Frank Wildhorn und Jack Murphy haben den dramatischen Stoff für die Weltpremiere in St. Gallen 2009 geschrieben. Wildhorn hat bekanntermaßen ein Händchen für düstere Themen, bei denen der Zuschauer tief in die Seelen der Protagonisten blickt. Und so beginnt auch dieses Stück mit einem sehr pathetischen Opening (der Verlobung von Edmond und Mercédès), bei dem zwei Dinge direkt deutlich werden: Thomas Borchert und Navina Heyne sind auch auf der Bühne ein Traumpaar, aber Walzer tanzen können die Paare auf der Bühne allesamt nicht.

Navina Heyne hat eine wunderschöne Stimmfarbe, sanft und tief, eher untypisch für das Musicalfach, aber perfekt für diese Rolle! Thomas Borchert war schon 2009 ein wenig zu alt für den zu Beginn des Stücks erst 19-jährigen Edmond, dennoch gelingt es ihm, dessen Naivität und Gutgläubigkeit glaubwürdig darzustellen.

„Niemals allein“ ist „ein typischer“ Wildhorn. Man fühlt sich sehr an „Jekyll & Hyde“ erinnert als sich das Paar voneinander verabschieden muss, da Edmond aufgrund einer Intrige neidvoller Adliger gefangengenommen wird. Fast wirkt es so als wäre Mercédès gestorben, denn sie wird auf der Bühne mit Rosen bedeckt, doch da sie wenig später wieder singt, ist dies wohl nur ein inszenatorisch missglückter Einfall.

Im Gefängnis, in dem Edmond 14 lange Jahre verbringen muss, trifft er auf Abbé Faria, den Sascha Littig mit einer gewissen Cleverness und Unbedarftheit spielt. Edmond lernt viel von Faria – vor allem im Gefängnis zu überleben und sich nicht seiner Todessehnsucht hinzugeben. Kurz bevor Faria selbst stirbt, weiht er Edmond noch in das Geheimnis des Schatzes von Monte Christo ein. Das Duett („Könige“) ist sehr schön und unterstreicht die Bedeutsamkeit der Beziehung von Edmond und Faria.

Luisa Vampa, die Piratin, die Edmond nach Monte Christo bringt, ist von Cornelia Brunn (Bühnen- und Kostümbild) vortreffelich eingekleidet worden. Leider will die Choreographie (Olaf Schmidt) so gar nicht zu grobschlächtiegn Priaten passen. Sie hüpfen eher etwas albern zu „Piraten – Wahrheit oder Wagnis“ herum. Fragen wirft auch auf, warum Wolfgang Berthold (Regie) Edmond in der Schatzhöhle Geldscheine hochwerfen lässt. Die gab es damals nun ganz sicher noch nicht…

Wir erfahren, dass Mercédès in der Zwischenzeit nicht nur Edmonds Erzfeind Mondego geheiratet hat, sondern beide auch einen gemeinsamen Sohn haben. Einmal mehr stellt Heyne ihr gesangliches Können bei „Wie mich die Welt umarmt“ unter Beweis. Für Edmond, der unerkannt auf Rache sinnt, ist diese Erkenntnis die Hölle auf Erden, was Thomas Borchert in der gleichnamigen Szene eindringlich zum Ausdruck und zu Gehör bringt.

In Rom begegnet er Albert de Morcerf, dem Sohn von Mercédès und Mondego, der es dank militärischer Verdienste inzwischen zum Graf von Morcerf gebracht hat. Edmond hat zunächst keine Ahnung, wer der Junge ist, nutzt aber seine Verbindung zur Piratin Vampa, die Albert entführt hat, und kann ihn aus ihren Händen befreien. Als Graf von Monte Christo wird daraufhin von den dankbaren Eltern nach Paris eingeladen, wo er mit seiner luxuriösen Lebensführung und seinem exotischen, orientalisch gefärbten Geschmack Aufsehen in der adligen Gesellschaft. Auf einem Ball erkennt Mercédès ihn wieder, doch er versucht, sich rauszureden und blendet alle anderen erfolgreich. „Diese Augen/Der Mann ist tot“ ist ein hervorragender Beleg dafür, wie sehr Borchert und Heyne harmonieren.

Seine Feinde hat er sich inzwischen zu Freunden gemacht. So hat er sie jederzeit unter Kontrolle und kann seinen Racheplan weiter verfolgen. In der Szene und dem Song „Die Falle/Zuviel ist nie genug“ gipfelt dann die falsche Freundschaft von Edmond, Danglars, Villefort und Mondego. Insbesondere Letzterer muss mächtig einstecken als Edmond der feinen Gesellschaft verrät, dass Mondego nur durch den Verrat seines Befehlshabers an den Feind zu zweifelhafte, Ruhm, gelang. Albert (gespielt von Anton Frederik von Mansberg) fordert vom Grafen Genugtuung für seinen Vater, was jedoch seine Mutter Mercédès zu verhindern sucht. Sie hat die wahre Identität des Grafen erkannt und appelliert an sein Gewissen, das Leben des Jungen zu verschonen.

Dantès hat Mercédès immer noch nicht verziehen, dass sie Mondego geheiratet hat, und weigert sich mit den Worten: „Mitleid ist etwas für Schwache.“ Mercédès denkt über ihr vergeudetes Leben nach und macht sich Vorwürfe, weil sie nicht auf Edmond gewartet hat und träumt immer noch davon wieder mit ihm zusammen sein – Gefühle, die Heyne während „All die Zeit“ berührend intoniert.

Das Duell findet statt, doch Albert trifft den Grafen nicht. Als sich dieser anschickt, den jungen Widersacher zu töten, taucht dessen Freundin Valentine (Pia Naegeli) auf und gesteht ihm ihre Liebe („Schöner Schein“). Berührt von soviel Ehrlichkeit und Leidenschaft lässt Edmond von seinem Vorhaben ab. Er erinnert sich als frühere Tage. „Der Mann, der ich einst war“ ist sicherlich einer der Showstopper und Thomas Borchert perfekt auf den Leib geschrieben.

Kurz danach kommt es zum klärenden Gespräch zwischen Mercédès und Edmond, welches jedoch durch Mondego gestört wird, der auf Rache sinnt. Doch er verliert den Kampf gegen seinen Erzfeind („Hölle auf Erden“). Edmond wird von seinen Schuldgefühlen übermann, doch Mercédès gelingt es, ihm klarzumachen, dass Mondego seiner eigenen Besessenheit und Rachsucht zum Opfer gefallen ist. Mercédès Liebe und Mitgefühl öffnen Edmond den Weg in eine Zukunft. Eine Zukunft an der Seite der Frau, die er noch immer über alles liebt. Mit „Niemals allein“ endet Alexandre Dumas spannende Geschichte vom Graf von Monte Christo.

Frank Wildhorn ist es gelungen, die verschiedenen emotionalen Spielarten ganz vorzüglich zu vertonen. Natürlich bleibt er sich selbst treu und so hat das Stück musikalisch einen hohen Wiedererkennnungswert. Die Besetzung der Hauptrollen ist perfekt: Thomas Borchert atmet die Rolle des von Gefühlen jeglicher Couleur getriebenen Grafen und ist gesanglich und schauspielerisch über jeden Zweifel erhaben. Navina Heyne überrascht durch ihr für ein Musical untypische, doch außerordentlich warme und gefühlvolle Stimme. Auch ihr gelingt es, die emotionale Achterbahnfahrt des Lebens von Mercédès authentisch nachzuzeichnen. Gerd Achilles kommt die Rolle des hasserfüllten, von Neid getriebenen Bösewichts Mondego zu, die er mit berückender Energie ausfüllt. Fast könnte man meinen, die Feindschaft der Männer sei echt.

„Der Graf von Monte Christo“ ist viel Stoff in relativ kurzer Zeit, noch dazu ist die Handlung vor vielen hundert Jahren angesiedelt. Doch es gelingt Wolfgang Berthold das Stück kurzweilig und mit genau dem richtigen Fokus auf die Protagonisten und deren Handlungsmotive umzusetzen. Wie schön, dass sich ein Stadttheater statt eines Standard-Musicals auch einmal solch ein anspruchsvolles Stück ausgesucht hat. Gern mehr davon!

Michaela Flint

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Zum Auftakt werden die knapp 500 Zuschauer in den historischen Kontext von Graf Dracula gebracht: Ein kurzer Zeichentrickfilm zeigt Elisabeta, die der falschen Nachricht der Feinde glaubt, dass ihr Verlobter Vlad gefallen sei, und sich in ihrer Verzweiflung aus dem Fenster stürzt. Ihre Seele ist fortan verdammt. Als Vlad vom Schlachtfeld heimeilt und seine Verlobte tot vorfindet, sinnt er auf Rache.

Die nächste Szene zeigt Jonathan Harkers Reise von London nach Transsylvanien. Dabei werden immer wieder Ausschnitte aus seinen Briefen an seine Verlobte Mina eingeblendet. Die Schlosskulisse, in der sich diese Handlung abspielt, ist sehr gut gelungen. Die Videoinstallationen in den drei Fenstern des Schlosses bei Jonathans Kutschfahrt und die Reise durch den Winterwald, der in den Fenstern links und rechts an der Kutsche vorbeizieht, ist technisch auf sehr hohem Niveau (Technische Leitung: Fabian Schmid).

Die erste Begegnung von Dracula und Jonathan erinnert nicht nur wegen der Kostüme sehr stark an den Hollywood-Film von Bram Stoker. Dracula trägt eine etwas seltsam anmutende Halbgesichtsmaske, aber Benedikt Vogel hat die richtige Intensität und ein gutes Gespür für eine ausdrucksstarke Mimik. Dass er nicht jeden Ton trifft, setzt sich im Laufe der Show fort, mindert aber nicht den guten Gesamteindruck der Produktion.

Jonathan Harker wird gespielt von Matheo Radeck. Er hat eine schön softe Stimme, die hervorragend zur weichen Ausstrahlung des Forschers passt. Pamina Lenn, die zusammen mit Tilmann Rose auch für die Regie verantwortlich zeichnet, gibt seine Verlobte Mina. Ihr sehr ausgeprägtes Vibrato lässt sich nicht ignorieren und wirkt sich im Verlauf des Abends auf viele Songs sehr nachteilig aus. „Lass mich dich nicht lieben“ ist dafür ein gutes Beispiel: Auch wenn Frank Wildhorns Songs durchaus viel Raum für Belten und Vibrato lassen, Lenn bietet von beidem zu viel. Auch wenn sie Dracula „ruft“ („Wäre ich frei“), überstrahlt ihr Vibrato alles, doch es wird klar, dass sie sehr wohl sauber und klar singen kann, ohne in diese oft unangenehme Gesangsart zu verfallen.

Als Dracula Jonathan zum ersten Mal beißt, wird auf dem halbdurchsichtigen Vorhang vor der Szene die Verwandlung vom alten grauhaarigen Vampir zum jungen Graf Vlad gezeigt. Eine sehr gelungene Idee! In der nächsten Szene kommt Dracula dann als junger Mann auf die Bühne. Die graue Langhaarperücke, der rote Mantel und die Halbmaske sind passé.

Ein weiteres technisches Schmankerl ist der „Aufbau“ von Whitby Bay, dem Sommerkurort, an dem Dracula zum ersten Mal auf Mina und Lucy trifft: Das Gebäude entwickelt sich im mittleren Fenster der Schlosskulisse von einer Bleistiftzeichnung hin zu einem farbenfrohen Porträt. Klasse! Durch zwei zusätzliche Wandelemente wird aus dem Schloss der Ballsaal von Whitby Bay.

Renfield (gespielt von Johannes Kahlhöfer) ist in dieser Inszenierung ein sympathischer, fast schon zerbrechlicher Wahnsinniger. Kahlhöfer singt gut und meistert die Gratwanderung zwischen Wahn und Klarheit sehr glaubhaft.

Helena Lenn ist eine stimmgewaltige Lucy Westenra, die mit viel Charme alle Männer um den Finger wickelt. Die Wandlung von der unentschlossenen, verspielten Braut zur lüsternen Vampirlady gelingt ihr hervorragend. Helena Lenns Soli gehören zu den Highlights des Abends, da sie die verschiedenen Emotionen sehr gut in Gesang umsetzen kann. Auch ihre ausdrucksstarke Mimik sorgt für ein rundum gelungenes Rollenprofil. Ein Paradebeispiel, bei dem sie all ihre Talente ausspielen kann, ist „Wie wählt man aus“. Ihr Hin- und Hergerissensein zwischen den drei potentiellen Ehemännern ist deutlich spürbar.

Auch Pamina Lenn hat ihre Stärken im Spiel. Mimik und Gestik sind sehr gut. Einzig die Tontechnik zerstört mit zuviel Hall viele Dialoge. Allzu oft klingen Lenn und ihre Kollegen so als würden sie in einer Kirche stehen.

Gesanglich harmoniert sie mit Vogel leider nicht so sehr wie mit Radeck, was insbesondere bei „Ich leb‘ nur, weil es Dich gibt“ deutlich wird.

Van Helsing erinnert mehr als vage an Indiana Jones. „Nosferatu“ klingt zwar nicht schlecht, aber im Großen und Ganzen versucht Michael Zimmermann durch Lautstärke zu kompensieren, dass er dem Showstopper nicht ganz gewachsen ist. Doch mit seinem ausgeprägten Dialekt sorgt er für Lacher und macht die Figur des besessenen Vampirjägers sehr sympathisch.

Der Song, bei dem Van Helsing und Lucys Verehrer zur Jagd auf Dracula aufbrechen, hat eine sehr gute Energie. Allerdings ist es hier mit dem Choreographen durchgegangen, denn die Platzierung der Darsteller und die Schrittfolgen erinnern doch allzu arg an „One Day More“ aus „Les Misérables“.

Was insgesamt auffällt ist, dass dieses Vampirmusical komplett unblutig ist. Es fließt kein Tropfen (Theater-)Blut, auch wenn die Vampire mit ziemlich scharfen Beißerchen daherkommen. Dennoch ist die Inszenierung absolut schlüssig und die wenigen zu langen Umbaupausen oder zu lauten Abgänge nimmt man gern in Kauf. Die Cast kann ihre Stärke insbesondere in den Duetten und Ensemble-Nummern ausspielen. Solistisch zeigen sich viele Schwächen, doch die liebevolle Umsetzung der Details auf der Bühne, in den Kostümen (Sigrid Vogel) und natürlich auch Regieseitig macht dieses Manko wett.

Begeisterten Applaus erntet auch das 20-köpfige Orchester unter der Leitung von Jan Brell. Die Musiker spielen die komplexe Partitur fehlerfrei und mit viel Schwung. Ist es nicht genau das, was Musical ausmacht? Ein energiegeladenes Ensemble und nicht minder engagierte Musiker?

Roßdorf hat einen festen Platz im hessischen Musicalkalender, dafür ist „Dracula“ einmal mehr der Beweis. Einen Vergleich mit großen Stadttheater- oder Ensuite-Produktionen müssen die Macher insbesondere im Hinblick auf Technik und Regie nicht scheuen. Vogels Hinweis darauf, dass alle Beteiligten ihre Zeit und ihr Können unentgeltlich zur Verfügung stellen, um diese sieben Aufführungen zu ermöglichen, wird vom Publikum sehr honoriert – und dass nicht nur mit langem Applaus, sondern auch mit großzügigen Spenden, die nach der Vorstellung in die Boxen der am Ausgang wartenden Darsteller wandern.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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Die in der Spielzeit 2010 / 2011 durch Deutschland, Österreich und die Schweiz tourende Produktion von Frank Wildhorns „Jekyll & Hyde“ ist bereits der 20. Aufguss der deutschsprachigen Version dieses düsteren, brutalen, aber nicht weniger emotionalen und tief berührenden Musicals.

Die Rolle des ambitionierten Wissenschaftlers Dr. Jekyll und menschenverachtenden Mr. Hyde verlangt dem Darsteller einiges ab. Nicht ohne Grund gilt sie als eine der, wenn nicht sogar die anspruchsvollste männliche Rolle im Musicalbusiness. Mit Yngve Gasoy-Romdal wurde von der Direktion Landgraf ein Künstler engagiert, der diese Figur schon in Köln und Magdeburg eindrucksvoll verkörpert hat. Mit Leah Delos Santos als Lisa Carew hat er eine Kollegin an seiner Seite, die schon bei der deutschen Erstaufführung 1999 in dieser Rolle auf der Bühne das Publikum zu Tränen rührte. Komplettiert wird das Leading Trio an diesem Abend durch Anne-Mette Riis, die als Freudenmädchen Lucy für die verruchten Momente des Stücks sorgt.

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