Die zuvor in Stuttgart gezeigte Inszenierung hat sich auf den ersten Blick verändert: Auf der Bühne wird statt der üppigen Dschungel-Fransen jetzt mit Tourtauglichen Kulissen aus Hartfaser gearbeitet. Dazu wird die Bühne durch gekonnt verkleidete Treppenaufgänge in den Saal verlängert. Der Schiffsuntergang von Tarzans Eltern, das Zelt der Forschertruppe, der Wasserlauf, die hereinschwebenden Insekten und natürlich die farbenprächtige Flora im afrikanischen Dschungel sorgen für ein harmonisches Gesamtbild. Das Publikum sitzt gefühlt mitten im Geschehen.

Die Kostüme der 17 Darstellenden bestechen durch Farbe, Fluoreszenz und Kreativität. In der Show gibt es 80 (1) unterschiedliche Kostümdesigns. Die Affenkostüme wurden aus einem speziellen Lycramaterial in 21 verschiedenen Farbtönen und 4 verschiedenen Schwarzabstufungen gefertigt. An jedes Affenkostüm werden ca. 20.000 handgefertigte Fransen angebracht. Für die Show wurden zudem über 150 Perücken angefertigt. Das Knüpfen einer regulären Perücke dauert ca. 40 Arbeitsstunden. Diese Liebe zum Detail sieht man gerade bei „Tarzan“ besonders deutlich, da man den Künstlern durchaus mitunter sehr nah ist.

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Man bekommt recht schnell mit, dass viele im Saal „Tarzan“-erfahren sind: Viele Köpfe wenden sich an den entsprechenden Stellen gen Decke. Die Zuschauer wissen, dass bei „Tarzan“ auch einiges über den Köpfen passiert. Noch bevor Alexander Klaws, dessen Name wie kein Zweiter für „Tarzan“ steht, sich das erste Mal durch die neue Flora schwingt, johlt das Publikum.

Dass die (ausgewählten) Auftritte in seiner Paraderolle nicht nur unglaublich anstrengend sind – er ist halt auch keine 25 mehr – sondern, ihm richtig viel Spaß machen, sieht man am verschmitzten Lächeln, wenn er sich angurtet. Dass diese Show in diesem Theater für ihn einen besonderen Stellenwert hat, bestätigt er auch im Gespräch: „Gerade die Neue Flora trägt Erinnerungen in jedem Winkel – vom Foyer bis zur Bühne. Es fühlt sich so an, als wäre ich nie weg gewesen. Dieser Ort ist für mich ein Zuhause. Dass sich der Kreis nun wieder schließt, ist surreal und zugleich einfach schön.“

„Tarzan“ ist für alle Darstellenden herausfordernd, umso beeindruckender sind die atemberaubenden Stunt- und Bungee-Choreographien, mit denen vor allem die Gorilla-Sippe begeistert. Gianluca Passeri hat Sergio Trujllos Original-Choreos perfekt mit den 17 Künstlern einstudiert. Eine wirkliche Freude! Marcel Landgrebe hat die Modernisierung der Show mit viel Gespür für die Figuren umgesetzt: Janes Vater wurde kurzerhand „gestrichen“ und Jane ist erwachsen geworden. Das steht der Handlung gut zu Gesicht. Eine mutige junge Forscherin ist eine viel glaubwürdigere Partnerin für Tarzan als das überdrehte englische Töchterchen aus früheren Inszenierungen. Abla Alaoui überzeugt als selbstbewusste Botanik-Liebhaberin durch Charme, Witz und eine sehr sympathische Ausstrahlung. Von Clayton (von Luciano Mercoli rollendeckend schön böse und auf den eigenen Vorteil bedacht gespielt) lässt sich diese Jane nicht einschüchtern. Auch die fleischfressende Pflanze oder die Gorilla-Sippe machen ihr keine Angst… Beides weckt nur ihren Forschergeist.

Dániel Rákász gibt einen sehr gefühlvollen Kerchak, der seine Familie zwar über alles stellt, aber dennoch auch zulässt, dass man hinter die herrische Fassade guckt. Eine sehr angenehme „Wandlung“ dieses Charakters. Kerry Jean ist eine liebevolle Mutter für Tarzan und eine Partnerin auf Augenhöhe für den Silberrücken Kerchak. Sie singt mit viel Gefühl und lässt erahnen, zu was sie stimmlich in der Lage ist (Tina im gleichnamigen Musical in Hamburg, Waris Dirie in „Die Wüstenblume“). Den Klassenclown, guten Kumpel, großen Bruder und Dschungel-Entertainer Terk gibt Elindo Avastia. Er hat sicherlich eine sehr dankbare Rolle, aber die muss man auch erstmal ausfüllen. Und das macht er! Die punktuell modernisierten Texte helfen, eine direktere Bindung zu den Zuschauern aufzubauen. Wenn er und die Sippe das Forscher-Camp auseinandernehmen, hat man automatisch gute Laune!

Bleibt noch Alexander Klaws… Was soll ich sagen? Der reifere Tarzan steht der Show sehr gut zu Gesicht. Tarzan ist ein Dschungel-Mann, kein Junge, und dafür ist Klaws einfach die Idealbesetzung. Auch gesanglich lässt er es an nichts vermissen, auch wenn das Echo durch einen seinen Gesang verstärkenden zweiten Sänger u.a. bei „Ich will es so“ etwas irritierend ist.

„Tarzan“ ist eine wunderbare Familien-Show, die zeigt, wie wichtig familiärer Zusammenhalt, Freundschaft und Liebe sind. Genau so etwas braucht es in den aktuell sehr bewegten Zeiten.

Michaela Flint

Der Beitrag Eine gelungene Frischzellenkultur für Tarzan erschien zuerst auf Herzlich willkommen auf musicals-online.com.

Nach den erfolgreichen Wiederaufnahmen im West End 2014 und am Broadway 2017 durfte sich auch Wien auf die Premiere dieses berührenden Klassikers freuen. Pandemie-bedingt fand die Premiere im Januar 2022 zwar deutlich später statt als geplant, doch die fünf Monate Spielzeit im zuvor komplett renovierten Raimund Theater sorgten für ein volles Haus!

Gino Emnes ist für das Wiener Publikum ein alter Bekannter. Als John kommt ihm die Rolle des väterlichen Freundes und im zweiten Akt des geläuterten Aufklärers zu, der versucht, wenigstens ansatzweise wieder gutzumachen, was der Einmarsch der Amerikaner in Vietnam zerstört hat. „Bui Doi“ ist der erwartete Showstopper. Der Chor ist grandios, das Orchester geht (nicht nur in diesem Song) unter die Haut. Emnes! nachdrückliches Spiel und die Art wie er die Worte „Bui Doi“ betont, machen diesen mahnenden Song noch intensiver.

Seit einigen Jahren gilt Oedo Kuipers in Wien als feste Größe. So überrascht es nicht, dass er als GI Chris eine der Hauptrollen in „Miss Saigon“ übernehmen darf. Er spielt gefühlvoll, wo es erforderlich ist, geht aber auch stark aus sich heraus, wenn es die Umstände erfordern. Auch gesanglich passt er sehr gut auf das Rollenprofil.

Neben den sehr guten Darstellerinnen und Darstellern lebt „Miss Saigon“ auch von der ein oder anderen technischen Finesse. Dazu zählt natürlich der Cadillac, der während des „American Dream“ des Engineers auf die Bühne gefahren kommt. Doch in erster Linie ist es immer wieder spannend zu sehen, wie der „Huey“, der im Vietnamkrieg eingesetzte Helikopter Bell UH-1 Iroquois, dargestellt wird. In der Wiener Inszenierung kann dies vollumfänglich als gelungen bezeichnet werden. Zunächst nur eine Projektion, öffnet sich kurz darauf ein Vorhang und gibt den Blick frei auf einen „schwebenden“ Huey mit drehenden Rotoren (sowohl oben als auch am Heck), in den die US-Soldaten reinklettern. Diese Szene zeigt die Arbeit von Produktionsdesign (Totie Driver und Matt Kinley), Lichtdesign (Bruno Poet), Sounddesign (Mick Potter), Projektionen (Luke Halls) und Orchestrierung (William David Brohn) in Reinkultur. Chapeau!

Die Wiener Inszenierung von „Miss Saigon“ hat definitiv ihre starken Momente, doch auch einige Längen. Hundertprozentig aus einem Guss wirkt die Produktion nicht, so sie reißt das Publikum zu stehenden Ovationen hin. Was will man mehr?!

Michaela Flint

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Als Aufführungsstätte wurde die TheaterArche in Wien gefunden, in der gut 100 Zuschauer in sehr intimem Rahmen an sieben Abenden im Februar 2020 der Lebens- und Liebesgeschichte von Rose, Alex, George, Giulietta und Jenny folgen konnten.

Und diese Geschichte hat es in sich:

Zunächst verliebt sich die mäßig erfolgreiche Schauspielerin Rose in ihren erst 17-jährigen Bewunderer Alex. Dieser überredet sie, mit ihr in das Landhaus seines Onkels zu kommen. Nach ein paar Tagen treffen sie dort Onkel George, dem Rose Hals über Kopf verfällt. Georges staatsmännisches Gebaren, sein Stil und natürlich auch sein Geld wirken ungemein anziehend. Es kommt zum Eklat als Rose Alex mitteilt, dass sie zwar beide liebt, aber bei George bleiben wird. Alex geht zum Militär und trifft erst 13 Jahre später wieder auf seinen Onkel und Rose, die inzwischen eine gemeinsame Tochter, Jenny, haben. Irgendwie rauft man sich zusammen und Alex bleibt dort. Kritisch wird es einmal mehr als Jenny sich zwei Jahre später in Alex verliebt und dieser die Gefühle – wohlwissend, dass es nicht sein darf – erwidert. George steigert sich so sehr in die Sorge um seine Tochter hinein, dass er schließlich einen tödlichen Herzinfarkt erleidet.

Auf seiner Beerdigung ist dann auch Giulietta zugegen – seinerzeit von George für Rose „abserviert“ – die sich aber mit dem Paar angefreundet hat und insbesondere eine innige Beziehung zu Rose aufbaute. George hatte seine Beerdigung penibel geplant und wollte, dass alle feiern und viel trinken anstatt weinend an seinem Grab zu stehen. Seine Freunde erfüllen ihm den Wunsch und feiern ein (be-)rauschendes Fest. Dies führt dazu, dass Giulietta Alex verführt, die beiden inflagranti von Jenny erwischt werden und Alex – trotz Roses letzter verzweifelter Liebeserklärung – das Landgut verlässt. Für immer? Wer weiß das schon… In drei Jahren wird Jenny 18 und niemand kann vorhersagen, was dann passiert…

Andrew Lloyd Webber hat für dieses Drei-Generationen-Musical mit „Love changes everything“ einen seiner größten Hits geschrieben. Auch wenn das Stück selbst nicht sehr bekannt ist (die deutschsprachige Premiere fand 1995 in Dresden statt), diesen Song kennen viele, da er zum Standard-Repertoire der meisten Soloalben von Musicalkünstlern auf der ganzen Welt gehört. Darüber hinaus besticht dieses Musical durch eine Vielzahl teils romantischer, teils sehr intensiver Duette und Balladen. Man muss jedoch über die teilweise etwas altmodischen deutschen Texte hinwegblicken, die Michael Kunze ja bereits vor über 25 Jahren schrieb.

„Aspects of Love“ gehört sicherlich nicht zu den leicht verdaulichen Stücken aus dem Hause Lloyd Webber. Dass die Songs aber von lediglich drei Musikern schwungvoll und voluminös intoniert werden, ist beachtlich.

Keine Frage also, dass „The Musical Showroom“ für dieses allein schon von den Grundlagen her emotional sehr aufwühlende Stück die perfekte Besetzung zusammenstellen wollte.

Mit Wietske van Tongeren (Rose), Karin Seyfried (Giulietta), Alexander Sasanowitsch (Alex), Ulrich Allroggen (George) und Abla Alaoui (Jenny) wurden exzellente Darsteller gecasted, welche die volle Klaviatur der Emotionen beherrschen.

Komplettiert wurde das Ensemble mit so klangvollen Namen wie André Bauer und Jana Werner sowie Georg Prohazka, Alina Kölblinger und Paul Csitkovics in den Nebenrollen.

Für solch ein intensives Stück ist die pure Nähe zwischen Darstellern und Publikum Gold wert. Alexander Sasanowitschs Sensibilität als junger Alex kommt so noch viel direkter über die Rampe. Mit seiner wundervollen verletzlichen Stimme verleiht er Alex jungenhaften Charme. Im zweiten Akt, wenn seine Figur 13 Jahre älter ist, tritt er selbstbewusst und dennoch gefühlvoll in Erscheinung. Sasanowitsch zeichnet Alex‘ emotionale Achterbahnfahrt sehr glaubwürdig nach und lässt es auch gesanglich an nichts missen.

Auch Georg Prohazka als von Rose entsprechend titulierter „Schnulzensänger“ ist großartig. Ihn bei „Parlez vous francais“ so klingen zu lassen wie das 1940er Jahre Radio, welches er zu Beginn der Szene einschaltet, ist ein großartiger Regie-Kniff. Er überzeugt aber ebenfalls als Roses Liebhaber Hugo und vor allem in den Tanzszenen, denn auch hier kann seine Vita schon einige Erfolge vorweisen.

Ullrich Allroggen ist ein sehr sympathischer George. Man nimmt ihm den Hang zu Wein, Weib und Malerei genauso ab wie seine gluckenhafte Fürsorge für Jenny („Doch mein größtes Glück bist Du“). Er ist nicht nur qua Rolle der Grand Seigneur, er lebt diesen Charakter bis in die Haarspitzen der stilvoll gegelten Haare.

Mindestens ebenso viele Sympathiepunkte erhält Abla Alaoui, auch wenn ihre sich auf den 2. Akt begrenzte Spielzeit ihre Chancen hier einschränkt. Doch Alaoui spielt mit soviel kindlicher Freude und singt so glockenklar („Meerjungfrauen-Song“), dass man unweigerlich schützend seine Hand um ihre Schultern legen möchte als sie erkennt, dass ihr angebeteter Alex sie ablehnt.

Alina Kölblinger und Paul Csitkovics treten vorrangig bei den Umbauten und in größeren Ensembleszenen in Erscheinung. Sie haben sichtlich Spaß an dem was sie machen und sorgen auch tänzerisch für einen schönen Rahmen (Choreographie: Linda Hold & Birgit Wanka-Noisternig.

Die etwas wichtigen Nebenrollen übernehmen André Bauer und Jana Werner, wahlweise als Roses Theaterdirektor Marcel („Du hast die Macht zu zaubern“) oder als Georges Haushälterin Elizabeth. Auch ihnen kann man die Spielfreude nicht absprechen. Ihre Erfahrung macht sich bei den vielen Rollenwechseln sicherlich ebenfalls bezahlt.

Giulietta ist im Laufe des Stücks an vielen Stellen das Sinnbild für Verführung. Karin Seyfried füllt diese Rolle perfekt aus. Sie ist lasziv, sexy, weiß genau, was George oder Alex von ihr erwarten, macht aber auch deutlich, dass sie kein Püppchen ist. Sie schnappt sich am Hochzeitstag von George und Rose die Braut und küsst sie. Auch ihr Solo („Liebe ist viel mehr“), in dem sie ihre andere, verletzliche Seite zeigt, ist sehr anrührend. Ihre Stimme passt perfekt zu Lloyd Webbers Kompositionen. Eine bessere Besetzung kann man sich nicht vorstellen.

Im Mittelpunkt der Handlung und folglich auch im Mittelpunkt des Abends steht jedoch Rose, die von Wietske van Tongeren gespielt wird. Diese Rolle ist nicht nur sehr anspruchsvoll, weil der Charakter die meiste Zeit mit auf der Bühne ist, sondern vor allem deshalb, weil emotional und gesanglich eine große Bandbreite abgerufen werden muss: von der erfolglosen, frustrierten Schauspielerin über die frisch verliebt turtelnde Geliebte bis hin zur berühmten Schauspielerin, Ehefrau und Mutter. Über allem schwebt, dass Rose beide Männer – Alex und George – liebt, jeden auf seine Weise. Dass sie auch Experimente mit Giulietta macht und sich einen Liebhaber leistet, macht die Figur von Rose nicht einfacher. Weiß sie wirklich, was sie will? Dass sie nicht alles haben kann und nicht alle Menschen um sie herum nach ihrer Pfeife tanzen, muss sie schmerzlich erfahren als Jenny sich in Alex verliebt und schlussendlich George stirbt. In einem Akt höchster Verzweiflung – Alleinsein ist so gar nichts für Rose – gesteht sie Alex einmal mehr ihre Liebe („Alles nur nicht einsam“) und bittet ihn zu bleiben. Doch er lehnt ab und verlässt sie.

Van Tongeren hat hier eine wirklich große Aufgabe zu stemmen, was ihr über weite Strecken auch sehr gut gelingt (zauberhaft: „Wach ich oder träum ich“). In der finalen Szene sorgt sie mit ihrem Wutausbruch, der in ein verheultes Liebesgeständnis mündet, für Gänsehaut und Tränen in den Augen. Carsten Lepper, Artistic Director und Regisseur, hätte sich keine bessere Hauptdarstellerin wünschen können, denn diese ganzen Gefühle zu kontrollieren und gezielt abzurufen, ist keine leichte Aufgabe.

Es ist unübersehbar, dass Lepper eine Vision hatte, als er sich um die Rechte für dieses Stück bewarb. Die Charaktere harmonieren und ergänzen einander. Allroggen spielt ebenso glaubwürdig den Lebemann mit Geliebter wie den Ehemann mit Frau und Kind. Seyfried bewegt sich im leichten Fach gleichermaßen souverän wie als durchsetzungsstarke Frau. Sasanowitsch wirkt an der Seite von Rose genauso authentisch wie als erwachsener Mann, der sich der Avancen von Jenny nicht erwehren kann und will. Ganz zu schweigen von seinem Quickie mit Giulietta. Das hierfür in beachtlich kurzer Zeit viel gemeinsam erarbeitet wurde, wird deutlich.

Das Ensemble agiert als einheitliches Ganzes und der rote Faden im Hinblick auf die Klarheit der Gefühle ist deutlich erkennbar. Lepper, der die Rolle des Alex vor über 20 Jahren bei der Schweizer Erstaufführung im Stadttheater Bern selbst gespielt hat, weiß genau, worauf es bei einer gelungenen Personenregie ankommt und entlockt seinen Darstellern emotionale und gesangliche Höchstleistungen.

Auch schöne Ideen, wie die Nutzung eines „Leinwandvorhangs“, der mal mit Bildmotiven, mal mit Farbverläufen immer wieder neue Stimmungen heraufbeschwört, funktioniert sehr gut. Christian Ariel Heredia hat hier viel Fingerspitzengefühl gezeigt und es gelingt ihm, die kleine Bühne nicht zu überfrachten, was beileibe nicht jeder schafft.

„Aspects of Love“ ist ein gelungener Auftakt. Ich wünsche „The Musical Showroom“, dass noch viele weitere Produktionen ähnlichen Anspruchs und Qualität folgen werden.

Michaela Flint

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Doch die Zuschauer, die an diesem Abend vor Ort waren, wurden vom energiegeladenen Ensemble hervorragend unterhalten. Zugegeben, viele Witze sind immer noch arg flach und die auf Krampf konstruierten Szenen des nicht ganz hellen Gangstergefolges von Curtis sind nach wie vor sinnfrei (siehe Premierenkritik aus Hamburg), doch Alan Menkens schwungvolle Musik und die in ihren Rollen aufgehenden Protagonisten entschädigten dafür.

Aisata Blackman überzeugt als Deloris van Cartier nach Berlin und München auch in Niedernhausen. Einige mögen sich vielleicht noch daran erinnern, dass sie schon 2012 bei „The Voice of Germany“ Jury und Publikum gleichermaßen begeisterte. Danach ging es für die Holländerin mit einer Zwischenstation bei „Rocky“ direkt ins Kloster.

Blackman hat Soul und Sexappeal. Beides setzt sie gekonnt ein, wenn auch leider nur sehr dosiert. Gerade in Sachen Soul hätte man sich mehr von ihr gewünscht. Nur in einer Szene (bei der ersten gemeinsamen Probe mit dem Nonnenchor) zeigt sie den vollen Umfang ihrer Stimme. Ansonsten überwiegen leider Kurzatmigkeit („Fabelhaft, Baby“) und einige (zu viele) Kiekser.

Insbesondere die frechen Sprüche und Auseinandersetzungen mit der Mutter Oberin machen hingegen viel Spaß und man nimmt Blackman die große Klappe unumwunden ab.

Karim Ben Mansur – ebenfalls schon in Berlin dabei – unterstützt Deloris als Polizist Eddie in jeder erdenklichen Lage. Dass da auch tiefere Gefühle eine Rolle spielen, merkt das Publikum spätestens bei seinem Solo „Tief in mir“. Er hat einen schönen warmen Bariton und kann damit seinem Frust über den albernen Spitznamen „Schwitzefritze“ genauso gut Ausdruck verleihen wie seiner Liebe zu Deloris. Sein sympathisches Auftreten macht ihn zu einer der authentischsten Figuren an diesem Abend. Ben Mansur liefert an diesem Abend die überzeugendste Leistung ab!

Als Mutter Oberin und der eher putzige Monsignore O’Hara stehen Agnes Hilpert und Franz-Jürgen Zigelski dem Kloster vor. Auch sie waren schon in Berlin dabei und nach einem halben Jahr haben sich die Rollen gut gefestigt. Zigelski agiert als Monsignore geradezu niedlich und leicht schusselig, aber er hat das Herz am rechten Fleck und „rockt“ mit seinen Nonnen zu „Zeig mir den Himmel“. Hilpert hat eine sehr erhabene Ausstrahlung und sorgt mit ihrem Mezzosopran mehrfach für Gänsehautmomente. Doch leider hat auch sie ihre Stimme an diesem Abend nicht gänzlich im Griff, denn in den Höhen entgleiten ihr die Töne mehrfach. Nichtsdestoweniger versteht man, weshalb sie für diese Rolle gecastet wurde: Ihre Bühnenpräsenz verfehlt ihre Wirkung nicht und ihren Glaubenskampf („Mir bleibt wohl keine Wahl“) bringt sie sehr ergreifend über die Rampe.

Die größte „Sister Act“-Erfahrung bringen Mischa Mang und Abla Alaoui als Curtis Shanks und Mary Robert mit. Beide standen in ihren Rollen schon 2013 in Oberhausen mit auf der Bühne. Während Mang sichtbar Spaß daran hat, den skrupellosen Bösewicht zu spielen, gibt Alaoui eine nicht ganz so süßliche Schwesternschülerin, deren Charme sich aber keiner entziehen kann. Wenn sie in Deloris „FiMi“-Stiefeln über die Bühne flitzt, ist das schon sehr lustig.

Naturgemäß kommen auch Schwester Mary Lazarus (die eigentlich gar nicht so verdrießliche Schreckschraube) und Schwester Mary Patrick (das selbstbewusste, laut singende, ständig lachende Energiebündel) beim Publikum sehr gut an. Stefanie Irmen (Mary Patrick) und Regina Venus (Mary Lazarus) spielen ihre Rollen hervorragend. Sie meistern die Gratwanderung zur Lächerlichkeit bzw. zum Nervtötendsein sehr gut und sorgen für viele Lacher (das Weihnachtsmahl wird von Schwester Mary Lafer und Schwester Mary zubereitet) und Szenenapplaus.

Den meisten Applaus bekommen jedoch die Gangster TJ (Arcangelo Vigneri), Joey (Benjamin Ebeling) und Pablo (Alessandro Pierotti). Sie dreschen die schlimmsten Phrasen, singen und tanzen nicht sonderlich gut („Ich kenn die Braut“, „Hey, Schwester“) und doch sympathisiert das Publikum irgendwie mit ihnen. Vigneri alias TJ ist gerade zu Anfang eine echt „coole Sau“, auch seine BeeGees-Einlage im zweiten Akt ist hörenswert. Ebelings Tanz-/Aerobic-Einlage im zweiten Akt führt ebenfalls zu Begeisterungsstürmen bei den Zuschauern…

Die Nonnen gewinnen das Publikum mit ihren großartigen Gesangseinlagen für sich. Weniger natürlich am Anfang, als der Chor noch herausragend schief singt, doch nachdem sich Deloris alias Schwester Mary Clarence seiner annimmt, sind die in immer farbenfroheren Kutten gekleideten Nonnen kaum mehr zu bändigen.

Genau diese Energie und positive Ausstrahlung sind es, die „Sister Act“ sehenswert machen. Hinzu kommen einige sehr lustige Sprüche und liebenswerte Charaktere, die zumindest in Niedernhausen sehr gut mit Leben gefüllt wurden. Der Entertainment-Faktor ist hoch und mit all dem Glitzer und Leuchten während der Nonnenauftritte in der sich zusehends verändernden Klosterkirche wird auch für das Auge etwas geboten. Und wenn Musical nicht Unterhaltung in Reinkultur ist, was dann?

Michaela Flint

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