Die zuvor in Stuttgart gezeigte Inszenierung hat sich auf den ersten Blick verändert: Auf der Bühne wird statt der üppigen Dschungel-Fransen jetzt mit Tourtauglichen Kulissen aus Hartfaser gearbeitet. Dazu wird die Bühne durch gekonnt verkleidete Treppenaufgänge in den Saal verlängert. Der Schiffsuntergang von Tarzans Eltern, das Zelt der Forschertruppe, der Wasserlauf, die hereinschwebenden Insekten und natürlich die farbenprächtige Flora im afrikanischen Dschungel sorgen für ein harmonisches Gesamtbild. Das Publikum sitzt gefühlt mitten im Geschehen.

Die Kostüme der 17 Darstellenden bestechen durch Farbe, Fluoreszenz und Kreativität. In der Show gibt es 80 (1) unterschiedliche Kostümdesigns. Die Affenkostüme wurden aus einem speziellen Lycramaterial in 21 verschiedenen Farbtönen und 4 verschiedenen Schwarzabstufungen gefertigt. An jedes Affenkostüm werden ca. 20.000 handgefertigte Fransen angebracht. Für die Show wurden zudem über 150 Perücken angefertigt. Das Knüpfen einer regulären Perücke dauert ca. 40 Arbeitsstunden. Diese Liebe zum Detail sieht man gerade bei „Tarzan“ besonders deutlich, da man den Künstlern durchaus mitunter sehr nah ist.

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Man bekommt recht schnell mit, dass viele im Saal „Tarzan“-erfahren sind: Viele Köpfe wenden sich an den entsprechenden Stellen gen Decke. Die Zuschauer wissen, dass bei „Tarzan“ auch einiges über den Köpfen passiert. Noch bevor Alexander Klaws, dessen Name wie kein Zweiter für „Tarzan“ steht, sich das erste Mal durch die neue Flora schwingt, johlt das Publikum.

Dass die (ausgewählten) Auftritte in seiner Paraderolle nicht nur unglaublich anstrengend sind – er ist halt auch keine 25 mehr – sondern, ihm richtig viel Spaß machen, sieht man am verschmitzten Lächeln, wenn er sich angurtet. Dass diese Show in diesem Theater für ihn einen besonderen Stellenwert hat, bestätigt er auch im Gespräch: „Gerade die Neue Flora trägt Erinnerungen in jedem Winkel – vom Foyer bis zur Bühne. Es fühlt sich so an, als wäre ich nie weg gewesen. Dieser Ort ist für mich ein Zuhause. Dass sich der Kreis nun wieder schließt, ist surreal und zugleich einfach schön.“

„Tarzan“ ist für alle Darstellenden herausfordernd, umso beeindruckender sind die atemberaubenden Stunt- und Bungee-Choreographien, mit denen vor allem die Gorilla-Sippe begeistert. Gianluca Passeri hat Sergio Trujllos Original-Choreos perfekt mit den 17 Künstlern einstudiert. Eine wirkliche Freude! Marcel Landgrebe hat die Modernisierung der Show mit viel Gespür für die Figuren umgesetzt: Janes Vater wurde kurzerhand „gestrichen“ und Jane ist erwachsen geworden. Das steht der Handlung gut zu Gesicht. Eine mutige junge Forscherin ist eine viel glaubwürdigere Partnerin für Tarzan als das überdrehte englische Töchterchen aus früheren Inszenierungen. Abla Alaoui überzeugt als selbstbewusste Botanik-Liebhaberin durch Charme, Witz und eine sehr sympathische Ausstrahlung. Von Clayton (von Luciano Mercoli rollendeckend schön böse und auf den eigenen Vorteil bedacht gespielt) lässt sich diese Jane nicht einschüchtern. Auch die fleischfressende Pflanze oder die Gorilla-Sippe machen ihr keine Angst… Beides weckt nur ihren Forschergeist.

Dániel Rákász gibt einen sehr gefühlvollen Kerchak, der seine Familie zwar über alles stellt, aber dennoch auch zulässt, dass man hinter die herrische Fassade guckt. Eine sehr angenehme „Wandlung“ dieses Charakters. Kerry Jean ist eine liebevolle Mutter für Tarzan und eine Partnerin auf Augenhöhe für den Silberrücken Kerchak. Sie singt mit viel Gefühl und lässt erahnen, zu was sie stimmlich in der Lage ist (Tina im gleichnamigen Musical in Hamburg, Waris Dirie in „Die Wüstenblume“). Den Klassenclown, guten Kumpel, großen Bruder und Dschungel-Entertainer Terk gibt Elindo Avastia. Er hat sicherlich eine sehr dankbare Rolle, aber die muss man auch erstmal ausfüllen. Und das macht er! Die punktuell modernisierten Texte helfen, eine direktere Bindung zu den Zuschauern aufzubauen. Wenn er und die Sippe das Forscher-Camp auseinandernehmen, hat man automatisch gute Laune!

Bleibt noch Alexander Klaws… Was soll ich sagen? Der reifere Tarzan steht der Show sehr gut zu Gesicht. Tarzan ist ein Dschungel-Mann, kein Junge, und dafür ist Klaws einfach die Idealbesetzung. Auch gesanglich lässt er es an nichts vermissen, auch wenn das Echo durch einen seinen Gesang verstärkenden zweiten Sänger u.a. bei „Ich will es so“ etwas irritierend ist.

„Tarzan“ ist eine wunderbare Familien-Show, die zeigt, wie wichtig familiärer Zusammenhalt, Freundschaft und Liebe sind. Genau so etwas braucht es in den aktuell sehr bewegten Zeiten.

Michaela Flint

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Aktuell begeistert sie in Hamburg als Shakespeares eigenwillige Ehefrau Anne Hathaway in „&Julia“ das Publikum, doch die meisten kennen sie sicherlich aus „Wicked“, wo sie in Deutschland die Rolle der Elphaba kreiert hat. Doch nicht nur in Deutschland hat sie grüne Hexe gespielt, auch in den Niederlanden, in London UND am Broadway ist sie in diese Rolle geschlüpft. Damit ist sie einzige Darstellerin die „Defying Gravity“ in drei Sprachen und vier Ländern interpretieren durfte. Die Geschichte dahinter gehört zu den Anekdoten, die Verkaik an diesem Konzertabend zum Besten gibt.

Sie eröffnet den Abend vor ausverkauftem Haus mit Jim Steinmans „It’s All Coming Back to Me Now“. Das Konzert ist eine Mischung aus persönlichen Lieblingsstücken und Hits aus den bekanntestens Shows, in denen Verkaik auf der Bühne stand. Dazu gehören unter anderem „Die Drei Musketiere“ („Ich bin noch immmer Deine Frau“), „Aida“, „Wochenende will rock you“ (Was für ein kraftvolles Medley!), „Wicked“, aus dem sie zusammen mit ihrem Gast Judith Caspari „For Good“ darbietet. Es folgen in lockerer Reihenfolge Stücke aus „Mamma Mia“, „Tarzan“, „The Waitress“ und natürlich „&Julia“ („When you need it the most“). Auch mit Songs aus „Come from away“, „Rebecca“ und „The Greatest Showman“ („A million dreams“) begeistert sie die Zuschauer.

Aber auch persönliche Anliegen teilt sie, wie bspw. die Unterstützung von ParkinsonNL, einer von ihrer Kollegin Petra Clauwens ins Leben gerufenen Stiftung. Dass sie an diesem Konzerttag auch noch ihren 50. Geburtstag feiert und das Publikum ihr – der großartigen Sängerin – erstmal ein herrlichen schiefes „Happy Birthday“ entgegenschmettert, setzt den Maßstab für diesen Abend: Es bleibt alles sehr persönlich heute.

Sie erzählt von ihrer schweren Rückenverletzung, die sie fast ihre Karriere gekostet hätte, berichtet von ihren Anfängen auf der Musicalbühne in einer kleinen Nebenrolle bei „Elisabeth“ und schenkt den Zuschauern auch einige selbst geschriebene Songs. Als weiteren Gast hat sie DMJ – David Michael Johnson im Gepäck, vielen sicherlich noch aus „WWRY“ in Köln in Erinnerung. Auch die Musen aus „Hercules“ dürfen sich an diesem Abend mal in anderem Licht präsentieren – was für Stimmen!

Ein wirklich rundum gelungenes Konzert, ein Abend, der ein wohlig-warmes Gefühl hinerlässt. Willemijn Verkaik und ihre herausragende Band sowie die sehr gut gewählten Gäste machen diese Stunden zu etwas ganz Besonderem.

Michaela Flint

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Kann das musikalische Heldenepos an die Erfolge vom „König der Löwen“ und „Frozen“ anknüpfen?

Die kurze Antwort lautet: nein, ganz sicher nicht. Doch schauen wir genauer hin.

„Hercules“ ist von den Kinoeinspielergebnissen her betrachtet einer der erfolgreichsten Disney-Filme und nicht wenige schätzen die charmante Tollpatischigkeit des Titelhelden und den Wortwitz seiner Wegbegleiter sehr.

In der Bühnenfasssung sind hier an erster Stelle die fünf Musen zu nennen, die Hercules von Geburt an begleiten. Leslie Beehann, Chasity Crisp, Venolia Manale, UZOH und Shekinah McFarlane haben als Kalliope, Thalia, Terpsichore, Kilo und Melpomene einen wunderschönen, souligen Klang. Die Songs passen perfekt und geben den Damen die Chance zu glänzen. Ihre Auftritte sind glamourös, raumgreifend und mitreißend. Kein Kleid gleicht dem anderen, hier haben Gregg Barnes und Sky Switser sehr viel Kreativität einfließen lassen. Und jede Frau im Publikum, die jenseits der allgegenwärtigen Size Zero Mode liegt, schnalzt ob des Sexappeals der Musen-Optik mit der Zunge. Warum allerdings Hercules in ein unsägliches 1980er Jahre Netzhemd gesteckt wurde, das ihn auch optisch zur Karikatur werden lässt, bleibt ein Rätsel. Er wirkt wirklich eher putzig und niedlich als stark…

Einige Finessen weist ebenfalls das Bühnenbild von Dane Laffre in perfektem Zusammenspiel mit dem Video- (George Reeve) und Lichtdesign (Jeff Croiter) auf. Von „tanzenden“ Säulen, über Hades‘ düstere (verdächtig an Graf von Krolocks Keller erinnernde) Unterwelt nebst sehr findig gelöster Lebensfäden, denen beim Abschneiden sehr putzige Geister hinterher fliegen, bis hin zu den großartig visualisierten, sprechenden Statuen, dem an Mosaike angelehnten Hintergrund bei Hercules‘ Reise in die menschliche Zwischenwelt – es ist schon viel Schönes dabei an diesem Premierenabend. Sprachlos machen die über die Bühne geschossenen Pfeile, die in einer der Säule stecken bleiben. Licht & Technik & Timing in perfekter Harmonie – so geht Theatermagie!

Es gibt aber auch die andere Seite: kitschig gewandete Götter im Olymp, sehr slapstick-lastige Dialoge, etwas armselig wirkende Kampfszenen… Hier misslingt die Gratwanderung, das was auf dem Bildschirm begeistert, in derselben Form auf die Bühne zu bringen, deutlich.

Neben den Musen gibt es einen weiteren Sidekick, der diese Show auflockert: Karl (Mario Saccoccio) und Heinz (André Haedicke), die trotteligen, obrigkeitshörigen Handlanger von Hades. Mit viel Humor führen sie ihren Chef vor, um am Ende die Seiten zu wechseln und eine nicht unwesentliche Rolle beim Happy End zu spielen. Saccoccio und Haedicke bilden hier ein großartiges Duo und schon ihr Anblick lässt das Publikum auf die nächste schräge Idee oder „dummen“ Spruch hoffen.

Apropos Happy End: Natürlich finden Hercules und Meg auch auf der Bühne der Neuen Flora zueinander. Der Weg dorthin ist steinig und mit vielen Prüfungen gepflastert.
Meg, Hades‘ sehr selbstbewusste, sich ihrer Reize und Wirkung auf Männer durch aus bewusste Ziehtochter, ist herrlich kratzbürstig. Mae Ann Jorolan überzeugte bis vor Kurzem noch als Peggy Schuyler / Maria Reynolds in „Hamilton“ und darf jetzt eine ganz andere, überhaupt nicht brave Seite von sich zeigen. Und das macht sie großartig! Ihr zuzuhören und zuzusehen, ist eine Freude!

Apropos „Hamilton“, auch Hauptdarsteller Benét Monteiro ist dem Hamburger Publikum aus dem Hip-Hop-Musical über die amerikanischen Gründerväter bekannt. So sehr er als A. Ham überzeugen konnte, so wenig scheint ihm Hercules zu liegen. Man wird das Gefühl nicht los, dass er nicht wirklich weiß, ob er die Figur als Karikatur anlegen oder ernsthaft spielen soll. Der Charakter wirkt größtenteils unausgegoren, was man aber sicherlich nicht allein Monteiro anlasten sollte. Hinzu kommen unerwartete phonetische Hürden. Den schnellen Sprechgesang des Alexander Hamilton konnte Monteiro einwandfrei ins Operettenhaus bringen. Bei Hercules hat er doch seine liebe Müh mit den deutschen Texten.

Damit ist er jedoch nicht allein. Die deutsche Sprache ist offenbar für die wenigsten Darsteller so vertraut, dass sie sie „einfach“ singen könnten. Traurig, dass man so etwas immer noch erleben muss! Wir haben brillante Phonetikcoaches in Hamburg und ganz nebenbei auch herausragende Darsteller:innen, die Muttersprachler sind. Es wäre begrüßenswert, wenn hier endlich ein Umdenken stattfinden würde. Denn die pfiffigsten Songtexte und Dialoge nützen nichts, wenn die Zuschauer sie nicht verstehen.

Wo wir grad von guten Texte reden: In Medusas Bar treffen nicht nur optisch sehr spannende Charaktere aufeinander, sie sprühen auch nur so vor Wortwitz. Allen voran Phil, der immer wieder für Lacher sorgt. Kristofer Weinstein-Storey hat eine der dankbarsten Rollen in diesem Stück übernommen und führt nicht nur Hercules auf den richtigen weg, sondern holt auch die Zuschauer immer wieder gekonnt ab.

Ein tolles Gesamtpaket liefert auch Detlef Leistenschneider als Hades ab. Er ist sarkastisch, rachsüchtig und zwischendurch auch mal beleidigt und wehleidig. Auf eine Linie lässt sich dieser Gott der Unterwelt jedoch nicht festlegen, was manchmal zwar für mehr Klarheit sorgen würde, aber diesen CHarakter nur umso spannender macht.

Wenn die Musen Hercules‘ Werbeversuchen um Meg beiwohnen, ist das Thema „pretty in pink“ von den Rosen in den Amphoren über die einmal mehr beeindruckend abwechslungsreichen Kleider bis hin zu den Perücken perfekt durchgezogen. Auch Hades ‚ Kostüm als er auf die Erde zurückkehrt, ist sehr gelungen, wird aber durch die Musen in der Kampfkleidung römischscher Gladiatoren direkt wieder in den Schatten gestellt.

Beim finalen Kampf von Hades und Hercules, erinnert einen Hades zunächst verdächtig stark an den Wizard aus „Wicked“, doch der Kampf an sich ist sehr gut gestaged und dass Hera, also die Mama, Hades‘ Schwachstelle ist, geht absolut in Ordnung.

Die PHIL-Methode wirkt (Power-Herz-Intelligenz-Liebe) und am Schluss rettet Hercules nicht nur Meg, sondern damit auch die Erde und sorgt so dafür, dass auch die Götter im Olymp ungestört weiterleben können.

„Hercules“ ist deutlich sichtbar als Tourproduktion angelegt, was nicht Schlimmes sein muss. Einige Kostüme und Kulissen sehen eher kostenoptmiert aus, andere sind sehr zweckdienlich, aber funktionierten super (wie bspw. die Hintergrundprojektion bei Hercules‘ Reise). Ob diesem Stück eine erfolgreiche Tourkarriere beschieden sein wird, würde ich bezweifeln wollen. Denn um an Disney-Erfolge wie „Der König der Löwen“ oder „Tarzan“ anzuknüpfen, fehlt hier in allen Bereichen zu viel.

Michaela Flint

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Knapp 20 Jahre nach der Deutschlandpremiere im Operettenhaus Hamburg kehrte die Gute-Laune-Show nach Hamburg zurück. Dank zweier Hollywood-Verfilmungen sind Handlung und Charaktere inzwischen auch einem breiten Publikum sehr vertraut und man spürte schon im Foyer der Neuen Flora, dass sich die Zuschauer auf das Stück freuen.

Kurz gesagt: „Mamma Mia“ funktioniert auch in einem sehr großen Theater wie der Neuen Flora. Die Bühne wirkte gut gefüllt und man vermisste (außer dem leuchtenden Weg) nichts. Im Publikum fanden sind – wohl auch, weil die Show eben nichts Neues mehr ist – weniger der üblichen Promis, dafür um so mehr Künstler und Musicaldarsteller, die man aus anderen Stücken kennt. Auch von der Originalbesetzung von 2002 waren viele Darsteller anwesend. Die Begeisterung kannte von Anfang an kein Halten und man konnte sich des Gefühls nicht erwehren, dass diese Show für viele Anwesende etwas sehr Persönliches hatte.

Im nicht mehr vorhandenen Orchestergraben wurde noch weiter abgespeckt, was dem Synthesizer-Sound von ABBA aber ehrlicherweise keinen Abbruch verleiht. Die verbliebenen Musiker sorgten der Leitung von Hannes Schauz im ganzen Saal für einen guten Klang, dem es jedoch ab un am Druck fehlt.

Die drei Freundinnen Sophie, Ali und Lisa werden von Rose-Ann van Elswijk, Lyssa Tejero und Bathoni Buenokuor schön frech gespielt. Sie harmonieren gut und haben sichtlich Spaß an ihrem Job. Insbesondere Sophie wirkt in der aktuellen Inszenierung noch ein wenig forscher und selbstbewusster als früher, was den Zeitgeist gut wiederspiegelt.

Auch „Donna und die Dynamos“ sind sehr gut gecastet: Sabine Mayer kann ihre Erfahrung als Donna in Stuttgart und Berlin voll ausspielen und zeigt sowohl die angespannt-genervten als auch liebevollen Seiten der alleinerziehenden Mutter sehr glaubwürdig. Jennifer van Brenk hat als überspannte Jet Setterin Tanja die Lacher auf ihrer Seite, wird aber von Franziska Lessing als Rosie fast an die Wand gespielt. Lessing merkt man die letzten Jahre in den Produktionen der „Schmidt Familie“ an: Ihre Gestik und Mimik sind gnadenlos komisch und ihre Timings sind perfekt. „Chiquitita“ isgt einmal mehr eines der Highlights des Abends.

Die drei potentiellen Väter (nein, auch diesmal wird nicht verraten, wer es denn nun eigentlich ist) werden in der Premiere von Karim Khawatmi (als Ersatz für den erkrankten Sascha Oliver Bauer), Tetje Mierendorf und Detlef Leistenschneider gespielt. Khawatmi als Sam und Leistenschneider als Harry können ebenfalls auf ihre Kenntnisse aus vorherigen Engagements in diesen Rollen zurückgreifen. Entsprechend wirken beide sehr souverän und authentisch in ihren Rollen, die unterschiedlich kaum sein könnten. Den Dritten im Bunde, den Weltenbummler und von Tanja liebevoll „nordischen Fischfritzen“ genannten Bill, gibt mit Tetje Mierendorf ebenfalls kein Unbekannter. So putzig Leistenschneiders Harry ist, so rau und dennoch nahbar ist Mierendorfs Bill.

Die geplante Inselhochzeit wäre nicht komplett ohne den Bräutigam, Sky, der von Naidjim Severina gespielt wird. Das Hochzeitspaar ist in dieser „Mamma Mia“ Inszenierung lange nicht mehr so unschuldig, wie es vor 20 Jahren der Fall war, van Elswijk und Severina harmonieren sowohl schaupielerisch als auch gesanglich sehr gut.

Ich stehe nach wie vor dazu, dass ich die Handlung hanebüchen finde, doch blendet man diese zumindest teilweise aus und schaltet die Logik ab, kann man sich von „Mamma Mia“ sehr gut unterhalten lassen. Die Farbwelten der Kostüme passen, die Schlaghosen-Anzüge sind auch weiterhin ein Augenschmaus. Die Musik funktioniert nahezu von allein, die Darsteller der neuen Hamburger Fassung sind authentisch und sorgen für klatschende und mitschwingende Zuschauer. Was möchte man mehr von einem Musical?

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Zehn Jahre nach dem letzten Vorhang in Metronom Theater wurde nun die Neue Flora grünifiziert und die neue, moderne Fassung des Broadway-Hits „Wicked“ feierte (Corona-bedingt ein Jahr später als geplant) am 5. September 2021 Premiere.

Gleich vorneweg: Dem Vergleich mit der Original-Produktion hält diese Tourfassung nicht stand. Nicht ohne Grund hat „Wicked“ nach seiner Weltpremiere Tony Awards für die besten Kostüme und das beste szenische Design bekommen. Doch die magische Welt von Oz, das in jedem Detail grüne Glitzern der Emerald City, das fiel in der neuen Inszenierung der Modernisierungsschere zum Opfer.

Es ist völlig legitim, ein Stück, dass schon 18 Jahre alt ist, auf Herz und Nieren zu prüfen und zu schauen, ob es noch „State of the Art“ ist und künstlerische Elemente noch funktionieren. Das wird beim „Starlight Express“ seit Jahrzehnten erfolgreich praktiziert und auch eine „Evita“ kommt immer mal wieder in modernerem Gewand daher.

Doch warum etwas ändern, das in sich stimmig ist, wo alle Gewerke perfekt harmonieren und dass das Publikum in New York und London auch nach 18 Jahren noch jeden Abend begeistert von den Sitzen reißt?

Wie immer spielt das Geld eine entscheidende Rolle: Schon der Drache über dem Bühnenportal ist nur bedingt für den Tour-Betrieb geeignet. Die überbordende Farben-, Design und Detailvielfalt der Kostüme verschlingt ebenfalls Unsummen. Ganz zu schweigen von einem 25-köpfigen Orchester wie in der Originalproduktion. Ein Drittel davon muss für die Neuinszenierung reichen.

Das lokale Kreativ-Team (Regie: Lindsay Posner, Choreografie: Fabian Aloise, Set-Design: Jon Bausor, Kostüme: Moritz Junge, Music-Supervisor: Sebastian de Domenico) möchte „für Hamburg ein neues, modernes „Wicked“ schaffen. Ein anderes „Wicked“. Ein Musical-Märchen, magisch, aber doch voller Humor. Inhaltlich in Teilen brandaktuell, fast schon politisch, aber auch klassisch-berührend.“, so Posner. Man wollte eine komplett neue Kostümwelt erfinden, ein zeitgemäßes Bühnenbild kreieren sowie urbane Choreografien, die die Story voranbringen, aber nicht zu stark von ihr ablenken. Soweit die Aussagen der Kreativen in der Pressemappe der Stage Entertainment.

Das Kreativ-Team muss sich an seinen eigenen Zielen messen lassen. Ein anderes „Wicked“ bringen sie ganz sicher auf die Bühne. Aber ist es wirklich so modern und neuartig wie angestrebt? Eine neutrale Betrachtung wird zwangsläufig schwer, denn innerlich vergleicht man immer wieder mit der Fassung am Broadway oder London. Hat man diesen Vergleich jedoch nicht, lohnt es sich, sich auf das neue „Wicked“ einzulassen.

Das Publikum findet sich unter den herumfliegenden Trümmern von Dorothys Haus wieder. Im Schachbrett-Verfahren platziert, sieht der Saal auch gut gefüllt aus.

Es fällt direkt ins Auge, dass in der Neuinszenierung der Fokus auf Videoprojektionen anstatt handwerklicher Kulissen liegt. Anstatt verschiedener Spielorte spricht Glinda fast ausschließlich vom Balkon des angedeuteten Oz-Wolkenkratzers zu ihren „Mitbürger:innen“ (diese Anrede wird von Glinda nur an dieser Stelle verwendet).

Ein rosa beleuchteter Kreis fliegt von oben in die Eröffnungsszene und wird ruckelnd auf dem Balkon platziert, auf dem dann Glinda auftaucht und die wartende Menge (allesamt in identischen gründen Regenmänteln) über den aktuellen Stand zu Elphabas Verbleib aufklärt. Magische Seifenblase? Fehlanzeige!

So wie Glinda auf dem Balkon steht, erinnert das Geschehen an die bekannte Szene aus „Evita“ („Don’t cry for me, Argentina“). Die gleichförmigen Bewegungen der Ozianer tragen gemeinsam mit den identischen Regenmänteln dazu bei, dass man den Eindruck bekommt, hier handele es sich um Bürger ohne eigene Gedanken. Da hilft auch der alles überragende Regenbogen, der im Verlauf der Inszenierung mehrfach zum Einsatz kommt, nicht. Während Glinda von „Propaganda und Contraganda“ spricht, tanzen die Ozianer mehrfach dasselbe. In der Tat lenken diese Choreografien von der Handlung nicht ab. Die deutschen Dialoge (Ruth Deny) bleiben holprig und leider nur allzu häufig verkrampft witzig.

Das erste Treffen in der Universität erinnert optisch (projizierte Ziegelstein-Krypta, Schuluniformen in Gryffindor-Farben) sehr stark an Harry Potters Zauber-Schule Hogwarts. Madame Akaber wirkt in ihrem Flatter-Umhang und wackeligen Hut jedoch wie eine ältere, wenig souveräne Lehrerin und nicht wie die strippenziehende, bösartige Intrigantin, die sie tatsächlich ist.

Musikalisch bestimmen in der Neu-Inszenierung elektronische Instrumente den Klang. Dies wird nicht nur bei „Der Zauberer und ich“ überdeutlich. Dadurch geht sehr viel Gefühl verloren, es klingt alles recht nüchtern. Zusätzlich war das Sound-Design an diesem Abend (noch) nicht ganz ausgewogen und die Musiker haben die Sänger nicht selten übertönt. Dass die Projektionen nicht immer von Vorteil sind, zeigt sich hier ebenfalls, denn anstelle sich auf Elphaba und ihre Träume und Ängste zu konzentrieren, lässt man sich nur allzu leicht von den Sternen etc. rund um die Protagonistin ablenken.

Dass die Choreografien noch nicht ganz sitzen, sieht man in der Szene „Was fühl ich in mir?“ sehr deutlich. Viele nicht synchrone Schrittfolgen, eine Schlangenlinie anstelle einer geraden Reihe, alles noch nicht gänzlich überzeugend. Auch „Tanz durch die Welt“ wirkt durch den ziemlich plumpen Pop-Beat und etwas altmodische Hip-Hop-Elemente sehr holprig. Fiyeros Auftritt in der Uni-Mensa gerät hier beinahe zur Nebensache.

Deutlich kritisieren kann man, dass auf Deutsch von der „Ozkothek“ als dem angesagtesten Tanz-Club gesprochen wird, in diesem allerdings „Oz Dust Ballroom“ (die englische Bezeichnung) auf dem DJ Pult steht. Solche Inkonsistenzen müssen nicht sein.

Ein Highlight dieser Inszenierung ist – dank Jeannine Wacker als Glinda – „Heiß geliebt“: Sie quietscht nicht so arg beim Singen, aber spielt die Klischee-Tussi sehr glaubhaft. Wacker und Vajèn van den Bosch als Elphaba harmonieren nicht nur gesanglich gut, sondern ergänzen sich auch schauspielerisch. Van den Bosch überzeugt zudem mit „Ich bin es nicht“ durch viel Gefühl.

Irgendwann darf Elphaba zum Zauberer in die Smaragdstadt fahren: Der Zug erinnert mehr als nur vage an den 1940er Jahre Comic-Stil, die Kostüme sind wieder sehr gleichförmig und maximal zweifarbig. Von Grüntönen in allen erdenklichen Schattierungen und Designs, für die es 2004 einen Tony Award gab, sieht man hier nichts. Die Choreografien mit Zylinder und grünen Handschuhen wecken Erinnerungen große Ensemble-Nummern à la Bob Fosse und / oder „Chorus Line“. Sie stören das Gesamtbild nicht, aber neu oder urban ist hieran nichts.

Der Zauberer von Oz nutzt in der Neuinszenierung eine an Abraham Lincoln erinnernde Statue mit Wasserkopf, um die Ozianer einzuschüchtern. Die projizierte Mimik ist sehr hölzern und Frankenstein-ähnlich. Das hätte man mit modernen Mitteln sicherlich authentischer umsetzen können.

Der Zauberer selbst ist kein eleganter älterer Herr, sondern ausnehmend böse, nur auf seinen Eigennutz fokussiert und hat in Madame Akaber (übrigens unverändert im Schul-Outfit) seine hinterlistige Gespielin. Sofort wird von den fliegenden Affen als Spitzel gesprochen. Um das Wohlergehen der Tiere geht es dem Gespann in keinster Weise. Dass Elphaba hier nur noch weg möchte und zutiefst enttäuscht ist, kann man gut verstehen.

Es folgt der eigentliche Showstopper der Show: „Defying Gravity“, zu Deutsch „Frei und schwerelos“. Leider fingert Van den Bosch etwas lange an ihrem Besen herum und auch der aus dem Hintergrund zu Hilfe eilende Bühnenmitarbeiter hilft nicht, die Magie dieser Szene aufzubauen. Sanft an zwei Seilen hin und her schaukelnd, gibt Van den Bosch ein druckloses „Frei und schwerelos“ zum Besten und schwebt dann in bester „Mary Poppins“ Manier über die Köpfe der Zuschauer hinweg in den Rang.

Ja, die Szene ist anders als bisher, aber moderner als das mit Licht, Wind und Stoff gelungen eingefasste Hubpodest der Originalproduktion ist dieser Flug keinesfalls. Denn „Mary Poppins“ fliegt schon seit 2004 auf diese Weise durch die Musicaltheater dieser Welt…

Auf dem rosenumrankten Balkon des Oz-Towers überrascht eine etwas geknickt wirkende Glinda das Volk und Fiyero mit ihrer Verlobung. In Evita-Pose zelebriert sie unter dem allgegenwärtigen Regenbogen „Wie herrlich“ das Leben ist, nachdem Elphaba verschwunden ist. Die Flügelbewegung der Hände von den sie anhimmelnden Ozianern erklären sich vor allem vor dem Hintergrund der fliegenden Spitzel-Affen jedoch nicht wirklich.

Nach dem Tod des Vaters ist Nessa, Elphabas Schwester, die Gouverneurin. In einem spritzigen Elektro-Rollstuhl fährt sie über die Bühne. Für Spiegelfolie auf dem Standspiegel hat es offenbar leider nicht gereicht. Welchen Zweck diese Kulisse hat, bleibt im Verborgenen. Der Effekt ihrer sich von silbernem Diamantglitzer in die bekannten roten Schuhe verwandelnden Pumps ist hingegen gelungen. Pamina Lenn spielt und singt hier sehr intensiv, fast schon bösartig, als sie erkennt, dass Elphaba alles nur noch schlimmer macht.

Etwas befremdlich wirkt die Drehscheibe, auf der Elphaba und Fiyero ihre Zweisamkeit („Solang ich Dich hab“) genießen. Gesanglich ist dieses Duett jedoch sehr schön. Van den Bosch ist gefühlvoll intensiv und Naidjim Severina kann den Soul in seiner Stimme sehr effektvoll einsetzen.

Der von Madame Akaber herbeigeführte Wirbelsturm, dem Nessa zum Opfer fällt, um Elphaba aus ihrem Versteck zu locken, bleibt hinter den technischen Möglichkeiten zurück: Eine Strudelprojektion, ein paar Lichtblitze in den Trümmerkulissen an der Saaldecke, ein defekter Fernseher (gab es die damals schon?) auf der Bühne, dem unerwartet Dorothy entsteigt und von Glinda zum Diebstahl der roten Schuhe motiviert wird.

Glinda mutiert in dieser Szene optisch endgültig zur Barbie, sind ihre Korsage und die Volants um die Taille doch aus unbeweglichem Plastik geformt. Elphaba adressiert das „blonde Wonneproppenhirn“ ganz zutreffend…

Außer sich vor Wut zieht sich Elphaba in einen kirchenähnlichen Raum zurück. Der durch Lichtschienen auf den Boden dargestellte Stern bildet das Zentrum des Raums und soll augenscheinlich ein „Hexenkreuz“ darstellen. Warum dieser Stern auf der Bühne aber acht Ecken hat und kein Pentagramm mit den überlieferten fünf Zacken ist, verwirrt sehr. „Gutes tun“ ist sehr klassisch musicalesque inszeniert. Leider baut der Song so nicht die Intensität auf, die ihm innewohnt.

Nach dem „Marsch der Hexenjäger“, bei dem Moq (leider in einem Blechmannkostüm aus Stoff) in Anwesenheit des feigen Löwen direkt zur Tötung von Elphaba aufruft, finden Moq, Löwe und Vogelscheuche die grüne Hexe in ihrem Kirchenzimmer. Dorothy, die ebenfalls dabei ist, gießt einen Eimer mit Glitzerpartikeln über Elphaba, die daraufhin im Bühnenboden verschwindet und nur ihren Hut zurücklässt. Diese plakative Art der Inszenierung nimmt den Zuschauern jegliche Fantasie ab und greift einmal mehr auf veraltete kreative Möglichkeiten zurück.

Als der Zauberer von Glinda erfährt, dass er seine eigene Tochter auf dem Gewissen hat, liefert Andreas Lichtenberger ein weithin sichtbares mimisches Overacting ab. Der in dieser Inszenierung von sich so überzeugte Zauberer fällt unerwartet schnell in sich zusammen und verlässt Oz auf Nimmerwiedersehen.

Während Glinda ihrer Rolle treu bleibt, Madame Akaber wegsperren lässt und dem Volk als neue Anführerin die seifenblasig-rosige Richtung vorgibt, eilt Vogelscheuche Fiyero zu seiner Elphaba und befreit sie aus ihrem Versteck. Die Maske scheint jedoch für Severina nicht optimal zu sitzen, denn sein Gesang klingt doch allzu nasal.

Zurückgehend auf das Ziel des Kreativ-Teams, für Hamburg ein neues und modernes „Wicked“ zu schaffen, das mit viel Magie und Humor ein brandaktuelles, klassisch-berührendes Musicalmärchen ist, muss man leider feststellen, dass diese Ziele nicht erreicht wurden.

Weder ist die Neuinszenierung von „Wicked“ technisch auf einem besonders modernen Niveau, noch sind die Kostüme sonderlich kreativ – im Gegenteil. Das penetrante Einblenden des Regenbogens, der spärliche Einsatz von genderkonformer Sprache und ein Hexenjäger-Schild, das proklamiert, dass „Hexen schlecht für das Klima“ sind, machen die Show nur oberflächlich politisch. Da viele Zusammenhänge nur allzu plastisch gezeigt werden, brauchen die Zuschauer auch kaum mehr nachzudenken, um der Handlung folgen zu können. Einzig die Choreografie wird ihren Zielen gerecht: Sie fällt so wenig auf, dass man im Nachhinein kaum zu sagen vermag, ob sie nun urban war oder nicht.

Das neue „Wicked“ hätte neben all diesen äußeren Faktoren auch schlichtweg durch herausragende Darsteller punkten können. Doch leider kann Jeannine Wacker die Show nicht allein tragen. Das wäre auch gar nicht die Aufgabe der Glinda. Vajèn van den Bosch überzeugt in erster Linie in den Duetten, solistisch scheint ihr jedoch leider manches Mal – sicher auch aufgrund des nicht ganz optimalen Sounds – der Halt zu fehlen, weshalb Songs wie „Frei und schwerelos“ und „Gutes tun“ nicht wirklich zünden.

Susanne-Elisabeth Walbaum und Andreas Lichtenberger bleiben als Duo Infernale hinter den Erwartungen zurück. Es mag an der Personenregie liegen, dass die beiden nicht an die spitzfindigen Interpretationen ihrer Rollenvorgänger anknüpfen können, ist aber sehr schade.

Schauspielerisch und gesanglich können Gianni Meurer als Dr. Dillamonth und Pamina Lenn als Nessarose Glanzpunkte setzen, doch auch sie können das Ruder nicht herumreißen.

Führt man sich vor Augen, dass die teuersten Tickets in Hamburg mit allen Gebühren 170 Euro kosten, während man in London eine wesentlich opulenter ausgestattete Inszenierung in derselben Preiskategorie für „nur“ 150 Euro anschauen kann, stellt sich wirklich die Frage, ob künstlerische Ziele bei dieser Neuinszenierung überhaupt eine Rolle gespielt haben.

Michaela Flint
gekürzt erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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Die Idee an sich, atemberaubende Artistik-Nummern aus dem Cirque Du Soleil mit einer emotionalen, mitreißenden Musicalgeschichte zu verbinden, hat definitiv viel Charme. Doch genau hieran krankt „Paramour“: Die im Hollywood der ersten glamourösen Tonfilme angesiedelte Handlung rund um den besessenen, egoistischen Regisseur AJ, seine neue Muse Indigo (eigentlich Mildred) und deren in sie verliebten Pianistenfreund Joey zündet leider nicht. Die Story der zwischen zwei Männern und deren sich sehr unterscheidenden Lebensweisen hin- und hergerissenen Frau ist über weite Strecken vorhersehbar und die Charaktere sind nur sehr oberflächlich ausgearbeitet.

Dies wäre verzeihbar, wenn die optischen Elemente, die Musik und/oder die artistischen Einlagen so bahnbrechend wären, dass sie davon ablenkten. Das Bühnenbild von Jean Rabasse ist noch sehr gelungen, aber die dauerhaft goldene Grundstimmung und die immer wiederkehrenden gleichförmigen Videoprojektionen, wenn der Pantomime Buster die Bühne betritt, sind irgendwann nicht mehr spannend.

Andreas Carlsson hat gefällige Songs für diese Show geschrieben, aber auch sie bleiben inhaltsleer und können sich nicht festsetzen (deutsche Adaption: Daniel Große Boymann). So schwach die Hauptfiguren agieren, so asynchron tanzen auch die Damen des Ensembles. Für beides zeichnet Regisseur Sergio Trujillo verantwortlich. Von der Stage Entertainment ist man durchaus andere Qualität gewöhnt.

Vajèn van den Bosch, Pasquale Aleardi und Anton Zetterholm sind für die Europapremiere in der Neuen Flora als Hauptdarsteller gewählt worden. Es mag sein, dass diese drei dem angedachten Rollenprofil am ähnlichsten sind, doch überzeugen kann leider keiner von ihnen. Van den Bosch ist eine hübsche Erscheinung, ganz wie man es von einer Muse erwartet. Ihr Akzent ist jedoch sowohl in den Dialogen als auch im Gesang nicht zu überhören. Pasquale Aleardi spielt den zielstrebigen Regisseur sehr energisch, doch Gesang ist eindeutig nicht seine Stärke. Auch wirkliche Gefühle mag man ihm nur ganz schwer glauben. Anton Zetterholm scheint sich in dieser Show unter Wert zu verkaufen. Dass er singen und auch spielen kann, weiß das Hamburger Publikum nicht zuletzt dank „Tarzan“. Doch irgendwie scheinen ihm die Songs nicht zu liegen und die emotionale Verletztheit als ihn die von ihm angebetete Millie scheinbar den Avancen von AJ nachgibt, kommt beim Publikum nicht an.

Wenn man nun auf die vielfach angepriesenen Artisten aus dem Cirque Du Soleil hofft, wird man bedauerlicherweise auch hier enttäuscht: Mit wenigen Ausnahmen sind die akrobatischen Elemente zwar eine nette Abwechslung und schmückendes Beiwerk zur Handlung, aber der Wow-Faktor fehlt.

Eine dieser Ausnahmen sind die beiden Herren, die sich an Seilen über die Bühne und die Köpfe der Zuschauer in den vorderen Reihen in die Höhe schwingen und dort zahlreiche Figuren gemeinsam oder solistisch zum Besten geben. Auch der Einradfahrer in einer der ersten Szenen vollbringt – zusammen mit seiner Partnerin – Beachtliches.

Das, was man sich eigentlich von der kompletten Show gewünscht hätte, ist die Szene, in der sich Indigo für einen der beiden sie umwerbenden Männer entscheiden muss: Zunächst sind die drei Darsteller zu sehen und zu hören, dann treten die Schauspieler in den Hintergrund und machen die Bühne frei für drei Artisten, die das Hin- und Hergerissensein Indigos und das Werben der Männer artistisch sehr eindrücklich und mit einer atemberaubenden Geschwindigkeit visualisieren. In diesen 4-5 Minuten geht das Konzept vollends auf und das Publikum ist zurecht begeistert.

Direkt danach sinkt das Niveau aber wieder und die obligatorische Verfolgungsjagd über Hausdächer inklusive Trampolinartisten facht die Begeisterung an diesem Abend leider auch nicht mehr an.

Mit am amüsantesten ist die Pausenshow von Buster, der die nach der Pause gemächlich wieder in den Saal zurückkehrenden Zuschauer mit allerlei Kunststücken und pantomimischen Frechheiten sowie Selfies unterhält. Hier macht das Zuschauen richtig Spaß!

Es ist schade, dass die Kombination aus Musical und Akrobatik bei „Paramour“ nicht funktioniert. Man hätte auf ein Ineinandergreifen der beiden Genres gehofft, auch ein sich gegenseitiges Ergänzen und Bereichern. Doch so, wie es in der Neuen Flora gezeigt wird, springt der Funke leider nicht über.

Michaela Flint

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