Zu dem Ensemble, das vier Monate bis zur Wiederaufnahme im dann umbenannten Sondheim Theatre, allabendlich in Kostümen in einer atemberaubenden konzertanten Version zu erleben ist, gehören

• Alfie Boe / John Owen-Jones als Jean Valjean
• Michael Ball als Javert
• Carrie Hope Fletcher als Fantine
• Shan Ako als Éponine
• Matt Lucas als Thénardier
• Katy Secombe als Mme Thénardier
• Rob Houchen als Marius
• Lily Kerhoas als Cosette
• Bradley Jaden als Enjolras
• Earl Carpenter als The Bishop

Diese Cast ist eine bunte (und sehr gelungene) Mischung aus Stars der britischen Musicalszene, aktuellem Ensemble der letzten Londoner Produktion und TV-Stars.

Das Theater ist bis auf den letzten Platz gefüllt und schon bei den ersten opulenten Klängen der Ouvertüre applaudiert das Publikum begeistert. Das Setting für diese konzertante Fassung ist ungemein clever – setzt sie doch das Orchester in seiner vollen Pracht in Szene. Matthew Kinley hat hier gemeinsam mit seinem Licht-Techniker Andrew Christie ganze Arbeit geleistet. Die 26 Musiker sind kaskadenförmig auf 4 Etagen platziert und werden von Alfonso Casado Trigo, hoch über allen direkt vor dem Backdrop stehend, zu Höchstleistungen angetrieben. Auch nach dem Ende der Show leert sich das Theater nur zögerlich, da die Zuschauer keinen einzigen Ton dieses Orchesters verpassen wollte.

Über 50 Darstellerinnen und Darsteller füllen die Bühne bis auf den letzten Zentimeter. Zu den Auf- und Abgängen auf die Seitenbühnen kommt noch eine Öffnung mittig unterhalb des Orchesters hinzu, die sich u. a. prima als Zugang zu den Katakomben von Paris nutzen lässt.

Die gewohnten Farbwelten bei den Kostümen bleiben genauso erhalten wie die düstere Umgebung. Die Barrikaden werden durch große Querstreben mit Scheinwerfern effektvoll dargestellt. Ein rundum gelungenes Bühnendesign, das den Protagonisten ausreichend Raum lässt, ihre Figuren mit Leben zu füllen.

Das Marketing zielt ganz klar auf die Anziehungskraft der Stars ab – und so finden sich zahlreiche Fans von Alfie Boe, John Owen-Jones, Michael Ball und Matt Lucas in den vollen Zuschauerreihen. Jeder einzelne der oben genannten Künstler wird seinem Ruf mehr als gerecht!

In der besuchten Vorstellung wurde Jean Valjean von John Owen-Jones gespielt. Dass er 1998 der jüngste Darsteller war, der jemals die Hauptrolle übernahm, merkt man ihm nicht an. Auch 20 Jahre später besticht er mit seinem stattlichen Auftreten, seiner raumgreifenden Bühnenpräsenz und seiner beachtlichen stimmlichen Bandbreite. Scheinbar spielend schraubt er sich bei „Bring him Home“ in höchste Höhen und legt soviel Gefühl in sein Spiel, dass man Gänsehaut bekommt.

Michael Balls Beziehung zu „Les Misérables“ ist noch einige Jahre älter, hat er doch in der Uraufführung 1985 den Marius gespielt, was ihn über Nacht zum Publikumsliebling machte. Im „Staged Concert“ gibt er den von Valjean besessenen Inspector Javert. Bei allen Vorbehalten gegenüber einem lyrischen Tenor, der versucht in die Rolle eines Baritons zu schlüpfen, muss man Michael Ball zugestehen, dass er sich intensiv mit der Figur des Inspectors befasst hat. Er spielt starrsinnig und energisch, teilweise sogar recht angsteinflößend. Stimmlich bewegt er sich auf ungewohntem Terrain, welches er aber souverän meistert. Bei „Stars“ erklingt aber die bekannte, weiche und volle Stimme, was sehr gut zu diesem Song und der emotionalen Instabilität Javerts passt.

Matt Lucas und Katy Secombe sind als Thénardiers eine Erscheinung – und dass nicht nur optisch! Ihre Sprüche und Neckereien zwischen den eigentlichen Songs sind, wie die Engländer sagen würden, „hillarious“. Das Publikum krümmt sich vor Lachen, wenn ein Matt Lucas alles mit höchster Geringschätzung kommentiert oder Katy Secombe die Eskapaden ihres Gatten mit unnachahmlich komischer Mimik quittiert. Ein wunderbares Zitat von Lucas in diesem Zusammenhang: Songtext „This one’s a queer, but what can you do?“ Kommentar mit Augenzwinkern: „Oh, I would have one or two ideas what to do with him…”

Der “Little Britain” Star weiß genau, wie er sein Publikum bedient!

Weder Secombe noch Lucas sind besonders gute Sänger, aber ihre Rollen geben es her, dass man mit viel Improvisationstalent sehr erfolgreich von diesem Manko ablenken kann.

Eine ungewöhnlich junge Fantine erwartet das Publikum in Form von Carrie Hope Fletcher. Sie spielt mit viel Gefühl, setzt sich aber gleichzeitig beeindruckend gegen die Freier zu Wehr, die ihr als Prostituierte zusetzen. Ihr sanfter und zugleich voller Sopran trifft bei „I dreamed a dream“ zielsicher mitten ins Herz.

Die letztjährige „X Factor“ Teilnehmerin Shan Ako kann sich als Éponine nur schwer gegen ihre erfahreneren Kollegen behaupten. Ihre wunderbare Soulstimme gibt aber bei „On my own“ einen ungewöhnlichen Twist, der aber vom Publikum begeistert angenommen wird.

Rob Houchen gibt einen selbstbewussten Marius, der genau weiß, was bzw. wen er will. Es ist ungleich viel schwerer seine Performance neutral zu genießen, wenn derjenige mit auf der Bühne steht, der diese Rolle kreiert hat, doch Houchen ist keine hemmende Ehrfurcht anzumerken. Seine Verbitterung bei „Empty chairs at empty tables“ kriecht einem sehr unangenehm den Nacken hoch. Entsprechend begeistert ist das Publikum!

Die von Marius angehimmelte Cosette wird von Lily Kerhoas ganz zauberhaft gespielt. Ihr glockenklarer Sopran füllt das Gielgud Theatre bis in den letzten Winkel.

Bleibt noch Bradley Jaden als Studenten-Anführer Enjolras. Selten habe ich jemanden mit so viel Energie und Verbissenheit in dieser Rolle erlebt. Die Intensität seines Spiels ist greifbar, seine Stimme geht durch Mark und Bein. „One Day More“ gerät unter seiner Führung im wahrsten Sinn zu einer Hymne!

Konzertante Musicals sind immer etwas ganz Besonderes, allein schon da hier die Menschen auf der Bühne im Mittelpunkt stehen und weder Kulissen noch sonstige Effekte von ihnen ablenken. Bei „Les Misérables – The Staged Concert“ gelingt dies – nicht zuletzt wegen der herausragenden Cast – in Perfektion.

Ob die „neue“ Inszenierung die seit fast 35 Jahren anhaltende Begeisterung aufrechterhalten kann, bleibt abzuwarten. Wenn sich Mitte Dezember 2019 der Vorhang im Sondheim Theatre hebt, werden die Zuschauer die Produktion von James Powell und Laurence Connor sehen, die bereits anlässlich des 25-jährgen Jubiläums 2010 für drei Wochen im Barbican Centre zu sehen war. Man darf gespannt sein, wie langjährigen Fans die neue Version aufnehmen. Maßgebliche Bestandteile dieser neuen Fassung, wie die Backdrop-Projektionen, das Lichtdesign und auch die Regie-Arbeit, werden jedoch bereits sehr erfolgreich im Gielgud Theatre eingesetzt – die Zeichen stehen also gut für den „Neuanfang“.

Michaela Flint

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Wen diese Show nicht berührt, der ist aus Stein. Die Intensität von Musik und Handlung gepaart mit dem exzellenten Orchester und den herausragenden Darstellern, sucht in der Musicalwelt ihresgleichen.

Wie sehr sich Musicalfans ein Revival dieser Show gewünscht haben, zeigen die Box Office Erfolge in London: Nur 24 Stunden nach der Öffnung des Vorverkaufs waren Tickets für 4,4 Mio. GBP verkauft. Ohne, dass die Cast bekannt war! Die Leute haben die „Katze im Sack“ gekauft, weil sie sicher waren, dass „Miss Saigon“ einfach nur gut werden kann. Und sie wurden nicht enttäuscht!

Nach der ersten Spielzeit im West End (1989-1999) folgten zwar noch zwei UK-Tourneen, aber was ist das schon im Vergleich zum Besuch des Prince Edward Theatre in London, wo „Miss Saigon“ von Herbst 2014 bis Februar 2016 wieder zu sehen war. In Deutschland war man noch ausgehungerter, denn hierzulande war „Miss Saigon“ seit dem Ende der Stuttgarter Ensuite-Produktion 1999 gar nicht mehr zu sehen. Umso größer die Freude, dass anlässlich des 25. Geburtstags der nach „Les Misérables“ zweiterfolgreichsten Show von Alain Boublil (Texte) und Claude-Michel Schönberg (Musik) im September 2014 eine Vorstellung im Theater mitgefilmt und im Herbst 2016 in Kinos gebracht wurde.

Die Handlung – die nicht nur zufällig an Puccinis Madame Butterfly erinnert, fußen doch beide Stücke auf derselben französischen Buchvorlage – ist sehr dramatisch: Chris, John und ihre Kameraden sind während des Vietnamkriegs in Saigon (heutzutage ehr als Ho-Chi-Minh-Stadt bekannt) in der US-Botschaft im Einsatz. Eines Abends trifft Chris in einem Stripclub auf die blutjunge Kim. Er verliebt sich augenblicklich in sie. Die beiden schmieden Pläne, gemeinsam in die USA zurückzukehren, doch unerwartet wird die Botschaft abgeriegelt und die Soldaten abgezogen. Die beiden Liebenden finden in dem Trubel nicht mehr zueinander.

John engagiert sich mittlerweile in der Flüchtlingshilfe und setzt sich insbesondere für „Mischlingskinder“ ein, die komplett entwurzelt mit den anderen Boat People durch Asien treiben. Durch einen Zufall gerät er an das Einreisegesuch von Kim, Tam und dem Engineer, und konfrontiert Chris mit der Nachricht, dass er einen Sohn hat. Dieser wiederum muss das alles Ellen, seiner Ehefrau erklären. Gemeinsam brechen sie nach Bangkok auf, um Kim und Tam zu retten.

Unglückliche Umstände wollen es, dass Kim auf Ellen trifft. Kim, die bis zum Schluss an die Liebe von Chris geglaubt und sich ihre Hochzeit ausgemalt hat, steht vor den Scherben ihres Lebens und sieht keinen anderen Ausweg als sich selbst das Leben zu nehmen und Tam in die Obhut seines Vaters und einer fremden Frau zu geben.

Boublil und Schönberg haben den Stoff in voluminöse Klänge verpackt: Schon die Ouvertüre sorgt für Gänsehaut. „Why, God, Why?“, „Sun and Moon“ und „I’d Give My Life for You“ sind nur drei Beispiele für die fast schon zerbrechlichen Balladen, die das französische Kreativteam seinen Protagonisten auf den Leib geschrieben hat. „Last Night of the World“ und „This Is The Hour“ unterstreichen die dramatische Handlung perfekt. Wenn John mit „Bui Doi“ auf das unbeschreibliche Elend der Kinder aufmerksam macht, zerreißt es einen innerlich fast, so gelungen ist die Komposition von Chor, symphonischem Orchester und der Botschaft des Sängers. Nicht zu vergessen der klischeetriefende Showstopper „The American Dream“, in dem Engineer seine ganze Bitterkeit einfließen lässt.

Laurence Connor zeichnet für die Neu-Inszenierung verantwortlich. Es ist ihm gelungen, die Handlung weg von der beherrschenden Szenerie auf die Charaktere zu konzentrieren. Natürlich gibt es auch in der neuen Fassung einen Helikopter – und dieser ist dank digitaler Special Effects ebenfalls sehr beeindruckend. Dennoch stiehlt diese Kulisse den beiden Hauptakteuren Chris und Kim nicht mehr die Show wie in früheren Inszenierungen. Das Paar bleibt präsent, auch wenn um sie herum das Chaos losbricht. Leider wirkt diese Szene auf der Kinoleinwand sehr cinematografisch, da alles von Nahem gezeigt wird. Eine Totale hätte hier vielleicht mehr Theaterfeeling aufkommen lassen.

Totie Driver und Matt Kinley, die beiden neuen Bühnenbildner, ergänzen die vom Regisseur intendierte fokussierte Herangehensweise: Alles wirkt düsterer, schäbiger und dadurch authentischer. Besonders gelungen ist der Slum, in dem Kim und Tam leben müssen, während darüber als zweite Spielebene das eheliche Schlafzimmer von Chris und Ellen zu sehen ist. Ein toller Kontrast, der aber einmal mehr nicht von den Handelnden ablenkt.

Die Besetzung der „25th Anniversary Gala Performance“ ist herausragend. Allen voran Eva Noblezada als Kim. Die damals erst18-jährige Amerikanerin wurde direkt von der Theaterschule für die Hauptrolle des Revivals engagiert. Sie hat eine glockenklare Stimme, der sie in den richtigen Momenten die perfekte Intensität verleiht. Auch bewegt sie sich in jeder Tonhöhe souverän und spielt sowohl die schüchterne, als auch die liebende und am Ende verzweifelte Kim durchgehend glaubhaft.

Als Chris steht Alistair Brammer auf der Bühne. Er wirkt zunächst recht unscheinbar, doch seine warme Stimmfarbe kommt besonders bei den Balladen sehr gut zur Geltung und man nimmt ihm die Gefühlsaufwallungen, in denen er sich verstrickt, ab. Die Energie zwischen Brammer und Noblezada stimmt. Ihr Spiel wird dadurch nur umso intensiver. Gemeinsam mit Jon Jon Briones, der als Engineer alle anderen Männer auf der Bühne in den Schatten stellt, werden Noblezada und Brammer auch die Wiederaufnahme am Broadway 2017 bestreiten. Briones gibt den schmierigen Zuhälter nicht nur ungemein authentisch, es gelingt ihm zudem – und das ist absolut bemerkenswert – dieser an sich fiesen Figur etwas Mitleiderregendes, Sympathisches zu geben. Er hat eine unausweichliche Bühnenpräsenz und seine akzentuierte Aussprache gepaart mit einer sehr ausdrucksstarken Mimik machen seine Performance sehenswert! Sein „American Dream“ ist kein schillernder Wunschtraum, sondern eine verbitterte Abrechnung mit der westlichen Welt, die ihm so viel versprochen und nichts gehalten hat. Weltklasse!
Interessant in dieser Szene ist auch der bühnenhohe Kopf der Freiheitsstatue, deren Mund (der auch als Einfahrt für den Cadillac dient) sicherlich nicht zufällig an den einer aufblasbaren Sexpuppe erinnert.

Hugh Maynard gibt einen robusten John, der als Soldat seine Pflicht tut und in der Arbeit für die Kinder seine warmherzige Seite zeigt. „Bui Doi“ bringt er mit viel Gefühl über die Rampe. Tamsin Carroll ist eine unerwartet starke Ellen. Das Duett mit Kim („I Still Believe“) und vor allem „Maybe“ (für die Produktionen in Utrecht und London neu hinzugefügt) geben der gehörnten Ehefrau viel Selbstbewusstsein und Mitgefühl für Kim. Schön, dass diese Figur noch etwas mehr Aufmerksamkeit bekommen hat und nicht mehr nur schmückendes Beiwerk ist.

Schade ist, dass durch die vielen Close-Ups die Intimität zwischen den Darstellern verloren geht. Die gefilmte Version ist keinesfalls mit einem Theatererlebnis gleichzusetzen, wie bspw. bei „Billy Elliot“. Auch die Überblendungen zwischen den Szenen und insbesondere, wenn sich eine größere Anzahl Darsteller über die Bühne bewegt (u. a. die Soldaten), stören sehr.

Noch bevor das dramatische Geschehen seinen Lauf nimmt, lässt Rachelle Ann Go als Gigi aufhorchen. Selten habe ich „The Movie in My Mind“ so brillant gehört. Damit lag die Latte für alle anderen sehr hoch. Kein Wunder, dass die junge Sängerin für die Zugabe erneut auf die Bühne kommt: Gemeinsam mit Lea Salonga, die die Rolle der Kim 1989 kreiert hat, singt sie erneut ein zu Tränen rührendes „The Movie in My Mind“: so stark und doch so zerbrechlich. Das zollt auch Lea Salonga Respekt ab, die ihrer Kollegin ausgiebig applaudiert.

Apropos Zugabe… Nach der eigentlichen Show durfte das Publikum noch eine besondere 30-minütige Gala erleben: Lea Salonga, Jonathan Pryce und Simon Bowman gaben noch einmal ihr Können zum Besten. Lea Salonga weiß, dass sie „Miss Saigon“ ihre Karriere im Musicalbusiness verdankt, und wenn man sie so inmitten der ganzen jungen Darsteller sieht und vor allem ihrer immer noch wundervollen Stimme lauscht, kann man nicht glauben, dass sie 25 Jahre älter ist als die meisten. Auch heute noch würde sie als Kim sicherlich vollends überzeugen.

Eine amüsante Idee ist der Partnertausch, den der alte und neue Chris mit ihren Kims vollziehen: Da singt dann kurzzeitig Brammer mit Salonga und Bowman mit Noblezada. Doch am Ende sind wieder die Paare zusammen, die zusammen gehören. Die Darsteller haben an diesem Bäumchen-Wechsel-Dich-Spiel sichtlich Spaß!

Dass auch Jonathan Pryce mit seinen inzwischen 69 Jahren nicht zum alten Eisen gehört, zeigt er eindrucksvoll als er noch einmal „What a Waste“ und kurz darauf eine sehr komische Version von „The American Dream“ zum Besten gibt. Wie er sich mehr oder weniger lasziv auf dem Cadillac räkelt, ist extrem lustig.

Beim Schlussapplaus wirkt es so als wären alle – Kreative, Produzent, Original und Revival Cast – eine große glückliche Familie. Natürlich lässt es sich Cameron Mackintosh nicht nehmen, dem Publikum noch den Mund mit einer weiteren UK-Tour und Produktionen in Australien, New York und Deutschland wässrig zu machen. Die Broadway-Premiere ist am 1. März 2017, die UK-Tour startet im Juli 2017. Wann darf sich das deutsche Publikum über „Miss Saigon“ auf einer heimischen Bühne freuen?

Sollte es wider Erwarten doch nicht klappen mit dem deutschen Revival, dann bleibt zumindest noch die Hoffnung auf den Film, an dem Danny Boyle Gerüchten zufolge bereits arbeitet. Nach „Les Misérables“ sicherlich ein spannendes Projekt, und bei einem Meister seines Fachs wie Boyle darf man auf die Umsetzung sehr gespannt sein.

Solange die deutsche Bühnenversion und der Film auf sich warten lassen, können Theaterfans zumindest im Kino (wie bspw. dem Metropolis in Frankfurt und dem Savoy in Hamburg) Originalproduktionen von Theater- und Musicalaufführungen aus London und New York erleben. Besser als nichts!

Für alle, die es an den sehr ausgewählten Terminen nicht ins Kino geschafft haben: Die „Miss Saigon 25th Anniversary Performance“ gibt es bei amazon.co.uk schon zu kaufen!

Michaela Flint

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25 Jahre und kein bisschen langweilig!

Mit drei außergewöhnlichen Vorstellungen seines Musical-Welthits „Das Phantom der Oper“ in der Londoner Royal Albert Hall bedankte sich Andrew Lloyd Webber für 25 Jahre ungebrochener Begeisterung und Treue der Zuschauer.

Die Lebensgeschichte des genialen, aber von der Welt missachteten und misshandelten Phantom der Oper läuft seit 1986 ohne Unterbrechung im Her Majesty‘s Theatre in London. Abermillionen Zuschauer haben dieses Stück weltweit gesehen und ein Ende scheint nicht in Sicht. Auch die Fortsetzung „Love Never Dies“ konnte bei weitem nicht an die Erfolge des Originals heranreichen.

Mit diesen Jubiläums-Aufführungen haben sich Andrew Lloyd Webber und Cameron Mackintosh selbst übertroffen und für alle, die im Oktober 2011 in London nicht dabei sein konnten, gibt es seit Februar 2012 die DVD mit der Live-Aufzeichnung aus der beeindruckenden Royal Albert Hall.

Der Star der Show ist selbstverständlich auch hier das Phantom der Oper. Ramin Karimloo spielt und singt sehr eindrucksvoll. Seine Energie ist ansteckend und seine gefühlvolle, manchmal recht harsche Stimme zeigen die verschiedenen Facetten des Phantoms glaubhaft und deutlich auf. Wie er zu dieser Rolle gekommen ist, erzählt er hier.

Doch auch Sierra Boggess und Hadley Fraser müssen sich nicht verstecken. Beide geben ihren Charakteren einen jungen Anstrich und geben der Liebesgeschichte mehr Schwung. Gesanglich ist Sierra Boggess deutlich energischer und weniger lieblich als ihre vielen Vorgängerinnen, doch das steht Christine Daaé durchaus gut zu Gesicht. Hadley Fraser verleiht dem glücklosen Raoul mehr Gefühl und macht ihn dadurch anfassbarer. Er wirkt lange nicht so blass wie man es leider sonst so oft erlebt hat.

Das Geheimnis dieses Musicals ist sicherlich seine Klarheit. Es geht um eine zentrale Figur und deren Liebe zur Musik und einer ganz bestimmten Frau. Das ist für jeden gut nachzuvollziehen.

Das Setting in einer Zeit, die von reichhaltigen Dekorationen lebte, die Musik, die von Operette bis Pop alles abdeckt und sich nachhaltig in das Gehör der Zuschauer einprägt – all dies macht die perfekte Show aus.

Die Kreativen haben einen Fehler nicht begangen: Das „Phantom der Oper“ von 2012 ist noch genauso wie das von 1986. Änderungen wurden nur in allerkleinstem Rahmen vorgenommen. Dieser rote Faden zieht sich auch durch die Jubiläums-Vorstellungen: Anstatt einer konzertanten Aufführung wurde das komplette Set in die Royal Albert Hall integriert, so dass man das Musical in der gewohnten Umgebung inszenieren konnte.

Natürlich ist alles deutlich größer als in einem richtigen Theater: mehr Darsteller auf der Bühne, mehr Musiker auf der Orchesterbrücke, mehr Kreative hinter der Bühne – und doch erkennt man alles wieder. Dies liegt aber auch daran, dass das Kreativteam: Andrew Lloyd Webber, Cameron Mackintosh, Gillian Lynne, Maria Björnson massgeblich am Entstehungsprozess dieser Vorstellungen beteiligt war.

Herausgekommen ist eine brillante Show, die den 80er Jahre Charme des „Phantoms der Oper“ mit modernsten Mitteln auf die Bühne bringt. Das Musical hat nichts von seiner Strahlkraft und Intensität verloren – im Gegenteil. Die Vielfalt an Kostümen, der voluminöse Klang des fast 50-köpfigen Orchesters, die genialen Einfälle von Licht- und Videotechnik, die bekannten und doch irgendwie viel größeren Kulissen und nicht zuletzt die exzellenten Darsteller machen dieses 25-jährige Jubiläum zu einem Event, das man gesehen haben muss!

Zum großen Finale betritt der Schöpfer selbst die Bühne. Wenn Demut einen Namen hat, dann lautet dieser Andrew Lloyd Webber: Sehr ergriffen und ehrfürchtig steht er inmitten der 140 Darsteller. Als er dem Publikum seine Mitstreiter der ersten Stunde vorstellt, fließen Tränen – besonders als er Sarah Brightman, seinen „Engel der Muse“, auf die Bühne holt und diese gemeinsam mit Peter Jöback, John Owen-Jones, Ramin Karimloo, Anthony Warlow, Colm Wilkinson eine einmalige Version der „Music of the Night“ zum Besten gibt.

Als Bonus gibt es auf der DVD noch ein kurzes Making-Of, welches exklusive Einblicke in den Entstehungsprozess dieser Vorstellungen gibt. Man erfährt etwas über die eigens für die DVD-Produktion entwickelte Phantom-Maske, die Herausforderung, einen Kronleuchter in der Royal Albert Hall anzubringen und fast viermal soviele Kostüme zu produzieren als üblicherweise in einer normalen „Phantom der Oper“-Produktion im Einsatz sind.

Solch imposante und berührende Geburtstagsfeiern wünscht man sich von vielen Musicals. Doch tatsächlich gibt es neben dem „Phantom der Oper“ und „Les Miserables“ kaum Produktionen, die über ein Vierteljahrhundert ohne Unterbrechung in einer Stadt gespielt wurden. Eigentlich fällt einem da nur der „Starlight Express“ in Bochum ein, der 2013 sein 25-jähriges Jubiläum feiert… Mal sehen, was man sich dort einfallen lässt, um diesen Ehrentag zu begehen.

Michaela Flint

Regie / Design: Laurence Connor / Matt Kinley
Darsteller: Sierra Boggess, Hadley Fraser, Ramin Karimloo, Liz Robertson
Musik: Andrew Lloyd Webber
Verleih / Fotos: Universal Pictures International

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