Wie rau der Umgang im England des beginnenden 11. Jahrhunderts untereinander war, zeigt das Ensemble eindrucksvoll in „Die Zeiten sind hart“. Die Ellenbogengesellschaft spiegelt sich in Kim Duddys moderner, abwechslungsreicher Choreographie wider. Teile des Ensembles rotten sich tänzerisch immer wieder gegen andere zusammen; der Klassenkampf ist allgegenwärtig. Und mittendrin der kleine Rob, der nicht weiß wie er nach dem Tod des Vaters als einziger „Mann“ im Haus seine Mutter und Schwestern versorgen soll.

Als seine Mutter an der Seitenkrankheit (heute Appendizitis oder Blinddarmentzündung genannt) stirbt, nimmt sich ein Bader des kleinen Jungen an und schürt in ihm den Drang, Krankheiten heilen zu wollen. Robs besondere Gabe, mit seinen Händen den bevorstehenden Tod seines Gegenübers spüren zu können, nutzt der Bader für seine Zwecke aus. „Für Leib und Seele“ ist ein in sich stimmiger Song, kompositorisch vielleicht etwas zu glatt, doch die Texte funktionieren sehr gut und das durchtriebene Wesen des Baders kommt klar zum Vorschein.

Der Wechsel vom Kind Rob zum Erwachsenen gelingt inszenatorisch sehr gut. Robs Neugierde und Wissensdrang treiben ihn weg vom Bader. „Ich muss es tun“ erinnert vage an Frank Wildhorns „Jekyll & Hyde“, passt aber gut zu Robs Ambitionen, die Heilkunst zu studieren und England den Rücken zu kehren. Der Bader unterstützt ihn in seinen Ambitionen und empfiehlt ihm einen jüdischen Medicus namens Ibn Sina, der im persischen Isfahan an der Madrassa menschliche Heilkunst lehrt.

Auch „Das ist mein Weg“ ist poppig und eingängig, doch melodisch einmal mehr zu glattgeschliffen. Was hier allerdings störend auffällt, ist der große Anteil Hall, den man unter die Stimmt von Friedrich Rau (Rob) gelegt hat. Es klingt so, als würde er in einer Kirche singen, was sich auch bei Sabrina Weckerlins (Mary) Soli wiederholt. Hier wäre weniger eindeutig mehr gewesen.

Auf seiner Reise gen Süden strandet Rob wetterbedingt in einem kleinen Dorf, in dem sich nach und nach alle versammeln, die nach Persien weiterziehen wollen. „Wir stecken fest in diesem Nest“ ist ein überaus fröhliches, interkulturelles Wehklagen aller Anwesenden, das mit seinen jüdischen, irischen und poppigen Klangelementen und den mitreißenden, modernen Choreographien trotz der frustrierenden Situation der Protagonisten für jede Menge guter Laune im Publikum sorgt.

Die Aussage „Unter diesem Dach lebt das Wissen der Welt“ ist zwar ein wenig pathetisch, doch es entspricht der Wahrheit, dass die Wissenschaft in Persien zu der damaligen Zeit deutlich fortgeschrittener war und man intensiver forschte als in England.

Um an der Madrassa studieren zu können, muss sich Rob als Jude verkleiden und nimmt mit „Jesse ben Benjamin“ einen neuen Namen an. Er macht große Fortschritte und findet in Mirdin und Karim, dem Neffen des Schahs, gute Freunde.

Lutz Standop gibt den pflichtbewussten Juden Mirdin, der als erster aus der Gruppe von Ibn Sina zum Hakim (Arzt) ernannt wird. Sein jüdisches Gebet gehört zu den absoluten Highlights des Abends. Es wirkt sehr authentisch und Standop trägt es vollkommen unaufgeregt vor, so dass Melodie und Sprache ihre volle Wirkung entfalten können.

Als Karim, der Klassenclown, aber nicht minder clevere Schüler Ibn Sinas, steht Andreas Wolfram auf der Bühne des Schlosstheaters. Die extrovertierte Art und der Sarkasmus, die diese Figur ausmachen, kann er überaus glaubwürdig transportieren und mehr als einmal sorgt er für Lacher mit seinem spitzbübischen Charme.

Am Ende des ersten Akts geht es allen gut und sie feiern ein großes Fest („Hier im Herzen der Stadt“). Die Kostüme (Ulrike Kremer) sind farbenfroh, die Choreographien sind arabisch angehaucht und das Ensemble platzt fast vor Energie. Die strahlenden Gesichter und ausdrucksstarke Mimik und Gestik sind an einigen Stellen dann aber doch zu viel. Dies mag aber der Tatsache geschuldet sein, dass die besuchte Vorstellung gefilmt wurde und jeder noch ein bisschen mehr als sonst gezeigt hat.

So positiv der erste Akt endete, so erschütternd startet die zweite Hälfte: „Die Pest ist in der Stadt“ und rafft große Teile der Bevölkerung dahin. Dazu gehören auch der Schah und dessen Bruder. Daher wird Karim, der so gar keinen Bezug zum Herrschertum hatte, der neue Schah.

Gleichzeitig gelingt es Rob an einem Rattenkadaver zu veranschaulichen wie sich die Pest ausbreitet. Den Ärzten und Studenten der Madrassa gelingt es, die Krankheit durch strikte Hygienemaßnahmen einzudämmen und schließlich ganz zu bekämpfen.

Reinhard Brussmann zeigt als Ibn Sina viel Tiefe und Stattlichkeit. In sein Solo „Die Gabe“ legt er viel Gefühl und sein warmer Bariton sorgt für eine wohlige Gänsehaut.

Das genaue Gegenteil hiervon ist Wolfram als neuer Schah: Er wirkt kampflustig und ist getrieben von Rache. Er ist arrogant und behandelt seine Angestellten und sein Volk von oben herab. Karim sonnt sich im Gehorsam seiner Untertanen („Ala Schah“; leider wieder mit zu viel Hall) und merkt zu spät, dass er seine Freundschaft zu Mirdin und Rob damit aufs Spiel setzt.

Rob nimmt Karims „Geschenk“ an als er in einer der Sklavinnen Mary erkennt und ehelicht diese Ihr Vater wurde ermordet und sie nach Isfahan verschleppt. Der Sternenhimmel, der die Bühne überspannt, als die beiden ihr unerwartetes Wiedersehen feiern („Wenn die Sterne mit uns sind“), ist sehr gelungen.

Obwohl sich alles in ihm aufbäumt und er sich und seine Frau am liebsten sofort in Sicherheit bringen möchte, muss Rob doch seine Aufgabe erfüllen: Er muss einfach wissen, wie es in einem Menschen aussieht. Er liefert sich einen beeindruckenden Schlagabtausch mit Ibn Sina, der ihm nachdrücklich davon abrät, hier auf eigene Faust zu handeln, da dies allen Regeln des Islams widersprechen würde.

Rob setzt sich darüber hinweg („Ich muss es tun“) und beginnt im dunklen Keller der Madrassa Leichen aufzuschneiden und das abzuzeichnen, was er dabei entdeckt.

Parallel bereiten die beiden Frauen von Mirdin und Rob alles für die Rückkehr von Mirdin vor, der als Leibarzt des jungen Schahs mit auf dessen Feldzug musste. Der Text zu diesem Damen-Duett („Ein Arzt in der Familie“) ist mit einem Augenzwinkern abgefasst und macht viel Freude.

Leider erliegt Mirdin jedoch kurz nach der Rückkehr seinen schweren Verletzungen, die er sich zuzog als er – ganz pflichtbewusster Arzt – Verwundeten auf dem Schlachtfeld helfen wollte.

Rob schäumt vor Wut als er merkt, wie leichtfertig Karim das Leben von Mirdin aufs Spiel setzte. Es ist „Alles nur ein Spiel“ – mit dieser Aussage Karims kann und will Rob sich nicht zufrieden geben. Es kommt zu einem finalen Wortgefecht der beiden früheren Freunde.

Diese Szene ist absolut treffend inszeniert (Regie: Holger Hauer), spielt sie sich doch auf einem Schachbrett ab. Karim hat Rob dieses Spiel seinerzeit gelehrt, nun stehen die beiden (Karim in Schwarz, Rob in Weiß) oberhalb der Tanzfläche, auf der zwei Gruppen schwarz und weiß gekleideter Tänzer gegeneinander antreten, und keiner hört dem anderen mehr zu.

Wolframs leichtes Nuscheln lässt Karim noch hochm

ütiger erscheinen. Dass er mit seinen Handlungen, zu denen auch die Vergewaltigung von Mary gehört, letztlich Robs Leben gerettet hat, vermag dieser nicht verstehen zu wollen. Rob sieht in Karim all das Böse gegen das er zeitlebens angekämpft hat. Karim schickt Rob weg aus Isfanan– einmal mehr, um ihn zu retten – denn der Schah weiß, dass seine Widersacher schon vor der Toren der Stadt stehen. Er sollte Recht behalten – Karim wird von seinen Feinden ermordet.

Kurz bevor Rob und Mary Isfanan verlassen, schleicht sich dieser nochmal zu Ibn Sina, der sich selbst gestellt hat, als man herausfand, dass sich jemand an den Leichen zu schaffen gemacht hat.

Rob ist tief getroffen als er davon erfährt und zeigt ihm seine Aufzeichnungen. „Wenn wir jetzt nicht weitergeh’n“ ist ein gleichsam berührendes und motivierendes Abschiedslied des großen Ibn Sina. Als dieser Rob erzählt, dass er schon lange schwer krank ist und Rob mithilfe seiner Gabe den nahenden Tod seines Meisters sieht, weiß er, dass sich Ibn Sina nicht für ihn, sondern letztendlich für die Wissenschaft geopfert hat.

Mit diesem Vermächtnis machen sich Rob und Mary wieder auf nach Schottland, wo sie etwas spontan in der nächsten Szene schon mit ihrem 8-jährigen Sohn am Tisch sitzen, der sich die Geschichte des Medicus von seinem Vater hat erzählen lassen. „Es fühlt sich nach Heimat an“ ist ein trauriges, aber irgendwie doch versöhnliches Finale für diese aufregende Reise.

Es passiert tatsächlich viel in diesem gut zweieinhalbstündigen Musical. Und es gibt viel anzuschauen. Ein Literaturepos adaptiert man eben nicht „mal eben so“ für die Bühne. Alles in allem kann man den Kreativen jedoch nur zu ihrem gelungenen Werk gratulieren.

Bühne, Kostüm und Licht (Pia Virolainen) ergänzen sich perfekt und schaffen so stimmungsvolle Welten – egal ob im dunklen, dreckigen London oder im sonnig-bunten Persien – in denen es viele gut ausgearbeitete Details zu erspähen gibt.

Musikalisch ist „Der Medicus“ kein herausragendes Werk, dazu ähneln sich die Songs zu sehr. Einzig das jüdische Gebet hat das gewisse Etwas. Daran ändern auch die exzellenten Orchestrierungen und Arrangements von einem Könner wie Michael Reed nichts. Sicherlich spielt hier mit hinein, dass einige Stücke durch zu viel Hall ihre emotionale Wirkung nicht erzielen konnten.

Was dieses Stück aber vor allem sehenswert macht, sind die Darsteller, die sich der Mammutaufgabe gestellt haben, Charakteren Leben einzuhauchen, zu denen sicherlich viele Zuschauer – entweder dank ihrer eigenen Phantasie nach dem Lesens des Buchs oder durch den Film – bereits konkrete Vorstellungen im Kopf hatten.

Am besten gelingt dies Andreas Wolfram, Lutz Standop und Reinhard Brussmann. Sie machen ihre so unterschiedlichen Figuren erlebbar. Wolfram mit viel Süffisanz, Standop durch viel Demut und Brussmann durch ihm eigene stattliche Bühnenpräsenz.

Friedrich Rau steht in fast jeder Szene auf der Bühne und absolviert somit jeden Abend ein beachtliches Programm. Sein Rob ist energisch und authentisch. Er überzeugt als guter Freund genauso wie als wissbegieriger Student mit eigenem Kopf.

Sabrina Weckerlin hat als Mary ihren Vater (Léon van Leuwwenberg) gut im Griff. Dass sie die Vergewaltigung durch den Schah stoisch über sich ergehen lässt und hinterher voller Zweifel und Selbsthass wieder zu ihrem Mann zurückkehrt, bringt Weckerlin sehr gut über die Rampe. Gesanglich verkauft sie sich hier jedoch eindeutig unter Wert. Denn außer leisen, wehklagenden Tönen ist von ihr als Mary leider nichts zu hören.

Das insgesamt 32-köpfige Ensemble gewinnt das Publikum mit seinen schwungvollen Tanzeinlagen und guter (wenn auch manchmal etwas zu ausgeprägter, wachsartiger) Mimik für sich. Da ist es nur zu verständlich, dass die Zuschauer schon bei den ersten Klängen des Finales aufstehen und die Darstellerinnen und Darsteller mit tosendem Applaus feiern.

Michaela Flint

In der nächsten Szene wacht dieser Pirat auf und entpuppt sich als erwachsener Louis, der sich – sehr zum Leidwesen seines Vaters – wieder einmal in seinen Traumwelten verloren hat. Das intensive Duett von Vater und Sohn zeigt direkt zu beginn, dass Dennis Martin ein ausgeprägtes Händchen für typisch musicalesque Kompositionen hat. Hingegen sind die Choreographien der Piratenbande und der Pariser Künstlertruppe weniger originell.

Die szenischen Wechsel zwischen dem Wohnzimmer der Stevenson’s und beispielsweise der Pariser Schaffensstätte der Bohemians gelingt ganz hervorragend: Der Blick auf das Geschehen auf der jeweiligen Hälfte der zweigeteilten Bühne wird durch entsprechend hälftig emporgezogene Vorhänge fokussiert. Schlicht, aber effektvoll.

Von Lloyd, dem aufgeweckten Sohn von Fanny Osborne, wird Louis dazu gebracht, seine Piratengeschichte als Kinderroman zu Papier zu bringen. Fortan entwickeln sich beide Handlungsstränge parallel und es ist manchmal nicht leicht, den schnellen Szenenwechseln zu folgen. Dies liegt aber vor allem auch daran, dass Friedrich Rau sowohl als Louis Stevenson als auch als Dr. Livesey (dem Arzt in der „Schatzinsel“) zu sehen ist. Gleiches gilt für Benjamin Klein, der als Lloyd die spannende Geschichte von Jim in der „Schatzinsel“ liest und zuvor noch als junger Louis auf der Bühne zu sehen ist. Auch Anna Thorén (Fanny Osborne, Mrs Hawkins), Norbert Lamla (Vater Stevenson und Käpt’n Smollett) und Andreas Lichtenberger (Käpt’n Flint und Long John Silver) spielen Doppelrollen. Da diese Figuren jedoch alle charakterlich nicht sehr weit voneinander entfernt sind, kann es durchaus etwas dauern, bis man die Folgeszene komplett verortet hat.

Die musikalische Vielseitigkeit zeigt sich in Szenen wie „Seid willkommen“, in der die Pariser Künstler die alleinreisende Amerikanerin Fanny mit ihrem Sohn Lloyd begrüßt: Die Ensemblenummer erinnert stark an Country-Musik der Südstaaten.

Auch „Ich bin das Kommando“ von Käpt’n Smollett, in dem der altgediente Flottenkapitän seine zusammengewürfelte Schiffsmannschaft einnordet, macht Spaß und hat schon beinahe Gassenhauerqualität.

Bei „Alles auf eine Karte“ stimmt nicht nur der Song, auch die Hintergrundprojektion der Hispaniola ist mehr als gelungen.

Zum Ende hin, als Stevenson’s Roman „Die Schatzinsel“ zu einem Erfolg geworden ist und er mit Fanny und Lloyd von New York nach Edinburgh reist, um sich von der Stadt entsprechend ehren zu lassen, zeigt sich auch das Feingefühl der Kostümbildner: Die Kleider und Anzüge der schottischen adligen Gesellschaft sind sehr detailliert ausgearbeitet.

Leider endet die Ehrung für einen der heutzutage erfolgreichsten britischen Autoren in einem Eklat: Die schottische Gesellschaft kann die wilde Ehe von Louis und Fanny nicht akzeptieren und ergeht sich in bösen Lästereien. Der freiheitsliebende Autor nimmt dies zum Anlass mit seiner neuen Familie erneut ein Schiff zu besteigen und auf der Suche nach neuen Abenteuern in See zu stechen. Kurz bevor das Stück endet, bittet er noch Lloyd seine „Schatzinsel“ zu Ende zu erzählen, woraufhin dieser sich mit dem bösen Piratenanführer Long John Silver versöhnt, in dem er seinen verschollenen Vater gefunden hat.

So verwirrend es manchmal ist, der Handlung in jeder Sekunde zu folgen, so gut ist die Auswahl der Darsteller gelungen: Friedrich Rau überzeugt als verzweifelter, gefühlvoller junger Autor voller Ideen genauso wie als Arzt, der sein letztes Hemd gibt, um für den kleinen Jim da zu sein. Anna Thorén zeigt die starke Frau, die Fanny als Alleinerziehende sein muss, um in einer männerdominierten Welt ernst genommen zu werden, aber auch sehr viel Beschützerinstinkt und Liebe, wenn es um Lloyd oder Louis geht.

Die Rolle des strengen Vaters liegt Norbert Lamla genauso wie die des versierten Flottenkommandanten. Seine erhabene Bühnenpräsenz und sein beeindruckender Bariton unterstützen diese starken Charaktere perfekt. Andreas Lichtenberger tritt sowohl als egozentrischer Käpt’n Flint als auch als einbeiniger Long John Silver gekonnt robust auf. Doch im Zusammenspiel mit dem kleinen Jim gelingt es ihm auch, die weiche Seite des Piraten zu zeigen. Einer von Flint’s Weggefährten ist Billy Bones, gespielt von Frank Logemann, dem es sichtlich Freude zu bereiten scheint als raubeiniger Pirat sein Umfeld zu erschrecken. Lutz Standop vereint als Squire Trelawney sowie als Bürgermeister viele Lacher auf sich und kann mit diesem exzentrischen Charakter durchaus überzeugen.

Ein besonderes Eregnis – insbeondere für die jüngeren Zuschauer im Publikum – ist die Schatzsuche der Piraten. Denn natürlich führt sie ihr Weg auch durch den Saal, wo sie lautstark jeden sprichwörtlichen Stein umdrehen, um HInweise auf den legendären Schatz von Käpt‘n Flint zu finden.

„Die Schatzinsel“ bietet auch als Musical sehr viel Stoff, der erst einmal verdaut werden will. Doch es fällt leicht, sich darauf einzulassen. Zum einen ob der durchaus charmanten Protagonisten, zum anderen, weil es den Kreativen durchaus gelungen ist, das Stück trotz zweier paralleler Handlungsstränge kurzweilig und auch für kleine Musicalbesucher unterhaltsam zu

Michaela Flint