Lin-Manuel Miranda, der schon 2007 mit „In the Heights“ ein erfolgreiches Hiphop-Musical an den Broadway brachte, gelang mit „Hamilton“ der große Coup: Die Lebensgeschichte von Alexander Hamilton (1757-1804), einem weniger bekannten und doch durch das von ihm gegründete Finanzsystem historisch gesehen elementaren Gründungsvater der Vereinigten Staaten von Amerika, fasziniert. Dem Waisenkind gelingt es, sich gegen alle Widerstände in die erste Reihe der Politik hochzuarbeiten. An der Seite von George Washington erhält er Anerkennung, spürt aber auch schnell, dass die Luft dort oben dünn ist und es viele Neider gibt.

Leider zeigt er zwischenmenschlich kein besonders gutes Gespür, lässt sich mit den falschen Leuten ein, heiratet die Schwester der Frau, die er eigentlich liebt, vergisst vor lauter Verbissenheit und Ehrgeiz seine Familie, lässt sich im vollen Wissen um die Konsequenzen vom Ehemann seiner Affäre erpressen und wird am Ende von einem jahrzehntelangen Wegbegleiter im Duell ermordet, der den Erfolg Hamiltons nie akzeptieren konnte und wollte.

Hamilton schrieb sich im Laufe seines Lebens um Kopf und Kragen, was ihn im Rückblick mitunter als einen sehr nervtötenden Zeitgenossen erscheinen lässt. Zudem war er so sehr von sich und seinem Wissen überzeugt, dass er keine Kritik duldete: In Zeiten, wo sich Amerika gerade von Großbritannien losgesagt hatte, setzte er sich für eine starke nationale Regierung ein. Er kämpfte gegen die Briten und lehnte gleichzeitig öffentliche Unruhen ab, da in seinen Augen nur geordneter Widerstand zielführend war. Sein Starrsinn brachte ihm den Titel als erster Finanzminister Amerikas ein. Er gründete die Föderalistische Partei, zudem war er Mitbegründer der New York Manumission Society, die für die Abschaffung der Sklaverei und für die Rechte der afrikanischstämmigen Bevölkerung eintrat (Wikipedia) .Einige der von ihm in die Verfassung der Vereinigten Staaten eingebrachten Themen haben auch heute noch ihre Berechtigung und Gültigkeit.

Klingt nach viel Drama und Psychospielchen? Von beidem gibt es reichlich, doch Miranda, der für Buch, Musik und Texte verantwortlich zeichnet, gelingt es, die Show trotz der vielschichtigen Charaktere und zahlreichen Handlungsstränge kurzweilig zu gestalten.

Am Broadway hat Miranda die Titelrolle selbst gespielt und damit den Maßstab gesetzt, an dem sich alle Darsteller messen lassen müssen, die in die Rolle des Gründungsvaters schlüpfen. Doch Miranda hatte sich sechs Jahre lang intensiv mit dem Mann auseinandergesetzt, der noch heute die 10$-Scheine der USA schmückt. Basierend auf der 800-seitigen Biografie von Ron Chernow, die ohne den unermüdlichen Einsatz von Hamiltons Witwe Elizabeth Hamilton wohl nie zustande gekommen wäre, hat Miranda eine knapp dreistündige Bühnenshow erschaffen, die die wesentlichen Akteure der Gründerzeit (George Washington, Thomas Jefferson, Aaron Burr, King George) in eine abwechslungsreiche, auf Tatsachen beruhende Geschichtsstunde einbindet.

Für Miranda war sofort klar, dass er „Hamilton“ musikalisch im Hiphop verorten würde: „[Hamiltons] Lebensgeschichte ist so unwahrscheinlich wie die Geschichte Amerikas selbst. Genau das ist Hiphop: Man schreibt über seinen Kampf und beschreibt diesen so gut, dass man den eigenen Kampf überwindet.“

In London wurde mit Jamael Westman ein in der Musicalszene weitgehend Unbekannter mit der Titelrolle besetzt. Miranda weiß eben genau, was er sucht. Westman ist nicht der typische Sympathieträger, die kantigen Eigenschaften Hamiltons glaubt man ihm sofort. Doch es gelingt ihm, den Bogen zum gefühlvollen Ehemann, dem von Selbstzweifeln zerfressenen Politneuling und dem schuldbewussten Vater (nach dem Duell-Tod seines Sohns Philips) zu spannen. Er bringt den schnellen Sprechgesang fehlerlos über die Rampe. Miranda hat sehr viel Text in die 34 (!) Songs gepackt. Das ist für viele Musicaldarsteller sicherlich eine Herausforderung. Doch Westman gibt sich hier keine Blöße. Manchmal wirkt er geradezu unnahbar, was aber einmal mehr die unsympathischen Eigenschaften Alexander Hamiltons unterstreicht. Und dennoch fühlt man mit ihm mit. Man hinterfragt seine Entscheidungen, möchte ihn manches Mal wachrütteln oder einfach nur in den Arm nehmen. Diese Titelrolle ist wahrlich kein einfacher Part.

Seinen ewigen Widersacher Aaron Burr spielt an diesem Abend Aaron Lee Lambert. Burr ist zielstrebig, opportunistisch und geht über Leichen, um seine Ziele zu erreichen. Diese Eigenschaften verkörpert Lambert über weite Strecken glaubwürdig. Gesanglich zeigt er insbesondere bei „Wait for it“ was in ihm steckt. Ansonsten wirkt er vielfach etwas schüchtern, was in dieser gesanglich und schauspielerisch sehr intensiven Show sehr schnell auffällt.

Aus verschiedensten Gründen herausragend sind Dom Hartley-Harris als George Washington, Jason Pennycooke als Marquis de Lafayette und Thomas Jefferson sowie Jon Robyns als King George. Hartley-Harris lässt schon im ersten Song („Alexander Hamilton“) aufhorchen. Sein voluminöser Bariton sticht deutlich hervor. Auch wenn er von seiner Statur her nicht sonderlich imposant ist, stimmlich steckt er alle in die Tasche und wird so seiner Rolle als erster US-Präsident mehr als gerecht. Robyns hat als King George sicherlich die dankbarste Rolle, darf er das Geschehen in New York doch in höchst süffisanter Weise vom Bühnenrand kommentieren. Sein überspitzter Oxford-Akzent und seine leicht tuntige Attitüde sorgen für Lacher, die er augenscheinlich sehr genießt. Pennycooke darf in seiner Doppelrolle übertreiben: Als französischer Gesandter Lafayette stolziert er in extravaganten Anzügen über die Bühne, während er als 3. US-Präsident Jefferson ungehemmt seine Macht ausspielt. Zudem setzt er auch gesanglich Duftmarken, denn auch er kommt mit dem gesanglichen Schnellfeuer dieser Show hervorragend zurecht.

Emile Ruddock setzt als Hercules Mulligan im ersten Akt deutlich hörbare Akzente. Im zweiten Akt, als angehender vierter Präsident der Vereinigten Staaten bleibt er jedoch leider eher etwas blass.

Wenn schon die Herren dieses Ensembles echte „Typen“ sind und jeder einzelne spannende Facetten und aufmerksamkeitsstarke Soli hat, möchten die Damen hier natürlich nicht hintenanstehen. Rachelle Ann Go, Allyson Ava-Brown und Sharon Rose sind als Schwestern-Trio Eliza, Angelica und Peggy Schuyler pure Frauen-Power: Frech, energisch und leidenschaftlich zeigen sie den Männern ganz klar, dass mit ihnen zu rechnen ist. Jede einzelne der drei Damen überzeugt schauspielerisch vollends, gesanglich jedoch wünscht man sich insbesondere von Ava-Brown mehr. Während Go, die am West End u. a. in „Miss Saigon“ brillierte, die Hiphop-Kompositionen beachtlich meistert, hat Ava-Brown hier mit ihrem eher klassischen Gesangshintergrund mehr zu kämpfen. Man hört, dass ihr Hiphop nicht wirklich liegt und die schnellen Texte nicht so recht zu ihrem Sopran passen wollen. Nichtsdestoweniger bilden die drei mehr als nur einen hübschen Gegenpol zu den Männern. Insbesondere Go darf am Schluss deutlich zeigen, dass die Welt ohne Eliza kaum etwas über den wahren Alexander Hamilton wüsste.

Insgesamt stehen „nur“ 23 Darsteller auf der Bühne, die das Leben und Wirken von Hamilton in einer sehr modernen Inszenierung nachzeichnen. Doch jeder bekommt seinen Moment. Insbesondere die Tänzerinnen und Tänzer können in dieser Show glänzen. Andy Blankenbuehler erhielt für seine intensiven, teils extremen „Hamilton“-Choreographien einen Laurence Olivier Award. Man versteht sofort warum, denn der fesselnden Wirkung der Tanzszenen kann man sich kaum entziehen.

Dass die Künstler auf der Bühne so glänzen können, liegt unter anderem auch daran, dass Paul Tazewell in den Kostümen viel mit Beigetönen arbeitet, die Gehröcke in gedecktem Blau und die Damenkleider in zurückhaltendem Pastell gehalten sind. Einzig King George, der Marquis de Lafayette und Hamiltons Affäre Maria Reynolds tragen kräftige Farben. Eingebettet in ein mit Holzbalken karg gestaltetes Bühnenbild (David Korins) bestehend aus einer Galerie und einer mobilen Treppe sowie Stühlen, Tischen und Koffern lenkt nichts vom eigentlichen Geschehen ab.

Alex Lacamoire hat Lin-Manuel Mirandas Songs so mitreißend arrangiert und orchestriert, dass sie direkt in die Beine gehen. Das 10-köpfige Orchester unter der Leitung von Richard Beadle steht der Leistung der Hauptdarsteller in Nichts nach und bringt das Victoria Palace Theatre zum Beben.

„Hamilton“ ist ein ungewöhnliches Musical, das durch seine intensiven Songs und die herausragenden Hauptdarsteller besticht. Es ist kein Stoff, den man so nebenbei konsumiert, denn auch Mirandas Texte haben es in sich. Da man in der rasenden Geschwindigkeit, in der sich die Handlung auf der Bühne entfaltet, kaum jedes Wort verstehen kann, empfiehlt sich das Nachlesen der Songtexte. Erst dann bekommt man ein wirkliches Gespür dafür, was für eine Meisterleistung die Sängerinnen und Sänger allabendlich vollbringen. Sich hier nicht zu verhaspeln, ist ganz große Kunst.

Der Stoff dieses Musicals ist Ur-amerikanisch, mit leichtem britischen Einfluss. Darauf muss man sich einlassen, wenn man dieses Stück verstehen will. Patriotismus und Kolonialismus werden großgeschrieben. Schon allein deshalb ist es schwer unvorstellbar, dass „Hamilton“ in einer deutschsprachigen Fassung auf einer deutschen Bühne laufen wird. Die Stage Entertainment hat ihre diesbezüglichen Pläne auch erstmal abgeschrieben. So großartig „Hamilton“ in der englischen Originalfassung ist, so wenig wird eine für das deutsche Publikum adaptierte Fassung dem Ansinnen von Lin-Manuel Miranda gerecht, dem Mann auf der 10$-Note ein (musikalisches) Denkmal zu setzen – frei nach dem Motto „Who lives, who dies, who tells your story?“

Michaela Flint

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Wen diese Show nicht berührt, der ist aus Stein. Die Intensität von Musik und Handlung gepaart mit dem exzellenten Orchester und den herausragenden Darstellern, sucht in der Musicalwelt ihresgleichen.

Wie sehr sich Musicalfans ein Revival dieser Show gewünscht haben, zeigen die Box Office Erfolge in London: Nur 24 Stunden nach der Öffnung des Vorverkaufs waren Tickets für 4,4 Mio. GBP verkauft. Ohne, dass die Cast bekannt war! Die Leute haben die „Katze im Sack“ gekauft, weil sie sicher waren, dass „Miss Saigon“ einfach nur gut werden kann. Und sie wurden nicht enttäuscht!

Nach der ersten Spielzeit im West End (1989-1999) folgten zwar noch zwei UK-Tourneen, aber was ist das schon im Vergleich zum Besuch des Prince Edward Theatre in London, wo „Miss Saigon“ von Herbst 2014 bis Februar 2016 wieder zu sehen war. In Deutschland war man noch ausgehungerter, denn hierzulande war „Miss Saigon“ seit dem Ende der Stuttgarter Ensuite-Produktion 1999 gar nicht mehr zu sehen. Umso größer die Freude, dass anlässlich des 25. Geburtstags der nach „Les Misérables“ zweiterfolgreichsten Show von Alain Boublil (Texte) und Claude-Michel Schönberg (Musik) im September 2014 eine Vorstellung im Theater mitgefilmt und im Herbst 2016 in Kinos gebracht wurde.

Die Handlung – die nicht nur zufällig an Puccinis Madame Butterfly erinnert, fußen doch beide Stücke auf derselben französischen Buchvorlage – ist sehr dramatisch: Chris, John und ihre Kameraden sind während des Vietnamkriegs in Saigon (heutzutage ehr als Ho-Chi-Minh-Stadt bekannt) in der US-Botschaft im Einsatz. Eines Abends trifft Chris in einem Stripclub auf die blutjunge Kim. Er verliebt sich augenblicklich in sie. Die beiden schmieden Pläne, gemeinsam in die USA zurückzukehren, doch unerwartet wird die Botschaft abgeriegelt und die Soldaten abgezogen. Die beiden Liebenden finden in dem Trubel nicht mehr zueinander.

John engagiert sich mittlerweile in der Flüchtlingshilfe und setzt sich insbesondere für „Mischlingskinder“ ein, die komplett entwurzelt mit den anderen Boat People durch Asien treiben. Durch einen Zufall gerät er an das Einreisegesuch von Kim, Tam und dem Engineer, und konfrontiert Chris mit der Nachricht, dass er einen Sohn hat. Dieser wiederum muss das alles Ellen, seiner Ehefrau erklären. Gemeinsam brechen sie nach Bangkok auf, um Kim und Tam zu retten.

Unglückliche Umstände wollen es, dass Kim auf Ellen trifft. Kim, die bis zum Schluss an die Liebe von Chris geglaubt und sich ihre Hochzeit ausgemalt hat, steht vor den Scherben ihres Lebens und sieht keinen anderen Ausweg als sich selbst das Leben zu nehmen und Tam in die Obhut seines Vaters und einer fremden Frau zu geben.

Boublil und Schönberg haben den Stoff in voluminöse Klänge verpackt: Schon die Ouvertüre sorgt für Gänsehaut. „Why, God, Why?“, „Sun and Moon“ und „I’d Give My Life for You“ sind nur drei Beispiele für die fast schon zerbrechlichen Balladen, die das französische Kreativteam seinen Protagonisten auf den Leib geschrieben hat. „Last Night of the World“ und „This Is The Hour“ unterstreichen die dramatische Handlung perfekt. Wenn John mit „Bui Doi“ auf das unbeschreibliche Elend der Kinder aufmerksam macht, zerreißt es einen innerlich fast, so gelungen ist die Komposition von Chor, symphonischem Orchester und der Botschaft des Sängers. Nicht zu vergessen der klischeetriefende Showstopper „The American Dream“, in dem Engineer seine ganze Bitterkeit einfließen lässt.

Laurence Connor zeichnet für die Neu-Inszenierung verantwortlich. Es ist ihm gelungen, die Handlung weg von der beherrschenden Szenerie auf die Charaktere zu konzentrieren. Natürlich gibt es auch in der neuen Fassung einen Helikopter – und dieser ist dank digitaler Special Effects ebenfalls sehr beeindruckend. Dennoch stiehlt diese Kulisse den beiden Hauptakteuren Chris und Kim nicht mehr die Show wie in früheren Inszenierungen. Das Paar bleibt präsent, auch wenn um sie herum das Chaos losbricht. Leider wirkt diese Szene auf der Kinoleinwand sehr cinematografisch, da alles von Nahem gezeigt wird. Eine Totale hätte hier vielleicht mehr Theaterfeeling aufkommen lassen.

Totie Driver und Matt Kinley, die beiden neuen Bühnenbildner, ergänzen die vom Regisseur intendierte fokussierte Herangehensweise: Alles wirkt düsterer, schäbiger und dadurch authentischer. Besonders gelungen ist der Slum, in dem Kim und Tam leben müssen, während darüber als zweite Spielebene das eheliche Schlafzimmer von Chris und Ellen zu sehen ist. Ein toller Kontrast, der aber einmal mehr nicht von den Handelnden ablenkt.

Die Besetzung der „25th Anniversary Gala Performance“ ist herausragend. Allen voran Eva Noblezada als Kim. Die damals erst18-jährige Amerikanerin wurde direkt von der Theaterschule für die Hauptrolle des Revivals engagiert. Sie hat eine glockenklare Stimme, der sie in den richtigen Momenten die perfekte Intensität verleiht. Auch bewegt sie sich in jeder Tonhöhe souverän und spielt sowohl die schüchterne, als auch die liebende und am Ende verzweifelte Kim durchgehend glaubhaft.

Als Chris steht Alistair Brammer auf der Bühne. Er wirkt zunächst recht unscheinbar, doch seine warme Stimmfarbe kommt besonders bei den Balladen sehr gut zur Geltung und man nimmt ihm die Gefühlsaufwallungen, in denen er sich verstrickt, ab. Die Energie zwischen Brammer und Noblezada stimmt. Ihr Spiel wird dadurch nur umso intensiver. Gemeinsam mit Jon Jon Briones, der als Engineer alle anderen Männer auf der Bühne in den Schatten stellt, werden Noblezada und Brammer auch die Wiederaufnahme am Broadway 2017 bestreiten. Briones gibt den schmierigen Zuhälter nicht nur ungemein authentisch, es gelingt ihm zudem – und das ist absolut bemerkenswert – dieser an sich fiesen Figur etwas Mitleiderregendes, Sympathisches zu geben. Er hat eine unausweichliche Bühnenpräsenz und seine akzentuierte Aussprache gepaart mit einer sehr ausdrucksstarken Mimik machen seine Performance sehenswert! Sein „American Dream“ ist kein schillernder Wunschtraum, sondern eine verbitterte Abrechnung mit der westlichen Welt, die ihm so viel versprochen und nichts gehalten hat. Weltklasse!
Interessant in dieser Szene ist auch der bühnenhohe Kopf der Freiheitsstatue, deren Mund (der auch als Einfahrt für den Cadillac dient) sicherlich nicht zufällig an den einer aufblasbaren Sexpuppe erinnert.

Hugh Maynard gibt einen robusten John, der als Soldat seine Pflicht tut und in der Arbeit für die Kinder seine warmherzige Seite zeigt. „Bui Doi“ bringt er mit viel Gefühl über die Rampe. Tamsin Carroll ist eine unerwartet starke Ellen. Das Duett mit Kim („I Still Believe“) und vor allem „Maybe“ (für die Produktionen in Utrecht und London neu hinzugefügt) geben der gehörnten Ehefrau viel Selbstbewusstsein und Mitgefühl für Kim. Schön, dass diese Figur noch etwas mehr Aufmerksamkeit bekommen hat und nicht mehr nur schmückendes Beiwerk ist.

Schade ist, dass durch die vielen Close-Ups die Intimität zwischen den Darstellern verloren geht. Die gefilmte Version ist keinesfalls mit einem Theatererlebnis gleichzusetzen, wie bspw. bei „Billy Elliot“. Auch die Überblendungen zwischen den Szenen und insbesondere, wenn sich eine größere Anzahl Darsteller über die Bühne bewegt (u. a. die Soldaten), stören sehr.

Noch bevor das dramatische Geschehen seinen Lauf nimmt, lässt Rachelle Ann Go als Gigi aufhorchen. Selten habe ich „The Movie in My Mind“ so brillant gehört. Damit lag die Latte für alle anderen sehr hoch. Kein Wunder, dass die junge Sängerin für die Zugabe erneut auf die Bühne kommt: Gemeinsam mit Lea Salonga, die die Rolle der Kim 1989 kreiert hat, singt sie erneut ein zu Tränen rührendes „The Movie in My Mind“: so stark und doch so zerbrechlich. Das zollt auch Lea Salonga Respekt ab, die ihrer Kollegin ausgiebig applaudiert.

Apropos Zugabe… Nach der eigentlichen Show durfte das Publikum noch eine besondere 30-minütige Gala erleben: Lea Salonga, Jonathan Pryce und Simon Bowman gaben noch einmal ihr Können zum Besten. Lea Salonga weiß, dass sie „Miss Saigon“ ihre Karriere im Musicalbusiness verdankt, und wenn man sie so inmitten der ganzen jungen Darsteller sieht und vor allem ihrer immer noch wundervollen Stimme lauscht, kann man nicht glauben, dass sie 25 Jahre älter ist als die meisten. Auch heute noch würde sie als Kim sicherlich vollends überzeugen.

Eine amüsante Idee ist der Partnertausch, den der alte und neue Chris mit ihren Kims vollziehen: Da singt dann kurzzeitig Brammer mit Salonga und Bowman mit Noblezada. Doch am Ende sind wieder die Paare zusammen, die zusammen gehören. Die Darsteller haben an diesem Bäumchen-Wechsel-Dich-Spiel sichtlich Spaß!

Dass auch Jonathan Pryce mit seinen inzwischen 69 Jahren nicht zum alten Eisen gehört, zeigt er eindrucksvoll als er noch einmal „What a Waste“ und kurz darauf eine sehr komische Version von „The American Dream“ zum Besten gibt. Wie er sich mehr oder weniger lasziv auf dem Cadillac räkelt, ist extrem lustig.

Beim Schlussapplaus wirkt es so als wären alle – Kreative, Produzent, Original und Revival Cast – eine große glückliche Familie. Natürlich lässt es sich Cameron Mackintosh nicht nehmen, dem Publikum noch den Mund mit einer weiteren UK-Tour und Produktionen in Australien, New York und Deutschland wässrig zu machen. Die Broadway-Premiere ist am 1. März 2017, die UK-Tour startet im Juli 2017. Wann darf sich das deutsche Publikum über „Miss Saigon“ auf einer heimischen Bühne freuen?

Sollte es wider Erwarten doch nicht klappen mit dem deutschen Revival, dann bleibt zumindest noch die Hoffnung auf den Film, an dem Danny Boyle Gerüchten zufolge bereits arbeitet. Nach „Les Misérables“ sicherlich ein spannendes Projekt, und bei einem Meister seines Fachs wie Boyle darf man auf die Umsetzung sehr gespannt sein.

Solange die deutsche Bühnenversion und der Film auf sich warten lassen, können Theaterfans zumindest im Kino (wie bspw. dem Metropolis in Frankfurt und dem Savoy in Hamburg) Originalproduktionen von Theater- und Musicalaufführungen aus London und New York erleben. Besser als nichts!

Für alle, die es an den sehr ausgewählten Terminen nicht ins Kino geschafft haben: Die „Miss Saigon 25th Anniversary Performance“ gibt es bei amazon.co.uk schon zu kaufen!

Michaela Flint

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