Das Publikum lernt das junge Paar Meg und Gideon kennen, die sich – allen beruflichen und infrastrukturellen Herausforderungen zum Trotz – schwören, immer zusammenzubleiben. Tina Haas und Heiner Kock verleihen den Verliebten wundervolle Stimmen und tanzen zu sehr harmonischen Choreographien (Daniel Morales Pérez) in den Aufbruch. Doch wie so oft kommt es anders und Gideon verlässt Wallsend.

Nach 14 Jahren kehrt ein heim. Zu „All this time“ und dem melancholisch erklingenden Akkordeon kehrt er in seine Heimat zurück, die er kaum wiedererkennt: Die Werft steht zum Verkauf und die verbliebenen Werftarbeiter bangen um ihre Jobs. Jackie White (von Andreas Hutzel sehr eindrücklich gespielt) ist der Anführer der Werftarbeiter, alle folgen ihm in den Widerstand gegen den Eigentümer, auch wenn dies den Verlust der eigenen Existenz bedeutet.

Gideon (Johannes Merz) trifft auch auf Meg (Vasiliki Roussi), inzwischen selbst Mutter der rebellischen Ellen (Lilly Gropper), die sich nicht im geringsten darüber freut, ihre Jugendliebe wiederzutreffen. Sie hat sich in ihrem Leben eingerichtet und kämpft sich als Inhaberin des lokalen Pubs durch. Man spürt die Spannungen zwischen den beiden, es sind noch Gefühle füreinander vorhanden, doch werden diese gerade durch die Verletztheit überlagert. Dies können Merz und Roussi nicht nur spielerisch sehr glaubwürdig über die Rampe bringen. Auch gesanglich wissen beide zu überzeugen: Merz durch seine Klangfarbe, Roussi durch ihre Fähigkeit, ihrer Stimme unfassbar viel Gefühl zu verleihen.

Ellen lehnt sich ebenfalls gegen alles un jeden auf. Sie will nach London, um als Musikerin erfolgreich zu werden, doch Meg untersagt dies. Durch das Auftauchen von Gideon wird in Wallsend einiges durcheinander gewirbelt und Ellen bleibt zunächst bei ihrer Mutter.

Vordergründig mag es so erscheinen, als würde es in diesem Stück um die verlorene Liebe von Meg und Gideon gehen. Tatsächlich jedoch zeichnet dieses alles andere als romantisch-fröhliche Musical sehr realitätsnah das Schicksal einer Stadt nach, deren Bevölkerung vom einer Industrie, in diesem Fall Schiffsbau, abhängig ist. Jeder einzelne Charakter hat seinen starken Moment, jeder einzelne glänzt in der betreffenden Szene durch Gesang, Schauspiel oder Tanz.

So berührt zum Beispiel eine Susanne Höhne als Peggy White tief, wenn sie sich um ihren lebensbeendend erkrankten Jackie kümmert und nach seinem Tod die Arbeiter an dessen Vermächtnis erinnert („Underground River“). Hier gibt es mehrfach Zwischenapplaus vom ergriffenen Publikum. Auch wenn Davey Harrison (gespielt von Patrick Nellessen) sich gegen die Pläne ausspricht, das letzte Schiff fertigzustellen und damit einfach in See zu stechen, zeigt die besondere Intensität dieses Stücks. Die klare Sprache macht es den Zuschauern nur umso leichter, sich mit den Figuren auf der Bühne zu identifizieren.

Doch nicht nur die puren Charaktere, auch die düstere Bühne, die an einen Werftaufbau erinnert, ist sehr gelungen. Ramona Rauchbach hat hier eine Umgebung geschaffen, die vortrefflich an die dunklen Werften erinnert, die man von Bildern vom industriellen Schiffbau – nicht nur in Großbritannien – kennt.

Morales Pérez Gespür für den Moment zeigt sich auch in weiteren Choreographien die mal energisch sind, mal sehr romantisch („When we dance“). Ein ganz klares Highlight dieser Inszenierung.

„The Last Ship“ ist ein durch und durch besonderes Musical. Das liegt zum einen sicherlich an der autobiographisch geprägten Handlung, zu einem großen Teil aber auch an Stings unnachahmlicher Art, Songs zu schreiben. Die Melancholie zieht sich wie ein schwarzer Faden durch den Abend, doch Dudelsack & Geige sorgen hier immer wieder für einen hell erstrahlenden Twist. Man kann sich an diesem Musik niemals satthören – zumal, wenn man sich erst einmal die Geschichte dahinter genauer angesehen hat!

Für die Theatergäste gab es am 27. März noch ein ganz besonderes Finale: Sting hatte auf seiner Deutschlandtour einen Abstecher von Mannheim nach Lübeck gemacht (liegt ja quasi um die Ecke), um sich sein selten gespieltes Stück live anzuschauen. Natürlich ließ er es sich nicht nehmen, auch selbst noch einmal nach der Gitarre zu greifen. Man konnte in diesem Moment eine Stecknadel im Theater fallen hören, so andächtig lauschten die gut 800 Zuschauer dem Weltstar.

Und auch wenn der von ihm gewählte Song „Russians“ schon viele Jahrzehnte alt ist, so hat er doch im aktuellen Kontext vom Einmarsch Russlands in die Ukraine nichts an Bedeutung verloren. Das ist wahrlich ein Theaterabend, den man nicht vergisst!

Michaela Flint

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Nach dem deutlich bekannteren „Black Rider“ ist „Alice“ bereits die zweite Zusammenarbeit von Tom Waits (Musik) und Robert Wilson (Regie, Design und Visual Concept der Originalproduktion) für die Theaterbühne. Premiere hatte das vom Verlag Felix Bloch Erben als Avantgarde-Musical bezeichnete Stück bereits 1992.

Das Theater Lübeck hat– entgegen seiner sonst so erfolgreichen Art einen Musical-Klassiker zu zeigen – in dieser Spielzeit dieses sicherlich nicht Mainstream-taugliche Musiktheaterstück auf den Plan gesetzt.

Die Besetzung besteht vorrangig aus Schauspielern, was aber bei diesem Stück am Ende nicht ausschlaggebend ist, da es beim vorherrschenden Sprechgesang nur ganz am Rande auf Gesangstalent ankommt.

Schon der Auftakt, der wohl Lewis Carroll in seinem Gedankenschloss zeigen soll, ist sehr verstörend, hängen in seinem Zimmer doch allerhand seltsame Fotos an den Wänden. Dass er beginnt die erwachsene Alice zu fotografieren und im Hintergrund dasselbe Motiv jeweils mit einem Kind erscheint, entbehrt jeglicher Logik. Schlussendlich „geht“ Alice durch eines dieser Fotos und landet in ihrem Wunderland.

Dort ist alles in Weiß und mit Buntstiftzeichnungen der Kulissen (Tische, Küche, Blumen, etc.) umgesetzt. Optisch passiert auf der Bühne (Luisa Wandschneider) nicht viel. Man fühlt sich auf irritierende Weise an eine Irrenanstalt erinnert. Denn auch Alices Suche nach dem weißen Hasen und ihr immer wieder durchdringender Wille nach der Rückkehr in ihr Zuhause wirken bisweilen vollkommen orientierungslos und sinnfrei.

Das Theater empfiehlt dieses Stück bewusst erst ab 14 Jahren, aber auch mit über 40 Jahren überfordert einen diese Inszenierung von Malte C. Lachmann. Und auch wenn Tiago Manquniho als Choreograph genannt ist, fragt man sich unweigerlich, was er denn genau tänzerisch aufbereitet hat, denn Tanzsequenzen bleiben einem beim besten Willen nicht in Erinnerung.

Tom Waits ist musikalisch keine leichte Kost, was sich im Laufe des Abends immer wieder bestätigt. Verstörender Sprechgesang, disharmonische Melodien und dazu noch deutsche Texte (Wolfgang Wiens), die in den Ohren schmerzen. Sechs Musiker und sieben Darsteller bemühen sich redlich, hier etwas Ansprechendes für das Publikum zu zeigen, doch der Funke springt zu keinem Zeitpunkt über.

Astrid Färber überzeugt als hilflose und verwirrte Alice, und dass sie gesanglich mehr zeigen könnte, klingt an der ein oder anderen Stelle durchaus an. Die übrigen Darsteller stehen jeweils in bis zu acht Rollen auf der Bühne, wobei jeder sein eigenes Highlight zu setzen weiß: Andreas Hutzel als eher gruseliger, irgendwie pädophil anmutender weißer Hase, Lilly Gropper als durchgeknallte Herzogin, Susanne Höhne als gefährliche und gnadenlose Herzkönigin, Will Workman als hektischer, strenger Hutmacher, Heiner Kock als exzentrischer Frosch und Henning Sembritzki als besserwissende Raupe und zottelige Grinsekatze.

Es ist schwer, die bekannte Handlung in diesem Wirrwarr an Dialogen und selten passenden Songs wiederzuerkennen. Wären nicht die bekannten Charaktere würde dies gänzlich misslingen.

Bleibt zu hoffen, dass dieses „Avantgarde-Musical“ eine Ausnahme in Lübeck bleibt und man sich in der kommenden Spielzeit wieder auf weniger avantgardistische und leichter bekömmliche Unterhaltung besinnt.

Michaela Flint
erschienen in musicals – Das Musicalmagazin

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