“Love Never Dies” sees the Phantom (officially named “Mr Y”) opening an extravaganza titled “Phantasma” to complement and surpass the variety of other attractions on offer in this thriving entertainment centre of the 1900’s. He has been aided in his undertaking by Mme Giry – ballet mistress at the Paris Opera in the original Phantom – whose daughter, Meg, is the star of the show. But the Phantom’s obsession with Christine is as desperately felt as ever, and he arranges for her to be invited to appear at Phantasma to perform his latest masterpiece of an aria. Christine’s arrival wakens turbulent emotions and dramatic events, as various rivals now come face to face: Christine and Meg are the competing stars, Christine’s childhood sweetheart Raoul (now a drunken wreck) and the Phantom still vie with each other for her affections, and even Mme Giry finds that she has an unlikely challenger as the probable heir to all the Phantom has amassed.

As a story on its own this all holds up pretty well, though in many respects the characters and scenarios do not seem consistent with who and how they were ten years earlier. In Love Never Dies, the air of “mystery” that surrounded the Phantom is gone – we see Mme Giry, Meg and even servants charging in and out of his quarters with confidence and ease, a far cry from his Paris “lair” which few seemed able and prepared to enter. Mme Giry’s earlier restrained respect when speaking to the Phantom has given way to outspoken resentment when they now come face to face. And somehow Raoul has lost all of his former loving qualities and become a one-dimensional unprepossessing drunkard who makes one wonder why Christine has even stuck with him.

In „Love Never Dies“, narrative comes at the expense of character, with many lyrics providing exposition rather than highlighting personalities. So the Phantom and Christine’s opening duet simply recounts their last encounter – an important event in the light of ensuing events – rather than focusing on their emotions at this, powerful, moment. Glen Slater’s words thereby frequently come across as being, though effective, functional rather than inspired or even illuminating, and sometimes the overuse of a underwhelming lyrical hook – “Beneath A Moonless Sky”, “Devil Take The Hindmost” – ends up grating.

Much of the music does make up for this. There are some splendid numbers that will make any Lloyd Webber fan’s head brim with melodies on leaving the theatre. Stylistically it seems that the Lord has endeavoured to give most of the major tunes in the original Phantom a counterpart here. So the operatic counterpoint of Prima Donna becomes the glorious tongue-in-cheek quartet Dear Old Friend; like the title song in the original, there is a roaring, pulsating rock number that comes out of nowhere in this sequel (The Beauty Underneath); and motifs from that first score pop up throughout. As befits the new theatrical setting of Phantasma (as opposed to the Paris Opera House) jovial and catchy burlesque pastiches replace operatic interludes, which provides a new and successful musical colour.

“Love Never Dies” is pretty much through-composed, and although the audience is treated to some great numbers, many of the passages of recitative prove rather less inspired, especially the more narrative-driven numbers, with the opening of the second act suffering especially, with Raoul’s shallow lament “Why Does She Love Me?” being followed by the somewhat mechanical “Devil Take The Hindmost” (which is even reprised later).

Where „Love Never Dies“ unquestionably succeeds is in the performances. Ramin Karimloo sings and acts the role of the Phantom to perfection, investing all of his songs with emotion and meaning, and proving capable of singing with sonorous beauty as well as really “rocking it up” when required. Sierra Boggess as Christine possesses a beautiful soprano voice with which she conveys all of the passion and drama her role demands. Amongst the other parts Summer Strallen really shines as Meg Giry, who is given a more significant role in proceedings than in the original, and who gets to perform a multiple quick-change routine during her number “Bathing Beauty” that is sure to have the unexpecting theatregoer open-mouthed in amazement.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Nach ihrem Rausschmiss aus der Show trifft Tracy auf eine Gruppe farbiger Teenager rund um Seaweed J Stubbs (Adrian Hansel), denen sie sich anschließt als sie merkt, was für begnadete Tänzer sie sind. Gemeinsam hecken sie einen Plan aus, mogeln sich in die Show und tanzen vor laufenden Kameras.

Damit lösen sie eine Revolution aus, die zur Folge hat, dass Mama Edna zur Agentin ausstaffiert wird, Produzentin Velma und ihre Tochter intrigieren was das Zeug hält, um die beim Publikum sehr beliebte Tracy wieder loszuwerden und sich auch noch Link offen zu ihr bekennt als die von Tussels es schaffen Tracy und ihre Anhänger ins Gefängnis zu bringen.

Die Show lebt von den Rock’n’Roll- und Rockabilly-Songs, die in den späten 50ern und 60er Jahren eine ganze Generation geprägt haben. Unweigerlich wippt man mit, klatscht im Rhythmus und tanzt zum großen Finale. Elf Musiker unter der Leitung Nicholas Skilbeck sorgen für einen bombastischen Klang, der bis in die letzten Reihen des 1911 eröffneten Theater erklingt. Showstopper sind die Eröffnungsnummer „Good Morning Baltimore“ von Tracy, der „Har-de-Har Hut“ von Edna und Wilbur im zweiten Akt und natürlich „Hairspray“ und „You can’t stop the Beat“ zum Finale. Auch die wundervolle Ballade „I know where you have been“ von Motormouth Maybelle (Johnnie Fiori) bleibt im Gedächtnis.

Einen unerfahrenen Jungstar für eine Titelrolle zu engagieren, birgt immer gewisse Gefahren. Im Fall von Leanne Jones kann man nur von einem Glücksgriff der Produzenten sprechen. Ihre sympathische Ausstrahlung macht sie im Handumdrehen zum Publikumsliebling. Und wenn die junge Engländerin, die zum ersten Mal nach Abschluss ihrer Ausbildung auf einer Bühne steht, zu singen beginnt, geht im wahrsten Sinne des Wortes die Sonne auf. Alle Zuschauer fangen gleichzeitig an zu strahlen, so gewinnend ist die unverbrauchte, warme und überraschend volle Stimme von Jones.

Mit Ben James-Ellis als Teenie-Idol und Möchtegern-Elvis Link Liarkin hat sie einen ebenso sympathischen wie rollendeckend agierenden Bühnenpartner. Dennoch bleibt er genauso wenig nachhaltig in Erinnerung wie die beiden von Tussels, die zwar an Zickigkeit und Ehrgeizigkeit kaum zu überbieten sind und so auch für manchen Lacher sorgen, aber ansonsten nicht weiter im Vordergrund stehen. Anders sieht aus mit der Clique farbiger Teenies rund um Seaweed. Adrian Hansel singt und vor allem tanzt sich schnell in de Herzen der jungen Zuschauerinnen. Seine Mutter Motormouth Maybelle wird gespielt von Johnnie Fiori, die erwartungsgemäß mit einer raumfüllenden Soulstimme auf sich aufmerksam macht. Den Niedlichkeitsbonus bekommt Natalie Best als kleine Schwester Inez, die mit einer süßen Stimme ihre Gesangsparts meistert und wie ein kleiner wirbelwind immer mitten im geschehen dabei ist.

Tracy größte Konkurrenz im Kampf um die Publikumsgunst ist Michael Ball, der die fürsorgliche Mutter mit einem Hang zum Showbiz darstellt. Dass unter dem Fatsuit und den zunächst unglaublich langweiligen, im Verlauf der Show beeindruckend farbenfroh und aufwendig werdenden Kostümen der beliebte englische Musicalstar steckt, ist kaum zu erkennen. Dennoch reagiert das Publikum auf seine Szenen und recht spärlichen Gesangspassagen mit unbändigem Applaus. Das romantische Duett der Eltern im zweiten Akt, der „Har-De-Har Hut“, ist berührend und komisch zugleich. Berührend, weil sich ein älteres Elternpaar seine beständige Liebe schwört. Komisch, weil die beiden Darsteller eher weniger als mehr talentiert im Tanzen sind. Die beiden Küsse am Ende der Szene werden vom Publikum mit lautem Jubel quittiert. Michael Ball geht in seiner Rolle als Mutter voll auf und es ist eine wahre Freude ihm hierbei zuzusehen.

Mit dieser Show werden Diskriminierung und Rassenkonflikte spielend thematisiert, ohne abfällig über diese ernsten Themen sprechen. Ganz nebenbei wird noch eine Lanze für all diejenigen gebrochen, die zu viele Kilos auf die Waage bringen, Es werden gängige Klischees bedient, die aber perfekt in das quietschbunte Umfeld dieses Musicals passen. Wer hier nicht mit guter Laune aus dem Theater kommt, dem ist nicht zu helfen!

Auch wenn wir uns selten zu Prognosen hinreißen lassen, aber solange Michael Ball und Leanne Jones im Ensemble bleiben, ist „Hairspray“ im West End eine lange Laufzeit beschieden.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical