Stephan Prattes hat mit seinem Bühnenbild eine kalte, düstere Umgebung geschaffen, in der nur Evita und diejenigen, die sie mit ihrer Präsenz ehrt, im Licht stehen.

Dass Evita nicht nur die Männer im Allgemeinen, sondern insbesondere mächtige Männer um den Finger wickelt, wird in der dem ersten Treffen von Perón und Evita vorgeschalteten Szene klar: Die Mächtigen Argentiniens sind eigentlich nur Schießbudenfiguren, die eine nach der anderen „umfallen“, bis nur noch Perón übrig bleibt.

Die Treppen- und Geländer-Konstruktion, welche die verschiedenen Spielebenen (Peróns Villa, Casa Rosada) ermöglicht, ist großartig, wenn auch eine etwas wackelige Angelegenheit, da sie regelmäßig schon bespielt wird, während die einzelnen Elemente noch „zusammengesetzt“ werden. Zum ersten Mal kommt diese Konstruktion in voller Größe bei „Ich wäre wirklich gut für Dich“ zum Einsatz. Das sich öffnende Schlafzimmer wirkt aufgrund der umgebenden Stahlkonstruktion trotz der großen Bühne sehr intim.

Wenn sich Evita in der nächsten Szene Peróns bisheriger Geliebter auf unzweifelhafte Art entledigt („Du nimmst den Koffer wieder in die Hand“), wird einmal mehr deutlich, dass die deutschen Texte aus Michael Kunzes Übersetzung von 1981 nicht mehr zeitgemäß sind und auch nicht immer zu Lloyd Webbers Kompositionen passen wollen. „Star Quality“ mit „Glitter und Glanz“ zu übersetzen, passt nicht ganz. Das bei der „Regenbogen-Tour“ nahezu alle Designernamen in der deutschen Übersetzung fehlen, nimmt dem Song einen Teil seiner Bedeutung, auch wenn er dadurch vielleicht leichter zu singen ist.

Auch bei „Wach auf, Argentinien“ harmonieren die deutschen Texte wegen ihrer anderen Betonung nicht wirklich mit der Melodie des Stücks.

Durchaus spannend ist hingegen die Choreographie (Vincent Paterson) in einigen Szenen. Während die Tanzeinlagen meistenteils eher unspektakulär sind und dem Ensemble das Latino-Feeling nahezu gänzlich abgeht, sticht die Interpretation von „Fort mit diesem Weib“, in der Peróns Mitstreiter aus ihrer Abneigung gegen die Verbindung von Perón mit der nicht schicklichen Schauspielerin keinen Hehl machen, deutlich hervor. Der Tanz von und mit den Stühlen verleiht der intensiven Szene noch mehr Nachdrücklichkeit.

Zu Beginn des zweiten Akts zeigt sich, wer in dieser Inszenierung mit die beste Arbeit abgeliefert hat: Prattes’ Integration des Zuschauerraums in das Bühnenbild und andersherum (Stahlgitter an den Balustraden der Ränge, Säulen wie im Zuschauersaal auf der Bühne) schafft eine spürbare Nähe zwischen Darstellern und Zuschauern.

Die berühmteste Szene („Wein nicht um mich Argentinien“) wird auf einer Brücke in der Bühnenmitte gespielt. Die im Hintergrund projizierte Frontansicht der Casa Rosada lenkt jedoch leider von den Protagonisten ab. Nichtsdestoweniger kann Katharine Mehrling hier mit ihrem rauen Charme punkten. Sie spielt die First Lady, die ihrem Mann bedingungslos den Rücken stärkt, sehr souverän. Dennoch wird mehr als deutlich, dass sie ihren Mann genauso bedingungslos im Griff hat.

In der zweiten Hälfte des Stücks nimmt man Mehrling die Evita eher ab als im ersten Akt. Die lebensfrohe, jugendliche Landschönheit gelingt ihr bei weitem nicht so glaubhaft wie die berechnende, wenig feminine First Lady, die alles – auch ihre Gesundheit – dem Erfolg ihres Mannes unterordnet.

Dies wird während der „Regenbogen-Tour“ (Evitas Reise wird optisch auf einer farbenfroh umrandeten Europakarte nachgezeichnet) umso deutlicher: Um jeden Preis möchte sie die Europäer für die Politik ihres Mannes gewinnen. Als die Engländer sie brüskieren (sie wurde in einem Landhaus anstatt im Buckingham Palace empfangen), zeigt sie deutlich, welch eine Diva in der kleinen Lady steckt.

Die insgesamt überzeugendste schauspielerische und gesangliche Leistung liefert Fabio Diso als Che ab: „Spendengelder fließen“ bringt er mit viel Energie und Sarkasmus über die Rampe. Auch im „Walzer für Eva und Che“ kann er überzeugen, selbst wenn die Szene insgesamt etwas träge inszeniert ist und man den kämpferischen Tanz mit wechselnder Führung der beiden Protagonisten vermisst. Dafür fällt das Lichtdesign (Andrew Voller) in dieser Szene sehr positiv auf.

Etwas über das Ziel hinaus schießt Regisseur Vincent Paterson mit dem Gebet „Santa Evita“, in dem er Eva als Madonna in einem Bilderrahmen hoch über den Köpfen der Betenden schweben lässt.

Das einzige Solo von Thomas Borchert als Juan Perón („Wie ein Diamant“) ist hingegen wieder höchst beklemmend inszeniert. Wenn er am Ende in die Mündungen der auf ihn gerichteten Waffen blickt, schluckt der ein oder andere Zuschauer kalt.

Evitas letzte Momente, in denen sie noch einmal ihr nur 33-jähriges Leben Revue passieren lässt, ist sicherlich eines der Highlights der neuen Wiener Produktion: Evita sitzt am Bühnenrand in einem Rollstuhl und wichtige Ereignisse spielen sich vor ihr auf der Drehbühne ab.

Mehrling wirkt zart und gebrechlich als sie sich für ihre letzte Ansprache hinstellt, gestützt von Perón. Auch wenn diese Verletzlichkeit in ihrer Stimme nicht zu hören ist, schauspielerisch meistert sie diese Sequenz hervorragend.

Das Kreativteam für diese Neuinszenierung ist international und sorgt für viel frischen Wind. Vincent Paterson zeigt eine unbarmherzige Evita, die weder mit anderen noch mit sich Nachsicht kennt. Sein Che ist bitterböse und über alle Maßen sarkastisch. Alle anderen, auch Juan Perón, geraten zu Randnotizen.

Obwohl er in Sachen Choreographie über eine beeindruckende Vita verfügt (er hat Tourneen für und mit Madonna und Michael Jackson choreographiert), kann er bei „Evita“ damit leider nicht überzeugen. Die meisten Choreographien sind nicht akzentuiert genug, um den Latino- und Popklängen gerecht zu werden. Zudem sind sie sehr Mainstream und wenig originell, mit Ausnahme der bereits erwähnten Stuhltanzszene.

Stephan Prattes liefert mit seiner optischen Version von „Evita“ ein Meisterstück ab. Sicherlich polarisiert diese Art des Bühnenbildes stark, doch für mich funktioniert dieses Zusammenspiel zwischen grobschlächtigen Materialien und der hell erstrahlenden Welt von Evita sehr gut. Robert Schwaighofers Kostüme, an denen es nichts zu beanstanden gibt, fügen sich hier perfekt ein. Langweilig? Nein, sicherlich nicht. Rollendeckend und zeitgemäß? Auf jeden Fall!

Koen Schoots kann mit seinem großen Orchester musikalisch aus dem Vollen schöpfen. Das Orchester im Ronacher wird immer gern so groß wie irgend möglich besetzt – und genau dies zahlt sich am Ende aus. Die Musicals in diesem Haus klingen immer phantastisch! Auch bei „Evita“ lassen es die Musiker an nichts vermissen.

Die Besetzung ist zumindest bei der Titelrolle sehr ungewöhnlich. Katharine Mehrling, sonst eher im Jazz und Chanson zuhause, klingt für eine Evita zu dunkel und ist vom Habitus her auch deutlich kantiger als ihre Rollenvorgängerinnen.

Dass Evita sich ihrer weiblichen Reize sehr bewusst war und diese treffsicher eingesetzt hat, nimmt man Mehrling nicht ab. Hingegen bringt sie Machthunger und Ehrgeiz der argentinischen First Lady absolut glaubwürdig rüber. Ihre Stärken liegen im Schauspiel und hier insbesondere im zweiten Akt, in dem sie den Aufstieg und Zerfall der zierlichen Diva sehr gut nachzeichnet.

Der Erzähler und erklärte Feind Evitas ist Che. Auch wenn sich ihre Wege in der Realität nie gekreuzt haben, bietet das Gegenspiel der erfolgreichen Schauspielerin und des aufmüpfigen Revolutionärs viel Raum für charakterstarke Interpretation. Fabio Diso ist sicherlich noch ein wenig jung, um die Erfahrung ausspielen zu können, über die Erstbesetzung Drew Sarich verfügt, doch er macht seine Sache sehr gut. Gesangliche Unsicherheiten macht er mit einem charmanten, energiegeladenen Spiel wieder wett und kann so ein sehr gutes Gesamtbild abliefern.

Die einzigen beiden Männer aus Evitas Leben, die Andrew Lloyd Webber in seinem Musical auftauchen lässt, sind der Sänger Magaldi und ihr späterer Ehemann Perón. Während Magaldi von Evita als Sprungbrett nach Buenos Aires genutzt wird, hat sie an der Seite Peróns ganz andere Pläne für Argentinien.

Vladimir Korneev spielt den glücklosen Sänger und kann mit seinen beiden Szenen zumindest gesanglich etwas glänzen. Thomas Borchert hat als Juan Perón noch weniger solistische Momente. Perón ist sicherlich eine der eher undankbareren Rollen im Musical: Eigentlich eine Hauptfigur, aber leider nur wenig ausgearbeitet und nur dazu dienend, den Weg einer Schauspielerin in die Politik aufzuzeigen. Borchert spielt rollendeckend mit wenig Profilschärfe. Er kann nur mit einem Song wirklich glänzen. Doch das Zusammenspiel mit Mehrling funktioniert und die beiden harmonieren als Paar sowohl gesanglich als auch schauspielerisch. Borchert zeigt deutlich, dass sich Perón seiner Position in dieser Ehe durchaus bewusst war. Mehr ist aus dieser Rolle nicht herauszuholen.

Ist es wirklich interessant, ein Musical 40 Jahre nach der Veröffentlichung seiner ersten Aufnahme und 38 Jahre nach dessen Uraufführung in London noch einmal auf eine große Bühne zu bringen? Ja, auf jeden Fall! Insbesondere dann, wenn wie in Wien die Inszenierung in vielen Bereichen frisch und ungewöhnlich ist.

Michaela Flint

Theater: Ronacher, Wien
Besuchte Vorstellung: 26. März 2016
Darsteller: Katharine Mehrling, Fabio Diso, Thomas Borchert
Regie / Bühne: Vincent Paterson / Stephan Prattes
Fotos: VBW / Deen van Meer

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40 Jahre nachdem Julie Andrews als liebevoll-strenges Kindermädchen Mary Poppins die Herzen der Kinobesucher eroberte, erlebte das gleichnamige Musical seine Weltpremiere in Bristol, UK. Weitere zehn Jahre später hob sich im Wiener Ronacher Theater der Premierenvorhang für die deutschsprachige Fassung. Aufgrund des großen Erfolgs wurde das Stück in der Spielzeit 2015/2016 in nahezu identischer Besetzung wieder aufgenommen.

„Mary Poppins“ ist ein weltbekanntes und beliebtes Familienmusical und so wundert es wenig, dass auch kurz vor Weihnachten eine große Anzahl Kinder im Theater dem Spektakel entgegenfieberte.

Schon die erste Großkulisse – das Haus von Familie Banks im Kirschbaumweg 17 – lässt staunen: Es ist fahrbar, die Front lässt sich aufklappen und gibt den Blick frei auf zwei bespielbare Etagen. Die Einrichtung ist mit viel Liebe zum Detail gestaltet und es macht Freude, hier alle Kleinigkeiten zu entdecken.

An diesem Abend steht Maria-Danaé Bansen als Kindermädchen auf der Bühne und es wird direkt deutlich, dass das Musical keine Kopie des Films ist: Mary Poppins ist deutlich strenger und reservierter als auf der Leinwand.

Die erste große Ensemblenummer ist schon sehr farbenfroh: „So ein wunderschöner Tag mit Mary“ wird links und rechts von überdimensionalen 3D-Blumen flankiert, die Kostüme strahlen in allen Regenbogenfarben, selbst Miss Larks Hund ist grün. Bühnen- und Kostümdesign (Rosalind Coombes, Matt Kinley und Christine Rowland) haben hier hervorragende, sehr harmonische Arbeit geleistet.

Matthew Bourne, der in der Londoner Originalproduktion für Regie und Choreographie verantwortlich zeichnete, hat in Wien würdige Vertreter gefunden: Sowohl Anthony Lyn (Regie) also auch Geoffrey Garratt (Choreographie) verstehen ihr Handwerk. Die Personenregie ist gelungen und die Charaktere sind durchweg spannend und mitreißend. Choreographisch gibt „Mary Poppins“ viel her, das Publikum wippt schon bei den ersten Noten von „Mit nem Teelöffel Zucker“ mit; die tanzenden Statuen sowie die flotte Queen Victoria sorgen für jede Menge guter Laune. Vom über die Dächer wirbelnden Kaminkehrergeschwader ganz zu schweigen.

Ein deutlicher inszenatorischer Unterschied zum Film lässt sich beispielsweise in der Szene „Mit nem Teelöffel Zucker“ feststellen: Anstatt des chaotischen Kinderzimmers wird zu diesem weltbekannten Stück die komplett zerlegte Küche auf magische Weise wieder in ihren Ursprungszustand versetzt.

Auch „Supercalifragilisticexpialigetisch“ findet auf der Bühne in einem gänzlich anderen Rahmen statt: Mary Poppins besucht mit den Kindern und Bert den Buchstaben- und Wörter-Shop von Mrs.  Corry, die im Film gar nicht auftaucht. Dort treffen sich die ungewöhnlich-sten Gestalten und es geht es sehr laut und bunt zu. Das Publikum ergeht sich nach dieser Szene in minutenlangem Applaus. Sie ist aber auch ein wahrhaftiges Bühnenfeuerwerk!

Bei „Mary Poppins“ geht aber auch düsterer zu. Ein Beispiel hierfür ist die Bank, in der Janes und Michaels Vater arbeitet. Das schwarz-weiße Bühnenbild ist großartig und die Mimik der Angestellten herrlich überzogen. Auch die Vogelfrau bringt ihre Bitte nach Futter vor einem eher dunklen Hintergrund vor.  Hierbei wird sie von Mary Poppins unterstützt und die Kinder, insbesondere Jane, verstehen die Botschaft sofort.

Etwas gruselig und für kleine Kinder möglicherweise beängstigend sind die lebendig werdenden Spielsachen der Kinder („Spielt Euer Spiel“). Sie sind sehr phantasievoll gestaltet und keins sieht aus wie das andere. Doch es kann einen schon einschüchtern, wenn die von Jane nicht sonderlich liebevoll behandelte Stoffpuppe Valentin dem Puppenhaus in voller Lebensgröße entsteigt.

Dass Mary Poppins die Kinder verlässt und Miss Andrew, Papa Banks ehemaliges Kindermädchen, die Geschicke im Kirschbaumweg übernimmt, ist ebenfalls neu. Miss Andrew ist weder eine Augenweide noch wirkt sie sehr fürsorglich. Sie ist genau der strenge Drachen, den die Kinder immer gefürchtet haben. Und auch Papa Banks muss irgendwann einsehen, dass seine Erinnerungen an Miss Andrew im Laufe der Jahrzehnte wohl mehr als nur ein wenig verschwommen sind. Der folgerichtige „Abgang“ von Miss Andrew führt zu großem Jubel im Publikum. Diese Schreckschraube jagt aber auch jedem mit ihrem (lupenrein vorgetragenen) „Krautsaft und Fischöl“ Schauer über den Rücken.

Im Gegensatz dazu liefert „Drachensteigen“ wieder ein harmonisch-liebevolles Bühnenbild gepaart mit jeder Menge Liebe, die sich in wohligen Wogen über den Zuschauern ausbreitet.

Zu den optischen und tänzerischen Highlights des Abends gehört das Kaminkehrerballett über den Dächern Londons: mit „Schritt für Schritt“ erobern die steppenden schwarzen Männer und Frauen die Bühne und als Bert dann noch über den Köpfen der Zuschauer hoch oben im Bühnenportal steppend die Szenerie quert, kennt de Begeisterung kein Halten. Sowas sieht man nicht alle Tage!

Hübsch anzusehen ist auch Mary Poppins Regenschirm, der Sternbilder erzeugt, die sich bis in Publikum erstrecken.

Szenisch kann man in diesem Stück unglaublich viel entdecken. Jedes Bild hält seine eigenen kleinen oder großen Überraschungen parat. Dadurch wird es zu keinem Zeitpunkt langweilig. Hinzu kommt die schmissige Musik der Shermann-Brüder, die von George Stiles und Anthony Drewe um nicht weniger klangvolle Songs ergänzt und von Wolfgang Adenberg gekonnt ins Deutsche übertragen wurde.

Doch wirklich beeindruckend ist das gelungene Casting in Wien: Maria-Danaé Bansen macht ihre Sache als sogenannte Zweibesetzung der Titelfigur mehr als nur gut macht. Sie ist Mary Poppins! An ihrer Seite erlebt das Publikum David Boyd als Tausendsassa Bert, der Dick van Dyke in Sachen Charme und Witz in nichts nachsteht. Zudem setzt er tänzerisch und spielerisch Maßstäbe für alle, die ihm in dieser Rolle nachfolgen.

Reinald Kranner gibt einen sehr sehr strengen George Banks: Er agiert unerbittlich – sowohl gegenüber seinen Kindern und Angestellten als auch gegenüber seiner Frau Winifred. Kranners schauspielerische Leistung ist großartig, was insbesondere bei dem Wiederentdecken seines Mitgefühls und seiner Erinnerung an glückliche Tage deutlich wird. Milica Jovanovic ist die gefühlvolle Ehefrau und Mutter, die immer wieder zwischen ihrem Mann und seinem Umfeld vermittelt und zudem dem phasenweise leicht chaotischen Haushalt vorsteht. Jovanovic gelingt es, dieser vermeintlichen Nebenrolle Stärke und Charakter zu verleihen.

Tania Golden gibt die resolute Köchin Mrs. Brill und lässt sich von niemandem die Butter vom Brot nehmen. Sie erinnert in Habitus und Komik an Hella von Sinnen, was dieser Figur exzellent zu Gesicht steht. Als sie im zweiten Akt wie eine britische Feuerwehr losjault, weil eine wertvolle Vase vor ihren Füßen zerschellt, sorgt sie für viele Lacher im Publikum.

Die Vogelfrau und ihre eindringliche Bitte, ihr für zwei Penny Vogelfutter abzukaufen, bilden den bei Disney üblichen moralischen Zeigefinger. Sandra Pires gelingt es, diese kurze Szene mit viel Einfühlungsvermögen über die Rampe zu bringen. Ihr Song trifft direkt ins Herz und man sieht mehrere Zuschauer, die sich verstohlen Tränen aus den Augen wischen.

Für das Gegenteil von Tränen der Rührung – nämlich Ekel und Abscheu – sorgt Maaike Schuurmans als Miss Andrew. Sie regiert mit harter Hand und singt dabei so glasklar und eiskalt, dass man Gänsehaut bekommt. Auch ihre unerbittliche Art und Weise, den Kindern Krautsaft und Fischöl als Allheilmittel einflößen zu wollen, ist beeindruckend.

Tara Marie Oberkofler und Moritz Krainz wirbeln als liebenswerte Quälgeister Jane und Michael Banks über die Bühne. Beide spielen so charmant und authentisch, dass man sich fragt, ob sie je etwas anderes gemacht haben. Auch das Kindercasting war also ein absoluter Glücksgriff.

Bleibt noch das Orchester, das an diesem Abend unter der Leitung von Michael Römer auftrumpfte: Es wird einmal mehr deutlich, dass Musical als Form des Live-Entertainment am besten funktioniert, wenn alle Gewerke – Musik, Bühne, Darsteller – bis ins Kleinste ausgefeilt sind und perfekt ineinandergreifen. Keine Musik vom Band, kein reduziertes Ensemble, exzellente Hauptdarsteller, keine Sparkulissen und Billigkostüme: So muss es sein, dann zahlt man auch gern angemessene Ticketpreise.

„Mary Poppins“ zeigt eindrucksvoll, wie eine erfolgreiche Disney-Show aussieht und was es braucht, um das Publikum zweieinhalb Stunden vorzüglich zu unterhalten.

Michaela Flint

Theater: Ronacher, Wien
Besuchte Vorstellung: 11. Dezember 2015
Darsteller: Maria-Danaé Bansen, David Boyd
Regie: Matthew Bourne / Anthony Lyn
Fotos: Deen van Meer

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