Doch tatsächlich geht es auch um einen Imigranten, der aus dem Nichts kommt, das, was er gut kann (Schreiben) bis zum Exzess betreibt, Erfolge feiert, an Grenzen stößt und die Menschen verletzt, die ihm am nächsten stehen. Diese Geschichte von A. Ham, einem jungen Mann, der Fehler machte und sich nicht scheute, dazu zu stehen, diese Geschichte kann man auch ganz wunderbar einem deutschen Musicalpublikum erzählen. Tragische und schwere Stücke funktionieren in Deutschland auf Ensuite-Bühnen schon seit vielen Jahren nicht mehr wirklich, doch die sehr besondere Art und Weise, in der Lin-Manuel Miranda und sein Team Hamiltons überaus abwechslunsgreiches Leben auf der Bühne nachzeichnen, zieht die Zuschauer in ihren Bann.

Sieben Jahre nach der Broadway-Premiere und fünf Jahre nachdem „Hamilton“ auch das West End im Sturm eroberte, kommt nun das deutschsprachige Publikum in den Genuss der ersten nicht-englischen Fassung dieses Musicalhits. Aber kann man die englischen Songtexte und Raps „einfach“ so übersetzen? Es hat (auch wegen der Corona-Pandemie) ganze drei Jahre gedauert, bis die deutsche Version von Lin-Manuel Miranda freigegeben wurde. Kevin Schroeder und Rapper Sera Finale haben sich in ihrer Zusammenarbeit immer wieder gegenseitig herausgefordert und von vornherein nicht den Fehler gemacht, die fast 27.500 englischen Worte 1:1 zu übersetzen. Sie mussten auf Metrik, Inhalt sowie Sprachstruktur achten und natürlich auch den nicht zu vernachlässigenden Wortwitz unter einen „singbaren“ Hut bringen. In diesem Interview beschreibt Sera Finale sehr eindrücklich, wie herausfordernd dieses Projekt war.

Auch ich habe, wie viele andere, daran gezweifelt, dass man dieses Hochgeschwindigkeits-Musical zielgenau ins Deutsche übertragen kann. Doch ich zolle der Leistung von Sera Finale und Kevin Schroeder höchsten Respekt. Die Texte sind pfiffig, unterhaltsam, rasend schnell und zu jedem Zeitpunkt auf den Punkt. Und: Man versteht wirklich alles! „Young, scrappy & hungry“ mit „Jung, scharf & geladen“ zu übersetzen, klingt bspw. erstmal nicht ganz richtig, doch im Kontext passt es hervorragend. Von solch freien Adaptionen gibt es viele und sie sind rundum gelungen.

Doch gerade „Hamilton“ entfaltet seine ganze Kraft erst durch die Künstler auf der Bühne. Auch in Hamburg steht eine bunte Mischung aus Musicaldarstellern, Rappern und Popsängern auf der Bühne. Genauso wie in New York und London ist die Besetzung so divers wie sie nur sein kann. Die 34 Ensemble-Mitglieder stammen aus 13 verschiedenen Nationen. So hatte sich Miranda seinen „Hamilton“-Cast 2015 ausgedacht.

Auch optisch steht die Bühne im Operettenhaus der Orginalversion im Richard Rodgers Theatre (David Korins) in nichts nach. Gleiches gilt für die Kostüme (Paul Tazewell). Das dies so konsequent umgesetzt wurde, ist sehr zu begrüßen, denn krampfthaft auf den deutschen Markt angepasste Sets sorgen in den allerseltensten Fällen für eine Verbesserung. Besonders hervorheben möchte ich an dieser Stelle auch noch einmal das originale Lichtdesign (Howell Binkely), das auch in Hamburg wunderbare Räume auf der ansonsten recht einfarbig hölzernen Bühne erschafft.

Schon mit dem Opening Song wird das Publikum direkt in eine musikalisch ungewohnte Welt entführt. „Alexander Hamilton“ zeigt fast die komplette Bandbreite dessen, was im Laufe der Show noch geboten wird. Alle Sänger intonieren die deutschen Hiphop-Texte akkurat und die Timings sind perfekt. Das ist besonders deshalb bemerkenswert, da für die meisten von ihnen Deutsch nicht die Muttersprache ist. Aber weder bei Gino Emnes (Aaron Burr), noch bei Daniel Dodd-Ellis (Lafayette / Jefferson) oder Benét Monteiro (Alexander Hamilton) hört man dies. Kein Vergleich zu den immer noch üblichen phonetischen „Überraschungen“ wie bspw. bei „Wicked“ oder immer wieder beim „Starlight Express“.

Eine präzise Intonierung ist bei dieser Show essentiell. Sich verhaspeln? Ein Texthänger? Mirandas Kompositionen verzeihen keinen Fehler. Dessen sind sich die Künstler ganz sicher bewusst und dennoch sieht alles so leicht und locker aus, wie man es sich wünscht. Da bleibt nur wenig Zeit für freche Grimassen, „zufällige“ Mic Drops usw. Doch auch diese bauen die Künstler erfolgreich mit ein.

Monteiro gelingt die Gratwanderung zwischen ehrgeizigem, immer korrektem Politiker und gefühlvollem, geläutertem Ehemann und Vater ganz herovrragend. Es sprüht vor Energie, bringt die Choreographien und rasanten Songs gleichermaßen überzeugend über die Rampe. Dabei hat er den sprichwörtlichen Schalk im Nacken und erobert damit die Sympathien des Publikums im Handumdrehen. Hamiltons jahrelanger Widersacher, Aaron Burr, wird von Gino Emnes mit viel Verbissenheit und Berechnung gespielt. Burrs Bedauern, dass ausgerechnet er es ist, der das Genie Hamilton erschießt, nimmt man Emnes sofort ab.

Hamiltons Wegbegleiter, der Marquis de Lafayette, Hercules Mulligan und John Laurens, sorgen von Anfang an für richtig Stimmung: Dodd-Ellis rappt sich gekonnt durch den 1. Akt, nur in den Schatten gestellt von Redchild, der Mulligan eine nachdrückliche Präsenz verleiht. Oliver Edward spielt Hamiltons treuesten Freund John Laurens sehr nahbar. Alle drei dürfen in der zweiten Hälfte in weiteren Rollen glänzen: Dodd-Ellis als der sicherlich nicht nur zufällig an Prince erinnernde Jefferson, Redchild als kränkelnder Madison und Edward als Philip Hamilton. Hier zeigen sie noch einmal eine ganz andere, mal extravagante (Jefferson), mal sensible (Philip Hamilton), Facette. Dieser inszenartorische Kniff ist großartig, verlangt den Darstellern aber auch sehr viel ab.

Die Schuyler Schwestern sind ebenfalls hervorragend gecasted: Chasity Crisp ist eine sehr fürsorgliche Angelica und stellt als große Schwester ihr eigenes Glück hinter ihre Pflicht. Crisps soulige Stimme geht unter die Haut und sorgt insbesondere in den Duetten mit Ivy Quainoo als Eliza für Gänsehaut. Die gesanglichen Harmonien sind hier perfekt ausgearbeitet. Quainoo kennen viele als Gewinnerin von „The Voice of Germany“. Dass sie singen kann, muss sie nicht beweisen. Aber auch schauspielerisch steht sie den Kolleginnen in nichts nach. Sie zeichnet die komplette Bandbreite von der verliebten Braut bis zur trauernden Witwe sehr gefühlvoll nach.

Die dritte im Bunde ist Mae Ann Jorolan, die als kleine Peggy eine Nebenrolle übernimmt (mit ihrem ersten Auftritt aber ganz klar die Lacher auf ihrer Seite hat), aber als Maria Reynolds ihre verführerische Seite zeigen und ihre tolle rauchige Stimme zu Gehör bringen darf.

Bleiben noch Charles Simmons als George Washington und Jan Kersjes als King George III., zwei unumstrittene Führungspersönlichkeiten. Simmons ist väterlich-schützend, macht klare Ansagen und verkörpert den ersten US-Präsidenten sehr überzeugend. Kersjes hat die dankbarste Rolle in „Hamilton“. Er darf als amüsant-zickiger Side-Kick das Geschehen in den USA kommentieren und nimmt kein Blatt vor den Mund. Kersjes‘ Mimik, seine Spielfreude, gepaart mit King George’s fieser, überheblicher Art lassen das Publikum schon juchzen, wenn er nur die Bühne betritt.

Die zehn Protagonisten (einen einzelnen Hauptdarsteller gibt es nicht) müssen nicht nur ihre Charaktere verstehen, darstellen und gesanglich wiedergeben können, auch tänzerisch werden sie mit eingebunden, was allen gut gelingt. Andy Blankenbuehlers Choreographien sind zackig, präzise und unterstreichen das Gesungene durch Bewegungen bis in Detail. Leider schaffen es die Tänzerinnen und Tänzer nicht durchgehend, dieses hohe Niveau zu halten (Kisha Howard, Resident Dance Supervisor). Mehrfach tanzt jemand aus der Reihe oder verpasst seinen/ihren Einsatz. Das ist schade.

Die zehn Musiker unter der Bühne begleiten das Geschehen auf der Bühne gekonnt. Philipp Gras sorgt für das richtige Tempo, was bei „Hamilton“ durchaus herausfordernd sein kann. Einzig die verstärkenden Einspieler (u.a. bei „Rewind“) klingen sehr seltsam.

„Hamilton“ auf Deutsch ist ein rundum gelungenes Experiment. Mehr als das, es ist endlich mal wieder ein Stück Broadway an der Elbe, das man sich nicht entgehen lassen sollte. Ja, die Show ist anders als alles, was man bisher hierzulande gesehen hat. Doch wenn man sich darauf einlässt, wird man vollumfänglich belohnt. Derart viele Emotionen, verpackt in Pop, Hiphop und Rap von höchster Güte, findet man sonst nirgends auf dem Musicalmarkt.

Michaela Flint

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„In the Heights“ ist die sehr gelungene Transformation eines Bühnenmusicals auf die Leinwand. 2008 feierte die Show von Lin-Manuel Miranda (Musik) und Quiara Alegría Hudes (Buch) Broadway-Premiere und heimste in der Folge zahlreiche Theaterpreise als erfolgreichstes Musical und die beste Musik ein. Für die Filmversion, die pandemiebedingt ein Jahr später in die Kinos kommt als ursprünglich geplant, haben sich die beiden mit Jon M. Chu („Step up to the Streets“, „Crazy Rich Asians“) zusammengetan und herausgekommen ist ein schwungvolles, kurzweiliges Portrait des Lebens im titelgebenden Barrio. Die Energie und Lebensfreude, die die zumeist lateinamerikanischen Bewohner trotz aller Sorgen haben, erfüllt einen mit Wärme und Zuneigung, wie man sie im Kino selten spürt. Kombiniert mit Mirandas einzigartiger Mischung aus Latino-Sound und Rap erlebt man 140 energiegeladene und pulsierende Minuten im Kino.

Dies liegt aber zu einem großen Teil auch an den sehr sympathischen Protagonisten, allen voran Anthony Ramos, der als Erzähler und Hauptfigur Usnavi im Mittelpunkt des Geschehens steht. Miranda hatte sich die Rolle damals auf den Leib geschrieben, ist er doch selbst im Schatten der George Washington Brücke aufgewachsen
Ramos ist für Musicalbesucher kein Unbekannter: Schon bei der Weltpremiere von Mirandas Hitshow „Hamilton“ stand er an der Seite des Komponisten als Philip Hamilton / John Laurens auf der Bühne.
Sein Usnavi ist durch und durch gutherzig. Er stellt das Glück der anderen immer über das eigene, ohne jedoch seinen „sueñito“ – in die Dominikanische Republik auszuwandern und die Strandbar seines Vaters wieder aufzubauen – aus den Augen zu verlieren. Diese Herzenswärme, Güte und in einigen Situationen auch Naivität verkörpert Ramos perfekt. Ganz zu schweigen davon, dass er mit den unaussprechlich schnellen, textlastigen Raps genauso spielend klarkommt wie mit den leidenschaftlichen Latino-Songs.

Eine Änderung im Vergleich zu Bühnenfassung ist, dass Usnavi nicht der Onkel, sondern der Cousin von Sonny (Gregory Diaz IV) ist. Doch auch auf der Leinwand arbeiten die beiden zusammen in Usnavis Bodega und Usnavi unterstützt den jungen Mann wo immer er kann. Sonny wiederum revanchiert sich, indem er das lange überfällige Date zwischen Usnavi und Vanessa einfädelt. Manchmal braucht auch der netteste Mensch einen kleinen Schubs in die richtige Richtung…

Dass zu dieser Figur eine politische Botschaft eingeflochten wurde, ist mehr als legitim: Sonny ist mit seinen Eltern als Säugling illegal ins Land gekommen. Er darf keinen Uni-Abschluss machen und sieht sich – wie so viele andere – mit der Ausweisung der sogenannten „Dreamers“ konfrontiert. Auf einer Demo gegen diese Maßnahmen sieht Sonny die Chancen, seinen Lebenstraum zu verwirklichen, dahinschwinden… Doch mit Usnavis Hilfe geht er gegen die Ungerechtigkeiten vor. Ob er einen Abschluss machen wird oder überhaupt im Land bleiben darf, bleibt offen.

Benny, ein treuer Kunde und guter Freund von Usnavi, wird von Corey Hawkins gespielt. Autor Hudes erläutert die Wahl des maximalpigmentierten Darstellers damit, dass in seinem Viertel immer „honorary Latinos“ bei gemeinsamen Essen und Aktivitäten dabei waren. Keine Latinos qua Geburt, auch nicht unbedingt Spanisch sprechend, aber als Freunde zur Gemeinschaft gehörend. Genau so sieht er auch Hawkins.

Benny ist charmant und hilfsbereit, auch er strahlt eine große Lebensbejahung aus. Dass er zudem auch gesanglich und tänzerisch in der obersten Liga mitspielt, macht ihn zur perfekten Besetzung. „Benny’s Dispatch“ hat eine wunderbare Energie, die von Hawkins dank seiner warmen, vollen Stimme ideal intoniert wird.

Benny arbeitet im Taxi-Unternehmen von Kevin Rosario, der alles dafür tut, dass seine Tochter Nina in Stanford ihren Abschluss macht. Sie soll es einmal besser haben als er. Sogar sein halbes Geschäft hat er schon geopfert, um die Studiengebühren zu zahlen. Als immer besorgter Vater ist Jimmy Smits gecastet worden, der vielen aus „Starwars“ durchaus bekannt sein dürfte. Er ist nicht der beste Sänger, aber auch ihm scheint die im Film allgegenwärtige herzliche Lebenseinstellung eigen zu sein. Zunächst noch ablehnend gegen Benny, der ihn zwar im Job perfekt entlastet, aber andererseits Nina von ihrem Studium abhält, lässt Kevin immer mehr los und seine Tochter ihre eigenen Entscheidungen treffen. Smits kann die Gedanken und Gefühle des besorgen Vaters sehr gut vermitteln.

Apropos Nina, sie ist sicherlich eine der spannendsten Figuren von „In the Heights“: Nina kommt aus einer Arbeiterfamilie, der Vater hat alles aufgebaut, um seiner Familie ein gutes Leben zu ermöglichen und seine Tochter auf die Uni zu schicken. In Stanford wird Nina jedoch geringschätzig behandelt, erlebt täglich Rassismus und fühlt, dass sie dort nicht hingehört. Sie schmeißt das Studium, kehrt zurück und verschweigt zunächst, dass sie nicht weiß, wie es weitergehen soll. Sie möchte ihren Papa ja auch nicht enttäuschen… Im Laufe der Handlung eröffnen sich ihr – auch dank Benny und Usnavi – immer neue Blickwinkel und am Ende entscheidet sie sich, den „Dreamers“ zu helfen, zu ihrem Recht zu kommen. Sie bleibt bei ihren Wurzeln und nutzt all das, was ihr das Leben mitgegeben hat, um sich für ihre Gemeinschaft einzusetzen. Mit Leslie Grace wurde eine exzellente Sängerin (dreifach nominiert für den Latin Grammy) und sehr authentische Schauspielerin gewählt, die genau verstanden hat, wie hin- und hergerissen Nina sich fühlt.

Im Gegensatz zur Bühnenversion lebt Ninas Mutter im Film nicht mehr. Stattdessen wurde die Rolle der Schönheitssalon-Besitzerin Daniela geschaffen, die mit ihrer Lebensgefährtin Carla den letzten Gossip aus dem Barrio ausschweifend kommentiert und kostenlos an alle Kundinnen weitergibt. Aber auch Daniela muss sehen, wie sie über die Runden kommt und zieht daher mit ihrem Salon weg. Vorher jedoch rüttelt sie mit dem „Carnaval del Barrio“ nochmal alle gehörig wach. Sowohl Daphne Rubin-Vega („Rent“, „Smash“) als Daniela als auch Stephanie Beatriz als Carla gelingt die Gratwanderung zwischen Trash und Klischee sehr gut. Auch die bei „No Me Diga“ im Regal mitwippenden Perückenköpfe passen perfekt in diese schräge, aber dennoch liebevolle Umgebung.

Eine, die mit dem Kopf in den Wolken lebt, ist Vanessa. Sie möchte unbedingt Modedesignerin werden und lässt nichts unversucht, um Downtown eine eigene Wohnung zu bekommen, Washington Heights hinter sich zu lassen und durchzustarten. Die visualisierten U-Bahn-Fahrten – in Vanessas Fall mit Stoffbahnen, Nagellack, Lippenstift usw. – zeugen einmal mehr von einer unglaublichen Kreativität bei den Machern!

Doch auch sie stößt immer wieder an Grenzen und übersieht, mit wieviel Liebe und Freundschaft sie dank der Gemeinschaft im Barrio gesegnet ist. Usnavi, der Vanessa schon lange liebt, ist es schließlich, der ihr hilft, eine Wohnung zu bekommen und unabhängig zu werden. Zumindest sieht es so aus, aber am Schluss kommt doch alles ganz anders…

Melissa Barrera füllt diese Rolle sehr gut aus. Sie ist selbstbewusst, verletzlich und verschließt ihr Herz. Barrera konnte sich ganz offensichtlich dank ihrer eigenen Geschichte – sie ist aus den USA zunächst in ihr Heimatland Mexiko gegangenn, um dort Karriere zu machen – sehr gut mit diesem Charakter identifizieren.

Als „Matriarchin“ wacht Abuela Claudia über ihre Gemeinschaft aus Menschen, die aus Mexiko, der Dominikanischen Republik, Kolumbien, Venezuela und Puerto Rico aus verschiedensten Motiven in die USA gekommen sind. Olga Merediz war für das Kreativteam die einzige Darstellerin, die für diese Rolle in Frage kam. Sie hat schon am Broadway das Publikum als Abuela zum Lachen gebracht und zu Tränen gerührt. Dieses Kunststück gelingt ihr auch mit ihrer Leinwand-Performance. Abuela Claudias süßes Lebensmotto „Paciencia y Fé“ zieht sich wie ein roter Faden durch ihr Leben. Sie hält die Gemeinschaft zusammen, hat immer einen guten Rat parat oder eine Schulter zum Anlehnen. Mit dem zerbrechlich zartfühlend beginnenden Solo „Paciencia y Fé“ zeigt Merediz eine atemberaubende Leidenschaft und Bandbreite an Gefühlen. Man möchte diese Frau am Ende ihres schweren Lebens einfach nur in den Arm nehmen. Ohne Taschentücher gehts hier nicht!

Auch szenisch ist dieser Song traumhaft umgesetzt. Bilder, Farben – alles fließt zu einer Einheit zusammen. Schaut man sich im Abspann die Originalfotos der Washington Heights an, kann man genau erkennen, woher die Filmemacher ihre Inspiration für diese Szene bekommen haben.

Natürlich ließ sich das Kreativteam einige Side-Kicks auf „Hamilton“ nicht nehmen. So verkauft Lin-Manuel Miranda als Piragüero das begehrte, traditionelle „Piragua“ und muss sich dabei der Konkurrenz durch den Softeismann erwehren, der von Christopher Jackson gespielt wird. Bei der Broadway-Premiere von „In the Heights“ gab Jackson den Benny und kreierte 2015/2016 den George Washington in „Hamilton“. Die gesangliche Auseinandersetzung von Miranda und Jackson ist vor diesem Hintergrund noch um einiges amüsanter.

Aber auch im „Carnaval del Barrio“ ist Miranda noch mehrfach zu sehen und zu hören. Dies ist herzerwärmend, besonders wenn man überlegt, wie lange es gedauert hat, bis er mit seinen beiden bekanntesten Musicals weltweit Erfolge feierte. Sein „sueñito“ ist wohl vollumfänglich in Erfüllung gegangen!

Einen berechtigten Lacher erntet Miranda auch dafür, dass er als Warteschleifen-Musik der Universität Stanford einfach „You’ll be back“ aus „Hamilton“ einspielt.

„In the Heights“ ist in wirklich in jeder Rolle großartig besetzt. Es sind tatsächlich die kleinen Details, die der Welt zeigen, dass man nicht unsichtbar ist. Besser als Abuela Claudia kann man dieses Gefühl der Wärme und Zusammengehörigkeit nicht beschreiben.

Die Energie jedes einzelnen Darstellers wird nur in den beeindruckend umgesetzten Ensemblenummern getoppt. Christopher Scott zeichnet für die Choreographien verantwortlich und hat mit bis zu 500 Akteuren ein beachtliches Statement gesetzt: Die Schrittfolgen sind abwechslungsreich und sprühen vor lateinamerikanischer Lebensfreude. Mindestens genauso atemberaubend sind die waghalsigen Break Dance Einlagen.

Bei „96.000“ wird die Unterhaltung der Protagonisten durch putzige Animationen noch plakativer gemacht. Eine hübsche Idee, die im Gegensatz zur anschließenden, arg übertriebenen Pool-Party, sehr gefällt.

Die Synchron-Schwimm-Einlagen im Schwimmbad sind beeindruckend und einwandfrei synchron, zumal mit so einer großen Anzahl „Tänzer“. Diese Szene ist aber die einzige, wo das Kreativteam etwas über das Ziel hinausgeschossen ist. „The Club“ und „Black Out“ verfehlen dagegen ihre Wirkung nicht. Tolle Choreos, exzellente Sängerinnen und Sänger, jede Menge „pura vida“!

Emotional geerdet wird das Publikum durch das traurige „Alabanza“, in der das gesamte Barrio Abschied nimmt von seiner Abuela Claudia. Einmal tief durchatmen…

Doch mit dem „Carnaval del Barrio“ geht es energiegeladen weiter und farbenfrohe (die verschiedenen Flaggen), lebensbejahende (die vielen Liebespaare) Elemente beherrschen das Geschehen. Man wippt unweigerlich mit den Füßen mit und möchte mittanzen… Soviel Energie – da gerät man schon beim Zuschauen aus der Puste!

Zum Ende hin wird es filmisch noch einmal sehr cool: Benny und Nina tanzen zu „When the sun goes down“ auf ihrem Balkon, doch plötzlich kippt das Haus zur Seite und sie schweben über die Fassade und Fensterscheiben – sehr phantasievoll!

Usnavis und Vanessas finales Duett „Bottle of Champagne” ist irgendwie tolpatischig-romantisch und zeigt, dass Timing manchmal doch alles ist…

Der schönste Twist ist jedoch, dass Usnavi seine Geschichte gar nicht den Kindern am Strand erzählt, so wie die erste Szene die Zuschauer glauben machen will. Nein, am Ende sitzt er vor seiner Tochter und deren Freunden in seiner völlig verwandelten Bodega: Vanessa hat am Tag ihres Abschieds Inspiration in Petes Graffitis gefunden und diese sowohl für die Umgestaltung der Bodega als auch für ihre neuesten Kreationen genutzt. Usanavi sieht sich einem sehr gelungenen Wandbild der zerstörten Strandbar seines Vaters gegenüber und überall stehen Schaufensterpuppen herum. Er sieht nun die Welt durch Vanessas Augen und weiß, dass sein Platz hier ist und die Dominikanische Republik, seine Heimat, immer dort sein wird, wo er ist.

Selten bin ich so beseelt, inspiriert und voller positiver Gedanken aus dem Kino gekommen. Lin-Manuel Miranda hat sich gewünscht, dass der positive Spirit seines Films die Zuschauer begleiten wird. Ich würde sagen: Mission accomplished!

Michaela Flint

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Lin-Manuel Miranda, der schon 2007 mit „In the Heights“ ein erfolgreiches Hiphop-Musical an den Broadway brachte, gelang mit „Hamilton“ der große Coup: Die Lebensgeschichte von Alexander Hamilton (1757-1804), einem weniger bekannten und doch durch das von ihm gegründete Finanzsystem historisch gesehen elementaren Gründungsvater der Vereinigten Staaten von Amerika, fasziniert. Dem Waisenkind gelingt es, sich gegen alle Widerstände in die erste Reihe der Politik hochzuarbeiten. An der Seite von George Washington erhält er Anerkennung, spürt aber auch schnell, dass die Luft dort oben dünn ist und es viele Neider gibt.

Leider zeigt er zwischenmenschlich kein besonders gutes Gespür, lässt sich mit den falschen Leuten ein, heiratet die Schwester der Frau, die er eigentlich liebt, vergisst vor lauter Verbissenheit und Ehrgeiz seine Familie, lässt sich im vollen Wissen um die Konsequenzen vom Ehemann seiner Affäre erpressen und wird am Ende von einem jahrzehntelangen Wegbegleiter im Duell ermordet, der den Erfolg Hamiltons nie akzeptieren konnte und wollte.

Hamilton schrieb sich im Laufe seines Lebens um Kopf und Kragen, was ihn im Rückblick mitunter als einen sehr nervtötenden Zeitgenossen erscheinen lässt. Zudem war er so sehr von sich und seinem Wissen überzeugt, dass er keine Kritik duldete: In Zeiten, wo sich Amerika gerade von Großbritannien losgesagt hatte, setzte er sich für eine starke nationale Regierung ein. Er kämpfte gegen die Briten und lehnte gleichzeitig öffentliche Unruhen ab, da in seinen Augen nur geordneter Widerstand zielführend war. Sein Starrsinn brachte ihm den Titel als erster Finanzminister Amerikas ein. Er gründete die Föderalistische Partei, zudem war er Mitbegründer der New York Manumission Society, die für die Abschaffung der Sklaverei und für die Rechte der afrikanischstämmigen Bevölkerung eintrat (Wikipedia) .Einige der von ihm in die Verfassung der Vereinigten Staaten eingebrachten Themen haben auch heute noch ihre Berechtigung und Gültigkeit.

Klingt nach viel Drama und Psychospielchen? Von beidem gibt es reichlich, doch Miranda, der für Buch, Musik und Texte verantwortlich zeichnet, gelingt es, die Show trotz der vielschichtigen Charaktere und zahlreichen Handlungsstränge kurzweilig zu gestalten.

Am Broadway hat Miranda die Titelrolle selbst gespielt und damit den Maßstab gesetzt, an dem sich alle Darsteller messen lassen müssen, die in die Rolle des Gründungsvaters schlüpfen. Doch Miranda hatte sich sechs Jahre lang intensiv mit dem Mann auseinandergesetzt, der noch heute die 10$-Scheine der USA schmückt. Basierend auf der 800-seitigen Biografie von Ron Chernow, die ohne den unermüdlichen Einsatz von Hamiltons Witwe Elizabeth Hamilton wohl nie zustande gekommen wäre, hat Miranda eine knapp dreistündige Bühnenshow erschaffen, die die wesentlichen Akteure der Gründerzeit (George Washington, Thomas Jefferson, Aaron Burr, King George) in eine abwechslungsreiche, auf Tatsachen beruhende Geschichtsstunde einbindet.

Für Miranda war sofort klar, dass er „Hamilton“ musikalisch im Hiphop verorten würde: „[Hamiltons] Lebensgeschichte ist so unwahrscheinlich wie die Geschichte Amerikas selbst. Genau das ist Hiphop: Man schreibt über seinen Kampf und beschreibt diesen so gut, dass man den eigenen Kampf überwindet.“

In London wurde mit Jamael Westman ein in der Musicalszene weitgehend Unbekannter mit der Titelrolle besetzt. Miranda weiß eben genau, was er sucht. Westman ist nicht der typische Sympathieträger, die kantigen Eigenschaften Hamiltons glaubt man ihm sofort. Doch es gelingt ihm, den Bogen zum gefühlvollen Ehemann, dem von Selbstzweifeln zerfressenen Politneuling und dem schuldbewussten Vater (nach dem Duell-Tod seines Sohns Philips) zu spannen. Er bringt den schnellen Sprechgesang fehlerlos über die Rampe. Miranda hat sehr viel Text in die 34 (!) Songs gepackt. Das ist für viele Musicaldarsteller sicherlich eine Herausforderung. Doch Westman gibt sich hier keine Blöße. Manchmal wirkt er geradezu unnahbar, was aber einmal mehr die unsympathischen Eigenschaften Alexander Hamiltons unterstreicht. Und dennoch fühlt man mit ihm mit. Man hinterfragt seine Entscheidungen, möchte ihn manches Mal wachrütteln oder einfach nur in den Arm nehmen. Diese Titelrolle ist wahrlich kein einfacher Part.

Seinen ewigen Widersacher Aaron Burr spielt an diesem Abend Aaron Lee Lambert. Burr ist zielstrebig, opportunistisch und geht über Leichen, um seine Ziele zu erreichen. Diese Eigenschaften verkörpert Lambert über weite Strecken glaubwürdig. Gesanglich zeigt er insbesondere bei „Wait for it“ was in ihm steckt. Ansonsten wirkt er vielfach etwas schüchtern, was in dieser gesanglich und schauspielerisch sehr intensiven Show sehr schnell auffällt.

Aus verschiedensten Gründen herausragend sind Dom Hartley-Harris als George Washington, Jason Pennycooke als Marquis de Lafayette und Thomas Jefferson sowie Jon Robyns als King George. Hartley-Harris lässt schon im ersten Song („Alexander Hamilton“) aufhorchen. Sein voluminöser Bariton sticht deutlich hervor. Auch wenn er von seiner Statur her nicht sonderlich imposant ist, stimmlich steckt er alle in die Tasche und wird so seiner Rolle als erster US-Präsident mehr als gerecht. Robyns hat als King George sicherlich die dankbarste Rolle, darf er das Geschehen in New York doch in höchst süffisanter Weise vom Bühnenrand kommentieren. Sein überspitzter Oxford-Akzent und seine leicht tuntige Attitüde sorgen für Lacher, die er augenscheinlich sehr genießt. Pennycooke darf in seiner Doppelrolle übertreiben: Als französischer Gesandter Lafayette stolziert er in extravaganten Anzügen über die Bühne, während er als 3. US-Präsident Jefferson ungehemmt seine Macht ausspielt. Zudem setzt er auch gesanglich Duftmarken, denn auch er kommt mit dem gesanglichen Schnellfeuer dieser Show hervorragend zurecht.

Emile Ruddock setzt als Hercules Mulligan im ersten Akt deutlich hörbare Akzente. Im zweiten Akt, als angehender vierter Präsident der Vereinigten Staaten bleibt er jedoch leider eher etwas blass.

Wenn schon die Herren dieses Ensembles echte „Typen“ sind und jeder einzelne spannende Facetten und aufmerksamkeitsstarke Soli hat, möchten die Damen hier natürlich nicht hintenanstehen. Rachelle Ann Go, Allyson Ava-Brown und Sharon Rose sind als Schwestern-Trio Eliza, Angelica und Peggy Schuyler pure Frauen-Power: Frech, energisch und leidenschaftlich zeigen sie den Männern ganz klar, dass mit ihnen zu rechnen ist. Jede einzelne der drei Damen überzeugt schauspielerisch vollends, gesanglich jedoch wünscht man sich insbesondere von Ava-Brown mehr. Während Go, die am West End u. a. in „Miss Saigon“ brillierte, die Hiphop-Kompositionen beachtlich meistert, hat Ava-Brown hier mit ihrem eher klassischen Gesangshintergrund mehr zu kämpfen. Man hört, dass ihr Hiphop nicht wirklich liegt und die schnellen Texte nicht so recht zu ihrem Sopran passen wollen. Nichtsdestoweniger bilden die drei mehr als nur einen hübschen Gegenpol zu den Männern. Insbesondere Go darf am Schluss deutlich zeigen, dass die Welt ohne Eliza kaum etwas über den wahren Alexander Hamilton wüsste.

Insgesamt stehen „nur“ 23 Darsteller auf der Bühne, die das Leben und Wirken von Hamilton in einer sehr modernen Inszenierung nachzeichnen. Doch jeder bekommt seinen Moment. Insbesondere die Tänzerinnen und Tänzer können in dieser Show glänzen. Andy Blankenbuehler erhielt für seine intensiven, teils extremen „Hamilton“-Choreographien einen Laurence Olivier Award. Man versteht sofort warum, denn der fesselnden Wirkung der Tanzszenen kann man sich kaum entziehen.

Dass die Künstler auf der Bühne so glänzen können, liegt unter anderem auch daran, dass Paul Tazewell in den Kostümen viel mit Beigetönen arbeitet, die Gehröcke in gedecktem Blau und die Damenkleider in zurückhaltendem Pastell gehalten sind. Einzig King George, der Marquis de Lafayette und Hamiltons Affäre Maria Reynolds tragen kräftige Farben. Eingebettet in ein mit Holzbalken karg gestaltetes Bühnenbild (David Korins) bestehend aus einer Galerie und einer mobilen Treppe sowie Stühlen, Tischen und Koffern lenkt nichts vom eigentlichen Geschehen ab.

Alex Lacamoire hat Lin-Manuel Mirandas Songs so mitreißend arrangiert und orchestriert, dass sie direkt in die Beine gehen. Das 10-köpfige Orchester unter der Leitung von Richard Beadle steht der Leistung der Hauptdarsteller in Nichts nach und bringt das Victoria Palace Theatre zum Beben.

„Hamilton“ ist ein ungewöhnliches Musical, das durch seine intensiven Songs und die herausragenden Hauptdarsteller besticht. Es ist kein Stoff, den man so nebenbei konsumiert, denn auch Mirandas Texte haben es in sich. Da man in der rasenden Geschwindigkeit, in der sich die Handlung auf der Bühne entfaltet, kaum jedes Wort verstehen kann, empfiehlt sich das Nachlesen der Songtexte. Erst dann bekommt man ein wirkliches Gespür dafür, was für eine Meisterleistung die Sängerinnen und Sänger allabendlich vollbringen. Sich hier nicht zu verhaspeln, ist ganz große Kunst.

Der Stoff dieses Musicals ist Ur-amerikanisch, mit leichtem britischen Einfluss. Darauf muss man sich einlassen, wenn man dieses Stück verstehen will. Patriotismus und Kolonialismus werden großgeschrieben. Schon allein deshalb ist es schwer unvorstellbar, dass „Hamilton“ in einer deutschsprachigen Fassung auf einer deutschen Bühne laufen wird. Die Stage Entertainment hat ihre diesbezüglichen Pläne auch erstmal abgeschrieben. So großartig „Hamilton“ in der englischen Originalfassung ist, so wenig wird eine für das deutsche Publikum adaptierte Fassung dem Ansinnen von Lin-Manuel Miranda gerecht, dem Mann auf der 10$-Note ein (musikalisches) Denkmal zu setzen – frei nach dem Motto „Who lives, who dies, who tells your story?“

Michaela Flint

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Doch kann Usnavi, der seinen ungewöhnlichen Namen einem Boot der US Navy verdankt, welches seine Eltern bei der Überfahrt in die USA gesehen haben, seine Freunde zurücklassen?

Da sind die Rosarios, die in eine ernste Krise schliddern, nachdem Tochter Nina das College hinschmeißt und sich in Benny verliebt – einen Afroamerikaner, der schon lange in der Firma ihres Vaters arbeitet. Vater Kevin ist damit alles andere als einverstanden. Er überwirft sich mit seiner Frau Camila, die sehr enttäuscht ist, dass Kevin eigenmächtig entschieden hat, die Firma zu verkaufen, um Nina das Geld fürs Studium zu geben.

Außerdem gibt es noch den unermüdlichen Piragua Guy, der mit seinem Piragua Stand gegen die großen Ketten ankämpft und Daniela, die sich notgedrungen entschieden hat, ihren Frisörsalon in die Bronx zu verlegen, da sie in den Heights kein Geschäft mehr macht. Das wiederum stellt Carla und Vanessa vor große Probleme, da beide in Danielas Salon arbeiten. Apropos Vanessa… Usnavi ist schon lange in die selbstbewusste Schönheit verliebt, traut sich aber nicht, ihr das zu sagen. Erst sein Mündel, Cousin Sonny, bringt mit seinem frechen Mundwerk etwas Bewegung in die Sache…

Jeder scheint mit sich selbst, mit seinem eigenen kleinen Drama beschäftigt. Doch dann stirbt Abuela Claudia. Die Freunde kommen in großer Trauer zueinander. Sie halten für einen Moment inne und reflektieren die letzten Tage und Wochen.

In Folge dieses tragischen Zwischenfalls gelingt es den Rosarios sich auszusprechen: Kevin und Camila verkaufen ihre Firma und Nina erklärt sich bereit, das Geld anzunehmen und wieder aufs College zu gehen. Nina setzt sich in der Wahl ihres Freundes durch und bleibt an Bennys Seite, der sie nach Standford begleiten und sich dort einen Job suchen wird. Daniela schließt ihren Salon. Usnavi räumt seine nach einem Überfall völlig verwüstete Bodega auf und ist mehr denn je überzeugt davon, die Heights zu verlassen. Wenn alles auseinander bricht, was hält ihn dann noch hier?

Doch Sonny, der nicht möchte, dass sein Onkel geht, kommt eine Idee… Über Nacht lässt er von seinem Kumpel Graffiti Pete die Front der Bodega mit dem Konterfei von Abuela Claudia verzieren. Als Usnavi dieses ergreifende Memorial erblickt, ändert er seine Meinung. Er fasst sich ein Herz und gesteht Vanessa seine Liebe. Usnavi ist zuhause angekommen!

„In the Heights“ hat viel dramatisches Potential, aber auch eine nicht von der Hand zu weisende Tendenz zu Klischees. Doch Quiara Alegría Hudes hat die Charaktere sehr sympathisch erschaffen. Die vorlaute Sexbombe Daniela ist zwar genau so ein wandelndes Klischee wie der im Arbeitsleben starke Kevin, der aber zuhause von seiner Frau Camila ordentlich zurecht gestutzt wird. Dennoch wirken die Figuren ungemein glaubwürdig.

Eine so liebevolle Oma wie Abuela Claudia wünscht sich sicherlich jeder. Und dass Teenager, gleich welches kulturellen Hintergrundes, ihren Gefühlen folgen und daher nicht selten irrationale, für Eltern schwer akzeptierbare Entscheidungen treffen, kann auch jeder nachvollziehen. Jeder findet sich spielend in diesen Charakteren und ihren Problemen wieder. Schließlich ist da noch Usnavi, die gute Seele, die sich beim Kümmern um andere fast selbst vergisst. Ein starker Mann, dem schon nach der Ouvertüre die unverrückbare Sympathie des Publikums gehört.

Schon an dieser Stelle tobt das mehrheitlich junge Publikum im King’s Cross Theatre. Die ca. 500 Zuschauer sitzen links und rechts der Bühne und machen das Geschehen in der Mitte dadurch noch kompakter und intimer.

Die Energie des Ensembles ist auch kurz vor dem Ende der Londoner Spielzeit (Derniere nach 15 Monaten am 8. Januar 2017, obwohl ursprünglich nur vier Monate geplant waren) ansteckend. Die acht sehr jungen Tänzerinnen und Tänzer wirbeln zu vollkommen authentisch wirkenden Choreographien (Drew McOnie) über die kleine Bühne. Ihre Kostüme (Gabriella Slade) wirken ebenso echt – man könnte meinen, sie seien kurz von der Straße hereingekommen. Dass sich hiervon insbesondere junges Publikum angesprochen fühlen, ist nachvollziehbar.

Die Besetzung ist – wie in London üblich – erstklassig. Norma Atallah gibt die herrlich schrullige, aber nicht weniger liebenswerte Abuela Claudia. Sie ist gesanglich nicht so stark, macht das aber durch ihre sehr sympathische Art spielend wett.

Gabriela Garcia wirkt auf den ersten Blick wie Jasmine, die ihren Aladdin zugunsten von „In the Heights“ verlassen hat. Doch sie verleiht Nina genau die richtigen Emotionen: Selbstzweifel zu Beginn, zuckersüßes Verliebtsein in Benny, ehrliche Trauer um Abuela Claudia und Durchsetzungskraft gegenüber ihren Eltern. Zudem hat die Mexikanerin, die erst 2012 ihre Ausbildung in London beendete, eine wunderbare Stimme, die perfekt zu Mirandas Kompositionen passt.

Dass Regisseur Luke Sheppard schauspielerisch aus dem Vollen schöpfen konnte, belegen auch David Bedella und Juliet Gough, die als Ninas Eltern Kevin und Camila die ein oder andere intensive verbale Auseinandersetzung haben. Kevin fühlt sich „Useless“ und Bedella kann diese Zerrissenheit zwischen liebendem Vater und Familienoberhaupt mit seiner rauen Stimme und dem schön rollenden „r“ auch gesanglich gut rüberbringen. Sein ehelicher Counterpart Camila explodiert sehr eindrucksvoll: In dem Song „Enough!“ nimmt sie sich erst ihren Mann und dann ihre Tochter vor. Gough legt hier eine beeindruckende, aggressive Intensität an den Tag.

Auch Arun Blair-Mangat muss als Benny durch ein Wechselbad der Gefühle: Er hat große Ambitionen, was seine berufliche Zukunft angeht, lernt extra Spanisch, um den Vater seiner Angebeteten zu beeindrucken, und muss die Zurücksetzung durch Kevin erleben, da dieser offenbar findet, dass Benny trotz all seiner Bemühungen nicht gut genug für Nina ist. Er durchleidet Phasen der Eifersucht und großer Zuneigung. Blair-Mangat hat eine sehr offene, positive Ausstrahlung und kommt beim Publikum augenscheinlich sehr gut an. Zudem singt er auch sehr sauber, was insbesondere in Duetten mit Gabriela Garcia („When you’re home“, „Sunrise“) ein Ohrenschmaus ist.

Aimie Atkinson, die tatsächlich schon als Jasmine in „Aladdin“ auf der Bühne stand, gibt die leicht prollige Vorzeige-Latina Daniela. Sie setzt gekonnt ihre Reize ein und weiß, wie sie Männer um den Finger wickelt. In „No me diga“ entfesselt sie zusammen mit den anderen Leading Ladies einen Sturm an Energie und kann hier wie auch in dem späteren „Carnaval del Barrio“ zumindest ansatzweise zeigen, was gesanglich in ihr steckt. Dass Daniela jedoch auch Tiefgang hat, zeigt sich als sie für die dauer-klamme Vanessa (Sarah Naudi) einen Mietvertrag unterschreibt und ihr somit das Bleiben in den Heights ermöglicht.

Im Mittelpunkt steht jedoch Sam Mackay, der die Rolle des Usnavi schon bei der Off West End Premiere im Mai 2014 im Southwark Playhouse spielte. Zur Cast gehörte damals auch schon David Bedella, ebenfalls als Kevin. Mackay wirkt unscheinbar, „der nette Typ von nebenan“ eben, doch er kann Usnavis Sehnsucht nach seiner Heimat genauso glaubwürdig über die Rampe bringen, wie dessen ausgeprägtes Bedürfnis nach Harmonie und die schüchterne Liebe zu Vanessa.

Komponist und Texter Miranda hat die Rolle von Usnavi am Broadway selbst gespielt, da liegt die Latte naturgemäß für jeden Darsteller, der nachfolgt, sehr hoch. Doch Mackay gibt der Figur etwas Unverwechselbares, viel Sanftheit und Tiefe. Dass er zudem noch die zahlreichen Raps überzeugend abfeuert, bestätigt, dass er genau die richtige Wahl für diesen tiefgründigen Charakter war.

Beklemmend gut hat Sheppard den Moment inszeniert, wo nach dem Stromausfall alle nach Nina suchen, die die Nacht mit Benny verbracht hat. Handys und Taschenlampen sind das einzige, was in dieser Szene („Blackout“) den Raum erhellen.

Auch der Song „96000“, in dem Usnavi allen von Abuelas und seinem Lottogewinn erzählt, gehört zu den schwungvollen Highlights. Alle träumen davon, was sie mit soviel Geld anfangen würden. Eine großartige Performance dieses Songs hat die Cast auch bei den 40. Laurence Olivier Awards 2016 abgeliefert.

Großartig ist der „Carnaval del Barrio“ mit dem Usnavi versucht, die auseinander driftende Gemeinschaft wieder zusammenzubringen. Sheppard reichen zwei Rolltreppen, um für eine andere Atmosphäre zu sorgen. Einmal mehr begeistert die Energie der Tänzerinnen und Tänzer in ihren modernen, federleicht wirkenden Choreographien.

Musikalisch hat Miranda Anleihen bei „Rent“ gemacht (u. a. „Sunrise“). Auch, dass alle aufgrund eines Todesfalls wieder zusammenkommen („Alabanza“), erinnert an Jonathan Larsons Hit-Musical. Das Duett von Usnavi und Nina als sie gemeinsam in den Fotokisten von Abuela Claudia stöbern („Everything I Know“) ist traurig, von beiden sehr gefühlvoll interpretiert und der ein oder andere Zuschauer wischt sich verstohlen eine Träne weg.

Am Schluss feiern alle Nachbarn gemeinsam, dass Usnavi doch bleiben wird. Das „Finale“ ist noch einmal eine einzige große Party, in der lateinamerikanische Tänze und die den Latinos eigene, feurige Energie auf das Publikum übergreifen.

Wie immer stellt sich die Frage: Was nehme ich aus dieser Show mit? Im Fall von „In the Heights“ ist die Antwort glasklar: Diese Produktion besticht durch die mitreißende Energie des Ensembles, die authentischen Charaktere, die von sehr sympathischen Darstellern gespielt werden, unerwartet abwechslungsreicher Musik und Choreographien, von denen man noch viel mehr sehen möchte.

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