Die beiden überdimensionalen türkisen Damenpumps, von denen einer als Showtreppe und aufgeklappt als Georges Wohnung fungiert, sind die einzigen Großkulissen, die auf der Bühne zum Einsatz kommen. Ein Café wird lediglich durch eine kleine Markise sowie Klapptische und -stühle angedeutet. Zazas Garderobe ist mit dem vollen Garderobenständer und dem winzigen Tisch etwas in die Ecke gestopft und kann so überhaupt nicht wirken. Pia Oertel (Bühnenbild) gelingt hier leider kein ausgewogenes Miteinander von Haupt- und Nebenschauplätzen.

Das Gegenteil sind die ausgefallenen Kostüme der Cagelles, die durch die Wandlungsfähigkeit und ihr gutes aber nicht überladenes Design auffallen. Anja Müller hat hier definitiv das richtige Händchen bewiesen, auch wenn die sonstige Garderobe von George und Albin / Zaza eher fragwürdig, da unförmig und ohne Starappeal sind, den man zumindest bei Zazas Showkleidern erwarten kann.

Zumindest musikalisch kann man hier diesmal kein Haar in der Suppe finden, denn Markus Höller hat seine siebenköpfige Band gut im Griff und trifft alle Einsätze tadellos.

Die Cagelles sind je nach Inszenierung mehr als nur schmückendes Beiwerk, das die Diva Zaza umschwirrt, doch in Bad Vilbel sind sie genau das: mehr oder weniger sinnvoll platzierte hübsche junge Männer „im Fummel“. Die Choreographien von Myriam Lifka tragen ebenfalls nicht dazu bei, die acht Tänzer ins Rampenlicht zu rücken, dafür sind die Tanzabfolgen zu träge. Davon unbenommen erkennt man aber durchaus, dass der ein oder andere mehr kann als er hier zeigen darf.

Norbert Wendel wirkt als George mit seinem goldenen Anzug und der Rudolf Moshammer Gedenkfrisur wie das typische Klischee des leicht tuntigen Nachtclubbesitzers in St. Tropez. Gesanglich kann er – wie auch der Rest des Ensembles – nicht wirklich überzeugen (der „Song am Strand“ enthält dann doch zu viele schiefe Töne). Während das Zusammenspiel mit Krisha Dalke als Georges Sohn Jean-Michel noch recht glaubwürdig gelingt, geben Wendel und Andrea Matthias Pagani als Albin bzw. Zaza ein eher merkwürdiges Paar ab. Dies liegt vor allem daran, dass ihnen im Umgang miteinander das Liebevolle gänzlich fehlt. Die beiden harmonieren weder im Spiel noch gesanglich, was sehr bedauerlich ist.

Überhaupt ist Pagani den ganzen Abend nahezu ausschließlich melodramatisch, verbittert und wirkt frustriert. Hinzu kommen sehr überzeichnete tuntige Gestiken und das für eine Diva eher plumpe Auftreten. Das mag eine Möglichkeit sein, der Figur Zaza Leben einzuhauchen, aber die Strahlkraft und Grandezza, die diese Figur sonst ausmachen, fehlen hier leider gänzlich. Dabei singt Pagani grundsätzlich sehr schön. Doch die unterkühlten Emotionen, die sein Spiel bestimmen, stehen auch gesanglich im Vordergrund. Auch wenn das Publikum die weltbekannte Hymne „Ich bin, was ich bin“ enthusiastisch beklatscht, vom Gefühl, das dieser Song beinhaltet, kommt nichts über die Rampe.

Herrlich schräg ist Thorin Kuhn als Jakob. Er wirkt sehr sympathisch überdreht, hochgradig emotional und hat das Talent, das Publikum schnell für sich zu gewinnen. Bleiben noch Dalke, Janice Rudelsberger (Anne) sowie Silke Dubilier und Kai Möller (Marie und Edouard Dindon). Sie alle spielen rollendeckend, aber machen nicht mehr aus ihren Rollen. Dalkes Jean-Michel ist selbstbewusst und zielstrebig und verdrängt seine weiche Seite weitgehend, weshalb man ihm die Entschuldigung zum Ende der Show auch nur schwer glauben mag. Seine Stimme ist etwas zu tief und ihm fehlt bei seiner Liebeserklärung an seine Verlobte („Mit Anne im Arm“) die akustische Begeisterung, aber insgesamt macht er seine Sache gut.

Rudelsberger hat schon in den letzten Jahren immer Mal wieder von sich Hören gemacht. Sie ist nicht die süßliche Anne, die man sonst kennt, aber das wirkt auch sehr authentisch. Gemeinsam mit Dalke gibt sie ein sympathisches Paar ab, das weiß, was es will.

Viel Raum, ihre Rollen nachhaltig mit Leben zu füllen, haben auch Dubilier und Möller nicht, doch beide spielen sehr gut, was man auch schon im vergangenen Jahr bei „Summer in the City“ erleben konnten. Sie harmonieren gut miteinander und haben ein Händchen für die Gratwanderung von ernster Rolle und Komik.

Die acht Cagelles werden von Daniel-Erik Biel (CloClo), Yannik Gräf (Nicole), Joshua Hien (Babette), Raphael Köb (Angelique), Patrick Miller (Phaedra), Jendrik Sigwart (Chantal), Jan Großfeld (Hanna) und Thomas Zimmer (Mercedes) gespielt. Wie erwähnt sind ihre Kostüme sehr schön und sie bringen ihre Ensemblenummern sehr gefällig zu Gehör. Tänzerisch und in Sachen Eleganz sind hier durchaus Unterschiede feststellbar. Auch wirken einige mehr, andere weniger wie echte Travestiekünstler, doch sie erfüllen ihre Funktion und unterhalten das Publikum sehr gut.

„La Cage aux Folles“ ist ein sehr dankbarer Bühnenstoff. Man muss nur aufpassen, dass die Klischees nicht überhand gewinnen. Während dies bei Albins Übungseinheit zum „männlichen“ Verhalten noch sehr lustig ist, ist eine Freiheitsstatue im Regenbogenkostüm doch etwas zu viel des Guten. Auch der „Salat nach Art des Hauses“, aus dem ein knalloranger Dildo in der Mitte nach oben ragt, verfehlt seine Wirkung nicht. Gleiches gilt für „Die schönste Zeit“, währenddessen Mutter Zaza das Publikum mit einer urkomischen Gestik und Mimik erfolgreich zum Mitklatschen animiert. Auch die von den Cagelles dargestellten Buchstaben für „La Cage aux Folles“ sind sehr gelungen.

Wie gesagt, Borrmann hatte einige wirklich schöne Ideen für diese Inszenierung, doch so ganz will der Funke einfach nicht überspringen. Schade.

Michaela Flint
gekürzt erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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„Eva Peron ist tot. Ihr Landsmann Che, der fortan als außenstehender Kommentator fungiert, beschreibt zynisch die Ergriffenheit des Volkes.“ (Zitat von der Website der Burgfestspiele Bad Vilbel)

Tatsächlich verkündet ein lächelnder Zirkusdirektor (sehr gute Mimik: Randy Diamond) den Tod der First Lady Argentiniens. Das anschließende (kaum hörbare) Peitschenknallen wirkt etwas deplatziert, doch man ist neugierig, was sich aus diesem ungewöhnlichen Auftakt entwickelt.

In der Folge agiert Diamond nicht nur als Erzähler und Wegbegleiter Evitas, vielmehr lässt ihn Benedikt Borrmann (Regie) auch als eine Art Puppenspieler die Geschicke der Protagnisten leiten. Angedeutet wird dies bei „Glitter und Glanz“, unzweifelhaft sichtbar wird diese Absicht beim Kennenlernen von Perón und Evita („Ich wäre wirklich sehr gut für dich“) und wenn er Evita, die der Geliebten Peróns mit (unverständ-lichem) Mitleid gegenübersteht, offenbar gegen ihren Willen mit sich zieht.

Die restlichen Figuren sind klassisch angelegt, es gibt keinerlei Überraschungen in der Ausprägung der Charaktere. Besonders gut gefällt Raphael Koeb als schleimig-unsympathischer Magaldi: Er kann sowohl vom Habitus als auch gesanglich überzeugen. Auch Janne Marie Peters (Peróns Geliebte) zeigt mit ihrem Solo („Wohin soll ich jetzt geh’n?“), dass in Bad Vilbel durchaus gute Sänger zu erleben sind.

Jedoch kann leider ausgerechnet Maria Mucha dieses Niveau nicht halten. Mehrfach hört man von ihr schiefe Töne, teilweise sogar ganze Songs in einer falschen Stimmlage (bspw. „Tschüss und danke“). Auch schauspielerisch gelingt es ihr nicht die Zielstrebigkeit und Skrupellosigkeit Evitas nachzuzeichnen. Sie bleibt insgesamt eher unauffällig.

Jonathan Agar gibt in bester J. R. Ewing-Manier einen alles andere als steifen, schüchternen Perón. Er ist optisch einschüchternd und macht so gar nicht den Eindruck als bräuchte er eine kleine Schauspielerin, die ihm den weiteren politischen Weg aufzeigt.

Nein, diese Inszenierung kann insgesamt nicht überzeugen. Auch wenn optisch gute Arbeit geleistet wurde (Bühne: Pia Oertel/Anja Müller, Kostüme: Anja Müller) und die (leider viel zu oft asynchronen und unsauberen) Tanzszenen (Choreografie: Lillian Stillwell) allein schon ob des großen Ensembles (insgesamt stehen mit der Statisterie mehr als 20 Darsteller auf der Bühne) gut wirken, es fehlt das gewisse Etwas. Vieles wird angedeutet, ist aber nicht bis zu Ende durchgestaged.

Was bleibt, sind einige wenige gute inszenatorische Ideen, die aber im mittelmäßigen Gesamtkanon leider untergehen.

Michaela Flint

Theater: Burg, Bad Vilbel
Besuchte Vorstellung: 11. August 2016
Darsteller: Maria Mucha, Jonathan Agar, Randy Diamond, Raphael Koeb
Musik / Regie: Andrew Lloyd Webber / Benedikt Borrmann
Fotos: Eugen Sommer

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Die große Drehkulisse, der Blumenladen von Mr. Mushnik, bildet inmitten auf der ansonsten recht kleinen Bühne den Dreh- und Angelpunkt der Inszenierung. Mr. Mushnik (Theodor Reichardt) sieht richtig schön fies aus und behandelt Seymour (Krisha Dalke) entsprechend von oben herab. Reichardt könnte aber durchaus noch etwas gemeiner sein.

Audrey (Julia Elena Heinrich) überragt die beiden Männer im Blumenladen um Kopfeslänge. Sie spielt die hübsche, aber sehr tumbe Blondine überzeugend und ihre bewusst völlig überzogene Mimik sorgt immer wieder für Lacher.

Dalke überzeugt in erster Linie gesanglich. Sein angenehm voller Tenor schmiegt sich ganz ausgezeichnet an die wenig herausfordernden Songs von Menken. Doch es gelingt ihm auch, die Wandlung vom schüchternen Ziehsohn zum selbstbewussten Blumenhändler glaubhaft nachzuzeichnen.

Audrey II, auch liebevoll Zwoey genannt, wächst in drei Etappen und ist schon in der zweiten Stufe von beachtlicher Größe. Sonja Herrmann steckt in bzw. hinter der Monsterpflanze und verleiht den blutrünstigen Gelüsten akustischen Ausdruck. Sie singt zwar nicht so soulig wie man es sonst von Audrey II kennt, aber sie überzeugt durch Stimmgewalt und nervtötende Penetranz. Ihr „Ich will es haben“ hat eine gute Energie und funktioniert sehr gut.

Raphael Koeb gibt den wunderbar exzentrischen, phasenweise komplett durchgeknallten Zahnarzt Orin. An Lachgas zu schnüffeln scheint ziemlich viele Gehirnzellen zu zerstören, denn wie sonst wäre es zu erklären, dass Orin seinen Patienten Seymor geradezu bespringt als dieser bei ihm auf dem Stuhl sitzt? Die Szenen mit Koeb sind immer für eine Überraschung gut und sorgen für jede Menge guter Laune.

„Mushnik und Sohn“ ist einer der Songs, die in jeder Hinsicht gefallen. Dalkes Mimik ist herausragend und Reichardts ausladende Gestik ergänzt das besondere Verhältnis der beiden Protagonisten perfekt. Auch gesanglich harmonieren die beiden sehr gut.

Das Duett von Audrey und Seymour zum Auftakt des zweiten Akts ist ebenfalls sehr schön. Auch die Stimmen von Dalke und Heinrich ergänzen sich hervorragend. Auch wenn die Szene ob des Größenunterschieds der beiden Darsteller unfreiwillig komisch wirkt, kommt man nach der Pause mit Schwung wieder zurück ins Stück.

Die Bühne, gestaltet von Oliver Kostecka, gibt dem Stück den richtigen Rahmen. Die nahezu Drehbühnenfüllende Audrey II ist beeindruckend und wird insbesondere in den Fressszenen von Mr. Mushnik und Orin in ein sehr gutes, mystisches Licht getaucht.

Über weite Strecken ist Christian H. Voss’ Regie treffsicher. Während er in der Szene in der Zahnarztpraxis dicht am Aushaltbaren entlangschrammt, sind die TV-Show und der Chef der Marketingfirma, der in Steppschuhen umherstolziert, die ihren Zweck aber nicht erfüllen, eindeutig zu viel. Man spürt, dass Voss sich sehr auf die Protagonisten fokussiert hat, was zu einem sehr guten Ergebnis geführt.

Ein sehr süßer Einfall ist auch, dass die drei die Handlung begleitenden Sängerinnen (Janice Rudelsberger, Stefanie Smailes, Anja Backus) kurz vor dem Ende des Musicals einige Ableger von Audrey II im Publikum verteilen und so die Zuschauer noch mehr in die Handlung einbinden.

Sehr schräg ist jedoch das Finale, bei dem die „Gefressenen“ in Lumpen und Fetzen wieder aus Audrey II herausklettern und dann in einer Tanzsequenz, die an eine Mischung aus „Rocky Horror Show“ und „Tanz der Vampire“ erinnert, (Choreographien: Martin Ruppel) vor dem Publikum performen.

„Der kleine Horroladen“ ist auch in Bad Vilbel kurzweilige Unterhaltung mit vielen sehr guten Ideen. Das Publikum verlässt gut gelaunt die Burgruine. Was kann man sich als Produzent, Kreativer und Darsteller Besseres wünschen?

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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