Mit „Grimm!“ von Peter Lund (Buch) und Thomas Zaufke (Musik) haben sich die Dozenten im wahrsten Sinn ein „ausgezeichnetes“ Stück ausgesucht, denn 2015 erhielt diese ungewöhnliche Auseinandersetzung mit den Märchen unserer Kindheit den Deutschen Musical Theater Preis für das „Beste Buch“.

Erzählt wird die Geschichte von Dorothea und Grimm, besser bekannt als Rotkäppchen und der böse Wolf. Dorothea ist es Leid von allen als Rotkäppchen bezeichnet zu werden, immerhin ist sie ja schon 14 Jahre alt und das dörfliche Korsett geht ihr mächtig gegen den Strich. Sie ist neugierig und abenteuerlustig und geht im Wald auf Entdeckungsreise. Sie trifft auf Grimm, der sich sofort in die süße Blondine verliebt. Auch Dorothea verliebt sich, doch die beiden haben eine Menge Vorurteile auf beiden Seiten des Zauns zu beseitigen…

Dorothea möchte, dass Grimm die Tiere im Dorf kennenlernt, denn dort gibt es viele Geschichten vom bösen Wolf, die so auf Grimm nicht zutreffen und Dorothea möchte, dass die Dorfbewohner ihren Grimm so kennenlernen, wie er wirklich ist. Grimm wiederum ist voller Hass gegen die Menschen – das blutrünstigste und grausamste Tier der Erde – da sie seine Eltern umgebracht haben. Er ahnt nicht, dass Dorothea auch ein Mensch ist, da er selbst bisher nie einen Menschen gesehen hat.

Der Bürgermeister des Dorfs ist Sultan, der mit seinem ziemlich feigen Sohn, dem Jäger Rex, für Ordnung sorgt. Dass es Sultan ist, der Grimms Eltern auf dem Gewissen hat, weil er seine eigene Haut retten wollte, erfährt Grimm zum Glück nicht. Rex ist der beste Freund von Dorothea und sehr argwöhnisch hinsichtlich ihrer neuen Bekanntschaft. Ihm wäre es am liebsten, sie würde diese gefährliche Bestie weder treffen noch ins Dorf bringen.

Diese Meinung teilt Schweinchen Schlau, die ihre Schwestern Schweinchen Doof und Schweinchen Dick zunächst noch gut im Griff hat. Auch gelingt es ihr, die Erzählungen einiger Dorfbewohner so umzudrehen, dass daraus die Märchen vom „Rotkäppchen“ und dem „Wolf und den sieben Geißlein“ werden, die jedes Kind kennt. Doch die Wahrheit war ganz anders.

Das belegt auch die alleinerziehende Ziege Gisela, die mit ihren sechs Geißlein ebenfalls im Dorf lebt. Sieben sind es nie gewesen.

Dann gibt es noch Oma Eule, die sich schon vor langem aus dem Dorf zurückgezogen hat und als „wunderliche Alte“ verschrien, glücklich mitten im Wald lebt. Sie war es auch, die nicht nur Grimm aufgezogen hat, sondern auch Schweinchen Wild Obdach gibt.

Im Laufe der Handlung verlieben sich Schweinchen Dick, das in Wirklichkeit gar nicht dick ist, und Schweinchen Wild, das optisch sehr an Scaramouche aus „We Will Rock You“ erinnert, ineinander. Sie kämpfen mit den Vorurteilen ihrer Umgebung und müssen auch bei sich selbst einige Mauern einreißen, bevor sie endlich zu ihrer Liebe stehen können.

Schweinchen Schlau mutiert immer mehr zum Möchtegern-Diktator des Dorfes – gerade in der heutigen politischen Umgebung ein wunderbarer gesellschaftlicher Spiegel der Tatsache, wie einfach sich Menschen beeinflussen lassen. Doch am Ende ist es Schweinchen Doof, das eigentlich gar nicht doof, sondern nur etwas schusselig ist, welches die Pläne ihrer Schwester verrät.

Für Dorothea und Grimm gibt es kein Happy End, da die Mauern in den Köpfen der meisten Dorfbewohner einfach zu hoch sind und es auch beiden nicht gelingt, sich von diesen Vorurteilen selbst zu befreien.

„Grimm!“ sprüht nur so vor Wortwitz und Anspielungen auf die heutige Zeit. Es ist spannend, wie man eine bekannte Geschichte so entzaubern kann, dass plötzlich alles in einem ganz anderen, nicht weniger schlüssigen Licht erscheint.

Musikalisch bedient Zaufke von Swing über Walzer bis hin zu „klassischem“ Musical-Pop eine breite, sehr gefällige Klaviatur. Die Rahmenbedingungen dieses Stücks sind schlichtweg perfekt!

Auch die Umsetzung in Mainz kann getrost als sehr gelungen bezeichnet werden. Die Bühne, hier insbesondere die Bäume, hat Nathalie Meyer mehr als nur zweckdienlich gestaltet. Die Kostüme (Claudia Wehner) haben hingegen eher Amateurniveau. Die Teddyfellfetzen an den Hüten der Hunde und die unterschiedlichen Plüschkleider der Geißlein sind ganz süß, aber insgesamt bleiben die Kostüme im Hintergrund.

Claudia Wehner (Mainzer Kammerspiele) hat das Abschussprojekt inszeniert und hierbei sehr gute Arbeit geleistet. Sie wird in ihrer Regie jedem der so besonderen, teils arg exzentrischen Charaktere gerecht, überzeichnet diese in einem verträglichen Maß, ohne jedoch den Blick für das durchaus jüngere Zielpublikum zu verlieren.

Eine schwere Aufgabe hatte offenbar Chris Ertelt, die zu Zaufkes schwungvollen, abwechslungsreichen Melodien ebenso mitreißende Choreographien auf das Parkett bringen musste. Leider waren diese jedoch mehrheitlich wenig anspruchsvoll und zudem noch asynchron ausgeführt. Ob dies an den Choreographien an sich, zu wenig Probenfokus auf diesen Bereich oder dem individuellen Tanztalent der Absolventen lag, ist schwer zu beurteilen.

Die musikalische Leitung lag in den Händen von Björn Breckheimer. Wie auch schon in den letztjährigen Weihnachtsprojekten der Musical Arts Academy werden Stärken und Schwächen einiger Nachwuchsdarsteller insbesondere im Gesang deutlich. Im Bereich Schauspiel können hingegen alle 10 Absolventen überzeugen.

Breckheimer und Ertelt haben gemeinsam über die Besetzung der Rollen entschieden. Wie immer kann man hier unterschiedlichster Ansicht sein. Doch Làszló Nagy ist es sehr gute Wahl für Grimm. Er kann die Zerrissenheit, das Wilde sowie die Sanftheit und Verletzlichkeit der vermeintlichen Bestie sehr gut transportieren. Einzig bei schnellen Gesangspassagen mit viel Text wird es aufgrund seines Akzents manchmal schwierig ihm zu folgen.

Valerie Wilhelm gibt eine sympathische Dorothea, deren Energie und Willen, die alten Zöpfe abzuschneiden, spürbar ist. Leider kann sie gesanglich und tänzerisch nicht ganz so überzeugen.

Für viele lustige Momente ist Christin Reiter als Gisela Geiß zuständig. Wenn sie meckernd ihre Soli singt (und dabei ihre schöne Stimme mutwillig „verzerrt“) oder den bei ihren Geißlein unfreiwillig babysittenden Wolf lüstern zu verführen versucht, sorgt das für großes Gelächter.

Nathalie Hack kann als Oma Eule aus dem Vollen schöpfen. Ihr liegen exzentrische Charaktere, und auch wenn sie ihr tänzerisches Können in dieser Rolle nicht zeigen kann, ist ihre Spielfreude ansteckend. Ähnliches gilt für Sol Spies als Schweinchen Wild: Sie sieht nicht nur aus wie eine rotzige Göre, ihr Habitus und ihre Sprache sind absolut entsprechend. Ihr macht dieses unangepasste Schwein sichtlich Spaß! Gesanglich bleiben aber sowohl Spies als auch Hack hinter den Erwartungen zurück.

Amina Liedtke darf als Schweinchen Doof ihre Vielseitigkeit zeigen: Sie spielt das Dummchen genauso glaubwürdig wie das an Gollum erinnernde fiese Schweinchen. Zudem singt und tanzt sie in jeder Szene einwandfrei. Sie kann alle drei Sparten des Musicals gleichermaßen gut bedienen, dennoch empfiehlt sie sich mit ihrem Gespür für Comedy und das Publikum eher für komische als dramatische Rollen.

David Lee Krohn spielt nicht nur Rex, er hat das Stück mit seinen Mitschülern auch musikalisch einstudiert. Krohn kann sich sehr gut in Charaktere einarbeiten, er spielt auch den wankelmütigen Hund absolut glaubwürdig. Schade, dass man von seiner sehr guten Stimme an diesem Abend kaum etwas hört.

Der komplette Abschluss-Jahrgang hat bereits Engagements über den Sommer. Das zeigt sowohl die hohe Qualität der Ausbildung in Mainz als auch das gute Netzwerk des Leitungsteams, dem das Wohl seiner Schützlinge auch nach der Ausbildung am Herzen liegt. Mit dieser Abschlusspräsentation haben die Kreativen die Latte für nachfolgende Jahrgänge sehr hoch gelegt.

Michaela Flint
gekürzt erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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In Darmstadt hat nun Sigrun Fritsch ihre sehr freie Adaption des Kinderbuchklassikers auf die Bühne der Kammerspiele gebracht. Die Berliner Initiative Rapucation (Robin Haefs) und das Freiburger Aktionstheater PAN.OPTIKUM (Sigrun Fritsch) erarbeiten seit sechs Jahren gemeinsame Projekte für und mit Kindern und Jugendlichen. Zugrunde liegt immer die Kombination von Schauspiel, Rap und Tanz. Auch für „Alice!“ haben sich zahlreiche Darmstädter Jugendliche gemeldet, die freiwillig und aus Spaß an der Freud ihr Können unter Beweis stellen. Die über 30 Jugendlichen haben unterschiedlichste Hintergründe – von Flüchtlingskindern bis hin zu tanz-, schauspiel- und gesangserfahrenen Teenagern ist alles vertreten. Diesen bunten Haufen zu einer harmonischen Einheit zu machen, war sicherlich keine leichte Aufgabe, doch es gelingt Fritsch und Haefs.

„Alice!“ wurde als ‚Schauspiel mit Musik’ angekündigt. Die Musik stellt sich als leider recht eintöniger Rap heraus, der zwar inhaltlich gute Botschaften vermitteln möchte, jedoch in fast allen Songs gleich klingt. Somit kann man nicht von einem musikalischen Highlight sprechen.

Ein so großes Ensemble sinnhaft zu platzieren, ist eine Herausforderung. Doch Fritsch hat 12 bewegliche Bühnenelemente als einzige Kulissen für ihre Inszenierung vorgesehen und die Nachwuchskünstler sind viel damit beschäftigt, diese in Position zu schieben und mit Keilen (!) zu arretieren. Außerdem bietet diese vielfältige Spielwiese unzählige Möglichkeiten, um 30 Darstellern Raum zu geben.

Die Szenenbilder, die mithilfe dieser Blöcke entstehen, sind zum Teil sehr gelungen (bspw. der Fluss, den Alice durchquert oder die Gerichtsverhandlung der beiden (!) Hutmacher), auch wenn man teilweise sehr viel Phantasie braucht, um aus dem schwarzen Raum mit schwarzen Quadern die bunte, blühende Welt zu erschaffen, in der Alice ihre Abenteuer besteht.

Der Märzhase steht bei dieser Produktion übrigens gleich sieben Mal auf der Bühne. Doch diese Hasen sind das verbindende Element. Sie sind in jeder Szene präsent – sei es nun aktiv oder als diejenigen, die sich – gern auch mal spielerisch – um die korrekte Platzierung der Blöcke kümmern. Die Hasen sind es auch, die den größten Rap-Anteil haben: „Alles, was wir können“, „Ich falle“ oder das finale „Es wird niemals wie es war, aber alles wieder gut“ sind moderne, gut getextete Raps, die einigen Jugendlichen erfrischend leicht über die Lippen gehen.

Das Tanzelement ist dagegen weniger ausgeprägt. Vielmehr bewegen sich die Darsteller in mehr oder weniger präzisen Abfolgen über die Bühne und Kulissen. Einzig nach der finalen Auseinandersetzung von Alice mit der roten Königin, in der sie die Herrscherin mit dem Glauben an sechs unmögliche Dinge in die Flucht schlägt, gibt es eine ansatzweise durchchoreographierte Szene vor einem großen Spiegel.

Die Macher richten sich mit ihrem Stück an Jugendliche, wollen mit „Alice!“ deren Probleme reflektieren und die Teenager dort abholen, wo auch immer sie gerade in ihrem Leben stehen. Alice befindet sich laut Fritsch, die mit ihrem Stück Lewis Carrolls Werk auf den Kopf stellen möchte, gerade in einem Zustand ständiger Verwandlung, mit dem sich insbesondere Heranwachsende gut identifizieren können sollen. Das ist etwas an den Haaren herbeigeholt und wird im Laufe der 80-minütigen Spielzeit auch nicht weiter vertieft.

Interessant ist, dass das Stück laut Theater-Website ab 13 Jahren empfohlen wird, während auf dem Ticket eine Altersempfehlung von 15 Jahren abgedruckt war. Ehrlich gesagt ist dieses Stück allenfalls für Abiturienten mit Deutsch-Leistungskurs und Theater-Besucher mit einer ausdrücklichen Vorliebe für experimentelles Theater geeignet. Es ist weder inhaltlich leichte Kost, noch inszenatorisch oder tänzerisch so kurzweilig umgesetzt, dass man den pädagogischen Anspruch erkennen könnte, den die Kreativen von Rapucation und PAN.OPTIKUM vertreten.

Dass „Alice!“ sehr frei nach Carroll entstanden ist, merkt man deutlich. Es fallen zwar immer wieder bekannte Namen wie Hutmacher, Jabberwocky oder rote Königin, aber die Handlung ist nur entfernt angelehnt an die Originalgeschichte und durch die Vielzahl an Hasen, den doppelten Hutmacher, die fehlende Grinsekatze, dafür aber mit Hund, fällt es dem Zuschauer schwer, einem roten Faden zu folgen. Auch diese Interpretation ist kein Baustein in der Erfolgsgeschichte von „Alice“ als Musical.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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