfolgreich sind.

Michaela Flint: Sie haben nahezu alle großen Musicalrollen gespielt. Gab es eine, die Sie besonders mochten?

Earl Carpenter: Sie sind alle besonders. Jede einzelne bedeutete zu dem Zeitpunkt in meinem Leben, wo ich sie spielte, viel für mich. Ich arbeite seit 20 Jahren in diesem Business und ich kann nicht sagen, dass es ein Musical gibt, das ich besonders gern mag – sie sind alle wundervoll.

Michaela Flint: Meine Standardfrage darf natürlich nicht fehlen: Gibt es eine Rolle, die Sie gern noch spielen würden?

Earl Carpenter: Im Moment lasse ich ich etwas treiben. Ich bin in der glücklichen Lage, dass ich alle großen Musicalrollen bereits spielen durfte und im Moment weiß ich wirklich nicht, was als nächstes kommt.
Nach Toronto zu gehen, nach Hamburg zu kommen – beides zeigt mir, dass es noch so viel mehr gibt außerhalb Englands und weit weg vom West End. Das ist wirklich spannend. Erst kürzlich habe ich bewusst wahrgenommen, dass es noch viel mehr gibt. Ich würde beispielsweise sehr gern einmal den Graf von Krolock in „Tanz der Vampire“ spielen.

Michaela Flint: Vor ein paar Jahren wurde mal versucht, eine abgeänderte Version davon am Broadway zu etablieren…

Earl Carpenter: Ja, aber das war wirklich eine komplett andere Show. Sie hätte so sein sollen wie hier in Deutschland oder in Wien: dunkel, sexy, komisch, wenn es passt. Aber das Stück komplett zu verändern, nur um jedem zu gefallen, war nicht erfolgversprechend.

Michaela Flint: Also wird man Sie eines Tages auch auf einer deutschen Musicalbühne sehen?

Earl Carpenter: Oh ja. Und ich nehme nur allzugern die Herausforderung an, dafür richtig Deutsch zu lernen. Wie ich bereits sagte: Ich mag diese Sprache sehr.

Michaela Flint: Welche West End Show würden Sie zurzeit empfehlen?

Earl Carpenter: Ehrlich gesagt, habe ich keine Ahnung. Ich war monatelang nicht in London und weiß gar nicht, was dort gezeigt wird. Aber selbst, wenn ich dort gewesen wäre, hätte ich ja vermutlich selbst auf der Bühne gestanden und keine Zeit gehabt, andere Shows anzuschauen. Das vermisse ich schon sehr.

Aber ich ziehe es sowieso vor, auf Tour zu sein. ich liebe das Gefühl, jeden Abend ein neues Publikum zu erobern. Mir macht es mehr Spaß, jeden Abend in einem anderen Theater zu spielen als dauerhaft in London. Man wird von mehr Menschen gesehen, bekommt eine größere mediale Aufmerksamkeit. Ich fühlte mich immer wie ein Reisender und wollte in Bewegung bleiben.

Michaela Flint: Apropos Tour: Die Zuschauer können es kaum erwarten, dass „The Three Phantoms“ wieder auf UK-Tour gehen. Wird dies in naher Zukunft geschehen?

Earl Carpenter: Wir führen zurzeit viele Gespräche, aber bisher ist noch nichts entschieden.

Michaela Flint: Vielen Dank für Ihre Zeit. ich bin sehr gespannt, auf welcher Bühne wir Sie in Zukunft sehen werden.

Michaela Flint

Theater: Neue Flora, Hamburg
Premiere: 8. Juli 2016
Darsteller: Mathias Edenborn, Valerie Link, Nicky Wuchinger
Musik / Regie:  Andrew Lloyd Webber / Harold Prince
Fotos: Stage Entertainment

Das „Phantom der Oper“ hat seinen künstlerischen Höhepunkt vor langer Zeit erreicht. Also sehe ich es als meine Aufgabe an, jedes Ensemble an diesen Standard heranzuführen.

Der einzige Unterschied zwischen den Produktionen sind die Menschen. Die Darsteller, die die Rollen spielen, haben verschiedene Stärken und Persönlichkeiten. Ich möchte herausarbeiten, was jeden von ihnen einmalig macht und von den Rollen-Vorgängern unterscheidet.

Michaela Flint: In Ihrem letzten „musicals“-Interview sagten Sie, dass Sie gern Kleinigkeiten ändern, um den Darstellern eine neue, frische Perspektive zu geben.

Harold Prince: Das muss ich einfach machen. Die Resident Directors halten sich an meinen Regieplan, aber sie sollen auch auf die Stärken und Schwächen ihrer Schauspieler achten.

Ich ändere dann häufig etwas am Blocking. Ich lasse das auch niemanden anderen machen.

Der Grund sind die unterschiedlichen Bühnengrößen. Ich habe das Stück seinerzeit für ein 1200 Plätze Theater inszeniert; heute spielen wir es vor 1800 oder 2000 Zuschauern. Man muss es einfach größer inszenieren und die Darsteller müssen andere, längere Wege zurücklegen.

Michaela Flint: Welche Ratschläge geben Sie den Darstellern, wenn Sie den Proben beiwohnen?

Harold Prince: Mein Rat ist einfach und grundlegend: Seid authentisch!

Auch wenn es sich beim „Phantom der Oper“ um ein viktorianisches Melodram handelt, ist die Geschichte sehr menschlich. Das ist der Grund, warum die Zuschauer das Stück so mögen. Sie glauben den Charakteren, können sich in ihre Situation hineinversetzen und schon allein deshalb muss man ehrlich zu ihnen sein.

Der Film-Regisseur Robert Altman sagte einmal, ein gutes Casting macht 90 % der Inszenierung aus. Ich würde zwar die Prozentzahl leicht ändern, aber wichtig ist, dass die verbleibenden Prozente echt und authentisch sind. Man darf sein Publikum nicht durch irgendwelche Tricks täuschen. Auch bei einer fiktiven Geschichte wie der des Phantoms muss man immer ehrlich sein.

Michaela Flint: Schon vor zehn Jahren haben Sie in unserem Interview die Entwicklung weg von einzigartigen Musicalstoffen hin zu Disney-Produktionen und Compilation-Shows bedauert.

Harold Prince: Ich glaube, ich sage besser nichts mehr und bedauere dies im Stillen. (lacht)

Ohne ins Detail gehen zu wollen, gibt es in meinen Augen ein Standard, den alle Musicals erfüllen müssen. Diesen Massstab habe ich in den letzten 60 Jahren eingehalten. Und auch die drei neuen Shows, an denen ich arbeite, müssen diese Norm erfüllen.

Fakt ist, dass Musicals heutzutage viel beliebter sind als sie es damals waren, als sie in Europa Fuß fassten. Hauptgrund ist, dass durch das Ende des 2. Weltkriegs und den Fall des Eisernen Vorhangs durch den einsetzenden Tourismus ein ganz neues Publikum für Musicals entstand. Diese Zuschauer sprechen meistens nur wenig oder sogar überhaupt kein Englisch. Sie schauen sich Musicals an und mögen sie nicht wegen der Dialoge oder Songtexte, sondern wegen dem, was sie sehen. Die Musik trägt die Show.

Musicals sind heutzutage eine richtige Touristenattraktion.

Michaela Flint: Glauben Sie, dass einzigartige, kreative Stoffe und hochklassige Musicals, für die diese Branche früher so berühmt war, noch eine Chance haben?

Harold Prince: Auf jeden Fall! Auch das „Phantom der Oper“ ist so eine Show und besticht durch viele Details. Aber man kann das Stück auch genießen, ohne jede Kleinigkeit bewusst wahrzunehmen. Ich denke, ob ein Musical erfolgreich ist, hängt maßgeblich von der Kultur und den Traditionen jedes einzelnen Zuschauers ab.

Zwei Beispiele: „West Side Story“ ist das Paradebeispiel für eine New Yorker Story, aber heutzutage ist das Stück so international wie kaum ein anderes. Ein weiteres Beispiel, wo am Anfang niemand hat ahnen können, was daraus wird, ist „Anatevka“. Das Stück hat eine grund-jüdische Handlung, spielt in einem Shtetl in Russland und dank Jerôme Robbins Choreographien rückten die Traditionen immer mehr in den Mittelpunkt.

Traditionen sind nicht jüdisch, japanisch, russisch oder deutsch; Tradition ist Familie. Jeder, der dieses Stück sieht, nimmt genau das mit. Für mich ist „Anatevka“ eine Liebeserklärung an die Institution Familie, die immer mehr in Vergessenheit gerät. Ich habe leider nie mit meinen Eltern und Großeltern in einem Haus gelebt, aber meine Mutter ist in solch einem Mehr-Generationen-Haus aufgewachsen. Das muss eine wundervolle Zeit gewesen sein.

Ich weiß nicht, wie lange diese Entwicklung noch weitergeht, aber sehr viele Söhne und Töchter von Freunden bekommen ihre Kinder in ihren Vierzigern, das heißt wenn die Kinder das College verlassen , sind die Eltern um die 70. Das ist eine ganz andere Welt, in der Kinder heute aufwachsen.

Michaela Flint: In den letzten Jahren hat es sich zum Trend entwickelt, beliebte Bühnenmusicals auf die Kinoleinwand zu bringen. Hierzu zählen natürlich Joel Schumachers „Phantom der Oper“-Verfilmung und in diesem Jahr Tom Hoopers Version von „Les Misérables“.

Harold Prince: Einige sind sehr gelungen, andere weniger. Ich glaube, dabei sollten wir es belassen. „West Side Story“ und auch „Cabaret“ waren auch erfolgreiche Kinofilme, aber ich persönlich mochte die Bühnenfassungen lieber.

Einen Bühnenmusical für die Leinwand zu adaptieren, ist sehr schwierig. Szenen zu spielen und „Ich liebe Dich“ zu singen, ist im Film viel komplizierter.

Michaela Flint: Gibt es eine Art Wettbewerb zwischen Musicals auf der Kinoleinwand und Musicals im Theater?

Harold Prince: Nein, ich sehe hier keinerlei Konkurrenz. Ich hatte das Glück, an einem Musical beteiligt zu sein, dass jeden Filmerfolg um Längen schlägt. Ich sage das nicht, weil ich verantwortlich dafür bin, es ist pures Schicksal, dass wir in London schon seit 27 Jahren erfolgreich sind. Ich kann es mir nur so erklären, dass die Zuschauer sich das Stück mehrfach ansehen. Und inzwischen wächst eine neue Generation heran, die das Stück heute zum ersten Mal sieht. Das ist eine tolle Entwicklung!

Michaela Flint: Sie haben gesagt, dass es nicht darum geht, dem Publikum das zu zeigen, was es sehen will, sondern es dahin zu führen, was Sie als Musical-Macher es sehen lassen wollen.

Harold Prince: Daran glaube ich 100 %ig! Letztlich sieht jeder Zuschauer ein Musical ein wenig anders. Es ist also viel besser, wenn fünf Menschen ihnen etwas zeigen, was die Zuschauer annehmen und wertschätzen können.

Für mich war es immer wichtig, dass die Kulissen nicht echt sind. Ich ziehe leere Räume auf der Bühne vor: traumhafte Requisiten vor einer schwarzen Wand. Für mich ist klar, dass das Publikum die leeren Flächen füllt, jeder für sich, mit unterschiedlichen Tapeten, unterschiedlichem Design etc. Theater lädt ein, sich eine andere Welt auszumalen und vorzustellen. Das ist einer der Gründe, weshalb ich nicht so sehr an Kino und Fernsehen glaube: Hier werden alle leeren Flächen von vornherein ausgefüllt.

Michaela Flint: Wenn Sie sich etwas für die Musicalbranche wünschen könnten, was wäre das?

Harold Prince: Das Publikum wird immer anspruchsvoller. Wir müssen das, was die Musicals der 1960er Jahre ausmachte, auf die heutige Zeit übertragen. Sondheim-Musicals sprechen den Intellekt des Publikums an. In den 1920er und 1930er Jahren stand wie Musik im Vordergrund; die Bücher und Libretti waren albern. Sie dienten nur dazu, die wundervollen Songs zu verbinden.

Im Musical-Business ist das passiert, was der Populärmusik auch widerfahren ist: Theatermusik funktioniert nicht mehr als Popmusik. Heutzutage sind RnB und Rock’N’Roll populär. Diese Musikstile lassen sich aber nur sehr schwer für die Bühne adaptieren, da man die Worte nicht versteht. Worte und Texte sind für die Handlung eines Musicals aber unerlässlich Deshalb haben wir heutzutage Rockkonzerte auf der einen Seite und Book Musicals auf der anderen Seite.

Michaela Flint: Kann man heutzutage Musicals noch wirklich erfolgreich produzieren?

Harold Prince: Sicher. Aber alles, was solange läuft wie das „Phantom der Oper“ ist eine Ausnahme. Aber es gibt jedoch auch neuere Shows, die beispielsweise „Wicked“ oder „Der König der Löwen“, die lange erfolgreich laufen.

Was wir – hoffentlich nur zweitweise – verloren haben, sind die Musicals, die neben der Musik vor auch die Sprache als Medium benutzen. Da wir Shows für ein vielsprachiges Publikum produzieren, rückt die Sprache immer weiter in den Hintergrund.

Michaela Flint: Würden Sie sagen, dass es typisch für die deutsche Musicallandschaft ist, dass man lieber ältere, bereits anderswo erfolgreich erprobte Shows zeigt?

Harold Prince: Der Import von amerikanischen Musicals nach Europa hat eine lange Tradition. Rolf Kutschera, der langjährige Direktor vom Theater an der Wien, spielte eine große Rolle als es seinerzeit darum ging, Stücke wie „A Little Night Music“, „Evita“ oder „A Kiss Of A Spiderwoman“ nach Europa zu bringen. Er war ein guter Freund von mir. Leider ist er letztes Jahr verstorben. Aber ich bin immer wieder gern hergekommen, um mit ihm in Wien zu arbeiten.

Doch es gibt auch neue Musicals, die in Europa entstehen. Michael Kunze hat mit „Rebecca“ und „Tanz der Vampire“ neue Stücke geschrieben, die in Deutschland sehr erfolgreich waren.

Michaela Flint: Also sind Michael Kunze & Sylvester Levay für den deutschsprachigen Musicalmarkt das, was Andrew Lloyd Webber und Stephen Sondheim für England und die USA sind?

Harold Prince: Es gibt große Unterschiede zwischen diesen Musicalnationen. Etwas, was in Deutschland funktioniert, wird nicht notwendigerweise nach Amerika exportiert. Und es gibt auch zahlreiche Shows bei uns, die niemals in Europa laufen würden. Ich habe an einigen mitgearbeitet, die sehr amerikanische Themen behandeln. Stephen Sondheims „Company“ habe ich sowohl in New York als auch in London inszeniert und im West End hat es fantastische Kritiken bekommen. Wir hatten zwar den Vorteil, dass es in der gleichen Sprache gezeigt wurde, aber das Publikum wurde einfach nicht warm damit. Die britische und amerikanische Lebensweise sind eben nicht dieselbe. Also wurde es dort schnell wieder abgesetzt.

Michaela Flint: Wenn ein junger Autor oder Komponist Sie um Rat fragen würde, wie er sein Stück am besten auf die Bühne bringen könnte, was würden Sie ihm antworten?

Harold Prince: Ich weiß gar nicht, ob ich jemals einen solchen Rat gegeben habe. Aber ich sage immer, dass man sich selbst ausdrücken muss. Es geht – erneut – nicht darum, herauszufinden, was das Publikum möchte, sondern was man als Musical-Macher zeigen möchte. Wenn man dann noch über Sinn für Stil und ein gewisses elitäres Denken verfügt, kann man sich glücklich schätzen. Ich schätze elitäres Denken sehr, nur kann man dies von der Mehrheit des Publikums nicht erwarten. Also muss man sein Publikum in einer Sprache ansprechen, die die meisten verstehen. Sag einfach, was Du denkst, textlich oder musikalisch, und hoffe, dass es eine hohe Qualität hat und es genug Leute verstehen und schätzen. Das ist reine Glückssache.

Ich hatte schon immer Geschmack und Stil und ich stand ehrgeizig hinter jedem meiner Projekte, aber ich war nie so „avantgarde“, dass ich die große Mehrheit des Publikums nicht erreichte.

Michaela Flint: Wenn Sie auf Ihre 60 Jahre Jahre Berufserfahrung im Musical-Business zurückblicken, gibt es Musicals, auf die sie stolz sind oder bei denen sie bereuen, dass sie sie inszeniert haben?

Harold Prince: Oh ja, jedes Mal, wenn ein Musical nicht erfolgreich ist, bedaure ich, dass ich daran mitgewirkt habe. Es gibt nur Erfolg oder Misserfolg. Manchmal muss man einfach eine Show machen, weil man einen Job braucht, auch wenn man keine wirkliche Idee hat, wie man das Stück inszenieren soll. Also arbeitet man daran und bedauert es gleichzeitig. Aber so ist das Leben. Man kann nicht immer Erfolg haben.

Es gibt viele Musicals, auf die ich sehr stolz bin und auch einige, über die wir besser nicht reden.

Natürlich bin ich stolz auf das, was wir mit dem „Phantom der Oper“ erreicht haben. Auch „Company“, „Sweeney Todd“ und „Evita“ habe ich sehr gern gemacht. Gerade bei „Evita“ habe ich Dinge ausprobiert, die ich vorher nie gemacht habe und sie haben funktioniert. Darauf bin ich stolz. Genauso wie auf „Follies“. Es war sicherlich kein Verkaufshit, aber ich habe es sehr gern inszeniert.

Michaela Flint: „Das Phantom der Oper“ in Hamburg ist die vierte deutsche Ensuite-Produktion. Können Sie noch zählen, wie oft Sie dieses Stück weltweit inszeniert haben?

Harold Prince: Nein, ich zähle da nicht mit. Aber für meine Rede bei den Tony Awards im Juni habe ich mir einige Zahlen geben lassen, die wirklich beeindruckend sind: Wir haben 65.000 Vorstellungen in 29 Ländern vor 115 Mio. Zuschauern gegeben. Wenn ich am Anfang meiner Karriere stünde, müssten sich alle weiteren Erfolge an diesem hohen Standard messen lassen.

Michaela Flint: Warum hat das „Phantom der Oper“ seinen Reiz auch nach 27 Jahren nicht verloren?

Harold Prince: Die Zeiten sind schwierig – aus verschiedensten Gründen: Die sozialen Rahmenbedingungen sind unterschiedlich, finanziell haben es viele Menschen schwer und auch politisch ist es heutzutage nicht einfach. In solchen Zeiten sollte man sich ein Ticket für das „Phantom der Oper“ kaufen und seine Sorgen für einige Stunden vergessen. Das „Phantom der Oper“ spielt 1870/1880. Die Geschichte ist kraftvoll, die Bühne traumhaft ausgestattet und die Musik ist wunderschön. Außerdem ist das Stück sehr romantisch. Genau das ist der Grund, weshalb Andrew Lloyd Webber und ich dieses Musical unbedingt auf die Bühne bringen wollten.

Viele Zuschauer haben mir gesagt, dass es etwas in diesem Stück gibt, dass sie wieder wie Kinder fühlen lässt. Wie damals als man zum ersten Mal ein Buch gelesen hat. Es ist wundervoll für uns alle, sich von Zeit zu Zeit in einer anderen Welt zu verlieren, die so gar nichts mit der realen Welt zu tun hat.

Michaela Flint: Wir danken Ihnen für dieses offene Interview und wünschen Ihnen für das „Phantom der Oper“ und Ihre weiteren Projekte alles Gute.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

Ramin Karimloo: Im Dezember 1992 auf einem Schulausflug in Toronto. Ich hatte überhaupt keine Lust dazu und dachte, es sei eine langweilige Oper. Mann, habe ich mich geirrt – es war großartig! Colm Wilkinson spielte damals das Phantom und ich hatte bis dahin niemals jemanden so singen gehört. Mich hatten die Künste bis dahin nie sonderlich gefesselt, aber ich wusste, dass es genau das sein würde, was ich später machen wollte.

Michaela Flint: Wollen Sie damit sagen, dass das „Phantom der Oper“ Sie zum Musical gebracht hat?

Ramin Karimloo: Defintiv. Nachdem ich diese Show gesehen hatte, begann ich mich für Musik zu interessieren und ich verfolgte die Karrieren von Daniel Day-Lewis, Al Pacino und Robert de Niro, weil ich so werden wollte wie sie. Ich entschied mich, Schauspieler zu werden und erinnere mich, dass ich die Rolle des Phantoms unbedingt spielen wollte. Ich wusste schon damals, wie ich das Phantom spielen würde und dass ich ein jüngeres Phantom spielen würde. Ich hätte nie gedacht, dass ich jemals Londons jüngster Phantom-Darsteller sein würde.

Michaela Flint: Für diese Rolle muss man auch exzellent singen können, es ist wahrlich keine reine Schauspielrolle, oder?

Ramin Karimloo: Stimmt, leider braucht man hierfür viele Fähigkeiten. Aber ich mache mir darüber nicht allzu viele Gedanken. Für mich ist das Herz der Figur das Wichtigste. Ich versuche nicht, perfekt zu sein. Jede Aufführung ist anders.

Michaela Flint: Was genau ist das Herz dieser so rätselhaften Figur?

Ramin Karimloo: Das Phantom ist sehr kompliziert: Oberflächlich betrachtet, ist er ein entstellter Mörder. So sehen ihn die Leute. Doch tatsächlich ist er ein Opfer der sozialen Umstände, was mir das Herz bricht. Denn vieles, was geschieht ist die Konsequenz daraus, wie er behandelt wird und hätte vermieden werden können. In Wirklichkeit ist er ein leidenschaftlicher, genialer Komponist mit vielen Charaktereigenschaften. Im tiefsten Inneren ist er immer noch ein Kind, das nie erwachsen wurde, weil es keine Eltern oder andere liebenden Menschen um sich hatte. Man hat sein Gesicht gesehen, ihn misshandelt, weggesperrt und wie ein Tier behandelt. Ich denke, wenn man jemanden so behandelt, wird er sich später auch wie ein Tier verhalten.

Michaela Flint: 2004 standen Sie für ein Jahr als Raoul auf der Bühne des Her Majesty‘s Theatre. Haben Sie damals schon auf die Rolle des Phantoms spekuliert?

Ramin Karimloo: Absolut. Ich wollte diese Rolle unbedingt spielen. Aber damals war es wichtiger, dass ich mein Handwerk lerne. Ich war noch nicht reif für das Phantom. Aber Raoul ist eine tolle Rolle, was leider allzuoft übersehen wird. Mit Laurence Connor, dem neuen Regisseur, konnte ich einen viel lebhafteren und leidenschaftlicheren Raoul erschaffen. Dadurch konnten sich die Zuschauer noch mehr mit ihm identifizieren.

Michaela Flint: Ihr erster Auftritt als Phantom war eher ungewöhnlich…

Ramin Karimloo: Oh ja. Ich bin für einen Kollegen eingesprungen und habe die imposante Kronleuchter-Szene komplett ruiniert, weil ich mir den Fuß eingeklemmt hatte, der Engel nicht hochgefahren werden konnte und damit der Kronleuchter seine Position nicht verlassen durfte. Es tut mir immer noch sehr leid, aber ich konnte meinen Fuß nicht befreien und daher konnte die Szene nicht wie geplant umgesetzt werden. Ich war erst 26 oder 27 Jahre als das passierte und es ist mir immer sehr unangenehm…

Michaela Flint: Wie lange dauert Ihre Verwandlung von Ramin zum Phantom der Oper?

Ramin Karimloo: Normalerweise dauert es nicht so lange. Die Maske selbst ist auch nicht das Problem. Es ist die Gesichtsprothetik, die sehr aufwändig ist und die ich auch ganz sicher nicht vermissen werde. Ich habe diese Rolle in beiden Produktionen jetzt insgesamt vier Jahre gespielt und meine Haut wird sich sehr über die Erholung freuen.

Da die Jubiläums-Vorstellungen in Hi-Definition gefilmt werden, wird auf die Maske besonderen Wert gelegt. Chris Tucker, der ursprüngliche Designer der Show, wird höchstpersönlich Hand anlegen, so dass es in etwa zwei Stunden dauern wird, bis ich die weiße Maske aufsetzen kann.

Michaela Flint: Was denken Sie ist das Erfolgsgeheimnis des „Phantoms der Oper“?

Ramin Karimloo: Das Stück kam einfach zur richtigen Zeit am richtigen Ort raus. Man kann dieses Stück mit heutigen Musicals nicht vergleichen, da sich viel im Musicalbusiness verändert hat. Das „Phantom der Oper“ hat unglaubliche, sehr bewegende Musik – nur wenige Akkorde reichen, um die Zuschauer zu berühren. Außerdem ist das Buch perfekt. Es ist nicht zu kompliziert, die Leute können eine Beziehung zu den Handelnden herstellen. Ganz besonders natürlich zum Phantom und seinem wahren Inneren. Hinzu kommt noch Cameron Mackintoshs großartige Produktion: In Sekunden verwandelt sich das Bühnenbild in eine komplett neue Szenerie. Rundherum ein perfektes Musical.

Michaela Flint: Wie war die Zusammenarbeit mit Andrew Lloyd Webber?

Ramin Karimloo: Es ist etwas ganz Besonderes, fast schon surreal. Wir haben bei „Love Never Dies“ eng zusammen gearbeitet und nehmen so seit drei, fast vier Jahren am Leben des anderen teil. Es war schon seltsam, tagsüber am Sequel zu arbeiten und abends in der Originalshow als Phantom auf der Bühne zu stehen. Andrew hat mich immer motiviert und unterstützt. Ganz besonders im Studio hat er mich immer wieder ermutigt, mich selbst einzubringen. Er hat mich nicht in eine bestimmte Richtung gedrängt. Gerade durch diese Zusammenarbeit bin ich zu einem besseren Musiker geworden.

Michaela Flint: Werden Sie das Phantom in Zukunft noch einmal spielen oder sind diese Jubiläums-Vorstellungen Ihr Abschied von dieser Rolle?

Ramin Karimloo: Man sagt zwar, sag niemals nie, aber ich muss mich vom Phantom verabschieden, denn wohin kann ich mit dieser Rolle noch kommen? Das ist nicht einfach ein Job für mich, sondern meine Passion. Ich muss an genau diesem Punkt gehen, um wiederkommen zu können. Ich muss gehen, um mein Handwerk weiter zu verbessern. Ich habe wunderbare Angebote und ich möchte austesten, was daraus werden kann und wie ich mich von dort aus weiterentwickeln kann.

Michaela Flint: Meinen Sie, die „Phans“ werden das verstehen?

Ramin Karimloo: Ich habe in den letzten Jahren viel Unterstützung durch unsere Fans erfahren. Ich betrachte bestimmte Rollen wie die des Phantoms und überlege, wie ich damit ein noch größeres Publikum und noch mehr Unterstützer erreichen kann. Bisher ist alles sehr gut gelaufen und ich bin den Fans sehr dankbar, denn ohne sie hätte ich diese Karriere nicht machen können.

Am 9. April 2012 erscheint Ramin Karimloos Debüt-Album „Ramin“, auf dem sowohl Musical-Hits als auch eigene Songs zu hören sein werden. Mehr Informationen unter www.raminofficial.com

Michaela Flint