Doch da sich viele Menschen draußen vor den Theatern, in Bussen und S-Bahnen oder vor Restaurants und Kneipen eben nicht an die aktuell gültigen Abstandsregeln halten, müssen leider u. a. die Kulturbetriebe die Zeche zahlen.

Aber auch in diesen wenigen Wochen haben Theater landesweit gezeigt, wie schnell sich Shows auf die Beine stellen lassen, die den herausfordernden Zeiten angemessen sind. Das First Stage in Hamburg brachte die Revue „Comeback“ auf die Bühne, in der sieben Darstellerinnen und Darsteller das Thema Comeback auf verschiedenste Arten interpretierten.

Da ist der Schriftsteller Bartholomäus Bob, der seiner langjährigen Freundin Amy einen Heiratsantrag machen will. Als sie das Treffen absagt, um mit seinem besten Freund zur Partnermassage zu gehen, beschließt er ein Buch über verlassene Männer zu schreiben.

Emmanuel L. Duarte liefert ein beeindruckendes „Puttin‘ on the ritz“ ab, zu dem seine tiefe, warme Stimme sehr gut passt. „Nebenbei“ steppt er auch noch zu diesem Klassiker und lässt beim finalen „Victorious“ seine ganze Energie frei.

Farah Liss gibt eine frustrierte Puppe, mit der niemand mehr spielen mag. Ihr „Sound of Silence“ Solo ist raumgreifend, ihr verstörender Tanz mitreißend. Sie hadert mit dem Schicksal, „kämpft mit dem (Teddy)Bär“ und träumt, obwohl sie nicht mehr machen möchte, was die Menschen ihr sagen, von früher. Mit „Puppet on a string“ verleiht sie ihrem Frust erneut tänzerisch Ausdruck.

Als gleich drei Damen, die ihr Herzblatt suchen, zeigt Lisa Wissert ihre Wandlungsfähigkeit. Sie beherrscht nicht nur verschiedene Dialekte und kann sich sekundenschnell in skurrile Charaktere verwandeln, sie zieht diese Eigenarten auch bis in den Gesang durch: So lispelt Kandidatin 1 ganz herzerweichend bei „Auf einmal“ aus „Tarzan“ und Roxy aus Eschborn erobert mit ihrem großen Selbstbewusstsein und „Roxy“ aus „Chicago“ die Bühne.

Zu ZAYN & Sias „Dusk till dawn“ nähern sich Kandidatin 2 (Roxy) und ihr Herzblatt (Robin Apostel) tänzerisch an. Beide überzeugen, auch wenn man deutlich sieht, dass Wissert eher aus dem klassischen Fach kommt und Apostel mit seiner Geschmeidigkeit eher dem Jazz zuzuordnen ist.

Meltem Ürküt darf als geschiedene, frustrierte Rose Ritz mit Passagen aus „Männer“ („3 Musketiere“) und „Was ist mit meiner Ehe passiert?“ (Fee aus dem See aus „Spamalot“) glänzen. Sie spielt die überspannte Single-Lady ganz prima und tanzt sich beim Steppaerobic mit 25 (großteils) imaginären Männern zu „It’s raining men“ frei.

Robin Apostel spielt einen Tänzer, der nach einer Audition mal wieder auf den erlösenden Anruf wartet. Er ist geplagt von Selbstzweifeln, sucht nach seiner „Bestimmung“ und verleiht mit einem ausdrucksstarken Contemporary zu „Believer“ seiner Ablehnung von Stereotypen jeglicher Art deutlich Nachdruck. Apostel überzeugt sowohl stimmlich mit seinem „Tanz durch die Welt“ („Wicked“) als auch mit seinem Vergleich von Fußball und Tanzen („Der ist wie ein Choreograph.“). Mit „I’m only human“ fasst er tänzerisch noch einmal zusammen, was eigentlich selbstverständlich sein sollte: Jeder ist so genau richtig, wie er ist!

Im krassen Gegensatz dazu steht Niklas Heinrichs‘ „Stars in der Porzellanabteilung“, wo er als Friseur Udo Rosa über seinen Besuch auf der Toilette bei der Bambi-Verleihung schwadroniert. Hier wird kein Klischee ausgelassen. Doch mit dem Solo an seinen Vater sowie dem viel zu kurzen, Gänsehaut verursachenden Ausschnitt aus „Rise like a Phoenix“ von Conchita Wurst gleicht er diese Schieflage mehr als aus.

Außerhalb eines szenischen Rahmens kommen die Zuschauer in den Genuss von Mae Ann Jorolans Stimme. Sowohl „Flight“ als auch „One night only“ sind perfekt für ihre soulige Stimme, die sie mit einer perfekten Attitude über die Rampe bringt.

Die Darsteller haben ihre Szenen mit Kollegen aus dem Frist Stage gemeinsam erarbeitet. Vielfach wurden Texte auf die gespielte Situation angepasst. Doch auch die Ensemblenummern wie „Kasse bitte“ (ein schönes Spiegelbild der aktuellen Situation in Supermärkten) oder die Steppeinlage zu „Blinding lights“ (lichttechnisch sehr gut in Szene gesetzt) und natürlich das Finale zur George Michaels „Freedom“ (arrangiert wie in „Pitch Perfect 3“) gelingen ganz ausgezeichnet.

Dennis Schulze (Regie), Adam M. Cooper (Choreographie) und Felix Wienbürger (Licht, Set) haben einen sehr stilvollen Rahmen geschaffen, der jeden der sieben Darsteller – allesamt Absolventen der Stage School -in seine eigene Welt eintauchen ließ.

Ein Comeback in 78 Minuten und ohne Pause. Die Show wird sobald wie möglich wieder aufgenommen. Alle Künstler haben große Anerkennung für die Entbehrungen der letzten Monate verdient und umso mehr Applaus, wenn sie ihr Können endlich wieder auf den Bühnen dieses Landes zeigen dürfen.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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Das Musical „Fame“ bietet für jeden Darsteller Elemente, die in derselben oder ähnlichen Weise in der eigenen Ausbildung erlebt wurden. Steve Margoshes’ Melodien sind auch heute noch mitreißend – ganz zu schweigen vom Welthit „Fame“ (Dean Pitchfork und Michael Gore). Die im First Stage Theater zur Aufführung gebrachte deutsche Fassung zeigt deutlich die Handschrift von Frank Thannhäuser und Iris Schumacher, denn die Dialoge und Songtexte sind lebensnah und auf die Zielgruppe perfekt angepasst.

Dass kaum jemand diese Achterbahn der Gefühle besser nachempfinden kann als Absolventen einer Musicalschule, die ihre Ausbildung gerade kürzlich erfolgreich abgeschlossen haben, macht die mehr als 20 Nachwuchsdarsteller zur Idealbesetzung für diese Show. Die jungen Künstler werden ihrem Ruf mehr als gerecht und dürfen die Vorschusslorbeeren nur allzu gern in Empfang nehmen.

Schon in der Eröffnungsnummer („Gott ich fleh, dass ich den Test besteh“) wird klar, dass Regisseur Felix Löwy der Spagat zwischen herausragenden Protagonisten und schwungvollen Ensemblenummern  („Der schwerste Beruf in der Welt“) sehr gut gelingt. Die positive Energie und Lebensfreude der jungen Menschen, die an der Schwelle zur Erfüllung ihres Lebenstraums stehen, wirken sich sofort ansteckend auf das Publikum aus.

Auch mit den Kulissen hat das First Stage Theater einen Volltreffer gelandet. Zwei Spielebenen, bewegliche Großkulissen, Straßen- und Trainingsraumszenerien – all dies wurde clever durchdacht und mit viel Liebe zum Detail umgesetzt. Da wird dann Beethoven an der Wand des Band-Übungsraums auch schon mal durch das Tier aus der Muppet Show ersetzt. Jede Zeit hat eben ihre Helden.

Phil Kempster hat sich dieser Show choreographisch angenommen. Die Tanznummern sind raumgreifend, schwungvoll und durchweg anspruchsvoll. Dass nicht alle Absolventen der Stage School Hamburg ihre Stärken im Tanz haben, wird sichtbar, aber dadurch wirken die Szenen nur umso authentischer. Musical ist ein Drei-Sparten-Fach und kaum jemand beherrscht alle drei Sparten gleich gut.

Besonders gelungen sind hierbei die Szenen, in denen Solisten, Paare und Ensemble tänzerisch miteinander kombiniert werden.

Mit einer Ausnahme empfehlen sich alle Protagonisten für ein direktes Engagement auf einer Ensuite- oder Stadttheaterbühne. Sie sind schauspielerisch und gesanglich mehr als bereit „für die Bretter, die die Welt bedeuten.“ Allen voran Sophie Alter als Schulleiterin Ms. Sherman, die über eine beeindruckende Bühnenpräsenz verfügt und mit ihrem großen Solo „Ich seh die Kinder“ zu Tränen rührt. Alter verleiht der Direktorin durch ihre ungemein gefühlvolle Stimme viel Tiefgang. Wenn sie von den Kindern als „mein, Stolz, mein Glück“ singt, ist ihre Mimik herausragend. Dass Ms. Sherman gar nicht so streng ist, wie sie wirkt, merkt man schon daran, dass sie dem aufmüpfigen Analphabeten Tyrone ihre Unterstützung anbietet, da sie mehr in ihm erkennt als der Junge selbst. Robin Apostel gelingt es, Tyrones Fassade sehr gut herauszuarbeiten. Schauspielerisch und vor allem tänzerisch kann er seine Stärken ausspielen, was vor allem in den Paarszenen mit Melanie Hügner als Balletttänzerin Iris zum Tragen kommt. Zeitweilig verlieren sich die beiden geradezu in ihrer (tänzerischen) Zweisamkeit, was nicht nur tänzerisch durch die Kombination von Hiphop und Ballett spannend ist, sondern auch einen schönen Kontrast bildet zu Tyrones so burschikosen Auftreten gegenüber den Lehrern.

Das beste „Komplettpaket“ liefern Michaela Thurner und Fynn Duer-Koch als Serena und Nick ab. Serena schwärmt zunächst für Nick, den Werbestar, dann durchlebt sie eine leichte Stalkerphase, in der sie sich mit Freundschaft zufriedengibt, um sich schließlich ihrer Liebe zu ihm stellen. Nick hingegen ist eher schüchtern und voll auf die Ausbildung fokussiert, so dass er lange braucht, bis er merkt, dass auch er die strebsame, von Grund auf ehrliche Serena liebt. Schauspielerisch überzeugen Thurner und Duer-Koch in jeder Szene. Gesanglich jedoch setzen die beiden Maßstäbe. Sie legen gleichermaßen Gefühl und Authentizität in ihre Interpretation – ob nun Nicks „Ich will sie verzaubern“ oder Serenas „Spiel mit Liebe“ – diesen beiden schaut man nur allzu gern bei der Ausübung ihres Traumjobs zu. Thurner empfiehlt sich mit ihrem Auftritt nachdrücklich für eine Hauptrolle in „Wicked“!

Auch Marius Bingel sticht aus der Gruppe der Absolventen hervor. Er macht als Joe keinen Hehl daraus, dass auch das Vergnügen nicht zu kurz kommen darf. Und so jagt er jedem Rock hinterher („Er steht mir im Weg“). Bingel wirkt in jeder Minute glaubwürdig und man kann sich ihn schon jetzt gut in Rollen vorstellen, die in jüngerer Vergangenheit von Mark Seibert ausgefüllt wurden.

Die (aus purem Eigenschutz) zickige und selbstbewusst, beinah schon arrogant  auftretende Carmen wird von Antonia Wotberg verkörpert. Sie wirkt nervös und bleibt dadurch leider etwas steif: Beim Titelsong „Fame“ verpasst sie einige Einsätze und auch die Tonlage stimmt nicht ganz. Letzteres ist bei ihrer Ballade zum Ende des Stücks („Boulevard of broken dreams“) zwar besser, aber auch hier gelingt es ihr nicht, das Gefühl des Verlassenseins und der Verletzlichkeit in den Gesang zu übertragen. Sie singt sehr technisch (und das auch sehr gut), was aber sicherlich mit zunehmender Praxis dem Vertrauen in die eigene Emotionalität weichen wird, wodurch sie an Glaubwürdigkeit dazugewinnen wird.

Weitere Jungdarsteller, die erwähnt werden müssen, sind Inga Clauß, die als Mabel mit ihren Pfunden und den damit verbundenen Herausforderungen kämpft. Sie hat ein feines Gespür für Komik und ihre Mimik ist herausragend (insbesondere, wenn sie bei „Romeo & Julia“ nach und nach die Blütenblätter verspeist und hierbei offenbar eine lukullische Offenbarung erlebt). Zudem ist sie auch gesanglich sehr gut. Anna Vogt kann als Tanzlehrerin Ms Bell durch ihr strenges, aber liebevolles Auftreten durchaus überzeugen und zeigt in den Ensembleszenen, dass sie auch tänzerisch einiges auf dem Kasten hat.

Den von Carmen vor den Kopf gestoßenen Shlomo gibt Niklas Heinrichs. Er agiert glaubhaft als schüchterner, talentierter Pianistensohn und seine ehrliche Art und Zuneigung zu Carmen nimmt man ihm sofort ab, auch wenn die beiden ein sehr ungleiches Paar bilden.

Bleibt noch Helen Hefti, von der man gern mehr gehört hätte. Ihre Spielfreude als Drummerin Grace (inkl. Der deutlich sichtbaren Begeisterung für das Tier in Form von drei verschiedenen T-Shirts), ihre tänzerische Energie und ihre herrliche Interpretation vom „Tod eines Handlungsreisenden“ sorgen für viel Freude auf der Zuschauertribüne.

Gepaart mit schönen kleinen Regieeinfällen, wie den durch den Saal „fliegenden“ roten LED-Kugeln, die sich Serena und Nick zuwerfen, den Tänzern mit LED-Umhängen zum Auftakt des 2. Akts, den spielerischen Szenenwechseln, in denen sich bspw. der Ballettsaal in den Pausenraum verwandelt oder die Mädchenumkleide in eine Bar, ist diese Inszenierung ein rundum gelungenes Plädoyer für das Genre Musical.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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