Stell Dir vor, Du bekommst zwölf Jahre nach dem Tod Deines Vaters einen Brief von ihm, in dem er Dir die Liebesgeschichte Deiner Eltern erzählt und Dich ganz nebenbei nach dem Sinn des Lebens fragt. Ganz schön viel für einen Teeanger, der mit den üblichen Problemen des Erwachsenwerdens schon genug zu tun hat.

Doch genau dies erlebt der 15-jährige Georg. Zwölf Jahre nachdem sein Vater Jan-Olav unerwartet, viel zu früh verstorben ist, findet seine Mutter Veronika beim Aufräumen einen Brief, den der Vater kurz vorm Tod an seinen Sohn verfasst hat. Beim Lesen dieses Briefs gerät der Teenager auf eine Achterbahn der Gefühle.

Die Geschichten von Vater und Sohn gleichen sich, denn nicht nur der junge Jan-Olav lässt sich durch die Treffen mit dem Orangenmädchen nur zu gern von seinem Medizinstudium ablenken, auch Georg steht vor der schier unüberwindlichen Aufgabe, die hübsche Geigenschülerin Isabell anzusprechen und sie um ein Date zu bitten.

Tschüss grauer November in Hamburg! Die drei Sängerinnen und zwei Sänger der „Ain‘t Misbehavin“-Europatournee sprühen vor Energie und guter Laune.

„Ain‘t Misbehavin“ feierte vor über 30 Jahren in New York seine Weltpremiere. Und bis heute haben die Songs von Fats Waller nicht an Wirkkraft eingebüßt. Die 31 Songs, die an diesem Abend in atemloser Reihenfolge auf das Publikum abgefeuert werden, spiegeln die musikalische Bandbreite einer ganzen Generation wieder: Swing, Jazz, Blues – man gerät schnell ins Träumen an gute alte Zeiten, in denen Männer noch Männer sein durften und Frauen sich ganz ihren Verführungskünsten widmen konnten.

„Ain‘t Misbehavin“ hat keine Handlung, erzählt keine Geschichte und doch vermisst man nichts. Jedes einzelne Lied ist ein in sich abgeschlossenes Musiktheater. Die fünf Sängerinnen und Sänger treten folglich auch nicht unter irgendwelchen Phantasienamen auf, sondern mit ihren eigenen.

Charakterstärke zeichnet jeden einzelnen von ihnen aus. Während Patrice Convington das quietschige, unbedarfte Mädchen gibt, zeigt sich Rebecca Covington als vermeintlich schüchterne junge Lady. Die Grande Dame ist Yvette Monique Clark – so viel Bühnenpräsenz und Selbstbewusstsein suchen seinesgleichen. Die beiden Herren haben einen schweren Stand gegen drei so beeindruckende Ladies. Doch während Milton Nealy auf die Strategie des verführerischen Machos setzt, wickelt Wayne Pretlow die Damen auf und vor der Bühne mit seinem jugendlichen Charme spielend um den Finger. Er hat den Schalk im Nacken und wartet förmlich auf das nächste Augenzwinkern und einen weiteren lustigen Streich.

Unter den Songs finden sich bekannte Stücke wie der Titelsong oder „I can‘t give you anything but love“, fröhlich-freche Songs wie das Mitsing-Stück „Fat and Greasy“ oder überraschen lehrreiche Lieder wie „Find out what they like“, in dem dafür plädiert wird, den Männern alle Wünsche zu erfüllen, um ihnen zu gefallen.

Gerade Swing und Jazz funktionieren nur, wenn die Musiker ihr Handwerk verstehen und Leidenschaft für ihr Instrument aufbringen. Die sechsköpfige Live-Band erfüllt diese Anforderungen perfekt. Mit viel Schwung und wohl dosierter Energie spielen die Musiker alle Songs bis auf den kleinsten Ton schlichtweg wunderbar.

Dass diese Show auch noch nach ihrem Premierenjahr zahlreiche Theaterpreise gewonnen hat, verwundert nicht. Man geht gut gelaunt und im wahrsten Sinne des Wortes beschwingt aus dem Theater. Mit der Wahl dieses Stücks für die Herbstpremiere hat das St. Pauli Theater ganz eindeutig richtig gelegen.

Michaela Flint
gekürzt erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

Wenn man in Hamburg nach guter Unterhaltung sucht, steht das Schmidt‘s Tivoli seit nunmehr 1991 ganz oben auf der Liste. Dreizehn musikalische Produktionen, die alle für dieses Haus geschrieben und komponiert wurden und nach ihrer Premiere vielfach in anderen deutschen Stadttheatern erfolgreich waren, boten allesamt beste Unterhaltung.

Nach 20 Jahren wurde die Fassade des Reeperbahn-Theaters zwar rund erneuert und durch eine zeitgemäße Illumination ergänzt, doch innen bleibt alles beim alten: Ein eingespieltes Kreativteam sucht nach neuen Stoffen, setzt diese auf die typische Tivoli-Weise um und bleibt sich treu.

Für die Geburtstagsgala wurde ein kompletter künstlerischer Rundumschlag zusammengestellt.

Wie schon vor 20 Jahren eröffnete eine ganz besondere „Carmen“-Inszenierung den Abend. Das Ensemble Endedans unter der Leitung von Tania Vergara Pérez gab eine zeitgenössische Ballett-Interpretation des Klassikers zum Besten. Das Besondere daran? Carmen ist ein Mann und tanzt zwischen zwei Männern. Der 50-minütigen schwulen Version fehlt es an nichts: Leidenschaft und Feuer, ein Feuerwerk für Augen und Ohren.

Seit fast 40 Jahren, genauer gesagt seit 16. Juni 1973, ist Richard O‘Briens frivol-schaurige Geschichte von Frank‘N‘Furter auf den Bühnen dieser Welt Zuhause. Auch die Deutschland-Tourneen des Kult-Musicals sind immer ausverkauft und so weckte die Ankündigung von BB Promotion eine neue „Rocky Horror Show“ auf Reisen zu schicken, große Vorfreude.

Dass es sich um eine Wiederauflage der Neuinszenierung von 2008/09 handelte, war eine Randnotiz, die nicht weiter ins Gewicht fiel. Doch während und nach der Show sah man doch viele fragende Gesichter. Fehlte doch der schlüpfrige Gesamtkontext fast völlig; das Publikum wurde vom Erzähler nicht „abgeholt“ und Spaß am Time Warp hatten fast nur die Bühnenkünstler.

Natürlich fällt auch das schwer zu begeisternde Hamburger Publikum bei der Nachbetrachtung mit ins Gewicht. Und doch: In allen zuvor von mir besuchten Hansestadt-Inszenierungen dieses musicalischen Horror-Klassikers feierte das Publikum sich selbst und verwandelte das Theater mit Konfetti, Toilettenpapier, Zeitungshüten, Spielkarten, Gummihandschuhen und nicht zuletzt Wasserpistolen in eine einzige große Time Warp Party. Leider sucht man diese Begeisterung im Schauspielhaus vergeblich…

Dabei fängt alles sehr schön an: Auf einer Leinwand werden Ausschnitte aus Schwarz-Weiß-Horrorstreifen gezeigt. Während Magentas Eröffnungssolo wird auf der Weltkugel zum Spielort der ersten Szene (vor einer Kirche) gereist. Diese Szenerie wird für den Epilog wieder aufgenommen und rundet die Show sehr gut ab. Überhaupt funktioniert das Bühnenbild David Farley sehr gut: Die Szenenbilder sind zurückhaltend ausgestattet und einzelne optische Highlights machen sie spannend. So kann der Fokus auf den Akteuren liegen, was bei dieser Show wichtiger ist als sonstwo.

Die bekannte Geschichte von Frank‘N‘Furter und seinen durchaus als skurril zu bezeichnenden Dienstboten Riff Raff, Magenta und Columbia, den Besuchern Brad und Janet, Rocky, Eddie und Dr. Scott wird auf dieser Tour von Sky Dumont erzählt. Leider erfüllt er seine Aufgabe sehr gelangweilt und oberlehrerhaft. Er geht nicht auf das Publikum ein und erntet neben den augenzwinkernden Standard-Sprüchen wie „langweilig“, „schneller“ tatsächlich ernst gemeinte Pfiffe und Buhrufe. Doch anstatt aktiv spielerisch mit dieser Resonanz umzugehen, übergeht er das Publikum weitestgehend auf arrogante und nicht rollen-adäquate Weise. Dumont scheinen die Fußstapfen von Hans B. Goetzfried, der die Rolle des Erzählers jahrelang hervorragend übernommen hat, leider mehrere Nummern zu groß.

Ähnlich enttäuschend kommt Jon Hawkins als Brad über die Rampe. Er spielt das zugegebenermaßen schüchterne Muttisöhnchen Brad so blass und leise, dass man ihn mehrfach kaum versteht. Auch mit seinem Solo „Once in a while“ kann er diesem Boygroup-Image leider nichts entgegensetzen.

Überraschend hingegen gelingt Matthew McKennas Interpretation von Riff Raff: Schaurig, geheimnisvoll, unerwartet attraktiv und mit einer überzeugenden Bühnenpräsenz spielt er den scheinheiligen Diener. Optisch erinnert er an Gary Oldman in „Bram Stoker‘s Dracula“, was der Figur durchaus gut steht. Stimmlich kann McKenna voll überzeugen.

Daisy Wood-Davis steht ihm da in nichts nach, auch wenn sie als brave Janet noch nicht aus dem Vollen schöpft. Als Janets Kleidung fällt und sie dank Frank‘n‘Furter von der sprichwörtlichen verbotenen Frucht genascht hat, kommt eine fast verruchte, unersättliche junge Frau zum Vorschein, deren klangvolle Stimme sich vor allem bei „Toucha-Toucha-Touch Me“ Bahn bricht und viel Freude bereitet.

Die Hauptrolle auf dieser Tournee spielt Rob Fowler, der den Frank‘n‘Furter nach 2008 bereits zum zweiten Mal gibt. Der Engländer lässt es an nichts vermissen. Optisch ist er ideal, auch wenn seine wasserstoffblonden Haare etwas gewöhnungsbedürftig sind. Stimmlich steckt er seine Kollegen spielend in die Tasche. Man ist geneigt zu sagen, dass er für diese Rolle fast schon zu gut singt; hat er doch eine ausgeprägte Rockstimme,die immer mal wieder deutlich zu hören ist. Doch auch die leisen Töne meistert er gefühlvoll.Dass die Figur in dieser Inszenierung weniger frivol und exzentrisch angelegt ist, ist bedauerlich. Doch Fowler gibt sein Bestes, über dieses Manko hinweg zu spielen.

Generell entfaltet sich diese „Rocky Horror Show“ mit gebremstem Schaum. Irgendwie will der Funke nicht überspringen. Columbia (Kerry Winter) ist lange nicht so quietschig und nervtötend wie man es gewöhnt ist. Magenta (Djalenga Scott) singt ihr Solo wunderbar, spielt aber so unterkühlt und gleichgültig, dass sie danach kaum noch auffällt. Eddie und Dr. Scott (Sean Kingsley) sind vom Publikum weder durch „Shhh“ noch „Uh!“ kommentierte Randfiguren – obwohl der fiese deutsche Akzent von Dr. Scott extrem lustig ist und beide Figuren über eine entsprechende Bühnenpräsenz verfügen. Es ist traurig, mit ansehen zu müssen, dass die Darsteller auf diese Zwischenrufe förmlich warten und so gut wie nichts von den Zuschauern zu hören ist.

Sam Cassidy spielt einen sehr muskulösen Rocky (ein wirklich perfekt definierter Körper), bei dem die Maskenbilder das Sixpack kaum mit Farbe verstärken müssen. Doch sein kindliches, blondgelocktes Gesicht, das er durch ein extrem dümmliches Grinsen noch betont, will zu diesem Körper nicht recht passen. Liest man dann in seiner Biografie, dass Cassidy bisher u. a. Benjamin und Joseph in „Joseph“ oder als Prince Charming in „Cincerella“ auf der Bühne stand, scheint dies sofort deutlich geeigneter für den Londoner.

Die herausragendste Szene dieser Inszenierung ist Frank‘N‘Furters Auftritt bei der Floor Show: eine Blondine auf King Kongs Hand, Razzle Dazzle Federfächer und ein Rob Fowler der die ganze emotionale Bandbreite abfeuert – schlichtweg großartig.

Es bleibt ein trauriger und fader Beigeschmack: In dieser Produktion wurden der „Rocky Horror Show“ nahezu alle Ecken und Kanten abgeschliffen. Die Show hat mehr von braven Mainstream und verliert so ihren Kultcharakter. Ein komplett NICHT tanzender Theaterrang ist bei einer normalen „Rocky Horror Show“ ein Ding der Unmöglichkeit. Und doch habe ich dies gleich zweimal erleben müssen. Bad, bizarre and bloody brilliant ist irgendwie anders…

Michaela Flint

Auch sechs Jahre nach der Premiere dieses urkomischen Zwei-Personen-Stücks haben die Hautdarsteller Carolin Fortenbacher und Nik Breidenbach nicht an Biss verloren. Das Mikro hat Aussetzer? Kein Problem, Fortenbacher versucht die Probleme mit Stand-Up Comedy zu überbrücken. Als das nicht ausreicht, geht sie von der Bühne ab, holt sich ein neues Mikro und fängt einfach nochmal mit der Auftaktszene an. Das Publikum johlt schon an dieser Stelle.

„La Fortenbacher“ war an diesem Abend in Höchstform. Ihr „Ich will alles“ ist komplett Ga-Ga und ihre gelallte Opernarie schlicht großartig. Die perfekte Symbiose von Gesang und Comedy.

Getoppt wird dies von einem „Bad Romance“, bei dem ein Zuschauer zum unfreiwilligen Star wird, indem er einfach mitten während des Songs aufsteht (vermutlich um das WC aufsuchen), während Fortenbacher hinter ihm hergeht. Da er dies aber nicht zu bemerken scheint, muss ihm seine Begleitung bei seiner Rückkehr erst einmal erläutern, warum das Publikum lauthals lachend applaudiert.

„Hare Krishna“, der Auftakt zum zweiten Akt, holt das Publikum exzellent ab und die Zuschauer schunkeln ähnlich verstrahlt wie die „bekifften“ Protagonisten durch die Reihen.

Nik Breidenbach hat seinen großen Moment mit der aus „Jekyll & Hyde“ bekannten „Konfrontation“, nur dass sich hier nicht die zwei widerstreitenden Persönlichkeiten eines Mannes gegenüberstehen, sondern der Almhüttenwirt und seine irgendwie doch nicht ganz so tote Mutter. Höchst anspruchsvoll, hohes Tempo und sehr viel Situationskomik. Das ist Unterhaltung pur!

Wie sagte Breidenbach doch ganz richtig am Schluss: „Dieses Stück ist an jedem Abend ein bisschen anders!“ Das ist eindeutig wahr, denn die vielen kleinen Pannen und Texthänger wurden von ihm und Carolin Fortenbacher extrem lustig überspielt oder Szenen neu interpretiert. Die beiden nehmen weder sich noch das Stück allzu ernst, und genau diese Spiel- und Lebensfreude überträgt sich nahtlos aufs Publikum.

Michaela Flint

Schon als man den nasskalten Hamburger Sommer verlässt und am Premierenabend das Schmidt Theater betritt, wird man thematisch abgeholt: Das Servicepersonal ist in typisch bayrischen rot-weiß-karierten Hemden mit Seppelhut gekleidet und auch Hausherr Corny Littmann begrüßt seine Gäste in Krachlederner – natürlich stilecht in St. Pauli-Farben. „Villa Sonnenschein“-Besuchern mag sein Hut sehr bekannt vorkommen – aber aufgepeppt mit ein paar Edelweiß-Zweigen ist Gustavs Cordhut die ideale Kopfbedeckung für diesen Anlass.

Im Saal werden die Gäste mit populärer Volksmusik empfangen und man ist gespannt, was sich das Schmidt-Team diesmal ausgedacht hat, um die schnöde Musiktheaterwelt Hamburg zu bereichern.

Dass eine Hamburger Theater-Institution wie das Schmidt Theater ausgerechnet die bayerischen Alpen als Kulisse für seine neueste Produktion gewählt hat, schürt die Hoffnung auf ein amüsantes, kurzweiliges und gewohnt schräges Musical.

„Anatevka“ ist wahrlich keine leichte Kost. Und dass obwohl dem Musical-Genre immer eine gewisse Oberflächlichkeit nachgesagt wird… Die Geschichte des jüdischen Milchmanns Tevje und seinen drei Töchtern tritt hier erfolgreich den Gegenbeweis an.

Joseph Steins Buch stellt seit der Uraufführung 1964 die Theatermacher immer wieder vor Probleme: Eine dunkle und tragische Handlung in ärmlicher Umgebung, getragen von einem herausragenden Hauptdarsteller. Einfach ist das nicht und doch hat es „Anatevka“ in das Standard-Repertoire vieler Stadttheater geschafft.

Mit einer Spielzeit von über drei Stunden müssen die Intendanten und Dramaturgen unseres Landes dem Publikum schon eine gefällige Inszenierung anbieten, um den Spannungsbogen und damit die Aufmerksamkeit über einen so langen Zeitraum aufrecht zu erhalten.

Misslang dies kürzlich in Lübeck noch gründlich, so nahm sich das Hamburger St. Pauli Theater des Stoffs an und schaffte es, die immer noch langatmige Geschichte so auf die Bühne zu bringen, dass man nicht schon in der Pause gehen wollte.

Das Erfolgsrezept liegt im gleichzeitigen Drehen an mehreren Stellschrauben. Zum einen arrangierte Matthias Stötzel viele Stücke frischer und sorgte so für eine „helle“ Momente. Ulrich Waller bewies inszenatorischen Mut und kürzte das Stück an den richtigen Stellen (zugegeben, es hätten durchaus noch ein paar mehr sein dürfen). Zudem konnte das St. Pauli Theater mit einem jungen Ensemble aufwarten, das mit Gustav Peter Wöhler von einem sehr charismatischen und in Hamburg sehr beliebten Hauptdarsteller angeführt wurde.

Das kleine Hamburger Theater gibt einen schönen Rahmen für die Geschichte der kleinen jüdischen Gemeinde, die zunehmend unter den Übergriffen russischer Zarengetreuer zu leiden hat. Die Kulissen sind dementsprechend dunkel gehalten und doch können durch wenige Handgriffe und gut eingesetzte Hintergründe verschiedene Ecken des Dorfs dargestellt werden.

Da die drei Töchter Tevjes sehr schwungvoll und frech angelegt wurden, macht es Spaß, dem gestresste Milchmann beim Hüten seiner Rasselbande zuzusehen. Wöhler spielt die verschiedenen Facetten glaubhaft. Dass er nicht der beste Sänger des Ensembles ist, sieht man ihm daher gern nach.

Das Schicksal der Familie entwickelt sich vor den Augen und durch Tevjes pointierte Monologe gelingt es immer wieder, innezuhalten, das Publikum wieder einzufangen und gemeinsam weiter zu gehen.

Das vielseitig besetzte Orchester unter der Leitung von Matthias Stötzel spielt die schmissigen Melodien von Jerry Bock mitreißend, wo es passt und gefühlvoll dosiert in den ruhigeren Szenen.

Eine einzige Frage bleibt offen: Warum spricht Tevje immer wieder von der Bibel, wo doch die Thora im jüdischen Glauben das entsprechende Glaubensbuch ist. Die Inszenierung zeigt viele klassisch jüdische Handlungsweisen, da ist die Erwähnung der Bibel sehr irreführend.

Doch abgesehen von diesem kleinen Rätsel gefällt diese Produktion des Musical-Klassikers sehr.

Michaela Flint