Was „Wicked“ seit jeher ausmacht, ist die perfekte Mischung von mitreißender Story, grandioser Ausstattung (Bühne & Kostüme) und unvergesslichen Songs. Ganz zu schweigen von den Darstellerinnen, die diese Show berühmt gemacht haben: Idina Menzel und Kristin Chenoweth.

Regisseur Jon M. Chu („Crazy Rich Asians“, „In the Heights“) hat die Köpfe mit Winnie Holzman und Stephen Schwartz (die schon Buch & Musik der Bühnenfassung verantworteten) zusammengesteckt und herausgekommen ist ein preisgekröntes Leinwand-Musical, von dem man kaum genug bekommen kann. Es gibt so viel zu sehen:

• Nathan Crowleys zauberhaftes Produktionsdesign: Man erkennt alles wieder, nichts ist krampfhaft modernisiert worden. Farbwelten passen, Gebäude haben verspielte Details, erinnern aber an die Welt, die Eugene Lee für die Bühne erdacht hat.
• Paul Tazewells treffsicheres Kostümbild: Munchkins, Shiz-Studierende, Ozians in der Emerald City, natürlich Glinda, Elphaba, Mme. Morrible und der Wizard – alles sieht vertraut aus.
• Technische Finessen wie der Emerald City Express oder die wandelbare Shiz Bibliothek ergänzen das bekannte Setting perfekt.

Man sieht in jeder Szene, dass sich Crowley und Tazewell intensiv damit befasst haben, wie man mit Farben ganze Lebensräume erschafft. Auf der Musicalbühne nichts Neues (vgl. „Les Misérables„), auf Celluloid für nicht Wenige sicherlich etwas gewagt. Tazewell ist sich bewusst, dass
das Publikum aufgrund der langen Laufzeit des Musicals weltweit bereits bestimmte Vorstellungen von Oz und „Wicked“ hat. „Ich musste dieses etablierte Universum respektieren und gleichzeitig den Geist von Wicked mit einer neuen Vision einfangen“, so Tazewell.

Ein Ausflug in die Kostümwelt von Wicked (Auszug aus dem Presseheft)

Tazewells wohl wichtigste Aufgabe bestand darin, den Kontrast zwischen den beiden Hauptfiguren des Films, Elphaba und Glinda, geschickt darzustellen. Ihre Kostüme sollten nicht nur ihre gegensätzlichen Persönlichkeiten widerspiegeln, sondern auch ihre Wandlungsprozesse und die tiefe Verbundenheit symbolisieren, die sie trotz ihrer Unterschiede empfinden.
Bei den Kostümen von Elphaba und Glinda betont Tazewell die Gegenüberstellung von Dunkelheit und Licht sowie von Struktur und Verspieltheit. „Die Kostüme beider Figuren haben eine ähnliche Grundform, unterscheiden sich aber deutlich in den Details“, sagt Tazewell. „Elphabas Design ist schlank, starr und kantig und spiegelt ihre anfänglich zurückhaltende und bestimmte Persönlichkeit wider. Im krassen Gegensatz dazu besitzt Glinda eine raffinierte Ausstrahlung, die eine sorgenfreie Welt symbolisiert.“

Elphabas Kostüme in „Wicked“ spiegeln ihre Entwicklung von einer Außenseiterin zu einer starken, selbstbewussten Frau wider – angefangen bei ihren Outfits aus Kindertagen mit strukturierten Elementen wie Filz und mit Laser zugeschnittenen Ranken bis hin zu ihrem erwachsenen Korsett-Look in Shiz. Tazewells Entwürfe verleihen Elphabas Charakter eine völlig neue und dynamische Dimension.

• Inspiration durch die Natur: Elphabas Kostüme sind von natürlichen Elementen inspiriert, vor allem von Pilzen. Verschlungene Texturen und Muster wie die Fibonacci-Spirale symbolisieren das Leben und die Natur. Diese organischen Elemente unterstreichen ihre Verbundenheit mit der natürlichen Welt und ihren Einsatz für die Tiere.
• Filztechnik: Beim Filzen werden Woll- oder Seidenfasern durch Dämpfen und Stampfen zu einem Stoff verarbeitet. Bei Elphaba trägt dieser Stoff zu einem sehr organischen Look bei: Das erste Kleid, in dem sie an der Universität Shiz zu sehen ist, besteht vollständig aus Filz und verfügt über organische Elemente am Saum – beides kennzeichnet sie als Außenseiterin.
• Der „Wicked-Look“: Zu Elphabas charakteristischem „Wicked-Look“ gehört ein Kleid aus Mikroplissee-Stoff, der akribisch auf eine Basis aufgezogen wurde, sodass eine wellenförmige Bewegung entsteht. Mit seiner organischen Filzstruktur greift das Kleid ihre Herkunft auf und unterstreicht den Gedanken, dass Elphaba ihr wahres Ich bewahrt.
• Veränderung: Während Elphabas Weg durch entscheidende Momente auf den Höhepunkt ihrer Geschichte zusteuert, verändert sich auch ihre Kleidung. Die Überreste ihres Kleides werden zu einem bedeutenden Stück umfunktioniert, in das Elemente aus früheren Zeiten eingearbeitet sind. Diese Verwandlung spiegelt ihr persönliches Wachstum und ihre Entwicklung im Laufe der Geschichte wider.

Glindas Kostüme zeugen von der Kraft der Weiblichkeit und der Anziehungskraft von Zartheit und geschwungenen Formen. Durch eine Palette von Rosa, Lavendel sowie schimmernden Farbtönen, die an eine Seifenblase oder Polarlichter erinnern, ruft Tazewells Vision für Glinda ein Gefühl der Gutherzigkeit hervor. Diese Elemente sind auf ihren Charakter abgestimmt und heben ihre besonderen Eigenschaften in verschiedenen Phasen ihrer Entwicklung hervor.

• Historische Inspiration: Glindas charakteristischer Look ist stark von historischen Formen inspiriert. Tazewells Design kombiniert Formen, Stoffe und Verzierungen.
• Seifenblasen und Schmetterlinge: Glindas Garderobe versinnbildlicht die Themen Fliegen und Überschwang: Seifenblasen und Schmetterlinge symbolisieren ihr Temperament und ihre Persönlichkeit. Rosa- und Lavendelfarben, die an das viktorianische Zeitalter erinnern, verleihen ihrer Kleidung Weiblichkeit und Eleganz.
• Schillernder Lagen-Look: Das legendäre rosafarbene Bubble-Kleid erinnert an die Fibonacci-Spirale, die Ausführung in fließendem Lavendel weist mehrere schillernde Lagen auf. Diese Elemente spiegeln Glindas ätherisches und bezauberndes Wesen wider.
• Individuelle Stickereien und Drucke: Glindas Kostüme sind mit individuellen Stickereien und Prints auf Kleidern in verschiedenen Schnitten gestaltet. Die Kombination aus Rock und Blazer, die sie zu Beginn trägt, erinnert an den Dior-Stil der 1950er-Jahre – das Kostüm betont eine schmale Taille und weiche Hüften.
• Ozkothek-Outfit: Glindas Kostüm für den Ball in der Ozkothek verbindet die bekannte Dior-Ästhetik mit übergroßen Blütenblättern aus Seide. Der Farbverlauf wechselt von leuchtendem Gelb zu zartem Rosa und soll die Farbenpracht der blühenden Rosen im Queen Mary’s Rose Garden im Londoner Regents Park widerspiegeln.

Auch bei den weiteren Charakteren lohnt ein genauer Blick auf die Kostüme:

Der Wizard of Oz: Die Kostüme von Jeff Goldblum zielen darauf ab, den Zauberer als einen Amerikaner aus dem Mittleren Westen – genauer gesagt aus Omaha – darzustellen. Der Schnitt seines Anzugs erinnert an einen Gehrock aus der Zeit um 1900. Ursprünglich trug der Zauberer grün, um einen visuellen Bezug zur Smaragdstadt herzustellen, doch seine Kleidung enthält auch persönliche Details wie einen Uhrenanhänger in Ballonform und ein goldenes Medaillon seines früheren Auftritts bei der Weltausstellung. Außerdem integrierte das Team Goldblums persönliche Brillenlinie in die Kostüme, wodurch der Look der Figur ein besonderes Flair bekommt.

Bei Madam Morrible, gespielt von Michelle Yeoh, ließ Tazewell besondere Vorsicht walten und gestaltete die Garderobe bei der Einführung an der Universität Shiz so, dass sie das Publikum durch ihre mystische Persönlichkeit fasziniert. Ihre Kleidung ist – thematisch passend – mit Wettermotiven wie wirbelnden Wolken und dynamischen Elementen geschmückt, die entweder aufwendig gestickt oder Teil eines Perlenmusters sind. Die Farbvariationen, die die Wolkenmuster aufgreifen, verleihen ihren Kostümen Tiefe und einen geheimnisvollen Touch.

Mit einer Palette aus hellen und cremefarbenen Tönen vermitteln die Kleider von Nessarose absolute Unschuld und verleihen ihr eine frische und optimistische Ausstrahlung. Die texturierten Stoffe knüpfen thematisch an die Kostüme ihrer Schwester Elphaba an, während ein Hauch von Rot den Einfluss ihrer Mutter versinnbildlicht und eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart schlägt.

Dieser neue Geist, den Chu und Tazewell beschwören, zeigt sich auch in der Besetzung.

Die Rolle der Elphaba umfasst mehr als nur Gesang und Bühnenpräsenz – sie verlangt emotionale Tiefe, die Fähigkeit, das Leid und den Schmerz auszudrücken, den Elphaba ihr Leben lang erfährt. Als einzige Person in Oz mit grüner Haut stellt sie die kleinste Minderheit dar, was sie zur Außenseiterin macht. Hinter ihrem harten Äußeren verbirgt sich jedoch ein reines, gutes Herz. Eine Schauspielerin zu finden, die all diese Facetten – oft ohne Worte – transportieren kann, war keine einfache Aufgabe. Regisseur Chu entdeckte dies in Cynthia Erivo. „Dass Cynthia Erivo, eine Person of Colour, eine Frau spielt, die grüne Haut hat, macht einen großen Unterschied“, sagt Chu. „Als sie ‚Defying Gravity‘ sang, hat sie förmlich die Bühne gesprengt. Wir wussten sofort, dass unsere Suche endlich ein Ende hatte.“
Stephen Schwartz hat mit allen Darstellerinnen von Elphaba zusammengearbeitet, um den einzigartigen Sound für seine Musik zu entwickeln. Auch für ihn ist Erivo unvergleichlich. „Cynthia ist eine außergewöhnliche Schauspielerin mit einem hervorragenden Gespür dafür, was in der Figur vorgeht und wie sie es zum Ausdruck bringen kann“, sagt Schwartz. „Sie hat eine unglaubliche Kontrolle über ihre Stimme. Es ist wie bei einem Musiker, der weiß, wie er das Optimum aus einem guten Instrument herausholen kann. Das ist es, was ich erlebt habe, als sie diese Lieder gesungen hat. Sie gibt Elphaba eine Wildheit und Tiefe, die in allem, was sie tut, wunderbar zum Ausdruck kommt, besonders in ‚Defying Gravity‘.“

Glinda wirkt auf den ersten Blick oberflächlich, doch hinter ihrem rosaroten Äußeren verbergen sich Empathie, Loyalität und eine tiefere Persönlichkeit. Jon M. Chu und Drehbuchautorin Winnie Holzman wollten herausarbeiten, dass Glinda im Verlauf der Geschichte ihre innere Komplexität entdeckt. Ariana Grande überzeugte Chu durch ihre detaillierte und leidenschaftliche Vorbereitung auf die Rolle. Sie hatte sich über zehn Jahre darauf vorbereitet, trainierte intensiv Gesang und Schauspiel, um Glindas Charakter glaubhaft darzustellen. „Ich musste meine Stimme umtrainieren, um klassischer und opernhafter zu singen. Mein Stimmvolumen gibt das zwar her, aber die Stimmbänder brauchen eine Weile, um sich daran zu gewöhnen, wie jeder andere Muskel auch. Das erfordert eine Menge Training.“ erinnert sich Grande. Ihre Hingabe zeigte sich bis ins kleinste Detail, während sie voller Begeisterung auf die Rolle hinarbeitete. „Jedes Mal, wenn Ariana kam, war sie die faszinierendste Glinda im ganzen Raum“, sagt Chu. „Dann kam sie wieder zurück und wurde sogar noch interessanter. So sehr, dass wir beschlossen, dass sie unsere Glinda ist.“

Den einzigartigen Jeff Goldblum für die Rolle zu gewinnen, war ein echter Coup für die Filmemacher. „Wir haben nicht nur exzellente Schauspieler und Persönlichkeiten gefunden, sondern auch Darsteller, die allesamt singen können“, erklärt Komponist Stephen Schwartz. „In einem Musical muss man das Gefühl haben, dass die Leute die Songs auch wirklich performen können. Jeff Goldblum als unser Zauberer war definitiv in der Lage, Musik live vorzutragen. Das macht die Aufnahmen mit ihm unkompliziert und zugleich aufregend. Wir müssen nichts vortäuschen oder auf eine Menge technischer Tricks zurückgreifen.“

Bei der Suche nach einer Darstellerin für die Rolle der Madame Akaber hat Chu mit Michelle Yeoh seine Wunschkandidatin besetzt. Beide haben schon bei „Crazy Rich“ zusammengearbeitet. Zuneigung und Respekt beruhen auf Gegenseitigkeit: „Wenn Jon anruft, komme ich sofort gerannt“, sagt Yeoh. Sie gibt zu, dass Singen nicht ihre erste künstlerische Ausdrucksform ist. Dennoch war sie bereit für jede Aufgabe, die das Filmteam an sie herantrug. „Als Künstler lebt man dafür, Herausforderungen anzunehmen und etwas Neues zu machen“, so Yeoh.

Auf der Leinwand verkörpert Jonathan Bailey (den meisten wohl bekannt aus „Bridgerton“) die Figur des Fiyero, der als unbekümmerter Lebemann die Universität Shiz auf den Kopf stellt. „Ich trage die blonde Tolle und die Reiterhosen mit Stolz“, gibt Bailey zu Protokoll. Als ozianischer Adeliger ist der gutaussehende und charismatische Fiyero an Bewunderung gewöhnt und tut nur das, was ihm Spaß bereitet. Seine Weltsicht bringt Bailey mitköstlichem (und sportlichem) Charme in dem Song „Dancing Through Life“ zum Ausdruck. Doch genau wie bei Glinda steckt auch hinter Fiyero weit mehr, als man auf den ersten Blick sieht.

Nessarose, die jüngere Schwester von Elphaba sehnt sie sich nach Selbstständigkeit. Besonders ihre unerwiderte Liebe zu Munchkin Boq, der jedoch hoffnungslos in Glinda verkliebt ist, prägt Nessaroses Leben stark – ebenso wie die zunehmende Macht ihrer Schwester. Laut Drehbuchautorin Winnie Holzman kreisen Nessas Wünsche vollständig um diese unerfüllte Liebe: „Sie glaubt, dass ihr Leben nur dann Bedeutung hätte, wenn sie Boq dazu bringen könnte, sie zu lieben.“

Nach einer intensiven Suche entschieden sich die Filmemacher für Marissa Bode für die Rolle der jungen Frau, die nach Selbstbestimmung strebt. Produzent Marc Platt erinnert sich: „Wir haben viele großartige Schauspielerinnen getroffen, aber Marissa war ein besonderer Glücksfall. Sie verkörpert diese Rolle mit Sensibilität und Schönheit.“ Als Person of Colour und Rollstuhlfahrerin verleiht sie der Figur auf einzigartige Weise Tiefe. Für Bode ist es ein beeindruckendes Erlebnis, Teil dieser Produktion zu sein. Die junge Schauspielerin ist sich bewusst, wie wichtig ihre Rolle für Menschen ist, die wie sie im Rollstuhl sitzen oder mit anderen Beeinträchtigungen leben. „Ich wurde im Alter von elf Jahren verletzt. Schon damals habe ich festgestellt, dass beeinträchtigte Menschen auf der Leinwand kaum zu finden sind“, so Bode. „Das war hart, vor allem, wenn man diesen Karriereweg weiterverfolgen will. Umso wichtiger ist es, nun für andere Personen ein Vorbild zu sein.“

Die Erwartungen, die mit diesen Grundvoraussetzungen der „Wicked“-Verflmung einhergehen, waren hoch. Sehr hoch, da das Musical ja durch zwei Jahrzehnte weltweite Spielzeit bereits einem großen Publikum bekannt ist. Aber selbst bei aller gebotenen Skepsis, die auf bisherigen mehr oder minder geglückten Kino-Adaptionen großer Musicals beruht (man denke nur an „Les Misérables“ oder „Das Phantom der Oper„), kommt man nicht umhin, den Hut vor der Leistung aller Beteiligten zu ziehen.

Das beginnt bei der wirklich hervorragenden Umsetzung von Set & Kostümen, zieht sich weiter durch die gelungene Personenregie bis hin zur Besetzung: Cynthia Erivos Mimik und gesanglicher Ausdruck sind raumgreifend und sorgen mehr als einmal für Gänsehaut. Elphabas Wunsch nach Normalität, ihr Einsatz für Unterdrückte, ihre Verletztheit, als sie feststellen muss, dass Glinda sie einmal mehr aufzieht – Eriva ist in jeder Sekunde präsent und glaubhaft! Man fühlt mit der Außenseiterin und möchte ihr einfach nur zur Seite stehen

Ariana Grande spielt das beliebte Püppchen mit viel Divapotential. „Popular“ ist eine Explosion in rosa Goodwill und auch auf der Leinwand richtig lustig inszeniert. Die Wandlung von der oberflächlichen, nur auf Äußeres und Anerkennung bezogenen Galinda zur ernsthaften Glinda nimmt man ihr noch nicht vollumfänglich ab. Aber diese Wandlung wird in der zweiten Hälfte ja auch noch viel mehr thematisiert.

Marissa Bode wirkt auf den ersten Blick rollendeckend unscheinbar, doch sie setzt deutliche Statements und ist gerade im Zusammenspiel mit Boq wirklich zauberhaft. Ethan Slater verkörpert den Munchkin (in der bisher bekannten ersten Hälfte) tolpatschig und liebenswert, genau so, wie man ihn sich vorstellt. Seine Wandlung zum Tim Man wird sicherlich noch einmal spannend werden.

Die überhaupt nicht nette Madame Morrible und der der ganz und gar nicht wundervolle Wizard werden von Michelle Yeoh und Jeff Goldblum zum Leben erweckt. Schauspielerisch sind beide über jeden Zweifel erhaben. Goldblum wirkt verspielt, die Berechnung, mit der der Wizard alles geplant hat, mag man dem lieben, netten „Zauberer von nebenan“ einfach nicht glauben. Großartig! Michelle Yeoh zeigt die hinterlistige Art von Madame Morrible dagegen doch sehr deutlich. Sie verfolgt einen fiesen Plan und das spürt man sofort. Sie sagt ja selbst im Interview, dass Gesang nicht ihre Stärke ist. Das kann man leider nur bestätigen. Sehr schade…

Für gute Laune sorgt Fiyero nicht nur in Shiz. Der Schalk, der offenbar auch Jonathan Bailey bei der Interpretation dieser Rolle im Nacken saß ist allgegenwärtig. Er ist ein Allroundtalent und überzeugt nicht nur schauspielerisch als oberflächlicher Prince Charming, sondern auch gesanglich gibt es keinen Grund zu Klagen. Besonders begeistert er mit seinem tänzerischen Können. „Dancing through Life“ ist nicht nur szenisch einer der spannendsten Momente, auch sportlich verlangt Chu seinen Darstellern hier viel ab.

Übrigens hat auch Stephen Schwartz seinen ganz persönlichen Auftritt im Film: Er ist es, der Elphaba und Glinda mit „The Wizard will see you now.“ in die Emerald City bittet. Eine hübsche kleine Idee.

Apropos, erste Hälfte: Dass „Wicked“ künstlich aufgeblasen und zwei Abendfüllende Filme daraus gemacht wurden, mag zunächst Kritiker auf den Plan rufen. Nicht selten sind durch weitere Charaktere oder Hintergrund-Stories angereicherte Filme weniger authentisch oder zu langatmig. Allerdings muss man den Kreativen auch hier zugute halten, dass sie genau wussten, was sie taten, als sie die Zweiteilung planten.

So erfährt der Zuschauende noch mehr über Elphabas Vergangenheit und dass schon damals Tiere wichtige Bezugspersonen für sie waren. Man lernt die Hintergründe zum Verschwinden von Dr. Dillamonds Kollegen. Ein schöner Nebeneffekt ist natürlich auch, dass man die verschiedenen Umgebungen, die für den Film geschaffen wurden, viel länger genießen kann. Man entdeckt viele kleine Details, wie bspw. die Spiegelung von Elphabas düsterer Zukunftsvision im Brunnen von Shiz oder die Verwandlungen der Seiten im Grimmerie, einem uralten Buch der Weisheit, Wundertätigkeit und Zaubersprüche. Auch eine neue Kollegin in Shiz – Miss Coddle (gespielt von Keala Settle („The Greatest Showman“)) – lernen die Kinobesucher kennen: Sie ist die Hausmutter der Studierenden, zu denen auch Elphaba und Glinda gehören. Die für die Zuteilung der Zimmer zuständige Betreuerin wird von Ängsten geplagt. „Sie versucht, es ihrer Vorgesetzten Madam Morrible recht zu machen, der man es unmöglich recht machen kann. Und sie eifert ihr in jeder Hinsicht nach“, so Settle. „Aber sie liebt auch die Kinder an der
Universität und will, dass sie bei allem, was sie tun, erfolgreich sind.“

Jon M. Chus Idee von „Wicked“ funktioniert in jeder Hinsicht. Dass der zweite Teil erst im November 2025 in die Kinos kommt, ist mehr als bedauerlich… Dass die Verfilmung so gut funktioniert, liegt aber auch an den weltbekannten Songs, deren englische Texte den meisten geläufiger sind als die deutschen. Es wirkt schon unfreiwillig komisch, wenn man im Kino eine Fassung mit Untertiteln schaut, denn bei den Songtexten sind die deutschen Adaptionen eingeblendet, die naturgemäß keine direkte Übersetzung der englischen Version sind. Auch passen die deutschen Einspielungen der Songs nicht zu den Lippenbewegungen, was bei der Intensität einiger Stücke einfach stört. Meine Empfehlung ist, sich in jedem Fall die englische Originalversion (ohne Untertitel) anzuschauen.

Nachhaltigkeit wird bei „Wicked“ großgeschrieben

Noch ein paar Worte zu den Nachhaltigkeitsbemühungen, die ganz offenbar auch vor der Filmbranche nicht Halt machen. „Wicked“ ist der erste Film, der im Rahmen des GreenerLight-Programms von Universal produziert wurde. Das Projekt fördert die Nachhaltigkeit während des gesamten Filmprozesses – vom Drehbuch bis zur Leinwand. Universal verfolgt gemeinsam mit Comcast NBCUniversal das Ziel, bis 2035 weltweit CO2-neutral zu arbeiten. Vor diesem Hintergrund wurde das Umweltberatungsunternehmen Sustainable Films damit beauftragt, einen umfassenden Plan zu entwickeln und die Produktion zu begleiten. Zu den ökologischen Kriterien zählten u.a. bis zu 40 % veganes Catering, Vermeidung von Food Waste, Elektrofahrzeuge im Fuhrpark (inkl. 18 E-LKWs), 75 % der Beleuchtung waren energieeffiziente LEDs, Verwendung recycleter Baumaterialien aus früheren Sets oder bei Neukauf nur FSC-zertifiziertes Holz sowie das Einfärbern bereits genutzter Stoffe, um sie wiederzuverwenden. Cynthia Erivo, Ariana Grande, Michelle Yeoh und Jeff Goldblum engagieren sich allesamt persönlich für Klimaschutzinitiativen und -organisationen. Cast und Crew setzten sich abteilungsübergreifend dafür ein, eine Produktion zu schaffen, die die
Umwelt entlastet, unter anderem durch Newsletter, Wohltätigkeitsaktionen und Wettbewerbe.

Dazu zählt neben den genannten, ausschließlich auf ökologische Nachhaltigkeit abzielenden Maßnahmen, auch die Berücksichtigung von sozialen Aspekten eine Rolle. Die Figur Nessarose verwendet in „Wicked“ einen ozianischen Rollstuhl. Da Marissa Bode, die Nessarose darstellt, auch im wahren Leben auf einen Rollstuhl angewiesen ist, waren Regisseur Jon M. Chu, Produzent Marc Platt und die anderen Filmemacher fest entschlossen, nicht nur das Set rollstuhlgerecht zu gestalten, sondern auch einen innovativen neuen Standard für Barrierefreiheit am Drehort zu setzen. Dies gelang durch den Bau eines barrierefreien Artist-Trailers, die Anpassung der Kostüme, damit diese dem Rollstuhl nicht im Weg sind sowie der Integration des Rollstuhls in die Tanzszenen: Gemeinsam mit Christopher Scott (Choreograph) und dessen Mitarbeiter Emilo Dosal erarbeitete Bode die Bewegungsabläufe des Rollstuhls. „Emilio hat mich immer wieder gefragt, was für mich gut funktioniert. Danach wurde die Choreografie ausgerichtet“,erläutert Bode. „Die beiden waren großartige Lehrer. Außerdem durfte ich mit Hannah Raynor zusammenarbeiten, einer echten Rollstuhl-Tänzerin. Es war sehr hilfreich, jemanden zu erleben, der seine Sache so unglaublich gut macht.“

„Wicked“ setzt also nicht nur künstlerisch einmal mehr Maßstäbe, sondern legt mit dem Anspruch an Diversität in der Cast, der gelebten Inklusion am Set sowie einer nachhaltigeren Produktion ingesamt die Latte sehr hoch. Mich begeistert dies sehr und ich freue mich auf den zweiten Teil!

Michaela Flint

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Im Grunde geht es um den Teenager Evan Hansen, der unter Angststörungen leidet und in der Schule als Außenseiter gilt. Auch Connor Murphy ist ein Außenseiter, aber eher weil er unangepasst ist und manchmal auch aggressiv agiert. Die Geschichten der beiden werden auf immer miteinander verbunden als Connor einen Brief findet, den Evan – auf Anraten seines Psychotherapeuten – an sich selbst geschrieben hat.

Dieser Brief bringt das sprichwörtliche Fass bei Connor zum Überlaufen. Er ist ohnehin sehr labil und kann mit der im Brief angedeuteten Liebeserklärung an seine kleine Schwester Zoe – die er um jeden Preis beschützen möchte – nicht umgehen. Er verschwindet und wird nach drei Tagen tot aufgefunden.

Connors Eltern halten dieses Schreiben für dessen Abschiedsbrief und legen alle Hoffnungen darin, dass ihr Sohn doch nicht so unbeliebt war, wie alle behaupten, sondern einen richtigen Freund hatte, dem er sogar Briefe schrieb.

Evan ist durch so viel Aufmerksamkeit eingeschüchtert. Anstatt das Missverständnis aufzuklären, lässt er sich von Connors Mutter immer weiter in diese gar nicht existierende Freundschaft hineinquatschen. Mit seinem Kumpel Jared programmiert er sogar eine E-Mail-Korrespondenz zwischen den beiden. Er möchte Connors Mutter nicht weh tun, sieht seine Chance, Connors Schwester näherzukommen und verpasst den Zeitpunkt, aus diesem Lügengebilde noch rechtzeitig auszusteigen.

Diese von allen offenbar unbemerkte Freundschaft zieht sehr große Kreise: Es wird eine Gedenkveranstaltung in der Schule abgehalten, das Obstbaumwäldchen, in dem die beiden angeblich so gern waren, soll mittels Fundraising in einen Connor Murphy Gedenkwald umgewidmet werden, usw.

Das Ganze kippt erst, als der vermeintliche Abschiedsbrief, in dem es auch darum geht, wie sehr sich der Verfasser von seinen Eltern im Stich gelassen fühlt, im Internet veröffentlicht wird. Connors Familie ist einem unsäglichen Shitstorm ausgesetzt und wird von der viel zitierten Community für den Tod ihres Sohnes verantwortlich gemacht. Diese Situation wird für Evan unerträglich. Dann kommt auch Evans Mutter dahinter, dass ihr Sohn sie bezüglich Connor angelogen hat und stellt bei einem Treffen mit Connors Eltern klar, dass nicht alles, was Evan erzählt hat, stimmt. In der Folge klärt Evan die Verkettung aus Missverständnissen und Unwahrheiten auf und wird wieder zum Einsiedler, der er vorher war, fühlt sich aber noch viel einsamer und schlechter als je zuvor.

Ein Jahr später treffen sich Evan und Zoe im Obstbaumwäldchen. Ihre Zuneigung ist nach wie vor vorhanden. Und so endet das Stück auf eine seltsame Weise recht versöhnlich.

Auf die Handlung (wikipedia.com) kann man sich einlassen oder auch nicht. Man kann durchaus Mitleid mit Evan haben, doch manchmal überwiegt auch das blanke Unverständnis, dass er sein Lügenschloss gegen jedes bessere Wissen aufrechterhält.

In jedem Fall liefert dieses Stück viel Gesprächsstoff…

Für die filmische Fassung wurde eine sehr gute Besetzung gewählt, die einerseits der breiten Masse bekannt ist (Amy Adams als Cynthia Murphy, Julianne Moore als Heidi Hansen), aber auch viele Nachwuchstalente, die sehr überzeugen (insbesondere Amandla Stenberg als Alana und Nik Dodani als Jared).

Bereits im Vorfeld wurde kritisch diskutiert, dass Ben Platt, der Evan Hansen bei der Broadway-Premiere 2016 gespielt hat, fünf Jahre später, mit inzwischen 28 Jahren, auch auf der Leinwand den Teenager Evan gibt. Doch ehrlich gesagt, kann man sich kaum eine bessere Besetzung für diese so anspruchsvolle Rolle vorstellen: Evans verhuschte Blicke, sein gebeugter Gang, die ängstlich-schüchterne Kopfhaltung auf der einen Seite und das strahlende Lächeln, schelmische Glitzern in den Augen, das sichtbare Wohlfühlen in der Familie Murphy auf der anderen – Ben Platt stellt dies unbestreitbar glaubwürdig dar. Auch das Hin- und Hergerissensein zwischen seiner Krankheit, seinen Gefühlen, seinen eigenen Wertevorstellungen, den Missverständnissen und der eigenen Feigheit  – diese Konflikte drückt er sehr authentisch aus.

Dazu kommt noch sein perfekt auf Paseks / Pauls Kompositionen abgestimmter Gesang: Seine warme, beinahe zerbrechliche Stimme und seine vokale Energie beim Connors Gedenkveranstaltung („You will be found“) jagen einem Gänsehautschauer über den Rücken und Tränen in die Augen.

Die filmische Umsetzung des Musicals kann als durchaus gelungen bezeichnet werden. „Dear Evan Hansen“ hat Spielfilmcharakter, ist kurzweilig und man hetzt nicht von Song zu Song. Die meisten Songs fügen sich sehr gut in die Handlungen und Dialoge ein.

Amy Adams ist eine rührend besorgte, liebevolle Mutter, die sich an jedes noch so kleine Haar klammert, nur um endlich glauben zu können, dass ihr Sohn Connor kein Scheusal war. Adams spielt nicht nur sehr einfühlsam, sondern singt auch sehr gut. Im „Requiem“ vereinigen sich diese beiden Eigenschaften zur Perfektion.

Dass Cynthia Murphy aber in ihrer eigenen Trauer manchmal ihren Mann, Connors Stiefvater Larry (stark gespielt von Danny Pino) und ihre Tochter Zoe (Kaitlyn Dever) vernachlässigt, führt zu intensiven Auseinandersetzungen innerhalb der trauernden Familie.

Heidi Hansen hingegen, Evans alleinerziehende Mutter, versucht alles, um ihrem Sohn ein normales Leben zu ermöglichen. Sie nimmt Extraschichten im Krankenhaus an, bezahlt einen Psychiater, aber entfernt sich dabei immer mehr von ihrem Sohn, der eigentlich nur eines braucht: ihre Nähe und ihr Vertrauen. Julianne Moore spielt die erschöpfte Heidi in allen Facetten berührend. „So big / so small“, der Song in dem Heidi mit Evan über dessen Lügen, die gemeinsame Vergangenheit und die Beziehung zueinander spricht, geht unter die Haut – nicht zuletzt auch deshalb, weil Moore hier absolut den richtigen Ton trifft (im wahrsten Wortsinn).

In diesem Zusammenhang erfährt das Publikum auch, dass Evans Sturz vom Baum während der Sommerferien bei Weitem kein Unfall war, sondern dass er einfach losgelassen hat. Er war nicht mit Connor zusammen, wie er alle hat Glauben machen wollen („For Forever“), sondern es war, wie Connor (gespielt von Colton Ryan) schon in einem imaginären Zweigespräch angedeutet hatte, ein Selbstmordversuch.

Alana, Evans nur scheinbar selbstbewusste und proaktive Schulkameradin, ist dank Amandla Stenbergs sehr authentischem Spiel eine Erscheinung. Keiner würde glauben, dass auch dieses Mädchen unter Depressionen leidet. „The Anonymous Ones“ ist einer der stärksten Songs der Show. Alana gesteht Evan, dass sie seine Probleme nur zu gut kennt und zeigt Gemeinsamkeiten auf. Schade, dass Stenberg gesanglich nicht ganz an ihr schauspielerisches Können heranreicht.

Jared, der Sohn einer befreundeten Familie der Hansens, der sich nur aus dieser familiären Verpflichtung heraus mit Evan abgibt, ist eine große Hilfe als seine Programmierkenntnisse gefragt sind. „Sincerely, Me“ ist ein lustiger Song, mit dem Evans Lügenschloss Gestalt annimmt, denn Jared und er erfinden E-Mails, die Connor und Evan sich angeblich geschrieben haben. Dass Jared hier immer wieder in etwas platte Ideen abdriftet, die Evan dann in ein jugendfreies Gewand kleidet, macht den Song nur um so witziger. Die Szene ist auf der Leinwand sehr amüsant umgesetzt. Dodani und Platt hatten sichtlich ihren Spaß.

Zoe und Evan kommen sich im Laufe der Wochen nach Connors Tod näher. Alles scheint perfekt. „Only Us“ wirkt dann aber mit seinen Klischee-Bildern vom Prom und dem Freizeitpark doch irgendwie sehr abgefahren. Dever und Platt geben ein schönes Paar ab und das Ende des Films deutet an, dass es trotz aller Lügen vielleicht doch eine gemeinsame Zukunft für die beiden gibt.

Damit sind wir auch schon bei dem größten Unterschied von Bühnenfassung und Film, denn im Gegensatz zur Bühne setzt man sich mit dem Charakter Evan Hansen ganz anders auseinander. Es löst sich am Ende nicht alles in Wohlgefallen auf. Evan muss viel tun, damit ihm – auch von den Zuschauern – verziehen werden kann. Doch er gibt sich Mühe, liest die zehn Lieblingsbücher von Connor, um den Jungen besser zu verstehen, jobbt, um sich fürs College etwas dazuzuverdienen und seine Mutter zu entlasten und versucht, die Beziehung zu den Murphys, die er so unsagbar tief verletzt hat, langsam wieder aufzubauen. Das Treffen von Zoe und ihm im „Connor Murphy Memorial Orchard“ schürt die Hoffnung, dass dies klappen könnte.

Auch musikalisch haben Pasek & Paul das Portfolio erweitert und mit „The Anonymous Ones“ und „A little closer“ zwei wunderbare neue Songs für die Filmfassung geschrieben. Doch auch die bekannten Showstopper wie „For Forever“ und insbesondere „You will be found“ verfehlen ihre Wirkung nicht.

„Dear Evan Hansen“ ist gut gemachtes Musiktheater mit einer zeitgemäßen Thematik, über die man lange diskutieren kann. Der Film ist ein adäquater Ersatz für alle, die die Show bisher nicht im Theater gucken konnten – idealerweise natürlich in der Originalfassung.

Michaela Flint

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„In the Heights“ ist die sehr gelungene Transformation eines Bühnenmusicals auf die Leinwand. 2008 feierte die Show von Lin-Manuel Miranda (Musik) und Quiara Alegría Hudes (Buch) Broadway-Premiere und heimste in der Folge zahlreiche Theaterpreise als erfolgreichstes Musical und die beste Musik ein. Für die Filmversion, die pandemiebedingt ein Jahr später in die Kinos kommt als ursprünglich geplant, haben sich die beiden mit Jon M. Chu („Step up to the Streets“, „Crazy Rich Asians“) zusammengetan und herausgekommen ist ein schwungvolles, kurzweiliges Portrait des Lebens im titelgebenden Barrio. Die Energie und Lebensfreude, die die zumeist lateinamerikanischen Bewohner trotz aller Sorgen haben, erfüllt einen mit Wärme und Zuneigung, wie man sie im Kino selten spürt. Kombiniert mit Mirandas einzigartiger Mischung aus Latino-Sound und Rap erlebt man 140 energiegeladene und pulsierende Minuten im Kino.

Dies liegt aber zu einem großen Teil auch an den sehr sympathischen Protagonisten, allen voran Anthony Ramos, der als Erzähler und Hauptfigur Usnavi im Mittelpunkt des Geschehens steht. Miranda hatte sich die Rolle damals auf den Leib geschrieben, ist er doch selbst im Schatten der George Washington Brücke aufgewachsen
Ramos ist für Musicalbesucher kein Unbekannter: Schon bei der Weltpremiere von Mirandas Hitshow „Hamilton“ stand er an der Seite des Komponisten als Philip Hamilton / John Laurens auf der Bühne.
Sein Usnavi ist durch und durch gutherzig. Er stellt das Glück der anderen immer über das eigene, ohne jedoch seinen „sueñito“ – in die Dominikanische Republik auszuwandern und die Strandbar seines Vaters wieder aufzubauen – aus den Augen zu verlieren. Diese Herzenswärme, Güte und in einigen Situationen auch Naivität verkörpert Ramos perfekt. Ganz zu schweigen davon, dass er mit den unaussprechlich schnellen, textlastigen Raps genauso spielend klarkommt wie mit den leidenschaftlichen Latino-Songs.

Eine Änderung im Vergleich zu Bühnenfassung ist, dass Usnavi nicht der Onkel, sondern der Cousin von Sonny (Gregory Diaz IV) ist. Doch auch auf der Leinwand arbeiten die beiden zusammen in Usnavis Bodega und Usnavi unterstützt den jungen Mann wo immer er kann. Sonny wiederum revanchiert sich, indem er das lange überfällige Date zwischen Usnavi und Vanessa einfädelt. Manchmal braucht auch der netteste Mensch einen kleinen Schubs in die richtige Richtung…

Dass zu dieser Figur eine politische Botschaft eingeflochten wurde, ist mehr als legitim: Sonny ist mit seinen Eltern als Säugling illegal ins Land gekommen. Er darf keinen Uni-Abschluss machen und sieht sich – wie so viele andere – mit der Ausweisung der sogenannten „Dreamers“ konfrontiert. Auf einer Demo gegen diese Maßnahmen sieht Sonny die Chancen, seinen Lebenstraum zu verwirklichen, dahinschwinden… Doch mit Usnavis Hilfe geht er gegen die Ungerechtigkeiten vor. Ob er einen Abschluss machen wird oder überhaupt im Land bleiben darf, bleibt offen.

Benny, ein treuer Kunde und guter Freund von Usnavi, wird von Corey Hawkins gespielt. Autor Hudes erläutert die Wahl des maximalpigmentierten Darstellers damit, dass in seinem Viertel immer „honorary Latinos“ bei gemeinsamen Essen und Aktivitäten dabei waren. Keine Latinos qua Geburt, auch nicht unbedingt Spanisch sprechend, aber als Freunde zur Gemeinschaft gehörend. Genau so sieht er auch Hawkins.

Benny ist charmant und hilfsbereit, auch er strahlt eine große Lebensbejahung aus. Dass er zudem auch gesanglich und tänzerisch in der obersten Liga mitspielt, macht ihn zur perfekten Besetzung. „Benny’s Dispatch“ hat eine wunderbare Energie, die von Hawkins dank seiner warmen, vollen Stimme ideal intoniert wird.

Benny arbeitet im Taxi-Unternehmen von Kevin Rosario, der alles dafür tut, dass seine Tochter Nina in Stanford ihren Abschluss macht. Sie soll es einmal besser haben als er. Sogar sein halbes Geschäft hat er schon geopfert, um die Studiengebühren zu zahlen. Als immer besorgter Vater ist Jimmy Smits gecastet worden, der vielen aus „Starwars“ durchaus bekannt sein dürfte. Er ist nicht der beste Sänger, aber auch ihm scheint die im Film allgegenwärtige herzliche Lebenseinstellung eigen zu sein. Zunächst noch ablehnend gegen Benny, der ihn zwar im Job perfekt entlastet, aber andererseits Nina von ihrem Studium abhält, lässt Kevin immer mehr los und seine Tochter ihre eigenen Entscheidungen treffen. Smits kann die Gedanken und Gefühle des besorgen Vaters sehr gut vermitteln.

Apropos Nina, sie ist sicherlich eine der spannendsten Figuren von „In the Heights“: Nina kommt aus einer Arbeiterfamilie, der Vater hat alles aufgebaut, um seiner Familie ein gutes Leben zu ermöglichen und seine Tochter auf die Uni zu schicken. In Stanford wird Nina jedoch geringschätzig behandelt, erlebt täglich Rassismus und fühlt, dass sie dort nicht hingehört. Sie schmeißt das Studium, kehrt zurück und verschweigt zunächst, dass sie nicht weiß, wie es weitergehen soll. Sie möchte ihren Papa ja auch nicht enttäuschen… Im Laufe der Handlung eröffnen sich ihr – auch dank Benny und Usnavi – immer neue Blickwinkel und am Ende entscheidet sie sich, den „Dreamers“ zu helfen, zu ihrem Recht zu kommen. Sie bleibt bei ihren Wurzeln und nutzt all das, was ihr das Leben mitgegeben hat, um sich für ihre Gemeinschaft einzusetzen. Mit Leslie Grace wurde eine exzellente Sängerin (dreifach nominiert für den Latin Grammy) und sehr authentische Schauspielerin gewählt, die genau verstanden hat, wie hin- und hergerissen Nina sich fühlt.

Im Gegensatz zur Bühnenversion lebt Ninas Mutter im Film nicht mehr. Stattdessen wurde die Rolle der Schönheitssalon-Besitzerin Daniela geschaffen, die mit ihrer Lebensgefährtin Carla den letzten Gossip aus dem Barrio ausschweifend kommentiert und kostenlos an alle Kundinnen weitergibt. Aber auch Daniela muss sehen, wie sie über die Runden kommt und zieht daher mit ihrem Salon weg. Vorher jedoch rüttelt sie mit dem „Carnaval del Barrio“ nochmal alle gehörig wach. Sowohl Daphne Rubin-Vega („Rent“, „Smash“) als Daniela als auch Stephanie Beatriz als Carla gelingt die Gratwanderung zwischen Trash und Klischee sehr gut. Auch die bei „No Me Diga“ im Regal mitwippenden Perückenköpfe passen perfekt in diese schräge, aber dennoch liebevolle Umgebung.

Eine, die mit dem Kopf in den Wolken lebt, ist Vanessa. Sie möchte unbedingt Modedesignerin werden und lässt nichts unversucht, um Downtown eine eigene Wohnung zu bekommen, Washington Heights hinter sich zu lassen und durchzustarten. Die visualisierten U-Bahn-Fahrten – in Vanessas Fall mit Stoffbahnen, Nagellack, Lippenstift usw. – zeugen einmal mehr von einer unglaublichen Kreativität bei den Machern!

Doch auch sie stößt immer wieder an Grenzen und übersieht, mit wieviel Liebe und Freundschaft sie dank der Gemeinschaft im Barrio gesegnet ist. Usnavi, der Vanessa schon lange liebt, ist es schließlich, der ihr hilft, eine Wohnung zu bekommen und unabhängig zu werden. Zumindest sieht es so aus, aber am Schluss kommt doch alles ganz anders…

Melissa Barrera füllt diese Rolle sehr gut aus. Sie ist selbstbewusst, verletzlich und verschließt ihr Herz. Barrera konnte sich ganz offensichtlich dank ihrer eigenen Geschichte – sie ist aus den USA zunächst in ihr Heimatland Mexiko gegangenn, um dort Karriere zu machen – sehr gut mit diesem Charakter identifizieren.

Als „Matriarchin“ wacht Abuela Claudia über ihre Gemeinschaft aus Menschen, die aus Mexiko, der Dominikanischen Republik, Kolumbien, Venezuela und Puerto Rico aus verschiedensten Motiven in die USA gekommen sind. Olga Merediz war für das Kreativteam die einzige Darstellerin, die für diese Rolle in Frage kam. Sie hat schon am Broadway das Publikum als Abuela zum Lachen gebracht und zu Tränen gerührt. Dieses Kunststück gelingt ihr auch mit ihrer Leinwand-Performance. Abuela Claudias süßes Lebensmotto „Paciencia y Fé“ zieht sich wie ein roter Faden durch ihr Leben. Sie hält die Gemeinschaft zusammen, hat immer einen guten Rat parat oder eine Schulter zum Anlehnen. Mit dem zerbrechlich zartfühlend beginnenden Solo „Paciencia y Fé“ zeigt Merediz eine atemberaubende Leidenschaft und Bandbreite an Gefühlen. Man möchte diese Frau am Ende ihres schweren Lebens einfach nur in den Arm nehmen. Ohne Taschentücher gehts hier nicht!

Auch szenisch ist dieser Song traumhaft umgesetzt. Bilder, Farben – alles fließt zu einer Einheit zusammen. Schaut man sich im Abspann die Originalfotos der Washington Heights an, kann man genau erkennen, woher die Filmemacher ihre Inspiration für diese Szene bekommen haben.

Natürlich ließ sich das Kreativteam einige Side-Kicks auf „Hamilton“ nicht nehmen. So verkauft Lin-Manuel Miranda als Piragüero das begehrte, traditionelle „Piragua“ und muss sich dabei der Konkurrenz durch den Softeismann erwehren, der von Christopher Jackson gespielt wird. Bei der Broadway-Premiere von „In the Heights“ gab Jackson den Benny und kreierte 2015/2016 den George Washington in „Hamilton“. Die gesangliche Auseinandersetzung von Miranda und Jackson ist vor diesem Hintergrund noch um einiges amüsanter.

Aber auch im „Carnaval del Barrio“ ist Miranda noch mehrfach zu sehen und zu hören. Dies ist herzerwärmend, besonders wenn man überlegt, wie lange es gedauert hat, bis er mit seinen beiden bekanntesten Musicals weltweit Erfolge feierte. Sein „sueñito“ ist wohl vollumfänglich in Erfüllung gegangen!

Einen berechtigten Lacher erntet Miranda auch dafür, dass er als Warteschleifen-Musik der Universität Stanford einfach „You’ll be back“ aus „Hamilton“ einspielt.

„In the Heights“ ist in wirklich in jeder Rolle großartig besetzt. Es sind tatsächlich die kleinen Details, die der Welt zeigen, dass man nicht unsichtbar ist. Besser als Abuela Claudia kann man dieses Gefühl der Wärme und Zusammengehörigkeit nicht beschreiben.

Die Energie jedes einzelnen Darstellers wird nur in den beeindruckend umgesetzten Ensemblenummern getoppt. Christopher Scott zeichnet für die Choreographien verantwortlich und hat mit bis zu 500 Akteuren ein beachtliches Statement gesetzt: Die Schrittfolgen sind abwechslungsreich und sprühen vor lateinamerikanischer Lebensfreude. Mindestens genauso atemberaubend sind die waghalsigen Break Dance Einlagen.

Bei „96.000“ wird die Unterhaltung der Protagonisten durch putzige Animationen noch plakativer gemacht. Eine hübsche Idee, die im Gegensatz zur anschließenden, arg übertriebenen Pool-Party, sehr gefällt.

Die Synchron-Schwimm-Einlagen im Schwimmbad sind beeindruckend und einwandfrei synchron, zumal mit so einer großen Anzahl „Tänzer“. Diese Szene ist aber die einzige, wo das Kreativteam etwas über das Ziel hinausgeschossen ist. „The Club“ und „Black Out“ verfehlen dagegen ihre Wirkung nicht. Tolle Choreos, exzellente Sängerinnen und Sänger, jede Menge „pura vida“!

Emotional geerdet wird das Publikum durch das traurige „Alabanza“, in der das gesamte Barrio Abschied nimmt von seiner Abuela Claudia. Einmal tief durchatmen…

Doch mit dem „Carnaval del Barrio“ geht es energiegeladen weiter und farbenfrohe (die verschiedenen Flaggen), lebensbejahende (die vielen Liebespaare) Elemente beherrschen das Geschehen. Man wippt unweigerlich mit den Füßen mit und möchte mittanzen… Soviel Energie – da gerät man schon beim Zuschauen aus der Puste!

Zum Ende hin wird es filmisch noch einmal sehr cool: Benny und Nina tanzen zu „When the sun goes down“ auf ihrem Balkon, doch plötzlich kippt das Haus zur Seite und sie schweben über die Fassade und Fensterscheiben – sehr phantasievoll!

Usnavis und Vanessas finales Duett „Bottle of Champagne” ist irgendwie tolpatischig-romantisch und zeigt, dass Timing manchmal doch alles ist…

Der schönste Twist ist jedoch, dass Usnavi seine Geschichte gar nicht den Kindern am Strand erzählt, so wie die erste Szene die Zuschauer glauben machen will. Nein, am Ende sitzt er vor seiner Tochter und deren Freunden in seiner völlig verwandelten Bodega: Vanessa hat am Tag ihres Abschieds Inspiration in Petes Graffitis gefunden und diese sowohl für die Umgestaltung der Bodega als auch für ihre neuesten Kreationen genutzt. Usanavi sieht sich einem sehr gelungenen Wandbild der zerstörten Strandbar seines Vaters gegenüber und überall stehen Schaufensterpuppen herum. Er sieht nun die Welt durch Vanessas Augen und weiß, dass sein Platz hier ist und die Dominikanische Republik, seine Heimat, immer dort sein wird, wo er ist.

Selten bin ich so beseelt, inspiriert und voller positiver Gedanken aus dem Kino gekommen. Lin-Manuel Miranda hat sich gewünscht, dass der positive Spirit seines Films die Zuschauer begleiten wird. Ich würde sagen: Mission accomplished!

Michaela Flint

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Es ist sehr populär, Musicals von der Bühne auf Celluloid zu bannen. Beim “Phantom der Oper“ und “Into the Woods“ gelang dies nur mäßig überzeugend. Doch „Die Schöne und das Biest“ und auch „Les Misérables“ (ebenfalls von Hooper) erzielten mehr als Achtungserfolge in der Musical-Fangemeinde. Von „Mamma Mia“ ganz zu schweigen

Zahlreiche weitere Verfilmungen sind bereits in Planung – darunter „Joseph“ und „In the Heights“. Auch von „Sunset Boulevard“ als Leinwandmusical träumt Andrew Lloyd Webber seit einigen Jahren sehr medienwirksam.

Doch 2019 sind erstmal T. S. Eliots „Practical Cats“ an der Reihe. Schon als im Sommer der erste Trailer veröffentlich wurde, ging ein Raunen durch die Musical-Gemeinde: Das was dort gezeigt wurde, hatte herzlich wenig mit dem zu tun, was man von einem Musicalfilm mit höchsten technischen Raffinessen erwartet hatte. Leider kann auch das vollständige Werk diesen Eindruck nicht bessern.

Es beginnt mit der Ouvertüre, die sehr zurückhaltend aus den Kinolautsprechern plätschert. Zudem fehlen dem versierten Theatergänger natürlich die rundum blinkenden Katzenaugen im Saal. Doch wirklich erwarten konnte man diesen Effekt im Kino nicht.

Tom Hooper hat nach eigener Aussage eine Fantasy-Version von „Cats“ geschaffen, die sich offenbar dadurch auszeichnet, dass Menschen mit computererzeugtem Fell durch London streifen. Das Größenverhältnis, wenn die menschlichen Katzen am Eros-Brunnen auf dem Piccadilly Circus tanzen, passt jedoch nicht. Auch der Trafalgar Square sieht in der Finalszene eher aus wie ein Gemälde, das im Hintergrund platziert wurde. Auch ist eher irritierend, dass die Füße und Hände der Schauspieler „original“ sind und nur in wenigen Szenen einige Katzen Schuhe tragen (bspw. in der Stepp-Szene von Skimbleshanks). Berücksichtigt man dann auch noch die von Jenny Fleckenreich dressierten Mäuse und Kakerlaken, die ebenfalls menschliche Gesichter haben, wird es vollends skurril.

Die Bewegungen der Katzen sind leider weniger geschmeidig und sehen nach Computertechnik aus, die an Computerspiele der späten 90er Jahre erinnert. Idris Elbas‘ Kopf ist schlecht in die Szenen geschnitten und die Sprünge sowie Tanzschritte der Samtpfoten sind gänzlich unnatürlich. Katzen, die beim Springen verschwimmen oder deren Füße beim Tanzen den Boden nicht berühren, sind einfach unecht. Hinzu kommen noch die Gesichter, die auf unnatürliche Art mal breiter und mal schmaler werden, sowie die Ohren, die sich häufig sehr „kreativ“ und auf keinen Fall felin durch die Gegend bewegen.

Auch wenn im Abspann gefühlt 500 Mitarbeiter aufgelistet werden, die die visuellen Effekte er- und bearbeitet haben, wird man das Gefühl nicht los, dass hier die Erfahrung mit dem Genre fehlte. Alternativ ist es natürlich auch vorstellbar, dass Hooper eine sehr spezielle Vorstellung der Bewegungsabläufe von Katzen und dem computervisuellen Aufbau der Umgebung hatte, die sich für Otto Normal Musical-Besucher nicht nachvollziehen lässt.

Doch abgesehen von den überholten Visual Effects, steht ja bei einem Musical die Musik im Vordergrund. Andrew Lloyd Webber hat an einige Songs noch einmal Hand angelegt, was im Sinne einer Modernisierung vollkommen legitim ist. Dennoch passt es zu den Chaos-verbreitenden Katzen Mungojerrie und Rumpleteazer überhaupt nicht, wenn sie anstatt zu einer flippigen Uptempo-Nummer nun zu einem Swing & Jazz Song Unfug stiften. Die Idee, Skimbleshanks, den Kater vom Nachtexpress, steppen zu lassen, verwirrt zunächst ebenfalls sehr. Doch die Art wie diese Szene sich entwickelt und die Tatsache, dass der Stepptanz durchaus „nach vorne“ geht, sorgen für ein stimmiges Gesamtbild.

Auch einige Charaktere wurden für den Film überarbeitet. Allen voran natürlich die schüchterne Victoria, die im Film durchaus Selbstbewusstsein zeigt, sich in Mr. Mistoffelees verliebt und sogar einen eigenen neuen Song bekommt, der von Taylor Swift und Andrew Lloyd Webber stammt. Apropos Mr. Mistoffelees – ihn anstatt des gewitzten, schlauen Zauberers als ängstlichen Tollpatsch darzustellen, dessen Magie eher in seinen fehlschlagenden Tricks liegt, wird viele Musicalfans ärgern.

Auch Rum Tum Tugger bekommt eine wesentlich kleinere Rolle, da viele seiner Gesangspassagen von Munkustrap übernommen werden. Frauenheld? Fehlanzeige! Growltiger verkommt gar zur Nebenrolle. Dafür sind Bustopher Jones, Jenny Fleckenreich, Macavity und Old Deuteronomy wesentlich präsenter, was aber nicht zuletzt auch an deren Besetzung liegt.

Bustopher Jones wird von einem herrlich süffisanten James Corden gespielt. Dass er auch singen kann, beweist er seit Jahren u. a. in seiner „Late Late Show“. Rebel Wilson beweist ihr Talent für Komik und Timing als Jenny Fleckenreich. Idris Elba gibt den magisch-gefährlichen Macavity, der alle Katzen, die mit ihm um die Wiedergeburt konkurrieren, kurzerhand auf ein Themseboot verschleppt.

Den größten „Aufschrei“ gab es in der Community jedoch als bekannt wurde, dass Judi Dench das Katzen-Oberhaupt Old Deuteronomy spielen würde. Old Deuteronomy eine Frau? Das kann doch nicht funktionieren! So las man überall… Doch dank der herausragenden Schauspielerin Judi Dench fällt diese wesentliche Änderung im Vergleich zur Bühnenversion nicht ins Gewicht. Sie spielt mütterlich, zeigt Herz und lässt es an nichts vermissen, was man mit Old Deuteronomy verbindet.

Schauspielerische Exzellenz beweist auch Ian McKellen als Theaterkater Gus. Man hat unfassbar viel Mitgefühl mit diesem altersschwachen Katerchen.

Weitere Weltstars, die für dieses Fantasy-Musical engagiert wurden, sind Jennifer Hudson als Grizabella, Jason Derulo als Rum Tum Tugger und Taylor Swift als Bombalurina. Mit Francesca Hayward als Victoria, Robbie Fairchild als Munkustrap und Laurie Davidson als Mr. Mistoffelees sind viele Schauspieler zu erleben, die man sonst vor allem aus TV-Serien kennt.

An Namen hat „Cats 2.0“ also einiges zu bieten…

Ja, viele Katzen sehen anders aus als man es von der Bühne gewohnt ist, dazu zählen insbesondere Old Deuteronomy, der beige und nicht mehr dunkelbraun ist, und Macavity, der schlicht braun ist anstatt orange-rot-schwarz. Doch diese Fellwechsel kann man als künstlerische Freiheit durchgehen lassen.

Dass die Katzen allerdings mit Rum Tum Tugger in einer Milchbar feiern, ist unverständlich, da Katzen schlichtweg keine Kuhmilch trinken (sollten).

Tom Hooper hat in einem Interview gesagt, dass er mit der Catnip-Szene („Macavity“) neue filmische Maßstäbe setzen wollte. Der geneigte Kinobesucher sucht diese Maßstäbe, denn eine Taylor Swift, die sich als Bombalurina auf einem Halbmond räkelt und langsam in einem Theatersaal herabgelassen wird, während alle Katzen um sie herum durch das Catnip komplett high werden, ist absolut nichts Außergewöhnliches.

Schwierig wird es auch bei Gesang und Tanz… Nicht alle Schauspieler in diesem Musicalfilm sind auch herausragende Sänger. Dafür bestechen sie mit einer gnadenlos guten Mimik (insbesondere McKellen, Corden, Wilson, Derulo). Tänzerisch kann man niemanden in diesem Film wirklich einschätzen, da sämtliche Choreographien durch die Computerbearbeitung unrealistisch wirken. Andy Blankenbuehler hat ein Händchen für moderne Choreos (siehe „Hamilton“), doch zu „Cats“ wollen diese – zumindest in der für den Zuschauer sichtbaren Fassung – nicht passen. Von Gillian Lynnes felinen Tanzsequenzen ist in Hoopers „Cats“ jedenfalls nichts mehr zu erkennen.

Nina Schneider hat einige der ursprünglichen deutschen Texte von Michael Kunze in das 21. Jahrhundert übertragen. Leider klingen diese nicht selten plump und unbeholfen (bspw. „Rum Tum Tugger“, „Einladung zum Jellicle Ball“).

Für die deutsche Fassung wurde einmal mehr einige Rolle doppelt durch einen Synchronsprecher und einen Sänger besetzt. Im Fall von Munkustrap, bei dem Patrick Stanke beide Parts übernahm, geht dies leider daneben, denn viele Sprechgesangspassagen klingen schrecklich schief. Da die raumgreifenden großen Songs von Munkustrap stark gekürzt wurden, kommt Stankes schöne Stimme leider kaum zur Geltung.

Patricia Meeden singt den weltbekannten Showstopper „Memory“, der auf Deutsch aber jetzt auch nicht mehr „Erinnerung“ heißt. Sie kann – im Gegensatz zu Jennifer Hudson – mit ihrer Interpretation vollends überzeugen.

Philipp Büttner („Aladdin“) kommt die Aufgabe zu, Jason Derulo zu „synchronisieren“. Da Rum Tum Tugger in dieser filmischen Fassung aber nicht allzu viel zu sagen hat, fällt es Büttner leicht, mit diesem Part zu überzeugen.

Manuel Straube verleiht Bustopher Jones eine sehr gelungene deutsche Stimme. Gleiches gilt für Thomas Rauscher und Pia Allgaier, die Gus und Bombalurina ihre deutschen Stimmen leihen.

Andreas Bongard (Mr. Mistoffelees) und Sabrina Weckerlin (Cassandra) verkaufen sich leider in dieser seltsamen Musicalfassung sehr unter Wert. Auch Toby Heinz und Carin Filipcic haben als Mungojerrie und Rumpleteazer so ihre liebe Müh.

Zudem muss man leider auch noch anmerken, dass man deutlich hört, dass die Songs im Studio eingesungen wurden. Man spürt keinerlei Atmosphäre, nur kalte klare Wände um den Gesang. Auch dies ist bei einem Stück wie „Cats“ sehr bedauerlich.

Insgesamt kann man sagen, dass Tom Hoopers Fantasy-Film das Lyrische und Magische gänzlich abgeht, was „Cats“ seit fast vier Jahrzehnten ausmacht. Diese Verfilmung reiht sich nahtlos in die Reihe mit dem „Phantom der Oper“ und „Into the Woods“ ein und lässt direkt auf „In the Heights“ hoffen, das im Gegensatz zu „Cats“ nach dem ersten Trailer sehr vielversprechend aussieht.

Michaela Flint

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Drehbuchautor Richard Curtis („Tatsächlich … Liebe“, „Vier Hochzeiten und ein Todesfall“) und Regisseur Danny Boyle („Slumdog Millionaire“, „Trainspotting“) gehen in ihrem Film „Yesterday“ genau dieser Frage nach.

Jack Malik (gespielt von Himesh Patel) wacht nach einem Unfall während eines 12-sekündigen weltweiten Blackouts in einer anderen Welt auf. Niemand erinnert sich mehr an die Beatles, Oasis oder Harry Potter. Dabei wirkt eigentlich alles wie immer…

Doch Malik, seines Zeichens erfolgloser Singer-Songwriter und Musiklehrer, erinnert sich als einziger an die Songs der Fab Four.

Nach einem kurzen Kampf mit seinem Gewissen beginnt er, die ehemals weltbekannten Stücke aufzunehmen. Hierbei bekommt er sehr viel Unterstützung von seiner Sandkastenfreundin Ellie (Lily James), die ihn schon vor seinem Unfall als Musiker gemanaged hat. Nachdem die ersten Songs auf Youtube veröffentlicht sind, klopft auch das Glück in Form von Ed Sheeran an seine Tür. Jack spielt im Vorprogramm von Ed Sheeran, der neidlos anerkennen muss, dass die Songs, die Jack scheinbar einfach so nebenbei schreibt, Weltklasse sind. Das erkennt auch Sheerans Managerin Debra Hammer (genial: Kate McKinnon), die sofort das große Geld wittert und Malik auf die Erfolgsspur führt.

Doch so richtig wohl fühlt sich Jack nicht in seiner Haut… Zu seinen Gewissensbissen kommt noch Ellie, die ihm ihre langjährige Liebe gesteht, was ihn zunächst total überfordert. Hin- und hergerissen zwischen Karriere und Ehrlichkeit, Erfolg und Liebe, beugt er sich zunächst dem Druck der Musikindustrie. Doch dann lernt er, dass er als Künstler auch eine gewisse Macht hat, und lässt das Konzert anlässlich seiner Albumveröffentlichung in seinem Heimatort stattfinden. Schließlich wird der Druck zu groß. Nach einem Treffen mit dem 78-jährigen John Lennon (großartig dargestellt von Robert Carlyle) in einem Cottage an der englischen Küste erkennt Jack, dass er ohne Ellie an seiner Seite nicht leben möchte, und bittet Ed Sheeran um ein paar Minuten Bühnenzeit auf dessen Konzert in der Wembley Arena. Dort löst er alles auf, gibt öffentlich zu, dass alle Songs auf seinem Album nicht von ihm stammen und gesteht Ellie seine Liebe. Um seinen guten Willen zu beweisen, lässt er alle Songs, die er geschrieben hat, kostenlos zum Download ins Internet stellen.

Die Konsequenzen liegen auf der Hand: Der Held gewinnt das Mädchen, geht zurück in seinen alten Job als Musiklehrer (wo er den Kindern Beatles-Songs beibringt) und alles ist gut. Da sich (bis auf zwei ältere Fans) niemand an die Beatles erinnert, muss er keine Strafen fürchten. Dass sich außer ihm auch niemand an Coca-Cola, Zigaretten, Oasis oder Harry Potter erinnern kann, nun ja, damit wird Jack wohl leben können…

Am 8. November 2019, nur sechs Monate nach der Weltpremiere, wurde die DVD zum Film veröffentlicht. Man kann sich nun also noch einmal ganz in Ruhe anschauen, wie anstrengend (und zugleich sehr witzig) es sein kann, sich an Texte von Welthits wie „Eleanor Rigby“ zu erinnern oder seinen wenig achtsamen Eltern „Let it be“ vorzuspielen.

Himesh Patel ist nicht der beste Sänger, doch das macht er mit seinem sehr einfühlsamen Spiel wieder wett. Er ist charmant und leicht trottelig zugleich. Man kann Jacks Handlungen gut nachvollziehen und ist froh, dass er sich am Ende gegen die Karriere und für Ehrlichkeit und Liebe entscheidet.

Ellie ist ebenfalls Lehrerin und eine sehr selbstbewusste junge Frau. Lily James verkörpert diese Rolle sehr gefühlvoll. Kate McKinnon, vielen bekannt aus ihren zahlreichen Rollen in Saturday Night Live, gibt die strenge Managerin. Sie nimmt kein Blatt vor den Mund, ist zielstrebig und rücksichtslos. Mit ihrer Authentizität ragt sich aus der Riege ihrer Kollegen deutlich hervor. Einzig Robert Carlyle (Lennon)spielt hier in derselben Liga.

James Corden und Ed Sheeran, die sich selbst in spielen, darf man natürlich nicht unerwähnt lassen. Für Fans der beiden sind ihre Szenen auf jeden Fall sehenswert.

Es muss natürlich jeder für sich entscheiden, ob die Welt auf diesen Film gewartet hat. Einerseits wird den Beatles hiermit ein weiteres Denkmal gestellt, andererseits bleibt die Handlung dafür an sich zu schwach. Doch insgesamt ist „Yesterday“ ein kurzweiliger Film, der durch die zahlreichen bekannten Songs direkt zum Mitsingen / -summen einlädt.

DVD-Schauern sei noch das alternative Ende des Films an Herz gelegt sowie die ebenfalls auf der DVD befindlichen unveröffentlichten Szenen und Out-Takes.

Michaela Flint

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Die Kritiker haben den Film zerlegt und kein gutes Haar daran gelassen – auch, wenn Dschinni in der finalen Fassung dann doch blau war…

Insofern sind die Erwartungen an die nun erschienene DVD nicht allzu hoch.

Was Guy Ritchies „Aladdin“ nicht ist, ist ein Musical-Film, dafür wird hier viel zu wenig gesungen. Gefühlt nur sechs Songs, darunter „Arabische Nächte“, „Einen Freund wie mich“, „Ein Traum wird wahr“ und „Prinz Ali“ erklingen in diverseren Reprisen immer wieder. Das ist sehr eintönig und für ein Musical viel zu wenig. Der neue Song von Prinzessin Jasmin „Ich will nicht schweigen“ vermag diese Lücke nicht zu schließen. Dass auch Dschafar (Marwan Kenzari) nicht singt und seine Bedrohlichkeit lediglich durch gefährlichen Wahnsinn zeigt, ist ebenfalls schade.

Auch wurden bedauerlicherweise kaum Anleihen bei der Bühnenfassung gemacht. So wirkt die auf der Bühne beeindruckende Höhlenszene, in der Aladdin Dschinni kennenlernt, in der Realverfilmung eher langweilig.

Dennoch erfüllt der Film seinen Zweck als kurzweiliges Familien-Popcorn-Kino: Mena Massoud als Aladdin ist frech, tollpatschig und sehr sympathisch. Naomi Scott gibt eine unerwartet selbstbewusste Prinzessin Jasmin. Ihre Hofdame Dalia, eigens für den Film ersonnen, wird von Nasim Pedrad souverän und mütterlich gespielt. Nebenbei verdreht Dalia dem Dschinni (Will Smith) derart den Kopf, dass er seine Flasche nur allzu gern gegen ein Leben an ihrer Seite eintauscht.

Will Smith spielt- auch wenn der Filmtitel anderes vermuten lässt – die unverhohlene Hauptrolle: Er ist witzig, lenkt seinen Meister clever durch dessen abenteuerliches Leben und wickelt alle mit viel Charme um den kleinen Finger.

Wenn man sich auf den Film einlässt und auf Vergleiche mit dem Zeichentrickfilm oder dem Bühnenmusical verzichtet, wird man wirklich gut unterhalten.

In der deutschen Fassung wurden die Gesangsparts von Dschinni und Jasmin separat eingespielt: Jan Odle ist als die vertraute deutsche Stimme von Will Smith zu hören. Beim Gesang übernimmt Manuel Straube, der einmal mehr seine Wandlungsfähigkeit unter Beweis stellt und dem Dschinni sehr viel Volumen und Charakter verleiht. Naomi Scott wird von Maria Hönig synchronisiert; Julia Scheeser übernimmt den Gesang. Wie auch schon bei „Die Schöne und das Biest“, wo sie Emma Watson zum deutschen Gesang verhalf, überzeugt sie mit einer soliden Leistung, wenn sie auch insgesamt etwas zu erfahren und wenig naiv klingt.

Arne Stephan darf Aladdin alias Mena Massoud komplett synchronisieren. Er spielt seine komplette künstlerische Bandbreite aus und liefert so das schlüssigste Gesamtpaket ab.

„Aladdin“ als Realverfilmung ist ein weitgehend entbehrlicher Film, der weder technisch noch musikalisch neue Standards setzt, doch dank Will Smiths Spitzbübigkeit kann man die 123 Minuten sehr gut aushalten.

Im Vergleich zur Blu-ray (Aladdins Video-Tagebuch, Zusätzlicher Song „Desert Moon“, Zusätzliche Szenen, Outtakes, etc.) bietet die DVD leider keinerlei Extras, doch bei den einschlägigen Streaming-Diensten lassen sich auch diese meist sehr lustigen Zusatzminuten abrufen.

Michaela Flint

Regie: Guy Ritchie
Darsteller: Will Smith, Mena Massoud, Naomi Scott, Marwan Kenzari
Musik: Alan Menken
Verleih / Fotos: Disney

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