Isabella umgarnt den Schriftsteller und Parker lässt sich auf den Flirt ein. Mehr noch, er spürt zum ersten Mal, dass es auch ein Leben neben seinen Büchern gibt. In Barcelona, wo eine Vielzahl von Gebäuden Gaudís eindeutige Handschrift trägt, kommen sich die beiden näher. Auch wenn Isabella an ihrem Auftrag zu zweifeln scheint und echte Gefühle für Parker entwickelt, führt sie ihren Auftrag dennoch erfolgreich aus. Marc Winners (schlussendlich unbegründete) Eifersucht führt zu einer Auseinandersetzung, an deren Ende der Freitod von Don Parker (wie Gaudí wird er von einem Zug überfahren) und die Hochzeit von Isabella und Marc Winner stehen.

Die ganze Handlung wird immer wieder von einer Kamera von Gaudí TV begleitet. Auch wenn die Idee, das Leben von Don Parker als Sensationsstory einer rücksichtslosen Reporterin zu erzählen, ihren Charme hat, so sind die Auftritte von Gracia Lopez (Stefanie Lämmerhirt) doch eher überflüssig, da sie die Handlung nicht voranbringen.

Aleksander di Capri gibt einen leidensfähigen Don Parker. Er weist die Presse genauso überzeugend und resolut von sich, wie er sich langsam der schönen Isabella öffnet und Gefühle zeigt. Schauspielerisch hat sich di Capri in den letzten Monaten stark weiter entwickelt. Auch wenn die kurze Probenzeit von nicht einmal einem Monat kaum eine intensive Auseinandersetzung mit dem Charakter zulässt, holt er doch das heraus, was machbar ist. Seine Stimmfarbe passt hervorragend zu Balladen wie „Closer to heaven“ oder „Love can be lonely“. Auch bei „Parca Güell“ harmoniert er einwandfrei mit seiner Duettpartnerin Karin Seyfried.

Das Zusammenspiel mit Karin Seyfried funktioniert ausgezeichnet. Man merkt, dass sich die beiden Darsteller mögen. Seyfried gibt eine ebenso so schöne wie berechnende Isabella. Leider ist gerade sie diejenige, die unter der schlechten Aussteuerung von Musik und Gesang am meisten zu leiden hat. So wird erst im zweiten Akt hörbar, dass mit Karin Seyfried eine sehr gute Sängerin engagiert wurde („Forbidden Fruit“). Das Hin- und Hergerissensein zwischen Pflichterfüllung, d. h. Parker zum Verkauf der Filmrechte zu bewegen, und ehrlichen Gefühlen für den so Betrogenen nimmt man ihr ohne Bedenken ab. Schlussendlich ist sie aber doch die Braut des „Bad Guy“ und füllt diese Rolle sehr gut aus.

Der „Bad Guy“ ist der fiese Produzent Marc Winner. Henrik Wager hat schon bei „Poe“ unter Beweis gestellt, dass ihm exzentrische Charaktere liegen. Er hat mit Abstand die dankbarste Rolle, mit den intensivsten Songs. „Money talks“ und „Puppet Master“ sprechen für sich und Wager überzeugt mit seiner ausgeprägten Popstimme. Die Auseinandersetzung mit Isabella gipfelt in dem Duett „Too late“, das sowohl musikalisch als auch schauspielerisch von beiden Darstellern mitreißend umgesetzt wird.

Die drei Hauptcharaktere werden von einem zwölfköpfigen Ensemble unterstützt, das in Tanzszenen wie dem „Tango Güell“ von Kim Duddy perfekt in Szene gesetzt wird. Die Choreographien sind abwechslungsreich und gefallen, selbst wenn sie noch nicht 100%ig synchron erfolgten. Auch die drei Hauptfiguren werden nicht ausgespart. Dass di Capri im Gegensatz zu Seyfried nicht der geborene Tänzer ist, wird aber von Duddy sehr geschickt kaschiert. Auch die futuristischen Kostüme von Robbie Wörsing tragen ihr Stück dazu bei, „Gaudí“ zu einem Musical zu machen, das man sich gern anschaut. Das Finale, „La Sagrada Familia“, wird vom gesamten Ensemble bestritten und ist in seiner kathedralen Akustik kaum zu toppen.

Heutzutage ungewöhnlich ist die Kombination von englischen Gesangstexten und deutschen Dialogen. Grundsätzlich ist daran nichts auszusetzen, doch in diesem Fall sorgte die mangelnde Akustik des Kölner Palladiums dafür, dass die Stimmen der Sänger häufig von den Synthesizer-Pop-Klängen überlagert wurden und damit der Text nicht mehr verständlich war. Insofern ist Konzentration und genaues Hinhören gefragt, wenn man der recht seichten Handlung bis ins Details folgen wollte.

Das siebenköpfige Orchester unter der Leitung von Michel Crosio spielt viele Stücke live, doch man mag nicht so recht glauben, dass dies gänzlich ohne Computer-Unterstützung gelingt. Dafür sind die Melodien doch häufig zu voluminös für nur sieben Musiker. Dennoch ergibt sich musikalisch ein stilsicheres Gesamtbild.

Wenn Komponist Eric Woolfson schon im Vorfeld sagte, „Es ist die beste „Gaudí“-Inszenierung, die es je gab.“ hat er dabei sicherlich auch die Projektionen auf die fünf Großleinwände gemeint. Diese einfache, aber sehr effektvolle Art des Bühnenbildes ermöglicht eine Anpassung an die futuristischen Kostüme genauso wie die Schaffung des Güell Parks oder die Hochzeitskirche von Isabella und Marc Winner.

Ohne einen Vergleich ziehen zu wollen, kann man festhalten, dass die neue „Gaudí“-Produktion mit gut zwei Stunden Dauer kompakt und in sich stimmig ist. Es ist zwar nichts wirklich Neuartiges an dieser Show festzustellen, doch die Art und Weise wie die einzelnen Komponenten miteinander verflochten wurden, ist zweifelsohne gelungen. Wer sich ein modernes Musical mit poppiger Musik anschauen möchte, ist dort sehr gut aufgehoben.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Das Gemeinschaftsprojekt von Frank Logemann, Detlef Leistenschneider und Alexander Zamponi – allesamt „Mamma Mia!“-Castmitglieder – hält sich an den klassischen Handlungsablauf. Ohne viel Ausschmückung entwickelt sich die Handlung des eigentlichen Drei-Akters rasant und so ist die Musicalfassung schon nach knapp zwei Stunden beendet. Doch tatsächlich vermisst man nichts, da sich die Geschichte in sich schlüssig erzähl wird.

Regie führte bei diesem Try-Out Carolanne Weidle, die schon bei verschiedenen Produktionen im Imperialtheater ihre inszenatorische Handschrift hinterlassen hat. Auch hier setzt sie die Hauptfiguren geschickt in Szene. Jeder bekommt sein Solo und auch die Duette sind auf der Bühne gut umgesetzt. Die Arrangements zu Frank Logemanns Kompositionen stammen von Detlef Leistenschneider, der als fieser Baron Scarpia auf der Bühne des Operettenhauses steht. Aber auch Frank Logemann, der dieses Musical ersonnen hat, ist bei der Erstaufführung seines Stücks mit dabei. Als Cesare Angelotti spielt er die tragische Rolle des Flüchtlings, der seine Helfer in den Tod schickt. Alexander Zamponi (Songtexte) ist ebenfalls im Ensemble zu sehen.

Zu den drei Schöpfern gesellen sich neben zahlreichen Kollegen aus dem „Mamma Mia!“-Ensemble auch Studenten der Hamburg School Of Entertainment. Das Liebespaar wird von Charlotte Heinke und Jörg Neubauer gegeben.

Was an diesem Try-Out sofort ins Auge fällt ist die opulente Umsetzung. Zahlreiche Kostüme, szenische Umbauten, abwechslungsreiche Lichttechnik – all das ist bei anderen Try-Outs üblicherweise nicht vorzufinden. Diese Herangehensweise unterstreicht den professionellen Anspruch der Beteiligten. Die Tavernen-Kulissen aus „Mamma Mia!“ werden effektvoll in das Stück integriert und die Szenenwechsel regelrecht zelebriert. Die Kleider der Damen korrespondieren mit den Krawatten und Bauchbinden der Herren. Das sind wahrlich keine unwichtigen Details für eine stimmige Produktion.

Wenn man davon absieht, dass Jörg Neubauer in einem D’Artagnan-Kostüm steckt und Frank Logemann, abgesehen von den Szenen im Ballkleid, stark an den Sträfling Jean Valjean erinnert, kann man den Kostümverantwortlichen gratulieren.

Das Stück trägt den Zusatz „Das Rock-Musical“. Und das ist es auch, was den Zuschauern geboten wird: rockige Grundrhythmen lassen den Boden des Operettenhauses erbeben. Leider sind es gerade diese Leitsätze, die verhindern, dass die Sänger auf der Bühne zu hören sind. Zwischendurch schleicht sich ein waschechter Gospel-Song ein, der für angemessene Belustigung sorgt. Logemanns Melodien sind nicht neu, man hört ein wenig „Starlight Express“, ein wenig mehr „Jesus Christ Superstar“, aber dennoch stellt ein befriedigender Gesamteindruck ein.

Während Logemann sich tapfer durch seine eigenen Stücke singt (die Frage, ob er seinen Part nicht einem Kollegen hätte überlassen sollen, stellt sich unweigerlich, denn Logemann ist nicht mit einer Rockröhre ausgestattet), überzeugt Detlef Leistenschneider von der ersten bis zur letzten Note. Ganz in schwarz mit langem Ledermantel gewandet, gibt er eine einschüchternde Persönlichkeit. Seine Soli strotzen nur so vor Kraft und Intensität, vor allem „Stachel im Fleisch“, das zugegebenermaßen ein wenig an den „Engel aus Kristall“ der Bolland-Brüder erinnert, zieht er die ganze Palette eines Bühnenkünstlers.

Jörg Neubauer ist als verliebter Maler sehr gut besetzt. Man glaubt ihm den kreativen Ausgangspunkt seiner Arbeiten, sein Vertrauen zu Angelotti ist nachvollziehbar und seine Liebe zu Tosca wirkt echt. Gesanglich kommt er mit den Uptempo-Nummern gut zurecht, aber in den Duetten mit Charlotte Heinke zeigt sich seine Stärke. Beide harmonieren sehr gut miteinander. Mit Charlotte Heinke wurde eine Tosca engagiert, die nicht nur durch ihre edle Ausstrahlung sondern auch durch ihre kraftvolle Stimme und ihr brillantes Spiel zu begeistern vermag. Man leidet unweigerlich mit ihr, als sie merkt, dass sie trotz der Ermordung von Scarpia nicht mit ihrem geliebten Maler zusammenleben wird, da man sie beide getäuscht hat. Ihre Soli interpretiert die Hamburgerin souverän und raumfüllend. Das liegt auch daran, dass ihr die intensiven Kompositionen sehr entgegenkommen.

Try-Outs wie diesen darf es in Zukunft gern mehr geben. So sieht man, dass es mehr gibt als die großen kommerziellen Musicals. Ob hieraus ein Groß-Erfolg à la „Mamma Mia!“ wird, darf bezweifelt werden, dennoch sind es genau solche Ansätze wie der von „Tosca“, die die Musicalwelt lebendig halten.

Michaela Flint
veröffentlicht in blickpunkt musical

Die Darstellerriege geht von Musicalgrößen wie Ethan Freeman und Jesper Tydén über Schauspieler wie Mathieu Carrière und Daniela Ziegler und „Debütanten“ wir Sabine Neibersch. An allererster Stelle ist Jesper Tydén in der Titelrolle zu nennen: Er spielt und singt, tanzt und kämpft, zeigt gute und böse Gefühle so gut es das schwache Buch hergibt.

Doch bis es soweit ist, erklingt ein minutenlanger Prolog aus dem Orchestergraben gefolgt von einer sehr langen Sprechszene: Im Jahr 1194 kehrt der junge Ritter Robin von Locksley vom dritten Kreuzzug in seine Heimat zurück. England wird nun von Richards Bruder Prinz John, genauer von dessen Frau Isabelle (Daniela Ziegler) und dem skrupellosen Sheriff von Nottingham (Ethan Freeman) beherrscht. Alles geschieht unter dem Schutz der Kirche in Gestalt des Bischof von Herford (Mathieu Carrière). Robin erfährt wenig Unterstützung für seinen Plan, das Lösegeld für König Richard Löwenherz, der sich in österreichischer Gefangenschaft befindet, aus den übervollen Schatullen der Regenten zu nehmen. Der hitzköpfige und respektlose Robin legt sich mit den Herrschaften an und wird prompt für vogelfrei erklärt. Mit geschickt geführtem Schwert kann er in den Sherwood Forrest fliehen.

Erst hier wird das Musical musikalisch. In Little John und zahlreichen weitestgehend namenlosen Geächteten findet Robin neue Freunde im Kampf für Freiheit und Gerechtigkeit. Doch erst muss er sich mit seinem Schwert (Pfeil und Bogen sucht man in diesem Stück vergeblich) als Anführer qualifizieren. Bereits hier zeigen sich die besonderen Qualitäten der von Malcom Ranson erdachten Kampfszenen. Auch wenn jeder Schritt geplant und jede Bewegung mit dem Schwert genau positioniert ist, so wirken die Szenen trotzdem spektakulär und gefährlich. Leider sind jedoch gerade die Kampfszenen deutlich zu lang und verlieren ihre Wirkung, da auch der Umgang mit den schweren Gerätschaften in der Premiere noch lange nicht so flüssig ist wie man es sich wünschen würde.

Nachdem die Machtverhältnisse im Sherwood Forrest jedoch einmal geklärt und Robin Hood als Anführer anerkannt wurde (natürlich immer wieder torpediert durch Little Johns eifersüchtige Kommentare), wird das neue Mitglied der Geächteten mit einem Fest gebührend willkommen geheißen. Fortan wird gesungen, gefeiert und getanzt. Der Wald wird in buntes Discolicht getaucht und die Darsteller auf der Bühne verfallen in irische Tanzschritte, die mehr als nur ansatzweise an „Riverdance“ oder Michael Flatley’s „Lord of the Dance“ erinnern? Sherwood Forrest in Irland? Kleinigkeiten, an denen man sich nicht aufhalten muss.

Es herrscht eine ausgelassene Stimmung auf der Bühne, zu der die schwungvolle Choreographie von Paul Kribbe und James de Groot maßgeblich beiträgt. Die für ein Musical unerwartet zahlreichen Dialoge bringen die Handlung nur schleppend voran. Ist es wirklich notwendig, dass in der heutigen Musicallandschaft – von einigen ganz wenigen Ausnahmen einmal abgesehen – auf Textseite nur noch Phrasen, Slapstick und Sprichworte als Stilelemente eingesetzt werden? Niveauvolle Unterhaltung stellt man sich dann doch etwas anders vor.

Das Szenenbild und die Kulissen von Christoph Weyers sind das genaue Gegenteil der schwachen Texte. Hier sieht man, dass der Allgäuer über umfassende und mehrfach bewährte Erfahrungen in seinem Fach verfügt. Das Bremer Musicaltheater bietet in dieser Hinsicht eine Menge Variationsmöglichkeiten. Da wird der Kerker aus dem Bühnenboden herausgefahren oder es senken sich große Kulissenteile aus der Decke herab und bilden so eine Kirche, das Schloss oder den Sherwood Forrest. Auch die Gestaltung des Sherwood Forrest ist stimmig und so macht es Spaß in jedem Bild neue Details zu entdecken.

Die Spannbreite der von Martin Doepke komponierten Musik, mit Anklängen an die Rock-, Pop-, Country- und Gospelmusik ist breit. Gerade diese Vielfalt macht es schwer, „Robin Hood“ einen einheitlichen Musikstil zuzuordnen. Man fühlt sich phasenweise beim „Starlight Express“, „Bonifatius“ oder „Little Shop of Horrors“ – die Ähnlichkeiten sind zum Teil frappierend. Der einzige Reprisefähige Song „Der Sturm ist nah“ wird dann auch reichlich überstrapaziert. Musikalisches Highlight ist die Ensemblenummer „Salz der Erde“. Eine großartige Gospelnummer, angeführt von einem sehr motivierenden Günther Kaufmann als Bruder Tuck. „Salz der Erde“? War da nicht was? Ach ja, bei „Bonifatius“ gibt es einen Titel, der nicht nur genauso heißt, sondern auch noch optisch (das Lichtdesign dieser Szene steht „Saturday Night Fever“ in nichts nach – nur gehört das in den Wald?) und akustisch sehr ähnlich daherkommt.

Doch genug der Kritik an Dialogen und Musik. Ein Musical lebt ja auch von den Künstlern auf der Bühne. Im Zentrum von „Robin Hood“ steht auf der einen Seite der Konflikt zwischen dem Sheriff von Nottingham, gespielt von Ethan Freeman und Robin Hood und auf der anderen Seite die Liebesgeschichte zwischen Robin Hood und Lady Marian (Sabine Neibersch), auf die auch der Sheriff ein Auge geworfen hat.

Ethan Freeman bildet mit Daniela Ziegler als Lady Isabelle und Mathieu Carrière als Bischof von Herford ein intrigantes Dreigestirn. Während Mathieu Carrière als Schauspieler noch etwas hölzern wirkt und sich in seiner roten Robe nicht gänzlich wohl zu fühlen scheint, hat Daniela Ziegler auch zwei Songs, wobei sich manch einer statt des Sprechgesangs lieber melodischere Stücke für ihre Stimme gewünscht hätte. In der Rolle der machthungrigen Lady Isabelle wirkt Daniela Ziegler wie eine Diva und das passt hundertprozentig.

Sabine Neibersch hat sehr gefühlvolle Soli, die sie mit ihrer schönen, wenn auch am Premierenabend ziemlich heiseren, Stimme sehr intensiv interpretiert. Sie harmoniert in den Duetten sehr gut mit Jesper Tydén. Auch gegen Ethan Freeman kann sie sich im „Streitduett“ bewähren.

Jesper Tydén zeigt in den wenigen Gesangsnummern, was sein Hauptfach ist: Er singt „Der Sturm ist nah“ mit viel Energie und macht den Kampfgeist der Aussätzigen spürbar bis in die letzte Reihe. Ganz nebenbei zeigt er aber auch Talent als Tänzer. In den irisch-folkloristischen Tanznummern muss er sich – im Gegensatz zu anderen Hauptdarstellern – nicht hinter dem Ensemble verstecken.

Ein optisches Highlight ist die Rock-Nummer „Abschaum“ gesungen und vor allem gespielt von Ethan Freeman. Ihm gelingt es mit spärlichen Requisiten und bühnenfüllendem Schauspiel auf einer fast leeren Bühne die Blicke auf sich zu ziehen. Ein Beispiel für seine ungeheure Bühnenpräsenz. Der einzige Wermutstropfen ist, dass Freemans Stimme nicht unbedingt als Rockstimme zu bezeichnen und daher in dieser Szene nicht ganz passen mag. Mit einer Rockröhre wie beispielsweise Darius Merstein-MacLeod oder Sascha Th. Krebs sie mehrfach unter Beweis gestellt haben, dürfte „Abschaum“ noch wesentlich an Intensität hinzu gewinnen.

Für eine große Produktion wie „Robin Hood“ – immerhin eine Tourproduktion, die mit Ensuite-Ausstattung daher kommt –, bei der in verhältnismäßig kurzer Zeit viel bedacht und koordiniert werden musste, klappte es am Premierenabend schon recht gut. Auch wenn es aufgrund der im Vorfeld als Unsicherheitsfaktor benannten Bühnentechnik eine 10-minütige Unterbrechung im 2. Akt gab und die vielen Szenenwechsel zu lange dauerten – kommt Zeit, kommt Routine und dann verschwinden auch derartige Kinderkrankheiten.

„Robin Hood“ bleibt bis Anfang Januar im Musicaltheater am Richtweg. Genug Zeit, um Abläufe zu straffen, Szenenwechsel zu beschleunigen und Routine in die tägliche Arbeit hineinzubekommen. Anschließend zieht der Held mit seinem Schwert ins Düsseldorfer Capitol Theater (10.-26. Februar). Die dritte Station der Tour wird vom 4. März -2. April das Deutsche Theater in München sein.

Michaela Flint & Norbert Ufermann
veröffentlicht in blickpunkt musical