Die Ankündigung für die Premiere von „Jekyll & Hyde – ein Albtraum“ liest sich sehr spannend. Frank Wildhorns Musical gehört zu den anspruchsvollsten, die die Musicalwelt zu bieten hat. Was Regisseur Friedrich von Mansberg und die neun Jungdarsteller aus dem Stoff gemacht haben, wirkt leider manchmal etwas wirr. Die Bezüge der Handlung aus dem viktorianischen London ins Corona-geplagte hier und jetzt sind leider nicht sehr stimmig.

Ausgehend von Henry Jekylls Tod (allein und nach einem Kampf mit einem unsichtbaren Feind) werden seine letzten Monate in einer Rückblende erzählt.

Dabei werden viele Songs nur angespielt, teils auch mit leicht angepassten Texten (Musikalische Leitung: Daniel Stickan). Kein Wunder, wenn man die komplette Handlung in nur 65 Minuten unterbringen möchte. Gerade die Ensemble-Nummern wie „Fassade“ oder „Mörder“ klingen jedoch sehr gut. Das Vocal Coach Anna Schwemmer intensiv mit den Jugendlichen gearbeitet hat, beweisen insbesondere Miriam Wantikow als Lisa Carew und Jona Hoek als Lucy Harris. Beide zeigen nicht nur beachtliches schauspielerisches Können, sondern setzen auch gesanglich Maßstäbe in diesem Ensemble: „Du weißt wer ich bin“ und „Jemand wie Du“ gehören zu den solistischen Highlights der Show. Ihr Duett „Nur sein Blick“ jagt einem die Tränen in die Augen.

Jekyll und Hyde hat von Mansberg mit zwei Jugendlichen besetzt. Lasse Kuk (Henry Jekyll) und Arndt Möller (Edward Hyde) teilen sich an diesem Abend eine der schwierigsten männlichen Musicalrollen. Kuk spielt sehr gut, ist aber – wer kann es ihm verdenken – mit den Showstoppern „Dies ist die Stunde“ und „Konfrontation“ gesanglich deutlich überfordert. Hier kommen auch gestandene Musicaldarsteller an ihre Grenzen. Möller hat eine düstere Erscheinung, wirkt aber manchmal etwas zu nett. In den tiefen Lagen singt er durchaus ansprechend. Aber leider kann er Wildhorns musikalischen Vorgaben an diesen bösartigen Charakter nicht gerecht werden.

Ein schöner Regieeinfall ist es, Hyde die Waffe, mit der Jekyll sich umbringt, „telepathisch“ führen zu lassen. Plakativer kann man nicht darstellen, dass Jekyll sich gegen sein bösartiges Alter Ego Hyde nicht mehr wehren kann.

Auch die Szene, in der Lucy in Henry einen Freund sucht und Hyde auf ihr Flehen antwortet, ist sehr clever umgesetzt.

Weitere Figuren wie Utterson (Fenja Gerken), Nellie (Belana Pittin), Sir Danvers (Sascha Littig, der einzige Erwachsene auf der Bühne), Simon Stride (Janosh Kratz) und Laurie (Morgane Meuthien) spielen in dieser Inszenierung so gut wie keine Rolle. Gerade im Fall von Gerken und Kratz ist dies bedauerlich, denn beide glänzen in ihren wenigen Momenten im Rampenlicht.

Apropos Licht, Barbara Bloch (Kostüm und Bühne) schafft mit den beiden Glaskästen links und rechts der Bühne eine teils gespenstige, undurchsichtige Atmosphäre, die perfekt zum Thema passt.

Wie eingangs erwähnt, wirkt der Bezug zu aktuellen Nachrichten wie den Black Lives Matter Demonstrationen in den USA oder den Ausschreitungen in Belarus an den Haaren herbeigezogen. Ob sich Jekylls Arbeit an einem Mittel gegen das omnipräsente Virus nun auf Corona bezieht oder nicht, bleibt nebulös.

Nichtsdestoweniger beweist das Junge Theater Lüneburg auch mit dieser Inszenierung, dass man auch aus Spaß an der Freud wirklich gute Unterhaltung auf die Beine stellen kann.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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Auch für das vor 20 Jahren zum ersten Mal am Broadway gezeigte Musical von Frank Wildhorn und Leslie Bricusse gelten diese Rahmenbedingungen. Neil Irish hat eine sehr treffende Umgebung für die schaurige Geschichte des experimentierfreudigen Dr. Jekyll und mordlüsternen Edward Hyde geschaffen: Die sechsköpfige Band nimmt (in zeitgenössischen Kostümen) auf der Empore Platz, die an der Balustrade den Blick frei gibt auf die darunter liegende Rundbühne, deren rückwärtige Hälfte durch reich gefüllte Laborregale begrenzt und an den Seiten von einer groben Holzkonstruktion und Metalltreppen flankiert wird.

So stimmungsvoll wie die Bühne sind Irish auch die Kostüme gelungen, die allesamt perfekt ins viktorianische London passen, wo die Geschichte von Jekyll/Hyde, Emma und Lucy bekanntlich spielt.

Wildhorns Kompositionen wurden für die Inszenierung in Frankfurt von Tom Attwood großteils neu arrangiert, was irritierende Elemente Spanischer Gitarre, Club-Sounds und Sprechgesang hervorbringt. Dass der „eher orchestralen Musik“ durch diese Überarbeitung wie in der Pressemitteilung angegeben „härtere Rockklänge“ gegenüberstehen, muss jedoch nach dem Besuch der Premiere eindeutig angezweifelt werden. „Dangerous Game“ in aktuellem Club-Sound zu spielen, will so gar nicht so diesem düsteren, sexuell aufgeladenen Song passen. Hingegen ist die Idee „Actor-Musicians“ einzubinden, die als Stride oder Nellie keine unwesentlichen Rollen spielen und in anderen Szenen die Band an Klarinette und Cello unterstützen, sehr gelungen. Doch musikalisch sind diese neuen Arrangements recht fragwürdig.

John Addison, der schon 2014 im English Theatre als Sam in „Ghost“ zu sehen war, übernimmt die anspruchsvolle Titelrolle. Seine einschlägigen Erfahrungen als „Raoul“ oder „Marius“ sind schon in seinem ersten Solo unüberhörbar. Er singt sauber, klar und mit Kraft. Dass die Band ihn bei „Pursue the truth“ phasenweise übertönt (und sich dies im Laufe des Abends gerade in den Uptempo-Nummern mehrfach wiederholt), macht es Addison nicht gerade leichter.

Bei den Choreographien verschenkt Cydney Uffindell-Phillips viel Potential. Sie hat nur zwölf Darsteller auf der Bühne, die nicht alle geborene Tänzer sind, was man aber bei den in der Originalfassung eher ruckartigen Bewegungen bei „Facade“ oder „Murder“ auch nicht sein muss. Doch leider ist bei den weniger durchchoreographierten Szenen – mit Ausnahme der Schlussapplausordnung – keine Struktur erkennbar. Schade auch, dass die Gelegenheit nicht genutzt wurde, ausgerechnet am 11. November (an dem traditionell mit Mohnblumen Kriegsveteranen gedankt wird) die an die Gesellschaft verteilten Poppies in den Tanz einzubinden. So wedeln die Darsteller einfach nur unmotiviert damit herum, was leider wenig stilvoll ist.

Samantha Dorsey steht als Dr. Jekylls Verlobte Emma Carew auf der Bühne. Sie füllt die Rolle sehr gut aus, verleiht der vermeintlich angepassten Adelstochter ihren eigenen Willen und überzeugt gesanglich schon bei ihrem ersten Auftritt („Take me as I am“).

Als Nellie ist Jessica Singer zu erleben. Sie spielt und singt die Chefin im „Red Rat Club“ mit viel Leidenschaft und Sex Appeal. Unweigerlich fragt man sich, warum nicht sie für die selbstbewusste Lucy besetzt wurde, die nicht nur Jekyll/Hyde mit ihrem Spiel um den Finger wickelt. Stattdessen gibt Clodagh Long die Prostituierte, die am Ende Hydes Mordlust zum Opfer fällt. Long singt wunderschön und beinahe unschuldig, doch ihre eher kindliche Stimme, ihr braver Gesichtsausdruck und ihre wenig anrüchige Art sich zu bewegen, werfen Fragen nach der Auslegung dieses Charakters aus. Dazu kommt noch, dass „Bring on the men“ eher als blasse Moulin Rouge Version inszeniert wird, anstatt als schlüpfrig-deftige Anmachnummer in einem Bordell.

Dass Emma und Lucy nicht die beiden Welten der viktorianischen Ober- und Unterschicht repräsentieren, wird bei ihren wundervollen Duett „In his eyes“ klar: Die beiden wirken wie Zwillinge, die sich nur durch ihre unterschiedlichen Kleider unterscheiden. Mimik, Habitus und Stimmlage sind absolut identisch. Sehr schade, dass hier kein Wert auf Trennschärfe gelegt wurde.

Diesen Bruch mit dem Bekannten, das Abrücken vom Erwartbaren zieht sich an vielen Stellen durch diese Inszenierung von Tom Littler. Nicht nur Lucy, Nellie und das „Red Rat“ sind eher unspektakulär und die Charaktere blass, auch und gerade für Jekyll/Hyde legt Littler einen offenbar sehr schwachen Charakter zugrunde. Im Programmheft wird dargelegt, dass die Geschichte von Dr. Jekyll und Mr. Hyde schon immer falsch wahrgenommen wurde: Weder ist Dr. Jekyll ein guter Mensch, noch Hyde eine Zufallsentdeckung oder gar sein böses Alter Ego, gegen das er im Rahmen seiner Forschung ankämpft. Vielmehr ist Dr. Jekyll ein unterdrückter Mann, der seine aggressiven und sexuellen Neigungen als Edward Hyde endlich ausleben kann.

Legt man diese Denkweise zugrunde, kann man ansatzweise nachvollziehen, warum bei der Verwandlung von Jekyll in Hyde kaum eine Änderung wahrzunehmen ist – weder optisch noch stimmlich zeigt Addison eine deutliche Wandlung. In der „Confrontation“ wird noch deutlicher, dass sich Jekyll und Hyde nur marginal voneinander unterscheiden. Zwar wird mit gelungenen Lichtwechseln (Licht-Design: Richard G. Jones) der Kampf zweier Charaktere angedeutet, doch wirklich hören oder spüren kann man hiervon nichts.

Schöne Einfälle wie die permanente (gesellschaftliche) Beobachtung unter der Dr. Jekyll während einer Experimente steht (das Ensemble steht in weißen Kitteln an der Balustrade oberhalb des Labors und folgt dem dortigen Geschehen unter sichtbarer Anteilnahme) werden durch unerklärliche Einschnitte wie das spontane Wiederauferstehen der von Hyde Ermordeten während des Songs „Murder“ zunichte gemacht. „I am not dead yet“ stand letztes Jahr bei „Spamalot“ auf dem Programm. Da wirkt es schon unfreiwillig komisch, wenn Lady Beaconsfied und General Glossop sich mitten im Song wieder aufrichten und mitsingen. Als dann noch Lord Savages Kopf nach dem Überfahren durch den Zug am anderen Ende der Bühne wieder aufgefangen wird, ist die Grenze zur Persiflage überschritten.

Dass Dr. Jekyll bei seiner Hochzeit durch die ihm in einer Art Halluzination erscheinende blutüberschmierte Lucy plötzlich wieder zu Hyde wird, ist auch eher überraschend für die Gäste und trägt zur allgemeinen Verwirrung des Publikums bei.

Wildhorns und Bricusses „Jekyll & Hyde“ funktioniert, weil es in sich stimmig, düster, sexy und spannend zugleich ist, weil es verschiedene Welten gegenüberstellt, mit Klischees spielt und die Figuren perfekt in dieses Gesamtkonzept eingebettet sind. Nimmt man diesem Musical die zugrundeliegende Wechselwirkung von Gut und Böse und inszeniert es so scheinbar willkürlich wie Littler es in Frankfurt gemacht hat, bleiben viele Fragezeichen übrig.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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Yngve Gasoy-Romdal: Nein, das war nicht ganz so geplant. Aber ich habe gemerkt, dass ich eine Pause brauche. Natürlich sind viele Fans traurig oder wütend darüber und ich bekomme entsprechende Briefe. Aber das gehört dazu. Man muss sich selbst treu bleiben und seinem Herz folgen. Ich stehe zu meiner Entscheidung.

In den letzten beiden Wochen habe ich bei »Jekyll & Hyde« sehr viel Spaß gehabt. Es war eine Riesenstimmung im Saal und ich habe jede Vorstellung genossen.

Michaela Flint: Was hat Sie an dieser Rolle besonders gereizt?

Yngve Gasoy-Romdal: Kurz gesagt: Einfach alles! Erstmal ist es eine der schönsten Geschichten. Die Musik ist phantastisch und das Stück wurde von Dietrich Hilsdorf wunderbar kreiert. Und eine gespaltene Persönlich-keit darzustellen, ist ein Reiz für jeden Darsteller. Aber es hat Begren-zungen. Ich bin in eine Produktion hinein gekommen, die vor vielen Jahren in Bremen und Wien entstanden ist. Es wie ein Korsett, in den ich spielen muss. Man kann nicht immer neue Stücke selbst kreieren. Es gab von Anfang viele Vorgaben und ich habe versucht, mich da einzuschmelzen. Doch es gab viele Einschränkungen, was man machen kann und was ich daraus machen darf. Trotzdem habe ich versucht, etwas von mir einzubringen und jede Show zu etwas ganz Besonderem zu machen.

Michaela Flint: Welche Erinnerungen nehmen Sie von »Jekyll & Hyde« mit?

Yngve Gasoy-Romdal: Naja, ich sammele Narben. Während »Sunset Boulevard« hatte ich eine Blinddarmoperation, bei »Mozart!« wurde ich Meniskus operiert, bei »Die Schöne und das Biest« musste ich am Kopf genäht werden und hier bei »Jekyll & Hyde« habe ich an der Hand zwei Verletzungen bekommen, die auch genäht werden mussten.

Das alles ist entweder bei Proben oder sogar während der Show passiert. Es passieren immer solche Kleinigkeiten. Gott sei Dank ist bei »Jekyll & Hyde« nichts Großes passiert, denn wenn es da eine Panne gäbe, wäre das sehr gefährlich, weil die Bühne sehr technisch ist.

Michaela Flint: Suchen Sie sich Ihre Rollen bewusst so aus, dass der Charakter am Ende stirbt?

Yngve Gasoy-Romdal: (lacht) Das könnte man fast denken. Natürlich ist Dramatik für mich wichtig – ich bin auch privat eine hochdramatische Person. Und Sterben auf der Bühne ist für einen Schauspieler natürlich sehr dramatisch, aber zugleich auch sehr schön. Es ist ein bisschen merkwürdig, dass zu sagen, aber irgendwie genieße ich es auch.
Bei meinem Rollen ist das eher Zufall gewesen. Die Menschen, die ich gespielt habe, sind durch so viele Leiden gegangen und haben Geschichte geschrieben.

Michaela Flint: War es für Sie schwierig nach Wolfgang Mozart eine andere Rolle zu finden? Sie waren ja auf diesen Part doch sehr festgelegt – trotz aller kreativen Freiheiten…

Yngve Gasoy-Romdal: Nein, auch bei »Jesus Christ Superstar« habe ich viel selbst geschaffen. Aber diese Gedanken waren der Grund, warum ich nach »Mozart!« nicht gleich zur »Jekyll & Hyde«-Audition nach Wien gegangen bin. Die beiden Rollen haben doch zu viele Ähnlichkeiten und das hätte ich dann nicht machen wollen.

Alle Rollen, die ich bisher gespielt habe, sind ganz unterschiedlich. Für mich ist es das größte Glück, dass Produzenten und Regisseure sich trauen und mich für Parts besetzen, bei denen andere nicht mal im Traum daran denken, dass ich das könnte.
In Norwegen war ich doch nur der lyrische Boy. Aber hier in Deutschland und Österreich habe ich so unglaublich viele Charaktere geschaffen – das ist das größte Glück für einen Darsteller.

Michaela Flint: Haben Sie nicht kürzlich für die Rolle des Graf von Krolock in »Tanz der Vampire« vorgesungen?

Yngve Gasoy-Romdal: Ja. »Tanz der Vampire« ist eine tolle Show und der Graf ist eine schöne Rolle. Aber im Grund wollte ich nichts machen nach »Jekyll & Hyde«. Ich bin dort nur Michael Reed zuliebe hingefahren, der dort der Musical Supervisor ist. Wir haben in London schon zweimal fast zusammen ein Stück gemacht, aber im Moment möchte ich nichts machen. Außer fliegen…

Michaela Flint: Ist das das Buch, in dem Sie kurz vor dem Interview noch gelesen haben?

Yngve Gasoy-Romdal: Ich muss sieben ziemlich dicke Bücher Theorie lesen. Es ist eigentlich unglaublich, dass ich mich überhaupt damit befasse. Meine Fliegerei ist eine Tragödie für die Umgebung, meine Familie und die Geldbörse…

Michaela Flint: Ist das Fliegen ein lang gehegter Traum, den Sie sich jetzt endlich erfüllen können, weil Sie mehr Freizeit haben?

Yngve Gasoy-Romdal: Ich hatte es total vergessen. Als ich Kind war wollte ich Missionar in Afrika werden. Das kam, weil meine Großmutter sehr religiös war. Ich glaube, es war eine Kombination aus ihrem Einfluss, dem Reisen an sich, neue Dinge zu erleben, weshalb ich Missionar werden wollte. Oder eben Flieger…

Und dann habe ich Flugangst bekommen – wirklich Höllenangst beim Starten und Landen. Dass ich jetzt überhaupt fliege, ist Wahnsinn! Aber es ist jedes Mal ein unglaubliches Erlebnis. Ich fliege ganz allein, mein Lehrer sitzt nur daneben und redet mit dem Tower, denn das kann und darf ich noch nicht.
Ich mache alles: Take Offs, Landungen und es ist herrlich! Da oben auf einem Luftkissen zu sitzen und zu gucken…

Michaela Flint: Wenn Sie nicht im Flugzeug sitzen oder im Theater auf der Bühne stehen, wie verbringen Sie Ihre Freizeit?

Yngve Gasoy-Romdal: Am liebsten mit Fliegen oder Fischen. Ich war jetzt gerade wieder eine Woche in Norwegen und habe einen Riesen-Dorsch gefangen. Die Makrelen, die ich geangelt habe, habe ich gleich gekocht. Mmmmh, frisch gefangene Makrele kochen und mit Zitrone, ein bisschen Essig und natürlich Salz und Knoblauch…

Michaela Flint: Das klingt nach Kochen mit Yngve…

Yngve Gasoy-Romdal: Ja, und es ist so einfach! Einfach nur das Wasser mit Zwiebeln hochkochen und die Makrele in schöne große Scheiben schneiden, kurz aufkochen und dann zwei Stunden in dem warmen Wasser ziehen lassen. Dazu dann Kartoffeln und Sauerrahm und verschiedene andere Soßen – hach lecker!
Ich liebe es zu kochen, Indisch, Thai und Deutsch… Grünkohl oder Sauerkraut mit Kasseler – ich liebe es.

Michaela Flint: Sie sind seit vielen Jahren auf den deutschen und österreichischen Bühnen vertreten. Wo ist für Sie Ihre Heimat?

Yngve Gasoy-Romdal: Hier in Wiesbaden ist mein Zuhause. Natürlich bin ich vor allem Norweger. Das liegt zum einen an der Natur und zum anderen daran, dass ich Royalist bin und sehr stolz auf meinen König, die Königin und vor allen die junge Generation bin. Ansonsten bin ich genauso viel Deutscher oder Österreicher. Hier habe ich arbeitsmäßig meine schönsten Momente gehabt…

Michaela Flint: Jetzt gehen Sie für einige Wochen nach London. Warum gerade die englische Metropole?

Yngve Gasoy-Romdal: Ich habe von dort schon oft Angebote bekommen, die ich nicht machen konnte, weil ich hier ein festes Engagement hatte. Und jetzt habe ich zum ersten Mal seit langer Zeit nichts Konkretes, aber es sind viele Dinge in Planung. Ich möchte das einfach verwirklichen und schauen, wie es läuft?

Michaela Flint: Wie genau sehen diese Pläne aus? Mehr Schauspiel, die von Ihren Fans lang ersehnte eigene CD oder doch Musicalbühne und Konzerte?

Yngve Gasoy-Romdal: Es gibt viele Gespräche. Aber als erstes möchte ich ein bisschen frei machen und ins Theater gehen, meine Familie sehen und so was.

Eine eigene CD war schon letztes Jahr geplant, aber wir konnten uns wegen des Repertoires nicht einigen. Die wollten etwas im Robbie Williams Stil machen und ich fand das nicht richtig. Ich möchte keine Platte machen, wo nur moderne Songs drauf sind. Ich möchte lieber Stücke aus den Musicals präsentieren, in denen ich mitgespielt habe, und viele ältere Stück von Genies, die ich persönlich unglaublich finde.

Mit der Schauspielerei ist das so eine Sache. Es gibt sicherlich Pläne in diese Richtung, aber die Shootings sind immer sehr kurzfristig und binnen einer Woche steht man dann vor der Kamera. Ich hab früher schon mal in Oslo abends auf der Bühne gestanden und tagsüber in Stockholm gedreht. Viele Haben gesagt. „Um Gottes Willen! Was für ein Stress!“, aber ich habe sehr viel Energie daraus geschöpft und viel Spaß dabei gehabt. Wenn man dann auch noch ein paar Konzerte machen kann, ist es optimal.

Michaela Flint: Gibt es – nach der anstehenden kreativen Pause – eine Traumrolle, die Sie gern einmal spielen würden?

Yngve Gasoy-Romdal: Oh ja, da gibt es einige… Zum Beispiel König Artus in »Camelot« oder Billy in »Carousel«. Auch »Sweeney Todd« würde ich sehr gern machen. Diese Stücke sind von phantastischen Künstlern geschaffen. Es sind vor allem Stücke, wo ich das schauspielerische mit dem Gesang mischen kann.

Michaela Flint: Wie wichtig ist es Ihnen, dass Schauspiel und Gesang gleichwertig verteilt sind?

Yngve Gasoy-Romdal: Das muss sein. Wenn ich nur singen möchte, sollte ich in die Oper gehen. Oder in den Popbereich. Ab und zu hoffe ich, dass ich etwas mehr Pop in mir hätte, aber das habe ich leider nicht. Einige Kollegen sagen mir zwar, dass ich poppig singen könnte, aber ich fühle dann immer irgendwie tuntig. Aber ich höre sehr gern Pop – und auch Rock ist natürlich phantastisch. Privat höre ich viel Soul und Jazz.
Aber wenn ich nur singen würde, würde ich auf jeden Fall Klassik machen. Das Schauspiel ist mir wichtig, weil ich mich da als Person in ein Stück einbringen kann. Und dafür muss die Rolle auch ein bisschen Substanz haben…

Michaela Flint: Wir hatten vorhin schon ganz kurz darüber gesprochen, wie enttäuscht die Fans sind dass Sie Deutschland – wenn auch nur vorübergehend – verlassen…

Yngve Gasoy-Romdal: Ich kann das ja ein bisschen verstehen. Aber 99 % meines Publikums sind phantastisch. Die respektieren meine Privatsphäre und ich liebe es für sie zu spielen.
Ich komme ja bald wieder und freue mich darauf.

Mehr Informationen unter www.yngvegasoyromdal.com

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

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