Kann das musikalische Heldenepos an die Erfolge vom „König der Löwen“ und „Frozen“ anknüpfen?

Die kurze Antwort lautet: nein, ganz sicher nicht. Doch schauen wir genauer hin.

„Hercules“ ist von den Kinoeinspielergebnissen her betrachtet einer der erfolgreichsten Disney-Filme und nicht wenige schätzen die charmante Tollpatischigkeit des Titelhelden und den Wortwitz seiner Wegbegleiter sehr.

In der Bühnenfasssung sind hier an erster Stelle die fünf Musen zu nennen, die Hercules von Geburt an begleiten. Leslie Beehann, Chasity Crisp, Venolia Manale, UZOH und Shekinah McFarlane haben als Kalliope, Thalia, Terpsichore, Kilo und Melpomene einen wunderschönen, souligen Klang. Die Songs passen perfekt und geben den Damen die Chance zu glänzen. Ihre Auftritte sind glamourös, raumgreifend und mitreißend. Kein Kleid gleicht dem anderen, hier haben Gregg Barnes und Sky Switser sehr viel Kreativität einfließen lassen. Und jede Frau im Publikum, die jenseits der allgegenwärtigen Size Zero Mode liegt, schnalzt ob des Sexappeals der Musen-Optik mit der Zunge. Warum allerdings Hercules in ein unsägliches 1980er Jahre Netzhemd gesteckt wurde, das ihn auch optisch zur Karikatur werden lässt, bleibt ein Rätsel. Er wirkt wirklich eher putzig und niedlich als stark…

Einige Finessen weist ebenfalls das Bühnenbild von Dane Laffre in perfektem Zusammenspiel mit dem Video- (George Reeve) und Lichtdesign (Jeff Croiter) auf. Von „tanzenden“ Säulen, über Hades‘ düstere (verdächtig an Graf von Krolocks Keller erinnernde) Unterwelt nebst sehr findig gelöster Lebensfäden, denen beim Abschneiden sehr putzige Geister hinterher fliegen, bis hin zu den großartig visualisierten, sprechenden Statuen, dem an Mosaike angelehnten Hintergrund bei Hercules‘ Reise in die menschliche Zwischenwelt – es ist schon viel Schönes dabei an diesem Premierenabend. Sprachlos machen die über die Bühne geschossenen Pfeile, die in einer der Säule stecken bleiben. Licht & Technik & Timing in perfekter Harmonie – so geht Theatermagie!

Es gibt aber auch die andere Seite: kitschig gewandete Götter im Olymp, sehr slapstick-lastige Dialoge, etwas armselig wirkende Kampfszenen… Hier misslingt die Gratwanderung, das was auf dem Bildschirm begeistert, in derselben Form auf die Bühne zu bringen, deutlich.

Neben den Musen gibt es einen weiteren Sidekick, der diese Show auflockert: Karl (Mario Saccoccio) und Heinz (André Haedicke), die trotteligen, obrigkeitshörigen Handlanger von Hades. Mit viel Humor führen sie ihren Chef vor, um am Ende die Seiten zu wechseln und eine nicht unwesentliche Rolle beim Happy End zu spielen. Saccoccio und Haedicke bilden hier ein großartiges Duo und schon ihr Anblick lässt das Publikum auf die nächste schräge Idee oder „dummen“ Spruch hoffen.

Apropos Happy End: Natürlich finden Hercules und Meg auch auf der Bühne der Neuen Flora zueinander. Der Weg dorthin ist steinig und mit vielen Prüfungen gepflastert.
Meg, Hades‘ sehr selbstbewusste, sich ihrer Reize und Wirkung auf Männer durch aus bewusste Ziehtochter, ist herrlich kratzbürstig. Mae Ann Jorolan überzeugte bis vor Kurzem noch als Peggy Schuyler / Maria Reynolds in „Hamilton“ und darf jetzt eine ganz andere, überhaupt nicht brave Seite von sich zeigen. Und das macht sie großartig! Ihr zuzuhören und zuzusehen, ist eine Freude!

Apropos „Hamilton“, auch Hauptdarsteller Benét Monteiro ist dem Hamburger Publikum aus dem Hip-Hop-Musical über die amerikanischen Gründerväter bekannt. So sehr er als A. Ham überzeugen konnte, so wenig scheint ihm Hercules zu liegen. Man wird das Gefühl nicht los, dass er nicht wirklich weiß, ob er die Figur als Karikatur anlegen oder ernsthaft spielen soll. Der Charakter wirkt größtenteils unausgegoren, was man aber sicherlich nicht allein Monteiro anlasten sollte. Hinzu kommen unerwartete phonetische Hürden. Den schnellen Sprechgesang des Alexander Hamilton konnte Monteiro einwandfrei ins Operettenhaus bringen. Bei Hercules hat er doch seine liebe Müh mit den deutschen Texten.

Damit ist er jedoch nicht allein. Die deutsche Sprache ist offenbar für die wenigsten Darsteller so vertraut, dass sie sie „einfach“ singen könnten. Traurig, dass man so etwas immer noch erleben muss! Wir haben brillante Phonetikcoaches in Hamburg und ganz nebenbei auch herausragende Darsteller:innen, die Muttersprachler sind. Es wäre begrüßenswert, wenn hier endlich ein Umdenken stattfinden würde. Denn die pfiffigsten Songtexte und Dialoge nützen nichts, wenn die Zuschauer sie nicht verstehen.

Wo wir grad von guten Texte reden: In Medusas Bar treffen nicht nur optisch sehr spannende Charaktere aufeinander, sie sprühen auch nur so vor Wortwitz. Allen voran Phil, der immer wieder für Lacher sorgt. Kristofer Weinstein-Storey hat eine der dankbarsten Rollen in diesem Stück übernommen und führt nicht nur Hercules auf den richtigen weg, sondern holt auch die Zuschauer immer wieder gekonnt ab.

Ein tolles Gesamtpaket liefert auch Detlef Leistenschneider als Hades ab. Er ist sarkastisch, rachsüchtig und zwischendurch auch mal beleidigt und wehleidig. Auf eine Linie lässt sich dieser Gott der Unterwelt jedoch nicht festlegen, was manchmal zwar für mehr Klarheit sorgen würde, aber diesen CHarakter nur umso spannender macht.

Wenn die Musen Hercules‘ Werbeversuchen um Meg beiwohnen, ist das Thema „pretty in pink“ von den Rosen in den Amphoren über die einmal mehr beeindruckend abwechslungsreichen Kleider bis hin zu den Perücken perfekt durchgezogen. Auch Hades ‚ Kostüm als er auf die Erde zurückkehrt, ist sehr gelungen, wird aber durch die Musen in der Kampfkleidung römischscher Gladiatoren direkt wieder in den Schatten gestellt.

Beim finalen Kampf von Hades und Hercules, erinnert einen Hades zunächst verdächtig stark an den Wizard aus „Wicked“, doch der Kampf an sich ist sehr gut gestaged und dass Hera, also die Mama, Hades‘ Schwachstelle ist, geht absolut in Ordnung.

Die PHIL-Methode wirkt (Power-Herz-Intelligenz-Liebe) und am Schluss rettet Hercules nicht nur Meg, sondern damit auch die Erde und sorgt so dafür, dass auch die Götter im Olymp ungestört weiterleben können.

„Hercules“ ist deutlich sichtbar als Tourproduktion angelegt, was nicht Schlimmes sein muss. Einige Kostüme und Kulissen sehen eher kostenoptmiert aus, andere sind sehr zweckdienlich, aber funktionierten super (wie bspw. die Hintergrundprojektion bei Hercules‘ Reise). Ob diesem Stück eine erfolgreiche Tourkarriere beschieden sein wird, würde ich bezweifeln wollen. Denn um an Disney-Erfolge wie „Der König der Löwen“ oder „Tarzan“ anzuknüpfen, fehlt hier in allen Bereichen zu viel.

Michaela Flint

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Erst 15 Jahre später sollte es eine englischsprachige Fassung geben. Für die Premiere im La Jolla Playhouse in San Diego im Herbst 2014 wurde James Lapines Buch von Peter Parnell dahingehend überarbeitet, dass weniger das Süßliche im Mittelpunkt steht, für das Disney so beliebt ist, sondern die einzelnen Charaktere deutlich mehr Tiefgang bekommen.

Auch Alan Menken und Stephen Schwartz haben die Songs überarbeitet bzw. ergänzt und durch den Einsatz eines großes (Kirchen-)Chores der ganzen Show ein noch beeindruckenderes Klangbild gegeben.

Diese neue, „erwachsene“ Ausrichtung wird schon in der ersten Szene spürbar: Frollo ist ein verbitterter, fast schon bösartiger Kirchenfürst. Doch ein Rückblick in seine Vergangenheit zeigt, dass er sich seit Jugendtagen schuldig fühlt, seinen Bruder, der mit einer Zigeunerin durchbrennen wollte, im Stich gelassen  zu haben.

Quasimodo ist demzufolge auch kein Findelkind, sondern der Sohn seines Bruders und damit Frollos eigen Fleisch und Blut. Frollo (gespielt von einem herausragenden Felix Martin) versucht, sich der „Missgeburt“ zu entledigen, bringt es aber nicht über sich und verschreibt sich fortan der Kirche .

Zum „Narrenfest“ wird es nicht nur bunt auf der Bühne, auch die Integration von verschiedenen Religionsspezifischen  Klanginstrumenten ist sehr gelungen. Überhaupt wird hier viel mit mehr oder weniger subtilen Hinweisen gespielt, die – wenn man sie wahrnehmen möchte – durchaus Spaß machen. König Louis XI , der mit der durch Andrea Merkel bekannt gewordenen Handhaltung des stabilen Dreiecks über die Bühne streitet, ist nur ein Beispiel hierfür.

In Parnells Vorstellung lebt Quasimodo in seiner Welt über den Dächern Paris’ nicht mit einigen wenigen Wasserspeiern zusammen, sondern mit fast zwei Dutzend, die ihm alle gehörig die Meinung sagen, ihm aber auch nahezu bedingungslos zur Seite stehen. Einzig als der frustrierte und verletzte Quasimodo seine steinernen Freunde anzweifelt und beleidigt („Nur aus Stein“), ziehen sie sich (vorübergehend) von ihm zurück.

Jede der Glocken, die in Alexander Dodges Bühnenbild anmutig und gewaltig zugleich erscheinen, hat einen Namen, den Quasimodo ehrfurchtsvoll und voller Liebe ausspricht. „Draußen“ hat einen wunderschönen, kindlichen Charme und ist voller Neugier. David Jakobs gelingt es, den entstellten Glöckner stimmlich sehr verletzlich zu intonieren. Seine Jugend hilft ihm dabei, binnen Sekunden zu einem großen Sympathieträger zu werden.

Das Kostümdesign von Alejo Vietti besticht durch viele Details und eine weniger „schreiende“ Farbenpracht. Es wirkt alles etwas dezenter und natürlicher als man es sonst von Disney-Musicals gewöhnt ist. Kostümwechsel finden vor den Augen der Zuschauer statt, in dem kleine Einzelteile ausgetauscht werden, die das Gesamtbild komplett verändern.

Dies gilt auch für die alle Männer bezirzende Esmeralda (Mercedesz Csampai). Ihr Slow-Motion-Tücher-Tanz ist sehr lasziv gedacht, doch Csampai wirkt zu sehr wie eine Latina und ihr Hüftschwung ist mit dem einer versierten Bauchtänzerin nicht zu vergleichen. Dies mag aber durchaus Absicht von Chase Brock (Choreographie) gewesen sein, denn auch viele Ensemble-Tanznummern haben einen eindeutig spanischen Einschlag, der aber leider von den Tänzern tendenziell wenig akkurat umgesetzt wird.

Die drei Männer – Frollo, Hauptmann Phoebus  und Quasimodo – wickelt Esmeralda spielend um den Finger. Ihre Zuneigung zu Quasimodo ist echt, sie verbringt Zeit mit ihm im Glockenturm von Notre Dame, lässt sich von ihm Gebärdensprache (toller Clou, denn laut Hugo’s Vorlage hat Quasimodo durch den Lärm der Glocken sein Gehör verloren) beibringen und fühlt sich sichtlich geborgen.

Ihre Stärke zeigt sich insbesondere dann, wenn sie sich frech gegen Frollo stellt.

Dieser sieht in ihr zunehmend eine Bedrohung – nicht nur für seine selbst auferlegte Keuschheit. Die erblühende Leidenschaft zwischen Esmeralda und Phoebus ist ihm ebenso ein Dorn im Auge wie die Zuneigung, die Esmeralda ganz offensichtlich für Quasimodo hegt. „Feuer der Hölle“ ist folgerichtig sehr intensiv, denn Felix Martin wird vom Chor großartig unterstützt – Gänsehaut pur!

Hauptmann Phoebus (Maximilian Mann) ist nicht bloß der tumbe Schönling, den man aus dem Disney-Trickfilm kennt, sondern hat durchaus Charakterstärke, die sich insbesondere in seinem Widerstand gegen Frollo zeigt. Den Kampf zwischen Frollo und Phoebus am Ende des ersten Akts beenden die Zigeuner mit einem (viele Zuschauer erschreckenden) Knalleffekt. Damit retten sie jedoch beiden Kontrahenten das Leben.

Doch das Drama geht weiter: Quasimodo muss mit ansehen, wie sich Esmeralda und Phoebus lieben, und Frollo verspricht Esmeralda Phoebus das Leben zu schenken, wenn sie ihm zu Willen ist. Sie willigt nur scheinbar ein, doch nachdem Phoebus bei Quasimodo in Sicherheit ist, wendet sie sich von Frollo ab und landet daher auf dem Scheiterhaufen. Dort spuckt sie Frollo ins Gesicht und sieht ihrem Ende entgegen. Doch Quasimodo rettet sie, während sich Clopin  um Phoebus Sicherheit kümmert.

Leider hält das vermeintliche Glück nicht lange: Esmeralda stirbt kurz nach ihrer Rettung, woraufhin sich Quasimodos geballte Wut entlädt und er den Verursacher allen Leids, Frollo, vom Kirchturm wirft.

Parnells Buch ist deutlich dichter dran an Victor Hugo’s düsterer Vorlage und lässt den „Disney-Filter“ weitgehend weg. Nicht unbedingt das Richtige für kleinere Kinder, aber ab 12 Jahren kann man die Handlung sicherlich verarbeiten. In Kombination mit symphonischen Showstoppern wie „Herz aus Stein“, „Hilf den Verstoß’nen“ und natürlich dem Ohrwurm „Einmal“ – der in der neuen Inszenierung sehr ruhig und melancholisch ist – wird der „Glöckner von Notre Dame“ richtig erwachsen.

Der Star der Show ist neben Quasimodo der 24-köpfige Chor, der mal a capella, mal als Verstärkung des Ensembles richtig Druck macht und für zahlreiche Gänsehautschauer sorgt. Die Zigeuner hingegen bleiben trotz schwungvoller Songs („Drunter Drüber“) blass, gleiches gilt für ihren „König“ Clopin (Gavin Turnbull), der zwar mit viel Wortwitz agiert, aber so richtig präsent ist er nicht.

Dafür haben die Wasserspeier – wie bereits erwähnt – deutlich an Bedeutung hinzugewonnen. „Ein Mann wie du“, Wie aus Stein“ und das finale „Einmal“ bestechen durch Witz, Freundschaft und Tiefgang. Insbesondere die letzte Szene, in der zunächst alle mit Masken und entstellt auf die Bühne kommen, was am Ende durch Quasimodo aufgelöst wird, indem er sich selbst von Buckel und Maske befreit, bleibt lange im Gedächtnis haften.

Die neue Tourfassung von „Der Glöckner von Notre Dame“ ist sehens- und hörenswert. Das Bühnenbild wirkt durch seine Holzkonstruktion spartanisch und warm zugleich. Das Orchester (in Stuttgart unter der bewährten Leitung von Bernhard Volk) verleiht Menkens Kompositionen genau das richtige Volumen und bringt sowohl die leisen Töne als auch die symphonischen Passagen absolut souverän zu Gehör.

Die aktuelle Besetzung ist durch die Bank gut, allen voran David Jakobs, der den verspielten, naiven und liebenswert ehrlichen Quasimodo sowohl spielerisch als auch gesanglich von der ersten bis zur letzten Minute sehr glaubwürdig durch die Achterbahn der Gefühle steuert. Felix Martin gelingt der Spagat zwischen Frollos durch eigene Fehler und dem klerikalen Machtmenschen bedingte Verbitterung hervorragend. Es ist spannend zu sehen, wie Martin hinter dieser streitbaren und umstrittenen Figur verschwindet. So kennt man ihn ganz sicher nicht. Und Mercedesz Csampai legt Esmeralda weniger oberflächlich an als man es sonst gewohnt ist. Manchmal ist sie jedoch zu ernst und zu erwachsen, da wäre etwas mehr Leichtigkeit schöner gewesen.

Doch auch in Scott Schwartz’s Inszenierung sind es die Wasserspeier, die das gesellschaftliche Gewissen repräsentieren. Hier findet sich jeder in der ein oder anderen Ansicht oder Haltung wieder. Großartig!

Michaela Flint

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Doch die Zuschauer, die an diesem Abend vor Ort waren, wurden vom energiegeladenen Ensemble hervorragend unterhalten. Zugegeben, viele Witze sind immer noch arg flach und die auf Krampf konstruierten Szenen des nicht ganz hellen Gangstergefolges von Curtis sind nach wie vor sinnfrei (siehe Premierenkritik aus Hamburg), doch Alan Menkens schwungvolle Musik und die in ihren Rollen aufgehenden Protagonisten entschädigten dafür.

Aisata Blackman überzeugt als Deloris van Cartier nach Berlin und München auch in Niedernhausen. Einige mögen sich vielleicht noch daran erinnern, dass sie schon 2012 bei „The Voice of Germany“ Jury und Publikum gleichermaßen begeisterte. Danach ging es für die Holländerin mit einer Zwischenstation bei „Rocky“ direkt ins Kloster.

Blackman hat Soul und Sexappeal. Beides setzt sie gekonnt ein, wenn auch leider nur sehr dosiert. Gerade in Sachen Soul hätte man sich mehr von ihr gewünscht. Nur in einer Szene (bei der ersten gemeinsamen Probe mit dem Nonnenchor) zeigt sie den vollen Umfang ihrer Stimme. Ansonsten überwiegen leider Kurzatmigkeit („Fabelhaft, Baby“) und einige (zu viele) Kiekser.

Insbesondere die frechen Sprüche und Auseinandersetzungen mit der Mutter Oberin machen hingegen viel Spaß und man nimmt Blackman die große Klappe unumwunden ab.

Karim Ben Mansur – ebenfalls schon in Berlin dabei – unterstützt Deloris als Polizist Eddie in jeder erdenklichen Lage. Dass da auch tiefere Gefühle eine Rolle spielen, merkt das Publikum spätestens bei seinem Solo „Tief in mir“. Er hat einen schönen warmen Bariton und kann damit seinem Frust über den albernen Spitznamen „Schwitzefritze“ genauso gut Ausdruck verleihen wie seiner Liebe zu Deloris. Sein sympathisches Auftreten macht ihn zu einer der authentischsten Figuren an diesem Abend. Ben Mansur liefert an diesem Abend die überzeugendste Leistung ab!

Als Mutter Oberin und der eher putzige Monsignore O’Hara stehen Agnes Hilpert und Franz-Jürgen Zigelski dem Kloster vor. Auch sie waren schon in Berlin dabei und nach einem halben Jahr haben sich die Rollen gut gefestigt. Zigelski agiert als Monsignore geradezu niedlich und leicht schusselig, aber er hat das Herz am rechten Fleck und „rockt“ mit seinen Nonnen zu „Zeig mir den Himmel“. Hilpert hat eine sehr erhabene Ausstrahlung und sorgt mit ihrem Mezzosopran mehrfach für Gänsehautmomente. Doch leider hat auch sie ihre Stimme an diesem Abend nicht gänzlich im Griff, denn in den Höhen entgleiten ihr die Töne mehrfach. Nichtsdestoweniger versteht man, weshalb sie für diese Rolle gecastet wurde: Ihre Bühnenpräsenz verfehlt ihre Wirkung nicht und ihren Glaubenskampf („Mir bleibt wohl keine Wahl“) bringt sie sehr ergreifend über die Rampe.

Die größte „Sister Act“-Erfahrung bringen Mischa Mang und Abla Alaoui als Curtis Shanks und Mary Robert mit. Beide standen in ihren Rollen schon 2013 in Oberhausen mit auf der Bühne. Während Mang sichtbar Spaß daran hat, den skrupellosen Bösewicht zu spielen, gibt Alaoui eine nicht ganz so süßliche Schwesternschülerin, deren Charme sich aber keiner entziehen kann. Wenn sie in Deloris „FiMi“-Stiefeln über die Bühne flitzt, ist das schon sehr lustig.

Naturgemäß kommen auch Schwester Mary Lazarus (die eigentlich gar nicht so verdrießliche Schreckschraube) und Schwester Mary Patrick (das selbstbewusste, laut singende, ständig lachende Energiebündel) beim Publikum sehr gut an. Stefanie Irmen (Mary Patrick) und Regina Venus (Mary Lazarus) spielen ihre Rollen hervorragend. Sie meistern die Gratwanderung zur Lächerlichkeit bzw. zum Nervtötendsein sehr gut und sorgen für viele Lacher (das Weihnachtsmahl wird von Schwester Mary Lafer und Schwester Mary zubereitet) und Szenenapplaus.

Den meisten Applaus bekommen jedoch die Gangster TJ (Arcangelo Vigneri), Joey (Benjamin Ebeling) und Pablo (Alessandro Pierotti). Sie dreschen die schlimmsten Phrasen, singen und tanzen nicht sonderlich gut („Ich kenn die Braut“, „Hey, Schwester“) und doch sympathisiert das Publikum irgendwie mit ihnen. Vigneri alias TJ ist gerade zu Anfang eine echt „coole Sau“, auch seine BeeGees-Einlage im zweiten Akt ist hörenswert. Ebelings Tanz-/Aerobic-Einlage im zweiten Akt führt ebenfalls zu Begeisterungsstürmen bei den Zuschauern…

Die Nonnen gewinnen das Publikum mit ihren großartigen Gesangseinlagen für sich. Weniger natürlich am Anfang, als der Chor noch herausragend schief singt, doch nachdem sich Deloris alias Schwester Mary Clarence seiner annimmt, sind die in immer farbenfroheren Kutten gekleideten Nonnen kaum mehr zu bändigen.

Genau diese Energie und positive Ausstrahlung sind es, die „Sister Act“ sehenswert machen. Hinzu kommen einige sehr lustige Sprüche und liebenswerte Charaktere, die zumindest in Niedernhausen sehr gut mit Leben gefüllt wurden. Der Entertainment-Faktor ist hoch und mit all dem Glitzer und Leuchten während der Nonnenauftritte in der sich zusehends verändernden Klosterkirche wird auch für das Auge etwas geboten. Und wenn Musical nicht Unterhaltung in Reinkultur ist, was dann?

Michaela Flint

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Regisseur Bill Condon (u. a. „Dreamgirls“, „Twilight“-Trilogie) hat für seine Idee eine illustre Schar an Schauspielern um sich versammelt, um – wie er selbst sagt – das Genre Musical wieder neu zu beleben: „Ich möchte, dass sich das Publikum in dieses Genre verliebt, es soll verstehen, dass Musik und Film und Musical-Einlagen in Filmen nicht ablenken, nicht unterbrechen, sondern die Handlung vertiefen [und ihr] Bedeutung verleihen.“ Condon hatte eine genaue Vorstellung, wie der Erzählteil und die Musik zueinander stehen sollten.

Zudem grenzt er sich mit seinem neuesten Werk ganz bewusst von den Filmen ab, in denen versucht wurde, bekannte Geschichten neu zu erfinden oder aus dem Blickwinkel anderer Figuren zu erzählen. Condon ging es darum, den vertrauten Figuren mehr Tiefe und Größe zu geben und die Geschichte so realer zu machen.

Emma Watson („Hermine“ in den „Harry Potter“-Filmen) stand als Belle direkt fest. Die Belle in der Realverfilmung ist keine zerbrechliche Prinzessin, sondern eine selbstbewusste Heldin. Belle ist belesen und Condon erkannte genau dies in Emma Watsons Intelligenz, Welterfahrenheit und Kultiviertsein wieder. Die herausfordernde Aufgabe, dem Biest „Leben einzuhauchen“, fiel Dan Stevens zu, der sich insbesondere im britischen Fernsehen („Downtown Abbey“) und auf britischen Theaterbühnen einen Namen gemacht hat. Gemeinsam mit Condon und Watson erarbeitete er Wege, die „menschlichen Momente zu finden, die [das Biest] weniger animalisch, sondern mehr zu einem in dieser Kreatur gefangenen [Menschen] machten.“

Gaston und sein Diener LeFou werden von Luke Evans (in jüngeren Jahren als Musicaldarsteller u. a. in „Taboo“, „Rent“, „Miss Saigon“ und „Avenue Q“ zu sehen, heutzutage eher als Filmschauspieler („The Hobbit“, „Fast & Furious“) bekannt) und dem US-amerikanischen Comedian Josh Gad (spricht im Original den Olaf in „Frozen“) gespielt. Als Belles Vater, Uhrmacher Maurice, ist Kevin Kline zu erleben.

Die verwunschenen Gegenstände werden großteils von namhaften Schauspielern zum Leben erweckt (auch wenn diese erst ganz am Schluss wirklich zu erkennen sind): Ewan McGregor (u. a. „Moulin Rouge“) als Lumière, Ian McKellen („Harry Potter“, „X-Men“) in seiner ersten Musicalrolle als Cogsworth (in der deutschen Fassung: Herr von Unruh), Emma Thompson („Sinn und Sinnlichkeit“, „Eine zauberhafte Nanny“) als mütterliche Madame Potts (auch Madame Pottine genannt), Audra McDonald („Ragtime“, „Porgy and Bess“, „Private Practice“ (TV-Serie)) und Stanley Tucci („Burlesque“, „Tribute von Panem“) als die neu hinzugefügte Operndiva Madame de Garderobe und ihr Dirigent „Maestro Cadenza“ sowie Gugu Mbatha-Raw („Miss Sloane“) als Staubwedel Plumette (sonst auch Babette genannt).

Das ist – mit Ausnahme von Audra McDonald – nicht gerade die erste Garde an erfahrenen Musiktheater-Darstellern, die man sich vielleicht für einen so gesangslastigen Film gewünscht hätte. Doch im Großen und Ganzen geht Condons Idee auf und die Charaktere gewinnen durch ihre sehr ausgeklügelte Besetzung stark hinzu.

Um hier auf Nummer Sicher zu gehen, hat das Team die Songs und auch die Dialoge, die in Lieder übergehen, vorab aufgenommen und beim eigentlichen Dreh dann die entsprechenden Playbacks abgespielt. Davon merkt man aber natürlich im fertigen Film nichts mehr.

Inhaltlich wurde an einigen Stellen geschraubt. So bekommt das Publikum zu Beginn einen Eindruck davon, wie unsympathisch und herablassend der Prinz sich gegenüber seinen Mitmenschen verhält, als er eine alte, um Obdach bittende Frau an der Türschwelle abweist, weil sie ihm nur eine Rose als Gegenleistung anbieten kann. Diese alte Frau entpuppt sich aber als Zauberin, die den Prinz und seinen Hofstaat mit einem Fluch belegt, der nur durch die wahre Liebe aufgehoben werden kann.

Schon beim Aussprechen des Fluches und der Verwandlung des Prinzen in das Biest zeigt sich die Magie dieser Realverfilmung: Jedem ist klar, dass es sich um hohe Kunst der Animationstechnik handelt, die man hier sieht, und es sollten noch weitere solcher magischer Momente folgen.

Belles erster Song, in dem sie das Dorf besingt, in dem sie sich (nicht nur intellektuell) gefangen fühlt, offenbart Emma Watsons warme, gefühlvolle Stimme, mit der sie im Gegensatz zur Zeichentrick- und Bühnenfassung nicht das Zerbrechliche betont, sondern allein schon durch ihre tiefere Stimmlage eine gewisse Robustheit an den Tag legt. Beeindruckend sind auch die über 150 Statisten, mehr als 100 Tiere und 28 Wagen, die in dieser Szene („Belle“) zu sehen sind. Der komplette Marktplatz mit seinen anliegenden Gebäuden wurde eigens in den Shepperton Studios außerhalb Londons in liebevoller Kleinarbeit aufgebaut. Diese Detailbesessenheit macht die Szene umso wirkungsvoller.

Das folgende Solo von Maurice („How does a moment last forever“ / „Ein Augenblick ist manchmal zeitlos“) gehört zu den drei neuen Songs, die Alan Menken eigens für den Film geschrieben hat. Kevin Kline ist nicht der beste Sänger, aber er legt so viel Zärtlichkeit in diese fast schon romantische Liebeserklärung an seine bis ins Feinste ausgearbeiteten Spieluhren, dass man ihm dies gern nachsieht.

Während sich Maurice auf den Weg in die Stadt macht, „erfindet“ Belle mit Hilfe eines Fasses, eines Esels und des Dorfbrunnens eine höchst effektive Waschtrommel. Dabei nutzt sie die Zeit, um einem kleinen Mädchen das Lesen beizubringen. Leider zieht sie damit Neid und Missgunst der Dorfbewohner auf sich, die sie nur umso seltsamer finden. Gaston nutzt die Gelegenheit und versucht einmal mehr, Belle von seinen Vorzügen zu überzeugen. Luke Evans ist ganz klar einer der überzeugendsten Sänger in diesem Film. Sein „Gaston“ ist zudem nicht nur gut gesungen, sondern auch exzellent gespielt. Den selbstverliebten, eitlen Gockel mit Impulsivitätsproblem gibt der Waliser herausragend.

Unterwegs verirrt sich Maurice im Wald und landet beim verwunschenen Schloss des Biests. Zunächst freut er sich, dass er sich dort aufwärmen kann und auch etwas zu essen findet. Doch als ihn die kleine Tasse Chip (in der deutschen Fassung Tassilo) plötzlich anspricht, nimmt Maurice Reißaus. Im Garten läuft er an einem Rosenbusch vorbei, von dem er eine Rose abbricht, die er seiner geliebten Tochter Belle versprochen hat. Doch das Biest kann diesen „Diebstahl“ nicht hinnehmen und sperrt Maurice ein. Dessen Pferd Philippe galoppiert wie vom Teufel besessen ins Dorf zurück.

Schon in diesen ersten Szenen im Schloss erkennt man, wie viel Liebe zu Einzelheiten der Regisseur und seine über 40 Animationstechniker in die Gestaltung jeder einzelnen Figur und jedes Raumes gesteckt haben. Insbesondere auf Lumière wurde hier ein besonderes Gewicht gelegt: Der Kerzenleuchter sollte soviel von Ewan McGregors Persönlichkeit bekommen wie möglich. Dazu wurde McGregor mit der „Performance-Capture-Technologie“ gefilmt, um einzufangen, wie er sich die Tanzbewegungen und Gestiken von Lumière vorstellt. In der Postproduktion wurden diese Bewegungen mit dem digital erschaffenen Kerzenleuchter in Einklang gebracht.

Belle reitet mit dem Pferd ihres Vaters ins Schloss und sucht dort mutig nach ihrem Vater. Sie bittet das Biest, ihren Vater frei zu lassen und sie stattdessen einzusperren. Mit einer List erreicht sie ihr Ziel und ihr Vater kehrt ins Dorf zurück. Lumière und Cogsworth (ebenfalls von überbordender Detailtiefe) befreien Belle und bringen sie in ein im reichhaltigen Rokoko-Stil eingerichtetes Zimmer.

Nach und nach lernen die Kinobesucher auch die anderen Gegenstände kennen: den Staubwedel Plumette, der als wunderschöner, eleganter weißer Pfau durchs Schloss fliegt, Madame Potts und ihren Sohn Chip, die ihr Dasein als Teekanne und Teetasse mit viel britischem Humor und Cockney-Charme versüßen, Madame de Garderobe, die herrlich divenhaft agiert und aus ihren Schubladen die wundersamsten Kleiderkreationen für Belle hervorzaubert.

Die Gegenstände überreden das Biest, nett zu Belle zu sein, denn die Rose, die ihr Schicksal besiegelt, verliert immer mehr Blätter. Doch nachdem Belle dem Biest eine Abfuhr erteilt, ist es mit seiner Freundlichkeit dahin.

Die verzauberten Bediensteten überzeugen Belle davon, ihr Zimmer zu verlassen und etwas zu essen. Es folgt „Be our guest“ / „Sei hier Gast“ ist auf der Bühne eine der eindrucksvollsten Szenen und auch hier im Film kommt man aus dem Staunen nicht heraus. Zum einen singt Ewan McGregor diesen Song wirklich sehr schön und der Charakter Lumière wird zu einem formvollendeten Gastgeber, zum anderen ist die Szene so phantasievoll umgesetzt, dass man von wahrer Animations-Magie sprechen kann. Das, was man kennt – die im Halbrund fliegenden Teller, die sich im Kreis drehenden Tassen, Federfächer à la „Razzle Dazzle“ – fehlt nicht und wird perfekt in Szene gesetzt. Der Blackout danach und der abrupte Szenenwechsel zu Belle, die den ausdrücklich verbotenen Westflügel betritt, ist allerdings eher störend.

Dem Biest gefällt das gar nicht und er macht der neugierigen Belle unmissverständlich klar, dass er ihren Ungehorsam nicht duldet. Belle flüchtet in den Wald, wo sie von Wölfen angegriffen wird. Das Biest rettet sie – nicht ohne selbst dabei schwer verwundet zu werden. Belle zögert kurz, bringt das verletzte Biest aber dann zurück ins Schloss und pflegt es gesund. Diese Szene markiert den Wendepunkt in der Geschichte.

War das Biest vorher schlecht gelaunt, wortkarg und hatte einen miesepetrigen Gesichtsausdruck, beginnt es nun zu lächeln, führt die Leseratte Belle in seine beeindruckende Bibliothek und erlaubt sich sogar kleine Späße. Man spürt, dass sich die Beziehung der beiden ändert. Mehr als das, man sieht es auch: War das Biest bisher in düstere Farbtöne gekleidet und trug einen in Fetzen an ihm herunterhängenden Mantel, trägt es nach seiner Genesung die bekannten Blautöne und einen aufwendig bestickten blauen Gehrock.

Die zunehmende Sympathie gipfelt in dem weltbekannten Tanz von Belle und dem Biest („Beauty and the Beast“ / „Die Schöne und das Biest“). Zunächst gleiten die beiden durch einen großen barocken Ballsaal (der ebenfalls in den Londoner Studios nachgebaut wurde) – ganz ohne Extravaganz. Doch wer denkt, dass dieser Purismus der Szene sehr gut zu Gesicht steht, wird einmal mehr von Bill Condons Phantasie überrascht: Er lässt das Paar in einen farbenfrohen Sternenhimmel abheben, und die Instrumente an den Ornamenten der Kuppelgalerie begleiten die beiden mit vollem Einsatz.

An dieser Stelle kurz ein lobendes Wort zum Kostümdesign. Jacqueline Durran hat Kostüme ersonnen, die nicht nur perfekt zu den Charakteren und der Zeit passen, in der „Die Schöne und das Biest“ spielt, sondern sie hat auch ausschließlich ökologische und nachhaltige Stoffe dafür verwendet. Natürlich gibt es tausende Swarowski-Steine auf Belles gelbem, aus 55m Stoff genähtem, Ballkleid, doch einen umweltbewussten Umgang mit Ressourcen (der bis hin zu den verwendeten Farben und dem Holzschnitt-Druck geht) findet man im Film- und Theaterbereich heutzutage leider eher selten.

Über das Design dieses so wichtigen Kleides kann man streiten: Es sollte laut Designerin fließen und fliegen. Am wichtigsten war die Bewegungsfähigkeit von Emma Watson, weshalb auch auf Korsett und Reifrock verzichtet wurde. Jedoch sieht das Kleid durch seine symmetrischen Abstufungen und die offene Vorder- und Rückseite eher blockig aus. Man wollte keine grazile Prinzessin erschaffen, sondern eine aktive Heldin. Ob dies mit diesem Entwurf gelungen ist, mag jeder für sich entscheiden.

Während Belle und das Biest sich näherkommen, versucht Maurice die Leute im Dorf davon zu überzeugen, mit ihm das Schloss zu suchen und seine Tochter zu befreien. Selbstdarsteller Gaston wittert seine Chance, den Vater seiner Angebeteten für sich zu gewinnen und fährt mit Maurice und LeFou in den Wald. Doch Maurice findet den Weg nicht mehr. Gaston reißt der Geduldsfaden und als ihm Maurice auch noch nachdrücklich versichert, dass Gaston niemals sein Schwiegersohn werden wird, fesselt er ihn kurzerhand und lässt ihn im Wald zurück. Zum Glück findet die im Dorf als „wunderliche Jungfer“ verachtete Agathe Belles Vater und pflegt ihn in ihrem Waldhaus wieder gesund.

Maurices erneuter Versuch, die Dorfgemeinschaft um Hilfe zu bitten, scheitert als er von Gaston als Lügner dargestellt wird. Das gelingt dem aalglatten Kriegshelden aber nur, weil der pflichtschuldige LeFou seinem Herrn trotz sichtbarer Zweifel beipflichtet und nach dem Mund redet.

Parallel erfüllt das Biest Belle einen Herzenswunsch: Um endlich zu verstehen, was mit ihrer Mutter geschah, wünscht sie sich nach Paris in die elterliche Wohnung kurz nach ihrer Geburt. Belle muss erschüttert mit ansehen, wie ihr Vater sich und das Kind schweren Herzens in Sicherheit bringt, denn die Mutter hat die Pest. Belle ist tief getroffen und sie vermisst ihren Vater nun umso mehr. Das Biest lässt sie in den Spiegel schauen, wo Belle sehen muss, dass ihr Vater im Dorf eingesperrt wird. Das Biest fühlt, wie sehr Belle ihrem Vater helfen will und lässt sie frei.

Es folgt ein weiterer neuer Song: „Evermore“ / „Ich warte hier auf dich“ ersetzt den Bühnen-Showstopper „If I can’t love her“ / „Wie kann ich sie lieben“. Die Aussage des neuen Songs ist eine gänzlich andere: Das Biest ist nicht von Selbstzweifeln zerfressen, sondern voller Zuversicht, dass Belle irgendwann wieder an seiner Seite sei wird. Als Grund für diesen Austausch nennt Condon, dass der ursprüngliche Song als Finale des 1. Akts des Bühnenmusicals einen anderen Schwerpunkt setzen musste. Doch auch der neue Song endet dramatisch und voller Energie, insofern ist – abgesehen von der inhaltlichen Botschaft – keine wirkliche Sinnhaftigkeit im Austausch erkennbar.

Belle gerät im Dorf unterdessen in große Schwierigkeiten als sie dem aufgebrachten, ungläubigen Mob im Spiegel zeigt, dass es das Biest wirklich gibt, und ihr Vater mitnichten der Spinner ist, als der er hingestellt wird. Kurzerhand ergreift Gaston den Spiegel und Belle wird zu ihrem Vater gesperrt. Das gesamte Dorf ist auf den Beinen, um das Biest zu erledigen.

Während das Biest noch seiner einzigen Hoffnung auf eine Rückkehr zu einem normalen Leben nachtrauert, bekämpfen seine ehemaligen Dienstboten die Eindringlinge. Hierbei greifen sie zu allen möglichen Tricks und schlagen die Menschen in die Flucht. Diese Massenszene ist erneut mit viel Phantasie, Augenzwinkern und Tempo umgesetzt.

Gaston gelingt es, sich dem Biest unbemerkt zu nähern. Er schießt auf den traurigen Fellklotz. Doch plötzlich steht Belle hinter ihm, die sich mit ihrem Vater dank ihres Erfindergeists aus dem Gefängnis befreien konnte, und greift ihn an.

Es kommt zum entscheidenden Kampf! Das Biest gewinnt seine Kraft zurück als es bemerkt, dass Belle seinetwegen zurückgekehrt ist. Das Schloss löst sich langsam in seine Bestandteile auf, während die beiden Männer sich jagen. Gaston schießt immer wieder auf das Biest. Plötzlich stürzt er jedoch in den Tod und das Biest rettet sich durch einen gewagten Sprung in Belles Arme. Doch zu spät…

Noch bevor Belle ihm ihre Liebe gestehen kann, fällt das letzte Rosenblatt und das Biest stirbt.

Zum Glück ist Agathe, die sich als Zauberin entpuppt, Zeugin dieser Szene und leitet die Rückverwandlung ein. Plötzlich steht Belle vor einem Prinzen, und die beiden versinken in einem erlösenden Kuss. Die Sonne geht auf, Schnee und Eis schmelzen und das Schloss erstrahlt in warmen Rot- und Gelbtönen. Auch alle Gegenstände erlangen nach und nach ihre menschliche Gestalt zurück.

Beim abschließenden Ball kann man seine Augen kaum von den prachtvollen Kleidern und dem üppig dekorierten Saal wenden. Ein weiterer Beweis, dass in dieser Real-Verfilmung auf jedes noch so kleine Detail geachtet wurde.

Doch es gibt auch einige wenige Kritikpunkte. Beispielsweise, dass Belle offenbar vor ihrem überstürzten Aufbruch zur Rettung ihres Vaters noch ein zweites Kleid sowie ein zweites Paar Schuhe eingepackt hat. Denn wie sonst wären die wechselnden Outfits während ihres Schlossaufenthalt zu erklären?

Auch, dass Emma Thompson den durch Angela Lansbury weltbekannten Titel-Song auch nicht nur ansatzweise gut singt, ist sehr bedauerlich. Der Song ist gefühlvoll und sanft, doch so recht will der harte Cockney-Akzent, den Thompson als Madame Potts hat, nicht dazu passen. So wundervoll es ist, ihrer Sprechstimme zu lauschen und die Oscar-Gewinnerin spielen zu sehen, singen ist nicht ihre Stärke.

Kurz vor der Veröffentlichung des Films wurde in Medien kolportiert, dass Condon den ersten „ausschließlich schwulen Moment“ in einem Disney-Film angekündigt hat. Natürlich ist das eine große Sache für den amerikanischen Zeichentrick-Riesen. Doch ehrlich gesagt fällt dieser Moment, der sich zwischen Gaston und LeFou ereignen soll, kaum auf. Natürlich wird LeFou von Josh Gad sehr soft und leicht tuntig gespielt. Und ja, er himmelt seinen Herrn und Meister sehr an. Doch einen schwulen Moment zwischen diesen beiden kann man nicht ausmachen. Auch dass LeFou beim finalen Ball im Schloss plötzlich mit einem anderen Mann tanzt, lockt heutzutage niemanden mehr hinter dem Ofen hervor. Interessantes Detail am Rande: Luke Evans, der den Macho Gaston spielt, steht schon seit jeher zu seiner Homosexualität.

Spannend wird natürlich die deutsche Fassung (bei der Pressevorstellung wurde die englische Version gezeigt) sein. Disney hat sich entschieden, für jeden Schauspieler einen Synchronsprecher für die Dialoge zu engagieren, sowie die Songs gesondert von Profis einsingen zu lassen. Zu letzteren zählen Sascha Rothermund als Biest, Julia Scheeser als Belle und Tommy Amper als Lumière. Der Soundtrack erscheint am 10. März 2017, eine Woche vor dem offiziellen Filmstart, von daher kann sich das Publikum hier schon vorab ein Bild machen.

„Die Schöne und das Biest“ ist eine Real-Verfilmung, in der fast nichts real ist. Es gibt weder das Schloss noch das Dorf wirklich. Alles wurde in den Studios und im Computer nachgebaut. Und doch ist alles bezaubernd greifbar. Die Charaktere sind – natürlich mit Ausnahme von Gaston – allesamt liebenswert und haben niedliche Macken. Die Neckereien zwischen Lumière und Cogsworth sind genauso süß wie Chips vorlaute Kommentare. Madame Potts ist eine äußerst liebenswerte Teekanne und Plumette ist gleichzeitig zart und schwungvoll. Doch, diese Figuren haben viel an Tiefe hinzugewonnen.

Auch die neue, selbstbewusste Belle gefällt sehr. Ob man allerdings soweit gehen muss, diesem Disney-Märchen die Aufgabe aufzupfropfen, dass es in ihm explizit darum geht, Frauen Freiräume zu erschaffen, möchte ich stark bezweifeln.

Das Biest ist eine komplett digitale Figur und doch hat man das Gefühl, dass man sein Fell berühren zu könnte. Die Zusammenarbeit von Dan Stevens mit den Experten für Performance- und Facial-Capture ist beeindruckend. Man kann sich vorstellen, wie schwierig es gewesen sein muss, viele Szenen auf Stelzen in einem grauen Ganzkörperanzug spielen zu müssen, ohne zu wissen, wie die Mimik nachher digital wirken würde. Was für ein Glück, dass die MOVA-Facial-Capture-Technik rechtzeitig für diesen Film ausgereift war.

Schöne Details wie die prunkvollen Rokoko-Elemente im Ostflügel des Schlosses, die nach einer portugiesischen Vorlage gebauten Bibliothek, für die eigens tausende Buchattrappen erstellt wurden, sowie das düstere italienische Barock im Westflügel runden diese künstlerisch hochwertige Arbeit ab. Diese Designer sind garantiert Kandidaten für einen Oscar!

Es gibt in dieser Musical-Verfilmung wirklich viel zu entdecken. Auch wenn hier kaum etwas „real“ ist, wird die eingesetzte Animationstechnik der Magie der Zeichentrick- und Bühnenvorlage gleichermaßen gerecht.

Und so bleibt man beim Abspann gern noch eine Weile sitzen und lässt die Bilder auf sich wirken. Dazu bekommt man dann noch drei Spezialversionen von Songs aus dem Film auf die Ohren, die unbedingt hörenswert sind: „How Does A Moment Last Forever“ gesungen von Céline Dion (der dritte neue Song, der im Laufe des Film einige Reprisen erlebt), den Titelsong „Beauty and the Beast“ von Ariana Grande und John Legend, sowie „Evermore“, gefühlvoll interpretiert von Josh Groban.

Bill Condons „Die Schöne und das Biest“ öffnet dieses zauberhafte Musical-Märchen für eine neue Generation. Das gelang in den letzten Jahren nicht vielen Verfilmungen bekannter Musicals. Insofern scheint sicher zu sein, dass Disney mit seiner neuesten Produktion wieder einmal einen Volltreffer landen wird.

Michaela Flint

Regie: Bill Condon
Darsteller: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Kevin Kline, Josh Gad, Ewan McGregor, Ian McKellen, Audra McDonald, Stanley Tucci
Musik / Kostüme / Set Design: Alan Menken / Jacqueline Durran / Sarah Greenwood
Verleih / Fotos: Disney

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Theater: Theater Lüneburg
Premiere: Februar 2008
Darsteller: Sigrid Brandstetter, Kristian Lucas
Buch / Musik: Howard Ashman / Alan Menken
Fotos: Theater Lüneburg

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