Doch fangen wir am Anfang an: Der Vorhang hebt sich und man erblickt… eine komplett weiße Bühne! Erinnerungen an die letztjährige Inszenierung von „Jekyll & Hyde“ werden wach. Auch hier spielte die Handlung vor einem komplett weißen Hintergrund. Bühnenbildnerin Barbara Bloch zeigt hier leider wenig Einfallsreichtum zumal, optische Veränderungen im Laufe der Handlung lediglich durch die amerikanische oder sowjetische Flagge erzeugt werden. Selbst die Hussen über den Stühlen sind weiß.

Doch ein intensives Stück wie „Chess“ vermag durchaus vor einem so tristen Hintergrund zu zünden. Leider misslingt dies in Lüneburg gründlich. Dies liegt daran, dass das Orchester auf der Hinterbühne versteckt wird und die Tontechniker es leider nicht vermögen, den symphonisch-poppigen Klang in den Zuschauersaal zu transportieren. Zuweilen klingt es so, als ob die Musiker gegen eine dicke Wattewand anspielen müssten.

Der sonst vorhandene Orchestergraben wird durch ein Hubelement gefüllt, in dem sich das Hotelzimmer von Frederick Trumper verbirgt. Diese zusätzliche Spielebene tut dem Stück sehr gut und sorgt für Abwechslung im alles überstrahlenden Weiß, da das Zimmer in 1970er Jahre typischen Brauntönen gehalten wurde. Doch leider dauen die Auf- und Abfahrten des Zimmers sehr lange und störten so den Handlungsfluss mehrfach.

Da also weder die Kulissen noch die Musik das Publikum begeistern konnten, liegt die Bürde alleinig auf den Schultern der Darsteller. Henrik Wager übernimmt die ihm schon bekannte Rolle des amerikanischen Schachspielers Frederick Trumper. Er spielt wunderbar impulsiv und feuert die Schachfiguren über die ganze Bühne. Man spürt seinen Unmut über die Entwicklungen – sowohl auf dem Schachbrett als auch im privaten Bereich – mehr als deutlich. Gesanglich leidet er unter der miserablen Aussteuerung, denn gerade bei seinen Soli „Pity the Child“ und „One Night in Bangkok“ versteht man ihn kaum. Dieses Problem hat auch Elisabeth Sikora, die als Florence zwischen den beiden Opponenten Freddie und Anatoly hin- und hergerissen ist. Mit „Nobody’s Side“ kann sie zwar zeigen, dass sie dem Stück gesanglich durchaus gewachsen ist, aber leider überträgt sich die Intensität nicht aufs Publikum. Schauspielerisch wirkt sie manchmal etwas überfordert mit der Emotionalität ihrer Figur, aber alles in allem gibt Sikora eine sehr menschliche Florence.

Den russischen Schachweltmeister Anatoly Sergievsky spielt Gerd Achilles, der in Erscheinung, Stimme und Bewegung immer wieder an Marius aus „Les Misérables“ erinnert: Seine Stimme ist zwar wunderbar klar und deutlich (auch wenn „“Where I want to be“ noch eine Nummer zu groß für ihn war), aber sie ist zu glatt, um die vielfältigen Gefühle auszudrücken, mit denen Anatoly im Laufe der Geschichte konfrontiert wird. Seine durchaus stattliche Erscheinung wirkt durch die steifen Bewegungen sehr unsicher und unsouverän, was nicht so recht zu dem reifenden Schachspieler passen will.

Bleiben noch Alvin Le-Bass als Arbiter, Harry Korn als Molokov und Anne Hoth als Anatolys Frau Svetlana. Um es vorweg zu nehmen: Harry Korn ist von allen Darstellern auf der Bühne der Überzeugendste: Er spielt den russischen Agenten und Beschützer von Anatoly wunderbar kalt und berechnend. Stimmlich lässt er keine Sekunde nach und gewinnt den Kampf mit der schlechten Tontechnik. Le-Bass verkauft sich als Arbiter unter Wert. Er wirkt trotz seiner Funktion als Schiedsrichter wenig souverän und die wenigen Songs, in denen er zu hören ist, fallen kaum auf. Vielleicht ist das einer der Gründe, weshalb er am Schluss als Lead-Sänger „The Winner takes it all“ anstimmt? Doch leider fällt seine Soul-Stimme in der vorgetragenen Fassung des ABBA-Hits nicht weiter ins Gewicht.

Anne Hoth hat als Svetlana eine der undankbarsten Rollen. Die gehörnte Ehefrau hat in der Originalfassung einige wundervolle Balladen, die ihre Verletztheit nachdrücklich unterstreichen. Doch in Lüneburg wird eine davon gestrichen und durch „Lay all your love on me“ ersetzt. Aus inszenatorischer Sicht ein Fehlgriff. Dass Svetlana betrunken und wie irr kichernd in einer Bar endet, setzt die verwirrende Reihe der Personenregie fort.

Philipp Kochheim, der im letzten Jahr mit seiner sehr modernen Fassung von „Jekyll & Hyde“ für Gesprächsstoff sorgte, kann seiner Inszenierung keinen roten Faden und keine eindeutige Handschrift geben. Gerade bei einem so komplexen Stück wie „Chess“ ist dieser inszenatorische Rahmen jedoch unerlässlich, da sich das Publikum sonst in den vielfältigen Nebenhandlungen verliert. Auch oder gerade weil „Chess“ in Lüneburg mit knapp zwei Stunden sehr stark gekürzt wurde, ist der Regisseur noch stärker in der Pflicht, seinem Publikum die Handlung nachvollziehbar zu machen. Leider gelingt dies Kochheim nicht.

Warum ABBA-Stücke hinzugefügt und vorhandene Songs gestrichen wurden, erschließt sich auch mit einigem Nachdenken nicht. Und besser macht diese Vermischung die Inszenierung leider auch nicht. Berücksichtigt man nun noch die teilweise mehr als holprigen deutschen Texte (sowohl Dialoge als auch Songs werden großteils auf Deutsch vorgetragen), bleibt mehr als nur ein fader Beigeschmack. Von wem diese Texte stammen ist nicht in Erfahrung zu bringen. Weder im Programmheft noch auf der Website des Theaters stehen hierzu nähere Informationen…

Dennoch ist das Premierenpublikum begeistert und zollt den Künstlern mit stehenden Ovationen Respekt für ihre Leistung.

Michaela Flint
veröffentlicht auf musicalzentrale.de

Theater: Theater Lüneburg
Premiere: 5. Dezember 2009
Darsteller: Gerd Achilles, Elisabeth Sikora, Henrik Wager
Musik / Regie:  Benny Andersson & Björn Ulvaeus / Philipp Kochheim
Fotos: Theater Lüneburg

Theater: Schmidt Theater, Hamburg
Besuchte Vorstellung: 10. November 2009
Darsteller: Omega Awlime, Heinz Peter Lengkeit, Carlos Lopez, Hajo Sommers, Nito Torres
Regie / Buch: Gerburg Janke / Dieter Woll
Fotos: Christoph Schwarz

Und doch ist die Show keine bloße Aneinanderreihung von bekannten Musicalstücken und Swing-Hits („That’s Amore“), sondern eine gelungene Mischung aus bekannten und weniger bekannten Stücken, die für die musikalische Abwechslung sorgen.

Schwach ist allerdings die Handlung: In der Hamburger WG leben das Paar Juliane und Reiner sowie die junge Sandy und der über beide Ohren in sie verliebte Lukas. Im Laufe des Abends erfährt der Zuschauer, wie sich Juliane und Reiner kennengelernt haben und dass ihre Beziehung mehr aus der Verzweiflung heraus entstand, gar keinen Partner mehr zu finden als aus wahrer Liebe. Sandy dagegen findet Lukas ebenso sympathisch wie er sie und wartet darauf, dass er den ersten Schritt macht, wozu dieser aber zu schüchtern ist. Eines Tages stellt dann Reiner fest, dass er sich zu Lukas hingezogen fühlt und Juliane möchte ihr Sexualleben unbedingt aufregender gestalten und bestellt sich einen Callboy nach Haus. Damit ist für ausreichend emotionales Chaos auf allen Seiten gesorgt und doch plätschert das Geschehen unspektakulär vor sich hin. Aber am Ende finden sich Sandy und Lukas und auch Juliane und Reiner versuchen es noch einmal miteinander.

Natürlich ruft die eine oder andere Szene Erinnerungen wach oder bedient Klischees, doch vom Schmidt Theater hätte man wesentlich mehr Spitzen erwartet. Man vermisst die Offenheit und Tabulosigkeit, mit der sonst im Schmidt Theater ausnahmslos jedes Thema verarbeitet wird.

Für die vier Darsteller auf der Bühne gibt es dennoch viele Möglichkeiten, ihre Vielseitigkeit unter Beweis zu stellen: So organisiert Susi Banzhaf nicht nur als steife, „chronisch unbefriedigte“ Juliane das Leben ihrer WG-Kollegen, sondern philosophiert auch als vulgäre Ricky in lupenreinem Barmbeker Slang für eine Welt ohne String-Tangas und Männer, die sie mit ihrem BNW (kein Tippfehler, sondern ein konsequent durchgezogener Sprachfehler) und ihrer eigenen Tanke erobern.

William Danne besticht als Landei Lukas durch seine liebenswerte Schüchternheit und seinen pointierten trockenen Humor. Wenn er im orangefarbenen Ganzkörper-Strampelanzug auf die Bühne kommt und verzweifelt „That’s a Möhre“ singend nach seinem Hasen namens „Schwarze Barbara“ sucht, treibt es den Zuschauern die Lachtränen in die Augen. In der Szene, in der Danne die Auswahl als vierter Mitbewohner nachzeichnet, kann er in verschiedenen Rollen, manchmal nur für wenige Sekunden, glänzen: Sowohl als Öko-Hippie, als auch als durchgeknallte Wahrsagerin macht er eine gute Figur. Als Lukas Mutter Lisbeth, die urplötzlich ihren Sohn in der Großstadt besucht, treibt er nicht nur Reiners Halbzwillingsbruder René in den Wahnsinn. Danne hat eine starke Bühnenpräsenz, die das Publikum mit entsprechendem Szenenapplaus belohnt.

Elena Zvirbulis gibt die naive Sandy, die unbedingt beim nächsten DJ-Bobo-Casting gewinnen möchte. Mit ihren Stepp- und Gesangseinlagen gewinnt sie die Herzen der Zuschauer. Man hat sogar Mitleid mit ihr als sie das Casting wegen der geruchsintensiven Auswirkungen einer zuvor verspeisten Kohlsuppe vermasselt. Als Callboy Rodriguez mit überdimensionalem Sombrero wirkt sie eher niedlich, aber dennoch passt es zur Revue.

Der vierte im Bunde ist Mario Saccoccio, der als frustrierter und emotional unentschlossener Reiner ein Couch-Potatoe-Leben an der Seite von Juliane führt. Er ist der Schwächste dieses Quartetts, was sicherlich auch darauf zurückzuführen ist, dass er während des laufenden Probenprozesses die Rollen übernommen hat, die ursprünglich Nik Breidenbach spielen sollte. Während er als Reiner zu unscheinbar bleibt, kann er als dessen Halbzwillingsbruder René – als ein alle Klischees erfüllender Franzose – auftrumpfen. Hier fallen dann auch die leichten Ausspracheprobleme kaum noch auf, während diese bei Reiner doch mehr als einmal aufhorchen lassen.

Die Personenregie von Joseph Vicaire ist durchaus gelungen. Er lässt seinen Kollegen ausreichend Spielraum für eigene Interpretationen und Improvisationen. Mit Susi Banzhaf und William Danne hat er zwei großartige Sänger im Ensemble, deren Wandlungsfähigkeit und Comedy-Talent herausragend sind. Markus Schell, der im Hintergrund am Klavier den ganzen Abend begleitet, spielt sich ebenfalls nicht in den Vordergrund und wird liebevoll in einige Szenen eingebunden.

„Schmidt in love“ ist eine kurzweilige Revue, die ganz sicher für gute Stimmung sorgt, was nicht zuletzt der ansteckenden Spielfreude des Ensembles zu danken ist. Um die vielen kleinen Anspielungen auf Musicals oder aktuelles Zeitgeschehen mitzubekommen, muss man das Stück sicherlich mehrfach sehen, was bei Eintrittspreisen von maximal 27,50 Euro durchaus machbar erscheint.

Michaela Flint
erschienen auf musicalzentrale.de

Theater: Schmidt Theater, Hamburg
Premiere: 6. Oktober 2009
Darsteller: Susi Banzhaf, William Danne, Mario Saccoccio, Elena Zvirbulis
Musik / Regie: Markus Schell / Joseph Vicaire
Fotos: Schmidt Theater

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Nachtrag zur Wiederaufnahme am 01.05.2012

Auch in diesem Jahr haben sich im Vergleich zur Vorjahresfassung viele Details verändert. Nicht alle Gags zünden, was aber vielleicht auch an dem sehr jungen Publikum liegen mochte, das sich nicht auf die schräge WG einlassen wollte. Alle anderen hatten aber viel Spaß an dem unglaublich schüchternen Lukas und seiner notgeilen Mutter Lisbeth (beide hinreißend gespielt von William Danne), am sexuell unentschlossenen Reiner und seinem etwas sehr übertrieben schmalzigen Halbzwillingsbruder René (Mario Saccoccio), an Juliane auf der Suche nach sexueller Erfüllung und Ricky Busch mit ihrem BNW (Susi Banzhaf) sowie last but not least dem pinken Tanz-Girlie Sandy und dem gar nicht kleinen Rodriguez (Elena Zvirbulis).

Die Besetzung ist unverändert und harmoniert auf der Bühne perfekt. Auch spontane Texthänger werden durch wunderbare Improvisationen umschifft oder einfach herzlich weggelacht.

Mein Lieblingszitat (von Mutter Lisbeth): „Scheiße am Stil ist auch ne Blume!“ Wunderbar offen und ohne jeglichen Anspruch auf inhaltliches Niveau. Was hier zählt ist Unterhaltung – und die gelingt musikalisch und schauspielerisch einmal mehr aufs Allerbeste.

Auch abseits dieser kleineren Missgriffe muss man die diesjährige Musicalpremiere in Lübeck leider dem Mittelmaß zuordnen. Waren Stücke wie „My Fair Lady“, „La Cage aux Folles“, „Les Misérables“ und „Evita“ durchweg überzeugend – weil Regie, Bühnengewerke und Musik perfekt zusammenpassten – so scheint dies bei „Jekyll & Hyde“ nicht geglückt. Die Regie von Pascale Chevroton scheint an vielen Stellen unausgegoren. So verpufft die Konfrontation gänzlich in der Belanglosigkeit, obwohl der freischwebende Labortisch hierzu den perfekten Rahmen abgegeben hätte, und auch der Einsatz der Hubbühne wird mehrfach überstrapaziert und führt zu langen Umbauphasen, die den Fluss der Handlung stören. Warum sich Vasiliki Roussi als Lucy von der Bühnendecke als Tuch-Seil-Artistin abseilt, ist wohl künstlerischer Freiheit zuzurechnen. Gleiches gilt für die Opfer von Mr. Hyde, die nach ihrem Tod angeschnallt werden und dann hoch über der Szenerie schwebend einige Minuten verharren. Und warum Lisa Carew, Dr. Jekylls Verlobte, in dieser Inszenierung Emma heißt, wer weiß das schon? Leichter zu erklären ist da, dass die Rolle von John Utterson, Dr. Jekylls Freund, vergrößert wurde, um Lokalmatador Steffen Kubach mehr Entfaltungsmöglichkeiten zu geben. Aber auch hier wurde die Änderung nicht konsequent verfolgt, sondern nur angedeutet.

Musikalisch fehlt es dem Orchester an Schwung. Gerade bei diesem Stück erwartet man viel Intensität und Kraft in den Melodien, doch leider werden Ludwig Pflanz und sein Orchester diesem Anspruch nicht gerecht. Die miserable Tontechnik am Premierenabend tat ein Übriges, um den Genuss des Musicals zu beeinträchtigen. Auch das Licht sorgt für viele Fragezeichen: Warum steht der Hauptdarsteller mehrfach singend im Dunkeln, während der Verfolger auf andere Darsteller gerichtet ist?

Unter dem unausgewogenen Ton litten auch die Darsteller sehr. Mit Ausnahme von Thomas Christ in der Titelrolle war kaum einer wirklich zu verstehen. Christ, der in den letzten beiden Jahren bereits als Ché in „Evita“ und Jean Valjean in „Les Misérables“ die Kritiker für sich begeisterte, legt sich für eine der größten und anspruchsvollsten männlichen Rollen im Musicalfach ins Zeug. Überzeugend und nicht überzogen stellt die Wandlung von Dr. Jekyll zu Mr. Hyde dar. Man nimmt ihm die Forschungsbesessenheit ab. Stimmlich kann er der Rolle gerecht werden, obwohl hier der Unterschied zwischen Dr. Jekyll und Mr. Hyde noch etwas trennschärfer herausgearbeitet werden könnten. Das würde dem Publikum den Unterschied, der optisch nicht übermäßig deutlich wird, noch besser vor Augen führen. Die sichtbare Wandlung besteht in erster Linie aus einem verwuschelten Haarschopf und einem dunklen Mantel, der durch Wenden des Laborkittels von Dr. Jekyll entsteht. So manches Mal hat Christ mit diesem sehr pfiffigen, aber nur wenig praktikablen Kostümwechsel zu kämpfen.

Ausnahmslos alle anderen Darsteller sind austauschbar. Sonja Freitag gibt ihrer Emma Carew nichts erinnerungswürdiges, und auch Vasiliki Roussi bleibt als Lucy mehr für ihre akrobatischen Einlagen im Gedächtnis als für ihr Spiel und ihren Gesang. Gesanglich weist sie sehr große Schwächen auf: Zwar hat sie eine wunderschöne Stimmt, doch es fehlt ihr an Volumen und Facettenreichtum, um der Rolle der Prostituierten genügend Druck zu verleihen.

Da überzeugt Masha Karrell als Nellie schon mehr. Sie gibt eine verspielt-überdrehte Bordellchefin und geizt nicht mit ihren Reizen. Stimmlich hört man ihr das schwere Leben und die Verruchtheit deutlich mehr an als Roussi.

Über Steffen Kubach alias John Utterson kann man kaum ein schlechtes Wort verliehen. Gesanglich passt er wunderbar auf die Rolle, auch sein Schauspiel ist überzeugend – und doch kämpft er gegen Windmühlen, da die Rolle im Vergleich zu seinen sonstigen Parts geradezu nicht existent ist.

Zum ersten Mal seit vielen Jahren habe ich das Theater Lübeck mit sehr gemischten Gefühlen verlassen. Wirklich überzeugt hat diese Produktion von „Jekyll & Hyde“ mich leider nicht.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Theater: Altonaer Theater, Hamburg
Premiere: 2. August 2009
Darsteller: Meike Kircher, Hans-Jörg Frey
Regie: Ulrike Grote
Fotos: Joachim Hiltmann