Die zuvor in Stuttgart gezeigte Inszenierung hat sich auf den ersten Blick verändert: Auf der Bühne wird statt der üppigen Dschungel-Fransen jetzt mit Tourtauglichen Kulissen aus Hartfaser gearbeitet. Dazu wird die Bühne durch gekonnt verkleidete Treppenaufgänge in den Saal verlängert. Der Schiffsuntergang von Tarzans Eltern, das Zelt der Forschertruppe, der Wasserlauf, die hereinschwebenden Insekten und natürlich die farbenprächtige Flora im afrikanischen Dschungel sorgen für ein harmonisches Gesamtbild. Das Publikum sitzt gefühlt mitten im Geschehen.

Die Kostüme der 17 Darstellenden bestechen durch Farbe, Fluoreszenz und Kreativität. In der Show gibt es 80 (1) unterschiedliche Kostümdesigns. Die Affenkostüme wurden aus einem speziellen Lycramaterial in 21 verschiedenen Farbtönen und 4 verschiedenen Schwarzabstufungen gefertigt. An jedes Affenkostüm werden ca. 20.000 handgefertigte Fransen angebracht. Für die Show wurden zudem über 150 Perücken angefertigt. Das Knüpfen einer regulären Perücke dauert ca. 40 Arbeitsstunden. Diese Liebe zum Detail sieht man gerade bei „Tarzan“ besonders deutlich, da man den Künstlern durchaus mitunter sehr nah ist.

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Man bekommt recht schnell mit, dass viele im Saal „Tarzan“-erfahren sind: Viele Köpfe wenden sich an den entsprechenden Stellen gen Decke. Die Zuschauer wissen, dass bei „Tarzan“ auch einiges über den Köpfen passiert. Noch bevor Alexander Klaws, dessen Name wie kein Zweiter für „Tarzan“ steht, sich das erste Mal durch die neue Flora schwingt, johlt das Publikum.

Dass die (ausgewählten) Auftritte in seiner Paraderolle nicht nur unglaublich anstrengend sind – er ist halt auch keine 25 mehr – sondern, ihm richtig viel Spaß machen, sieht man am verschmitzten Lächeln, wenn er sich angurtet. Dass diese Show in diesem Theater für ihn einen besonderen Stellenwert hat, bestätigt er auch im Gespräch: „Gerade die Neue Flora trägt Erinnerungen in jedem Winkel – vom Foyer bis zur Bühne. Es fühlt sich so an, als wäre ich nie weg gewesen. Dieser Ort ist für mich ein Zuhause. Dass sich der Kreis nun wieder schließt, ist surreal und zugleich einfach schön.“

„Tarzan“ ist für alle Darstellenden herausfordernd, umso beeindruckender sind die atemberaubenden Stunt- und Bungee-Choreographien, mit denen vor allem die Gorilla-Sippe begeistert. Gianluca Passeri hat Sergio Trujllos Original-Choreos perfekt mit den 17 Künstlern einstudiert. Eine wirkliche Freude! Marcel Landgrebe hat die Modernisierung der Show mit viel Gespür für die Figuren umgesetzt: Janes Vater wurde kurzerhand „gestrichen“ und Jane ist erwachsen geworden. Das steht der Handlung gut zu Gesicht. Eine mutige junge Forscherin ist eine viel glaubwürdigere Partnerin für Tarzan als das überdrehte englische Töchterchen aus früheren Inszenierungen. Abla Alaoui überzeugt als selbstbewusste Botanik-Liebhaberin durch Charme, Witz und eine sehr sympathische Ausstrahlung. Von Clayton (von Luciano Mercoli rollendeckend schön böse und auf den eigenen Vorteil bedacht gespielt) lässt sich diese Jane nicht einschüchtern. Auch die fleischfressende Pflanze oder die Gorilla-Sippe machen ihr keine Angst… Beides weckt nur ihren Forschergeist.

Dániel Rákász gibt einen sehr gefühlvollen Kerchak, der seine Familie zwar über alles stellt, aber dennoch auch zulässt, dass man hinter die herrische Fassade guckt. Eine sehr angenehme „Wandlung“ dieses Charakters. Kerry Jean ist eine liebevolle Mutter für Tarzan und eine Partnerin auf Augenhöhe für den Silberrücken Kerchak. Sie singt mit viel Gefühl und lässt erahnen, zu was sie stimmlich in der Lage ist (Tina im gleichnamigen Musical in Hamburg, Waris Dirie in „Die Wüstenblume“). Den Klassenclown, guten Kumpel, großen Bruder und Dschungel-Entertainer Terk gibt Elindo Avastia. Er hat sicherlich eine sehr dankbare Rolle, aber die muss man auch erstmal ausfüllen. Und das macht er! Die punktuell modernisierten Texte helfen, eine direktere Bindung zu den Zuschauern aufzubauen. Wenn er und die Sippe das Forscher-Camp auseinandernehmen, hat man automatisch gute Laune!

Bleibt noch Alexander Klaws… Was soll ich sagen? Der reifere Tarzan steht der Show sehr gut zu Gesicht. Tarzan ist ein Dschungel-Mann, kein Junge, und dafür ist Klaws einfach die Idealbesetzung. Auch gesanglich lässt er es an nichts vermissen, auch wenn das Echo durch einen seinen Gesang verstärkenden zweiten Sänger u.a. bei „Ich will es so“ etwas irritierend ist.

„Tarzan“ ist eine wunderbare Familien-Show, die zeigt, wie wichtig familiärer Zusammenhalt, Freundschaft und Liebe sind. Genau so etwas braucht es in den aktuell sehr bewegten Zeiten.

Michaela Flint

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Aktuell begeistert sie in Hamburg als Shakespeares eigenwillige Ehefrau Anne Hathaway in „&Julia“ das Publikum, doch die meisten kennen sie sicherlich aus „Wicked“, wo sie in Deutschland die Rolle der Elphaba kreiert hat. Doch nicht nur in Deutschland hat sie grüne Hexe gespielt, auch in den Niederlanden, in London UND am Broadway ist sie in diese Rolle geschlüpft. Damit ist sie einzige Darstellerin die „Defying Gravity“ in drei Sprachen und vier Ländern interpretieren durfte. Die Geschichte dahinter gehört zu den Anekdoten, die Verkaik an diesem Konzertabend zum Besten gibt.

Sie eröffnet den Abend vor ausverkauftem Haus mit Jim Steinmans „It’s All Coming Back to Me Now“. Das Konzert ist eine Mischung aus persönlichen Lieblingsstücken und Hits aus den bekanntestens Shows, in denen Verkaik auf der Bühne stand. Dazu gehören unter anderem „Die Drei Musketiere“ („Ich bin noch immmer Deine Frau“), „Aida“, „Wochenende will rock you“ (Was für ein kraftvolles Medley!), „Wicked“, aus dem sie zusammen mit ihrem Gast Judith Caspari „For Good“ darbietet. Es folgen in lockerer Reihenfolge Stücke aus „Mamma Mia“, „Tarzan“, „The Waitress“ und natürlich „&Julia“ („When you need it the most“). Auch mit Songs aus „Come from away“, „Rebecca“ und „The Greatest Showman“ („A million dreams“) begeistert sie die Zuschauer.

Aber auch persönliche Anliegen teilt sie, wie bspw. die Unterstützung von ParkinsonNL, einer von ihrer Kollegin Petra Clauwens ins Leben gerufenen Stiftung. Dass sie an diesem Konzerttag auch noch ihren 50. Geburtstag feiert und das Publikum ihr – der großartigen Sängerin – erstmal ein herrlichen schiefes „Happy Birthday“ entgegenschmettert, setzt den Maßstab für diesen Abend: Es bleibt alles sehr persönlich heute.

Sie erzählt von ihrer schweren Rückenverletzung, die sie fast ihre Karriere gekostet hätte, berichtet von ihren Anfängen auf der Musicalbühne in einer kleinen Nebenrolle bei „Elisabeth“ und schenkt den Zuschauern auch einige selbst geschriebene Songs. Als weiteren Gast hat sie DMJ – David Michael Johnson im Gepäck, vielen sicherlich noch aus „WWRY“ in Köln in Erinnerung. Auch die Musen aus „Hercules“ dürfen sich an diesem Abend mal in anderem Licht präsentieren – was für Stimmen!

Ein wirklich rundum gelungenes Konzert, ein Abend, der ein wohlig-warmes Gefühl hinerlässt. Willemijn Verkaik und ihre herausragende Band sowie die sehr gut gewählten Gäste machen diese Stunden zu etwas ganz Besonderem.

Michaela Flint

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Die Kreativen aus dem First Stage haben sich Verstärkung geholt, die sich in Hamburg und darüber hinaus einen Namen auf Musicalbühnen gemacht haben: Franziska Kuropa als Regisseurin, Sven Niemeyer als Choreograph, Nicolas Mischke als Musical Director und natürlich Nik Breidenbach als Heinz Wäscher. Eine feste Bank im Team ist Felix Wienbürger, der auch diesmal für Bühne und Licht verantwortlich zeichnet. Für den Sound ist Nils Steinkamp verantwortlich. Komplettiert wird die Riege der Kreativen von Klara Riefenstahl (Haare & Make-Up) sowie Volker Deutschmann und Hermine Seifert, die die Kostüme kreiert haben.

35 Absolvent:innen erwecken in diesem Stück das Bottrop der 1990er Jahre mit viel Einsatz und Sinn für Humor zum Leben. Allen voran natürlich Philip Rakoczy, der als Schnittchenlieferant Peter Schlönzke den vermeintlichen Tellerwäscher-Traum lebt und eine eigene Fernsehshow bekommt. Rakoczys Stimme hat eine wunderschöne Klangfarbe. Schon seine charmante Liebeserklärung an das Fernsehen ist Herzerwärmend. Auch seine Mimik, bspw. wenn er im Verlauf der Show über Heinz Wäsche herzieht, ist großartig. Als „glitschiger Luschthase“ ist er einfach zum Totlachen komisch.

Als Peters Mutter, Hilde Schlönzke, darf Munja Meier ihr komödiantisches Talent zeigen. Ihr gelingt der Spagat zwischen Stolz und Verletztheit sehr gut. Dass sie stimmlich zu den besten diesen Jahrgangs gehört, kann sie zwar rollenbedingt kaum zeigen, doch hier und da bekommt man einen Eindruck von ihrem Talent. Ganz zauberhaft ist Viola Bremer als Oma Schlönzke: Sie verzeiht dem abtrünnigen Peter als erste. Eine liebevolle Oma wie sie im Buche steht! Den etwas griesgrämigen, leicht schwerhörigen Opa Schlönzke erweckt Pascal Giebel zum Leben. Schön schrullig und polternd führt er (vermeintlich) das Regiment der Familie.

Eine herrlich schräge Type ist auch Karin, dargestellt von Svea Pöhler. Von der Kaffee-kochenden Assistentin zur Talkmasterin – eine steile Karriere, die sie in erster Linie ihrer lauten Art und Unverblühmtheit zu verdanken hat. Pöhler macht sich gekonnt zur Lachnummer und überzeugt mit dieser extravaganten Figur.

Peters Freundin Ulla, die etwas burschikose Tontechnikerin mit Ambitionen zu Größerem, wird von Ilka Kottkamp gespielt. Sie ist herrlich frech, eine tolle Freundin und wirbelt mit einer raumgreifenden Energie über die Bühne („Klingelsturm“). Das Duett „Wild und frei“ mit Rakoczy gehört zu den Highlights des Abends!

Apropos Highlight: Nik Breidenbach als aufgeblasener, respektloser Heinz Wäscher ist super. Man weiß, dass er solche „besonderen“ Charaktere famos spielen kann und es macht Spaß ihm bei seinem exaltierten Gehabe zuzusehen. Als Wäschers Schwester Uschi Blum ist er mindestens ebenso überzeugend, auch hier bringt der Absolvent der Stage School seine ganze Erfahrung ein. Die Uschi Blum Boys rahmen die Sängerin gekonnt ein und sorgen mit ihrer Perormance für jede Menge Lacher!  Allerdings hätte man die selbstbewusste Künstlerin durchaus etwas pompöser ausstatten können. So erinnert sie eher an eine graue Maus als an eine Show-Diva.

Kurz vor dem Finale feuert Kuropka mit der Reprise von „Willkommen beim Fernsehen“ noch einmal ein Feuerwerk ab: Peter wird von seinen Wegbegleitern heimgesucht – folgerichtig bewegen sich diese in bester Zombiemanier. Und über allem lächelt ein dämonischer Heinz Wäscher. Eine große Freude!

Ein Wort noch zur Bühne: Was hier einmal mehr an verschiedenen Szenenbildern geschaffen wurde, die technisch ausgefeilt aus einem TV-Studio einen Bottroper Straßenzug machen oder aus dem Wohnzimmer der Schlönzkes den Backstageingang des Studios. Das First Stage muss sich hier auf keinen Fall verstecken. Bühnentechnik und Kulissen sind definitiv Oberliga!

Zum Finale füllt sich die Bühne einmal mehr: 36 Darstellerinnen und Darsteller sind wirklich eine ganze Menge! Der obligatorische Mitmachsong „Das ganze Leben ist ein Quiz“ wird in verschiedenste Stilrichtungen transferiert und so kommen die Zuschauer auch in den Genuss einer amüsanten Samba-Sequenz. Die Künstler:innen haben ganz offensichtlich Spaß dabei. Und Sven Niemeyer schöpft choreographisch einmal mehr aus dem Vollen.

„Kein Pardon“ ist kurzweilig, macht Spaß und sprüht vor Kreativität. Ein weiterer Beweis dafür, dass wir uns keine Sorgen um den Musical-Nachwuchs in Deutschland machen müssen.

Michaela Flint

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Das strenge Regiment seines Vaters hat den jungen Künstlker geformt. Der unbedingte Erfolgszwang, den er von Kindesbeinen an spürte, führte ihn in die Tablettensucht. Die Medien stürzten sich von Anfang an auf das Privatleben der Familie Jackson – und all deren negative Seiten. Das war für den jungen Michael prägend. Zeitlebens stand er unter Beobachtung, konnte nie er selbst sein. Zuflucht fand er in der Musik und im Tanz.

In dieser Show schlüpfen gleich drei Darsteller in die Rolle von Michael Jackson: Joshua zeichnet die Zeit den Jungen Michael Jackson als Teil der Jackson Five nach, Princa Damien übernimmt den Part nachdem Michael mit seinem Vater gebrochen hat und seinen eigenen weg geht und Benét Monteiro erweckt den Michael Jackson, den wir alle kennen, zum Leben. Und wie er das macht! Die zarte, gebrechliche Stimme, die Verletzlichkeit in jeder Bewegung abseits der Tanzfläche, die akzentuierten typischen MJ Moves (u.a. der Moonwalk), die sehr besondere Durchsetzungskraft, das Kindlich-Verträumte, die kongenialen Einfälle für die Umsetzung jedes einzelnen Songs auf der Tour – Monteiro ist absolut perfekt. Man kann sehr gut nachvollziehen, dass er die Kreativen schon beim Vorsprechen für die Londonder Version der Show begeistert hat. Der einzige, aber leider essentielle Kritikpunkt ist, dass es ihm nicht gelingt, die Songs so zu intonieren, dass es auch nur ansatzweise nach Michael Jackson klingt. Das ist schade. Doch Prince Damien macht dies in in seinen Passagen wett! Die „Kiekser“, all das, was MJs Stimme so unverkennbar macht: Prince Damien macht sich diese Besonderheiten zu eigen und agiert damit absolut überzeugend. Richtig schön zu erleben bei „Can you feel it“ im zweiten Akt. Im Duett überzeugen die beiden älteren Michaels ebenfalls vollends: „She’s out of my life“ ist wunderschön umgesetzt.

Das Probenszenario wirkt gerade dadurch besonders austhentisch, das die Band mit auf der Bühne sitzt, die Tänzerinnen und Tänzer die Passagen immer und immer wieder üben müssen und das ganze auch optisch perfekt verpackt ist. Bühnenbild (Derek McLane, u. a. „Moulin Rouge! Das Musical”), Lichtdesign (Natasha Katz, u. a. „An American in Paris“) und Kostüme (Paul Tazewell, u.a. „Wicked“) sind perfekt aufeinander abgestimmt und versetzen das Publikum im Handumdrehen in die früher 1990er Jahre.

Michael Jackson war insbesondere für seine atemberaubenden Choreographien bekannt. Christopher Wheeldon lässt in seiner Arbeit zwar Ansätze erkennen, aber in den Szenen außerhalb der Probenumgebung, den Szenen, in denen Welthits wie „ABC“ oder „Smooth Criminal“ dargeboten werden, ist von Perfektionismus nichts zu erkennen. Gerade in letztgenannter Szene ist dies besonders bedauerlich, da diese den Einfluss von Bob Fosse auf Michael Jacksons Wirken unterstreichen soll. Hier haben sich nur wenige Wochen nach der Premiere (1. Dezember 2024) schon viele Unsauberheiten und unsynchrone Abläufe eingeschlichen. Das ist sehr traurig.

Während bei den Choreographien wirklich Luft nach oben ist, sind viele Regieeinfälle von Wheeldon schlicht großartig: Michael als Marionette vor die Presse treten zu lassen, trifft den Nagel auf den Kopf. „Billy Jean“, „Thriller“ und „Man in the Mirror“ sorgen zurecht für begeisterten Zwischenapplaus. Nicht zu vergessen das Ende der Show: Perfekter kann man diesen Abend nicht zuende bringen.

Neben den drei Michaels lassen noch Lee Ann Hierzer als Katherine Jackson und DNPRI als Quincy Jones aufhorchen. Hierzer singt sehr gefühlvoll, ihre Interpretation von „I’ll be there“ ist wunderschön soulig. DNPRI überzeugt als Quincy Jones, einen der Väter von Michael Jacksons Erfolg. „Keep the faith“ ist eine wunderschöne Hymne.

Die Zuschauer lernen an diesem Abend zwar nichts Neues über Michael Jackson, doch Nottage macht ihn nahbar und zeigt ihn sehr verletzlich. Das Konzept der Show funktioniert zu 100 %. Bühnenbild, Musik, Licht, Projektionen – das Gesamtbild ist perfekt. Die Künstler auf, über, unter und hinter der Bühne bekommen stehende Ovationen und dürfen sich für dieses muscalische Gesamtkunstwerk zurecht feiern lassen.

Michaela Flint

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Doch wie gehts es jemandem, der mit all diesen Traditionen aufgewachsen ist und plötzlich in die eher getragene, biedere und in jedem Fall klassische, deutsche Weihnachtszeit kommt? Das kann niemand besser berichten als Gayle Tufts, die vor vielen Jahrzehnten ihre beschauliche amerikanische Heimat (Brockton in Massachusetts) gegen das quirlige Berlin getauscht hat.

Den erlittenen Kulturschock beschreibt sie in ihrer Show im English Theatre Hamburg in bestem Denglish, gespickt mit Anedokten aus beiden Kulturkreisen, Songs und sehr viel Zuneigung für beide Arten Weihnachten zu feiern.

2010 hat Tufts ihre Erfahrungen in ihrem Buch „Weihnacht at Tiffany’s“ festgehalten, in dem sie vom vorweihnachtlichen Nahkampf in Einkaufszentren, nachbarschaftlichen Dekorations-Wettkämpfen, Truthahn und Kartoffelsalat bis hin zu „Oh, Du Fröhliche“ und dem Kontrastprogramm „Deck the Halls“ alle Elemente des weihnachtlichen Wahnsinns streift.

Wenn man die Nase voll hat vom Geschenke-Einpacken oder den Vorbereitungen für die zahlreichen Verwandschaftsbesuche an den kommenden Weihnachtstagen ist Gayle Tufts ein Garant für zwei Stunden gute Laune und gute Musik. Aber das Publikum lernt auch viel über die unterschiedlichen Kulturen Amerikas und Deutschlands. Ein bisschen Geschichtsstunde ist auch dabei.

Dank Tufts Charme und ihrer offenen Art fühlen sich die Zuschauer zu Gast bei einer Freundin. Es wird gemeinsam gelacht, in Erinnerungen geschwelgt und gesungen. Die perfekte Auszeit bevor einen der weihnachtliche Irrsinn am nächsten Tag wieder einholt.

Michaela Flint

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In 33 kleinen Szenen, die alle vor Kreativität und Individualität nur so strotzen, zeigen die Studierenden, was sie bereits können (und wo noch Luft nach oben besteht). Antonia Crames, selbst Absolventin der Stage School Hamburg (2022), hat die verschiedenen Gesangs- und Tanzszenen in eine kleine Handlung gebettet, in der die Bewohner von Mistelstadt im Rahmen eines internationalen Wettbewerbs um die Auszeichnung als weihnachtslichste Stadt buhlen.

Das Setting ist in diesem Jahr besonders gelungen: Felix Wienbürger zeichnet für Kulissen und Licht verantwortlich und schafft mit nahezu jeder Szene eine neue Weihnachtswelt. Der Fluss unter der Brücke, die Wasserbecken im Hintergrund, die den Dorfplatz umrahmenden Rundbögen sorgen für einen sehr harmonisch gestalteten Rahmen für das Auftaktfeuerwerk („I wish it could be Christmas every day“).

Für Highlights im ersten Akt sorgen Gina Tuveri und Luisa Neumann, die mit „Es ist so kalt hier“ zur Melodie von „Was fühl ich in mir“ aus „Wicked“ für Begeisterung sorgen. Ihre Stimmen harmonieren perfekt, jeder Ton sitzt pointiert und die Timings sind perfekt!

Dass man auf einer Musicalbühne selten einen korrekt getanzten Langsamen Walzer erleben kann, zeigt sich auch im „Anastasia-Medley“, auch wenn das Gesamtbild dieser Szene sehr ansprechend ist. Optisch gilt Gleiches auch für „Noch in tausend Jahrn“: Die Kleider der Tänzerinnen sind wunderschön.

Dass man eine klassische Steppnummer auch ohne einen einzigen Steppschritt performen kann, zeigt Lorin Goltermann zur Roger Ciceros „Bin heute Abend bei Dir“: Goltermann ist ein Charmebolzen wie er im Buche steht und sein gewinnendes Lächeln passt perfekt zum schwungvollen Inhalt des Songs. Er wirbelt über die Bühne, Stepptanz drängt sich hier geradezu auf, doch das Publikum wartet vergeblich darauf.

Die „Christmas Party“ hat sich Jule Marie Gilster als Hommage an Bob Fosse vorgestellt. Der Ansatz ist super und die Energie der Nachwuchskünstler ist super, doch leider sind die Choreos doch recht unsauber, was gerade bei Fosse deutlich sichtbar wird. Ein herausragendes Timing bei ihrer Schlittenfahrt beweist Ruby Smeets („A lovely sleigh ride“), die diese komische Nummer perfekt umsetzt.

Die mit Abstand beste Sängerin an diesem Abend ist Munja Meier. Im ersten Akt verzaubert sie die Zuschauer mit „The first Noël“. Einfach traumhaft und auch szenisch ein hübsches Gesamtbild. Aus dieser weihnachtlichen Traumwelt wird man mit „Cowboy for Christmas“ sehr schwungvoll wieder herausgezogen. Die Nummer zündet super, Laura Schäfer sorgt für lachende Gesichter. Warum sie allerdings jodelt, wird nicht ganz klar…

Auch die Folgeszene sorgt eher für Fragezeichen: „I’ll be home for Christmas“ von Camila Cabello hat Nicole Torres Baker dazu inspiriert, die Tänzerinnen in Flamenco-Kleidern auftreten zu lassen, ohne jedoch auch nur ansatzweise lateinamerikanische oder spanische Tanzelemente zu integrieren oder das mit diesem Kleidungsstil gemeinhin verbundenen Temperament zu verbinden. Hier hätte man sich mehr Stringenz gewünscht.

Zum Finale des ersten Akts geht es nach Irland. Zunächst mit einer sehr gelungenen Interpretation von „Fairytale of New York“, direkt gefolgt von einer „Lord of the Dance“-Interpretation, die ihre Wirkung nicht verfehlt. Vergleiche mit Michael Flatley und seiner Kompagnie sind hier nicht angebracht, doch was Choreograf Adam M. Cooper aus den Studierenden herauskitzelt, ist aller Ehren wert. Das Publikum ist schlichtweg begeistert!

Der zweite Akt hätte mit einem Knalleffekt beginnen können. „In diesem Zimmer“ aus „Hamilton“ hat genug Potential dafür. Doch auch wenn er eine sehr schöne Stimme hat, der Ausdruck lässt die Zuschauer nicht glauben, dass er unbedingt „in diesem Zimmer“ sein möchte. Die Choreos sind leider nicht ganz sauber, doch die sehr guten Hip Hop Passagen versöhnen. Die folgende „Schwanensee“-Sequenz ist lustig, wenn auch ein bisschen zu sehr mit der Brechstange umgesetzt.

Traumhaft schön gelungen ist die Szene mit Geige und Tänzerin („Elgar“), die eine wundervolle Einheit bilden. Hier erkennt man das große Potential und die Vielseitigkeit der jungen Künstlerinnen an diesem Abend. Ganz anders, aber auf ihre Art einfach perfekt sind Babak Malekzadeh und Aminata Ndaw. Sie zicken sich zu Stevie Wonders „Someday at Christmas“ herrlich an. Ähnlich schwungvoll gelingt „Boss Christmas Party“ zu Kelly Clarksons „Run Run Rudolph“. Elena Krieft singt sehr gut und auch die Choreos fügen sich stimmig in das Gesamtbild.

Das „Weihnachtsteam“ überzeugt die Zuschauer zur Melodie von ABBAs „Dancing Queen“: Die Texte sind sehr gelungen adaptiert und die Szene ist als Ganzes sehr süß umgesetzt. Das Kontrastprogramm liefert direkt danach „Eiskalt“ von Culcha Candela. Der Song wirkt frisch und die Darbietung authentisch. Man wird das Gefühl nicht los, dass sich die Studierenden mit diesem Song besonders gut identifizieren konnten und es ihnen so leichter fiel, ihn auf der Bühne umzusetzen.

Nach einem aufgrund des ungewöhnlichen Arrangements (Ellie Goulding) sehr gewöhnungsbedürftigen „Your Song“ folgt der zweite Highlight-Moment mit Munja Meier. „Have yourself a merry little Christmas“ ist einmal mehr rundum gelungen: Gesang, Kostüm, Ausdruck, Bühne, Licht – alles ist perfekt!

Kurz vor Schluss wird es mit „Roter Glühwein“ (statt Udo Jürgens‘ „Griechischer Wein“) nochmal richtig schwungvoll: Das Publikum darf mitsingen, die fast schon obligatorischen „Ugly Xmas Jumper“ werden in gelungene Choreografien verpackt und die Energie des Ensembles ist ansteckend.

Henk Nagel setzt mit „Hallelujah“ den Schlusspunkt einer sehr gelungenen Weihnachtsshow. Diese „Große Weihnachtsshow“ hält, was sie verspricht: jede Menge Weihnachtssongs, schöne Choreographien, stimmungsvolle Szenenbilder und engagierte Nachwuchsdarsteller. Wer nach dem Besuch dieser Show nicht in Weihnachtsstimmung kommt, der ist der Grinch!

Michaela Flint

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